La Máquina De La Música https://www.lamaquinadelamusica.com El MiniPodcast Con Alex Cardona Fri, 13 Apr 2018 19:48:50 +0000 es-ES hourly 1 https://wordpress.org/?v=4.9.5 Alexander Cardona Nieto clean episodic Alexander Cardona Nieto info@lamaquinadelamusica.com info@lamaquinadelamusica.com (Alexander Cardona Nieto) Copyright © LaMaquinaDeLaMusica.com El MiniPodcast Con Alex Cardona La Máquina De La Música https://www.lamaquinadelamusica.com/wp-content/uploads/powerpress/MiniPodcast-Con-Alex-Cardona_La-Maquina-De-La-Musica_original.jpg https://www.lamaquinadelamusica.com TV-G Valencia, España Semanal 0013 MiniPodcast Con Alex Cardona – La Máquina De La Música - La Máquina De La Música https://www.lamaquinadelamusica.com/0013-minipodcast-con-alex-cardona-la-maquina-de-la-musica/ Fri, 13 Apr 2018 19:46:32 +0000 https://www.lamaquinadelamusica.com/?p=1140 Eiffel 65 es un grupo italiano de italo dance y eurodance formado a finales de la década de 1990 en la ciudad de Turín, en Italia. El nombre de “Eiffel” fue elegido al azar por un programa de ordenador y el “65” apareció haciendo garabatos sobre..... Escuchar el MiniPodcast

Eiffel 65

Eiffel 65

FICHA GENERAL
Origen 1998
Turín | Italia
Géneros Eurodance
Italo Dance
Período de actividad 1998 – 2005
2010 – Presente
Sellos discográficos BlissCo
Universal Records
Sitio web Eiffel65.com
Miembros Gianfranco Randone
Maurizio Lobina
Gabrielle Ponte

Eiffel 65 es un grupo italiano de italo dance y eurodance formado a finales de la década de 1990 en la ciudad de Turín, en Italia. El nombre de “Eiffel” fue elegido al azar por un programa de ordenador y el “65” apareció haciendo garabatos sobre sus nombres por error (el 65 formaba parte de un número de teléfono de su discográfica, BlissCo). Las canciones del grupo tienen la característica de mezclar el inglés con el italiano.


El primer integrante es Jeffrey Jey. Su nombre real es Gianfranco Randone. Nació en Sicilia el 5 de enero de 1970, es el vocalista y toca el bajo en el grupo. El nombre “Jeffrey Jey” (según ha contado él mismo en diversas entrevistas) se lo dieron sus amigos durante sus años en Estados Unidos, ya que “Gianfranco Randone” sonaba demasiado extranjero para aquél país. Sin embargo, en ocasiones, él utiliza el nombre “Gianfranco Jeffrey Randone” para referirse a sí mismo.

Jeffrey nació en una familia de músicos, así que gracias a eso se subió por primera vez a un escenario con tan sólo un año y medio. Cuando cumplió los dos años, se mudaron a Brooklyn (Nueva York) donde vivió hasta los 14 años, cuando regresó a Italia. No empezó a formarse en la música hasta los 15 años, a pesar de eso él ya tenía una formación innata y autodidacta por ayudar a sus padres. Fue en ese momento, tras recibir como regalo de cumpleaños un ordenador, cuando empezó a creer que con sus conocimientos musicales y poniendo en práctica sus aprendizajes informáticos podía mezclar sus dos grandes pasiones y lo consiguió. Empezó a hacer música electrónica por ordenador y desde ahí no ha parado.

Pero su vida cambió a los 22 años cuando creó el tema “People Have The Power”, ya que le lanzó a la escena profesional del dance. Hizo muchos éxitos que tuvieron muy buena acogida en las discotecas italianas del momento: “Go!”, “You Make Me Cry”, “Hold On To Love” y “Love Is Forever”. Escribió el tema “Blue (Da Ba Dee)” como homenaje al clásico de Domenico Modugno “(Volare) Nel Blu Dipinto Di Blu”.

Se pudo conocer en enero del 2011 que Gianfranco forma ahora parte de la dirección de su discográfica, BlissCo., tal y como puede apreciarse en el sitio oficial de la misma.

El segundo integrante es Maury Lobina. Su nombre real es Maurizio, y su apodo es Apollo. Nació el 30 de octubre de 1973 y toca el teclado y las guitarras eléctricas en el grupo, también hace de corista en algunos temas. Aprendió a tocar el piano con 5 años y entró en su primera banda a los 10 años. En ese grupo tocó desde reggae hasta house. Estudió Electrónica y entró en la industria musical en 1992. La gran pasión de Maury, aparte de la música, es el fútbol.

El tercer integrante es Gabry Ponte. Su nombre real es Gabrielle Ponte. Nació en Turín el 20 de abril de 1973. Es el DJ del grupo. Gabrielle empezó a ejercer de DJ cuando con 17 años por entretenimiento en su casa empezó a pinchar discos. Entonces pensó que podría convertirse en su hobby de fin de semana. Tras un tiempo trabajando para locales de su barrio y buscando abrirse camino en productoras que le negaban su entrada, ingresó en la Bliss Corporation en 1993, antes de que comenzara a estudiar Física, carrera que empezó pero no se licenció.

Uno de sus proyectos más importantes fue “DaBlitz Blissteam 883”. A partir de ahí la productora empezó a confiar en él y trabajó con artistas como Domenico Capuano. Desde entonces siempre ha estado en cada movimiento que la “BlissCo” ha realizado. Ha colaborado en más de 100 producciones de esta compañía en más de ocho años que lleva perteneciendo a ella. Además, ha estudiado diversas artes marciales orientales y posee gran dominio de ellas. En el videoclip del tema “Too Much Of Heaven” muestra algunas de sus habilidades.

En el 2002 Gabry intercaló el grupo con trabajos en radio y en locales nocturnos. Sacó su primer disco en solitario, “GabryPonte”. El primer single “Time To Rock” se convirtió en el número 1 de las pistas de baile en todo el Mundo durante un año. Gabry entró a trabajar entonces para Radio Deejay, la emisora musical más importante de Italia. En el 2003, “La Danza Delle Streghe” se convirtió en la canción más pinchada en los locales de baile del país. Ese mismo año comenzó el proyecto “Haiduchii”, con el que produjo el disco de un grupo emergente, “O-Zone”, y realizó la base musical de la canción “Dragontea Din Tei”, escuchadísima en todo el mundo.

En enero del 2004 Gabry sacó su segundo disco, “Dr. Jeckyll And Mr. DJ”. En el 2004 sacó a la venta su último single, “Depends On You”.

Eiffel 65 se dieron a conocer con su gran éxito de 1999 “Blue (Da Ba Dee)”. Sus otros primeros éxitos fueron “Move Your Body”, con cuyo single duplicaron las ventas de “Blue” y “Too Much Of Heaven”. Estos temas y otros se recogían en su primer disco Europop, de 1999. Con este primer disco fueron una de las canciones más bailadas de las discotecas y terrazas de verano de ese año. Vendieron más de un millón de copias, realizaron una gira mundial de dos años con más de 600 conciertos, lograron contratos publicitarios, en Italia fueron la canción más radiada de la historia durante un mes, en España fueron número 1 de ventas. Con este disco consiguieron una nominación a los “Grammy” por mejor grupo dance del año y ganaron el “European Music Award” del año al mejor grupo italiano del mundo en la gala que ese año se celebró en Montecarlo, en Mónaco.

Con “Blue (Da Ba Dee)” llegaron al puesto número 64 de los 100 más pedidos de MTV del año 2000.

Su segundo disco salió en el 2001 con el nombre de Contact!, pero no vendió tanto, ni fue tan difundido por los medios de comunicación como el primero. El grupo prácticamente sólo era oído en esos momentos en Italia y España con canciones como “Back In Time”, “Lucky (In My Life)”, “Losing You” y “80’s Stars”.

En el 2002 el grupo participó en el Festival de San Remo con el tema “Quelli Che Non Hanno Età”.

En el 2003 pusieron a la venta, sólo en Italia, su tercer álbum de estudio, Eiffel 65, este fue un disco doble. El CD 1 contenía temas en italiano, mientras que el CD 2 contenía los mismos temas, pero grabados en inglés. De este álbum se extrajeron singles como Una Notte E Forse Mai Più, Voglia Di Dance All Night y Viaggia Insieme a Me entre otros.

Desde su aparición en 1999, más de 30 grupos o artistas les han pedido colaboraciones en sus diferentes discos. Eiffel 65 han sido reconocidos internacionalmente por tener en sus temas una base musical tan rítmica que mezclaba guitarras y teclado con sonidos creados y diseñados por un ordenador y que pasan a través de un vinilo. Además, Eiffel 65 produjeron y compusieron las bases de los temas del primer disco del grupo “S Club 7”.

En marzo del 2005, a pesar de estar trabajando en la producción de lo que iba a ser el siguiente álbum, el DJ del grupo, Gabry Ponte, abandonó la formación para emprender una carrera en solitario, que no tuvo el éxito esperado al inicio. En la actualidad, sin embargo, ha editado dos discos en solitario.

Mientras ellos aún eran parte de “Eiffel 65”, realizaron la maqueta de un sencillo que iba a ser titulado “Lost In The Supermarket” (Perdido En El Supermercado), el cual se suponía iba a ser el primer sencillo del cuarto álbum de Eiffel 65, dicha maqueta se pudo descargar gratis durante algún tiempo desde el sitio de Eiffel 65, al disolverse el grupo, dicho website fue cerrado temporalmente (para luego ser reactivado a inicios del 2010). Este sencillo ni se culminó, ni salió nunca a la venta. Tampoco está dentro del catálogo de futuras (o posibles) canciones de Eiffel 65.

El 16 de mayo del 2006 los otros dos miembros del grupo, Maurizio y Jeffrey, abandonaron la productora de “Eiffel 65”, Bliss Corporation (BlissCo), para crear su propia compañía y continuar sus carreras bajo un nuevo nombre, dado que el nombre original de la banda seguía siendo propiedad de BlissCo.

En junio del 2006 nació el grupo “Bloom 06”, conformado por Maurizio y Jeffrey. Con su primer álbum “Crash Test 01”, utilizaron muchas de las maquetas que estaban realizando para lo que hubiese sido el siguiente disco de Eiffel 65. De este disco se extrajeron los sencillos In The City, y Per Sempre.

A pesar de la separación, durante el 2009, BlissCo lanzó vía YouTube todo el material de Eiffel 65 que estuvo guardado durante algún tiempo, esto incluye videos oficiales nunca estrenados, entrevistas pregrabadas, presentaciones en vivo, además de todas las canciones que grabaron como Eiffel 65 hasta el 2003.

El nombre de “Eiffel 65” resucitó volviendo a ser utilizado por BlissCo, que tenía los derechos de propiedad de este producto. El nuevo “Eiffel 65” estuvo brevemente formado por Gabry Ponte, Roberto Molinaro (un frecuente colaborador tanto de Eiffel 65, como de los diversos proyectos creados por Gabry, Maurizio y Jeffrey), y otros artistas del sello discográfico que realizan colaboraciones esporádicas a otras bandas, así como la participación activa de la DJ mexicana Blanca Morales.

Cabe destacar, que el tema de “Eiffel 65” Living In My City, fue el tema oficial de Los Juegos Olímpicos de Invierno de Turín 2006. Sin embargo, Jeffrey y Maurizio utilizaron la misma música de este tema para adaptarlo y convertirlo en “In The City”, el primer single que lanzaron como Bloom 06.

Tuvieron una “pelea” con 50 Cent en marzo del 2007, ya que este último les comentó que “parecían jorgejavieres”, esto debido a que G-Unit, el grupo del rapero estadounidense, también lanzó una canción para los Juegos Olímpicos de Iinvierno en Turín, la cual no fue elegida.

Durante el 2008 y el 2009, Maurizio y Jeffrey (como Bloom 06) lanzaron dos EP “Club Test 01” y “Club Test 02”, los cuales incluían versiones totalmente nuevas de “Blue (Da Ba Dee)” y “Move Your Body”, desde entonces, ellos se han presentado en vivo utilizando cualquiera de los dos nombres de la banda (Eiffel 65 / Bloom 06) con temas propios de la primera, tales como “Viaggia Insieme A Me”, “Too Much Of Heaven”, “Una Notte E Forse Mai Più” y “Voglia Di Dance All Night” entre otros. Ese mismo año (2009), el rapero Flo Rida lanzó el tema “Sugar”, la cual es una adaptación de “Blue (Da Ba Dee)”, sólo que con una letra distinta.

El 17 de junio del 2010 Maury Lobina y Gianfranco Randone publicaron un comunicado en su página web en el que afirmaron que se reunirían nuevamente con Gabry Ponte para relanzar Eiffel 65, dado que esta formación les otorgó la oportunidad de hacerse famosos y que el mundo demanda la música que Eiffel 65 hacía.

El 29 de agosto del 2015, en una entrevista Jeffrey Jey (Gianfranco Randone) confirmó los rumores de que estaban pensando en sacar un disco nuevo después de 11 años de parón discográfico.

El 11 de septiembre del mismo año, después de un concierto en Turín (Italia), Maury Lobina anunció que estaban trabajando en el nuevo álbum. Aún no hay más datos sobre la fecha de lanzamiento u otros detalles, pero aseguran que el lanzamiento será muy pronto.

Eiffel 65

ÁLBUMES
1999 Europop
2001 Contact!
2003 Eiffel 65
Starship (Título provisional) | (Todavía no tiene fecha concreta de lanzamiento).

 

Créditos

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Sun Energy Lights, SEL-Colombia.com, ¡La Energía Que Se Renueva!
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GeralCN.com, ¡Joyería Contemporánea!
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MarianDValencia.es, ¡La Voz De Oro!
RapidoYEconomico.com, multimedia/graphic/web
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Este MiniPodcast

Es grabado y producido en los estudios de
ACN Medios en España con el respaldo de:
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Eiffel 65 es un grupo italiano de italo dance y eurodance formado a finales de la década de 1990 en la ciudad de Turín, en Italia. El nombre de “Eiffel” fue elegido al azar por un programa de ordenador y el “65” apareció haciendo garabatos sobre..... Escuchar el MiniPodcast


Eiffel 65







FICHA GENERAL







Origen


1998
Turín | Italia







Géneros


Eurodance
Italo Dance







Período de actividad


1998 – 2005
2010 – Presente







Sellos discográficos


BlissCo
Universal Records







Sitio web


Eiffel65.com







Miembros


Gianfranco Randone
Maurizio Lobina
Gabrielle Ponte





Eiffel 65 es un grupo italiano de italo dance y eurodance formado a finales de la década de 1990 en la ciudad de Turín, en Italia. El nombre de “Eiffel” fue elegido al azar por un programa de ordenador y el “65” apareció haciendo garabatos sobre sus nombres por error (el 65 formaba parte de un número de teléfono de su discográfica, BlissCo). Las canciones del grupo tienen la característica de mezclar el inglés con el italiano.


El primer integrante es Jeffrey Jey. Su nombre real es Gianfranco Randone. Nació en Sicilia el 5 de enero de 1970, es el vocalista y toca el bajo en el grupo. El nombre “Jeffrey Jey” (según ha contado él mismo en diversas entrevistas) se lo dieron sus amigos durante sus años en Estados Unidos, ya que “Gianfranco Randone” sonaba demasiado extranjero para aquél país. Sin embargo, en ocasiones, él utiliza el nombre “Gianfranco Jeffrey Randone” para referirse a sí mismo.
Jeffrey nació en una familia de músicos, así que gracias a eso se subió por primera vez a un escenario con tan sólo un año y medio. Cuando cumplió los dos años, se mudaron a Brooklyn (Nueva York) donde vivió hasta los 14 años, cuando regresó a Italia. No empezó a formarse en la música hasta los 15 años, a pesar de eso él ya tenía una formación innata y autodidacta por ayudar a sus padres. Fue en ese momento, tras recibir como regalo de cumpleaños un ordenador, cuando empezó a creer que con sus conocimientos musicales y poniendo en práctica sus aprendizajes informáticos podía mezclar sus dos grandes pasiones y lo consiguió. Empezó a hacer música electrónica por ordenador y desde ahí no ha parado.
Pero su vida cambió a los 22 años cuando creó el tema “People Have The Power”, ya que le lanzó a la escena profesional del dance.]]>
Alexander Cardona Nieto clean 25:24
0012 - Earth, Wind & Fire - La Máquina De La Música https://www.lamaquinadelamusica.com/0012-minipodcast-con-alex-cardona-la-maquina-de-la-musica/ Sun, 08 Apr 2018 07:55:17 +0000 https://www.lamaquinadelamusica.com/?p=1135 Earth, Wind & Fire (EWF) es una banda estadounidense que ha abarcado los géneros musicales de R & B, soul, funk, jazz, disco, pop, rock, latín y africano. Fueron una de las bandas más exitosas de la década de los 70. Rolling Stone los calificó de.... Escuchar el MiniPodcast

Earth, Wind & Fire

Earth, Wind & Fire

FICHA GENERAL
Origen 1970
Chicago, Illinois | Estados Unidos
Géneros Funk
Soul
Disco
R&B
Smooth Soul
Pop Soul
Jazz
Rock And Roll
Pop
Blues
Psicodelia
Período de actividad 1970 – 1984
1987 – Presente
Sellos discográficos Warner Bros. Records
Columbia Records
Sanctuary Records
Sitio web EarthWindAndFire.com
Miembros Maurice White
Philip Bailey
Verdine White
Ralph Johnson
B. David Whitworth
Myron McKinley
John Paris
Philip Bailey, Jr.
Morris O’Connor
Serg Dimitrijevic

Earth, Wind & Fire (EWF) es una banda estadounidense que ha abarcado los géneros musicales de R & B, soul, funk, jazz, disco, pop, rock, latín y africano. Fueron una de las bandas más exitosas de la década de los 70.

Rolling Stone los calificó de “innovadores, precisos pero sensuales, calculados pero galvanizados” y declaró que la banda “cambió el sonido del black pop”. El kalimba (piano africano) se reproduce en todos los álbumes de la banda.

La banda fue fundada en Chicago por Maurice White en 1970, habiendo surgido de una banda anterior conocida como Salty Peppers. Otros miembros que han sido incluidos son Philip Bailey, Verdine White, Fred White, Ralph Johnson, Larry Dunn, Al McKay y Andrew Woolfolk. La banda ha recibido 20 nominaciones a los Grammy; ganando seis como grupo y dos de sus miembros, Maurice White y Bailey, ganaron premios individuales por separado. Earth, Wind & Fire tiene 12 nominaciones a los premios American Music Awards ganando cuatro premios. Han sido incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll y el Salón de la Fama de Grupos Vocales, recibieron una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood y han vendido más de 90 millones de discos, convirtiéndose en una de las bandas más vendidas de todos los tiempos.

Cinco miembros de Earth, Wind & Fire también fueron admitidos en el Salón de la Fama de Compositores: Maurice White, Philip Bailey, Verdine White, Larry Dunn y Al McKay. La banda recibió premios Lifetime Achievement de la Sociedad Americana de Compositores, Autores y Editores (Rhythm & Soul Heritage Award – 2002), NAACP (Salón de la Fama – 1994) y los Premios BET (Lifetime Achievement Award – 2002).

Earth, Wind & Fire es conocido por su horn section, espectáculos enérgicos y elaborados, y el contraste entre las voces de falsete de Philip Bailey y el barítono de Maurice White. En la década de los 70 y principios de los 80, los éxitos de la banda fueron “Shining Star”, “That’s the Way of the World”, “Devotion”, “Reasons”, “Sing a Song”, “Can not Hide Love”, “Getaway”, “Fantasy”, “Love’s Holiday”, “September”, “Boogie Wonderland”, “After the Love has Gone”, y “Let’s Groove”. Dos canciones han sido incluidas en el Salón de la Fama de los Grammy: “That’s the Way of the World” (2004) y “Shining Star” (2007).

Earth, Wind & Fire es el primer grupo afroamericano en llenar el Madison Square Garden y recibir el MSG Gold Ticket Award. También el presidente Barack Obama invitó a Earth, Wind & Fire a presentarse en la Casa Blanca.


Earth, Wind and Fire son esencialmente una creación de Maurice White, un “soñador” nacido el 19 de diciembre de 1944 en Memphis, Tennessee. A los seis años ya cantaba en un cuarteto gospel en la Rose Hill Baptist Church y a los doce, concentrándose en la batería, había participado en varios concursos para nuevos talentos. Estos estupendos días terminaron en 1960, cuando Maurice, que vivía con su abuela, se trasladó a vivir con sus padres a Chicago; allí se inscribió en la Rooseveltt University, pero en seguida se pasó al conservatorio. En 1963, White actuaba cuatro noches a la semana en el Hungry I Club, mientras de día trabajaba en el estudio de Chess Records.

Chess fue para él una escuela donde aprendió a trabajar en equipo, a componer y a producir; tocó, entre otros, junto a Muddy Waters, Buddy Guy, Howlin’ Wolf, Billy Stewart y Etta James. En 1965, White fue invitado por Ramsey Lewis, un óptimo pianista gospel, a formar parte de su trío; Maurice aceptó y, junto al bajista Cleveland Eaton, sustituyeron a Red Holt y Eldee Young en el Ramsey Lewis Trio, continuando con ellos hasta 1970; grabaron una decena de álbumes y obtuvieron varios éxitos pop, como ‘Wade in the water’ (1966). Cuando White abandonó el grupo, formó The Salty Peppers, junto a Don Barry, Louis Satterffield y Don Whiteland.

Tuvieron un discreto éxito en la zona de Chicago, donde actuaban en locales nocturnos. A finales de 1970, The Salty Peppers se separaron y Maurice comenzó a proyectar Earth, Wind and Fire, un nombre (“Tierra, viento y fuego”) derivado de su interés por la astrología. La formación original incluía a Maurice, su hermano Verdine (bajo), Michael Beale (guitarra y armónica), Wade Flemmons (voz), Yackov Ben Israel (percusiones, congas), Sherry Scott (voz), Alex Thomas (trombón), Chet Washington (saxo tenor) y Don Whitehead (teclados). La banda fue contratada por Warner Brothers y empezó a grabar en Los Angeles.

Desde el principio, Earth, Wind and Fire se reveló como un grupo soul diferente de los demás: aparte de alguna tenue conexión con el jazz, debida a Maurice, su música estaba claramente arraigada en el viejo rhythm and blues. Hay una fundamental mezcla de música negra e influencias blancas, ya evidenciadas en artistas como Santana, Chicago y Ohio Players y enriquecida por la contribución de Miles Davis, Milton Nascimento y Steve Wonder. Éstas son las raíces de Earth, Wind and Fire, salpicadas por algunas influencias del “flower power”, la flilosofía hippie de los años sesenta. ‘Earth, Wind and Fire’, su primer álbum, fue producido por Joe Wissert y publicado en 1971.

La mayoría de las canciones están escritas por White, Flemmons y Whitehead, y el estilo abarca desde el funk duro hasta el gospel apocalíptico, de los ritmos latinos al jazz, hasta llegar al rhythm and blues puro. El segundo álbum, ‘The need of love’, publicado en diciembre de 1971, se reveló aun más potente y confirmó las buenas promesas del grupo. La cara A del disco está llena del rock al estilo de Hendrix, dulces baladas de amor y rudo rhythm and blues, mientras que la otra cara revela la naturaleza esquizofrénica de la banda, que se desenfrena en un larguísimo tema titulado ‘Energy’: empieza con un impetuoso ataque de batería y después remueve la memoria del jazz “utópico” de John Coltrane.

No sorprende que, en un período en que imperaba el soul puro, estos dos primeros albumes no obtuvieran mucho éxito: Earth, Wind and Fire abandonaron Warner y, después de grabar una banda sonora para Stax, firmaron con Columbia. ‘Last days and time’ (1972) muestra a Maurice y a Verdine acompañados por una nueva formación: Philip Bailey (voces, congas y percusiones), Larry Dunn (teclados y clarinete), Ralph Johnson (batería, percusión), Konny Laws (saxo y clarinete), Roland Bautista (guitarra) y Jessica Cleaves (voz). Bautista y Laws fueron sustituidos por Al McKay y Andrew Woodfolk, a quienes se unió el guitarrista Johnny Graham para la realización de ‘Head to the sky’ (1973).

El diseño de la portada de ‘Head to the sky’ es el reflejo de todas las pretensiones espirituales de White: Jessica, con un turbante blanco y un manto sexy, está rodeada de hombres de torso desnudo que representan los gusanos en el último estadio antes de convertirse en mariposa; el barbudo Maurice preside benignamente toda la situación. Las letras son complicadas pero la música es soberbia, una mezcla de “scat” de los años cuarenta, “shuffle” chicano y exotismo de la Costa Oeste. Todos los vicios y virtudes que convertían a Earth, Wind and Fire en un grupo de animadores locos y embriagadores se condensan en ‘Open our eyes’, publicado en abril de 1974.

El tema ‘Kalimba story’ es una declaración de intenciones de los hermanos White, decididos más que nunca a crear la música del futuro, mientras que ‘Mighty mighty’, publicado como single y que alcanzó la vigesimonovena posición en las listas de éxitos americanas, obtuvo un gran éxito. En octubre la gran popularidad de ‘Mass devotion’ hacía presagiar el triunfo clamoroso de la banda. La consagración llegó con la banda sonora ‘That’s the way of the world’: armonías limpias y compactas, la voz alta de Bailey para guiar el decidido ritmo y los vientos bien acordados. ‘Shinin’ star’, el single extraído del álbum, llegó al número uno en ese mismo mes de marzo.

El siguiente álbum, ‘Gratitude’ (1975), presenta el sonido de la sección rítmica reforzado por la inclusión de Fred White, que entró en la banda junto a otro músico, el saxofonista Don Myrick. En este período las actuaciones en directo ya empezaban a rozar altas cotas de espectacularidad, con láser y baterías sobre el escenario. Al año siguiente Maurice White y el arreglista-productor Charles Stepney grabaron otro disco en estudio: ‘Spirit’, dedicado a Stepney, que falleció durante las grabaciones finales, representa un paso adelante en el refinamiento de su estilo, aunque acompañado de letras casi insignificantes, todo sonido y furia.

En diciembre de 1977 apareció ‘AII’n’aII’, con un Maurice White metido hasta el cuello en sus problemas metafísicos, aunque detrás de su obsesión por la egiptología, y por el poder mágico de las pirámides se podía encontrar un notable sonido. Desde el punto de vista de su sonoridad, ‘Serpentine fire’ y ‘Fantasy’ pueden ser consideradas como canciones interpretadas de manera brillante, hasta tal punto que mantienen al grupo con dignidad en las listas de éxitos. Un año después Earth, Wind and Fire publicaron una recopilación, ‘The best of Earth, Wind and Fire volume 1’, que sólo contiene tres temas nuevos, pero que merece ser citado por la presencia de ‘September’, un tema irresistible, la percusiva ‘Love music’ y una versión al estilo “big band” de ‘Got to get you into my life’, de Lennon-McCartney, grabada para la película ‘Sgt. Pepper’s a lonely hearts club band’ (1978).

El álbum ‘I am’ (1979) contiene dos singles de éxito; ‘Boogie wonderland’, en la que interviene el conjunto vocal femenino Emotions, y ‘After the love has gone’, una balada dominada por el dulce saxo tenor de Don Myrick, que hace pensar en la producción más empalagosa de The Commodores. Como anteriormente hicieron ‘September’ y ‘Life’, ambas entraron en el Top Ten americano. Para el siguiente álbum, un ambicioso disco doble titulado ‘Faces’ (1980), contrataron a nuevos autores, entre ellos Brenda Russell; pero a pesar de contener tres grandes singles como ‘Let me talk’, ‘Pride’ y ‘Faces’, las ventas no fueron satisfactorias.

‘Raise’, publicado un año más tarde, puso remedio a la situación. Abandonando el misticismo y contando con la ayuda de colaboradores externos, el álbum ofrece una esencialidad que captura de lleno el espíritu de la época. La cita con los fans habituados a comprar los singles se cumplió gracias a ‘Let’s groove’, que obtuvo el tercer puesto en las listas de éxitos; escuchando el álbum entero uno se puede encontrar con joyas como ‘My love’. Los grandes aforos aclamaban a Earth Wind and Fire, y su público estaba compuesto por personas de todas las clases sociales y raciales. En la cumbre de la popularidad empezaron a tener problemas.

Su música había creado escuela, y grupos como Shalamar u otras formaciones funk parecía que iban a desbancarles. Al mismo tiempo, los miembros de la banda debían atender trabajos externos como productores y arreglistas. Maurice estaba envuelto con éxito en proyectos de Ramsey Lewis, Deniece Williams y The Emotions, y se preparaba a colaborar con Jennifer Holliday. Verdine, tras haberse preparado con The Pockets, proyectaba producir a los británicos Level 42 con la asistencia de Larry Dunn. Este último participaba en proyectos de Stanley Turrentine, Caldera y Lenny White, mientras que Al McKay se ocupaba de Den Woods, Night Clouds of Joy y Finis Henderson.

En agosto de 1983 Philip Bailey grabó su trabajo en solitario ‘Continuation’, y colaboró también con Phil Collins. A pesar de todas estas actividades, Earth Wind and Fire todavía encontraron tiempo para grabar un álbum propio; ‘Powerlight’, publicado en 1983, contaba con la aportación de Robert Greenidge, ex miembro de Taj Mahal, pero ello no evitó el fracaso del disco, que cuenta con dos buenos singles, ‘Spread your love’ y ‘Side by side’. En el mismo año, cuando todos esperaban la publicación de una recopilación de éxitos, Maurice White reunió a sus compañeros en estudio y produjo ‘Electric Universe’, precedido por el single ‘Magnetic’.

Tras más de quince años en la brecha Earth, Wind and Fire parecían haber perdido su brillo, y permanecieron en silencio durante un largo período de tiempo, lo que hizo suponer que la disolución del grupo era inminente; pero, a finales de 1987, aparece ‘Touch the world’, que los exhibe al completo: es un disco que pasa de lo personal a lo político, de lo romántico a lo desenfrenado, y en el que sopla un cierto aire de renovación. En 1988 el grupo, en una aparente crisis de ideas, publica ‘Dance trax’, que intenta ofrecer lo mejor de la producción “dance” de Earth, Wind and Fire.

El 4 de febrero del 2016 Maurice White, fundador del mítico grupo, murió en Estados Unidos debido al mal de Parkinson que le había sido diagnosticado en 1992 y que hizo que en los últimos meses de su vida su salud empeorara notablemente.

Verdine White, su hermano y también integrante de la banda, comunicó en la página de Facebook de la agrupación: “Ahora que el mundo ha perdido otro gran músico y leyenda, nuestra familia pide que se respete nuestra privacidad al comienzo de lo que será una difícil y transformadora etapa de nuestras vidas”, y añadió: “Gracias por todas sus oraciones y mejores deseos”.

Earth, Wind & Fire

ÁLBUMES
1971 Earth, Wind And Fire
1972 The Need Of Love
1972 Last Days And Time
1973 Head To The Sky
1974 Open Our Eyes
1975 That’s The Way Of The World
1976 Spirit
1977 All ‘N All
1979 I Am
1980 Faces
1981 Raise!
1983 Powerlight
1983 Electric Universe
1987 Touch The World
1990 Heritage
1993 Millennium
1997 In The Name Of Love
2003 The Promise
2005 Illumination
2013 Now, Then & Forever
2014 Holiday

 

Créditos

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LaBuona.it, Italian Brand.
Sun Energy Lights, SEL-Colombia.com, ¡La Energía Que Se Renueva!
LaBuonaPiada.com, ¡La Tradizione Che Si Evolve!
GeralCN.com, ¡Joyería Contemporánea!
AlexandrosQuiro.com, ¡Tus Masajes A Domicilio!
MarianDValencia.es, ¡La Voz De Oro!
RapidoYEconomico.com, multimedia/graphic/web
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Earth, Wind & Fire (EWF) es una banda estadounidense que ha abarcado los géneros musicales de R & B, soul, funk, jazz, disco, pop, rock, latín y africano. Fueron una de las bandas más exitosas de la década de los 70. Rolling Stone los calificó de.... Escuchar el MiniPodcast


Earth, Wind & Fire







FICHA GENERAL







Origen


1970
Chicago, Illinois | Estados Unidos







Géneros


Funk
Soul
Disco
R&B
Smooth Soul
Pop Soul
Jazz
Rock And Roll
Pop
Blues
Psicodelia







Período de actividad


1970 – 1984
1987 – Presente







Sellos discográficos


Warner Bros. Records
Columbia Records
Sanctuary Records







Sitio web


EarthWindAndFire.com







Miembros


Maurice White
Philip Bailey
Verdine White
Ralph Johnson
B. David Whitworth
Myron McKinley
John Paris
Philip Bailey, Jr.
Morris O’Connor
Serg Dimitrijevic





Earth, Wind & Fire (EWF) es una banda estadounidense que ha abarcado los géneros musicales de R & B, soul, funk, jazz, disco, pop, rock, latín y africano. Fueron una de las bandas más exitosas de la década de los 70.


Rolling Stone los calificó de “innovadores, precisos pero sensuales, calculados pero galvanizados” y declaró que la banda “cambió el sonido del black pop”. El kalimba (piano africano) se reproduce en todos los álbumes de la banda.


La banda fue fundada en Chicago por Maurice White en 1970, habiendo surgido de una banda anterior conocida como Salty Peppers. Otros miembros que han sido incluidos son Philip Bailey, Verdine White, Fred White, Ralph Johnson, Larry Dunn, Al McKay y Andrew Woolfolk. La banda ha recibido 20 nominaciones a los Grammy; ganando seis como grupo y dos de sus miembros, Maurice White y Bailey, ganaron premios individuales por separado. Earth, Wind & Fire tiene 12 nominaciones a los premios American Music Awards ganando cuatro premios. Han sido incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll y el Salón de la Fama de Grupos Vocales, recibieron una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood y han vendido más de 90 millones de discos, convirtiéndose en una de las bandas más vendidas de todos los tiempos.


Cinco miembros de Earth,]]>
Alexander Cardona Nieto clean 25:24
0011 - Depeche Mode - La Máquina De La Música https://www.lamaquinadelamusica.com/0011-minipodcast-con-alex-cardona-la-maquina-de-la-musica/ Fri, 30 Mar 2018 19:43:40 +0000 https://www.lamaquinadelamusica.com/?p=1126 Depeche Mode es una banda británica de música electrónica formada en 1980 por Vince Clarke, Andrew Fletcher, Martin Gore y David Gahan. Tras su álbum debut Speak & Spell en 1981, Clarke dejó el grupo y fue sustituido por Alan Wilder, quien........... Escuchar el MiniPodcast

Depeche Mode

Depeche Mode

FICHA GENERAL
Origen 1980
Basildon, Inglaterra | Reino Unido
Géneros Dark Wave
Synth Pop
New Wave
Electronic
Industrial Music
Dance Rock
Alternative Rock
Electronic Rock
Período de actividad 1980 – Presente
Sellos discográficos EMI Records
Sire Records
Mute Records
Virgin Records
Capitol Records
Reprise Records
Columbia Records
Some Bizarre Records
Sitio web DepecheMode.com
Miembros Dave Gahan
Martin Gore
Andrew Fletcher
Vince Clarke
Alan Wilder

Depeche Mode es una banda británica de música electrónica formada en 1980 por Vince Clarke, Andrew Fletcher, Martin Gore y David Gahan. Tras su álbum debut Speak & Spell en 1981, Clarke dejó el grupo y fue sustituido por Alan Wilder, quien permaneció hasta 1995. Desde entonces, Gahan, Gore y Fletcher, continúan el proyecto como trío.

Según el documental de Historia del Rock de la BBC “son los padres del rock electrónico”; está considerado uno de los mejores exponentes del género, siendo importantes precursores del uso del sintetizador como instrumento y del sampler como recurso musical, así como de la realización de videos musicales. Depeche Mode ha vendido más de 120 millones de álbumes, sumando el total de ventas de sus discos en todo el mundo, incluyendo sencillos, convirtiéndose en el más exitoso grupo de música electrónica en la historia. También fue elegido entre los 50 mejores grupos de música de todos los tiempos y uno de los 10 más influyentes de la música contemporánea.

Depeche Mode se convirtió en “la banda de rock electrónico más popular que el mundo ha conocido”, según la revista Q, y “uno de los más grandes grupos de pop británico de todos los tiempos”, de acuerdo al Sunday Telegraph.


La historia de Depeche Mode, una de las más famosas bandas británicas de electro-pop, se inició en Basildon, Essex, durante el verano de 1980. Vince Clark y sus compañeros de escuela Martin Gore y Andy Fletcher, tras haber formado parte de los desconocidos Composition of Sound, decidieron vender sus instrumentos tradicionales para proveerse de sintetizadores y dar vida a la aventura de Depeche Mode. Reclutaron a un cantante, David Gahan, y grabaron una maqueta que, sin embargo, no logró captar el interés de ninguna compañía discográfica. Depeche Mode se construyeron una sólida reputación como banda en directo gracias a una serie de conciertos en su ciudad natal, además de una gira por Inglaterra.

Stevo, líder de la compañía independiente Some Bizarre (la misma que lanzó a bandas como Soft Cell y The The), se dio cuenta de la capacidad del grupo y decidió incluir su tema ‘Photographic’ en una recopilación de “música futurista” titulada simplemente ‘Some Bizarre Album’ (febrero 1981). En el mismo período, Daniel Miller, líder de Mute Records, les ofreció un contrato por la grabación de un single, ‘Dreaming of me’ (febrero 1981), que les permitió alcanzar el puesto 57 de la lista de éxitos oficial inglesa y el tercero de una lista independiente de producciones consideradas “alternativas”. El estimulante éxito de este primer single les convirtió en el centro de la atención. Numerosas compañías discográficas les ofrecieron contrato, pero Depeche Mode decidieron seguir en Mute, compañía que, a pesar de sus limitadas posibilidades económicas, podía garantizar al grupo la máxima libertad de expresión.

En junio de 1981, Mute publicó el segundo single, ‘New life’, y esta vez el éxito es inmediato: primer puesto en las listas independientes y 11 en la lista oficial. En los siguientes meses la popularidad del cuarteto de Basildon se consolidó gracias a la publicación del tercer single, ‘Just can’t get enough’ (agosto 1981), que escaló el Top 10, además del primer álbum ‘Speak and Spell’ (octubre 1981), que alcanzó de inmediato el primer puesto de las listas independientes y el décimo de la oficial. Sin embargo, en diciembre de 1981, Vince Clarke, inesperadamente, decidió abandonar el grupo para dar vida al proyecto Yazoo (junto a la cantante Genevieve Alison Moyet, alias Alf), más tarde a Assembly (junto al ex Understones Feargal Sharkey) y por último a Erasure (junto a Andy Bell).

La deserción de Clarke, compositor y elemento distintivo de la banda, desorientó a sus compañeros que, de nuevo en trío, regresaron a la escena con uno de los singles más comerciales de su carrera: ‘See you’ (enero 1982), canción compuesta por el cantante, David Gahan, que tres meses después firmó también ‘The meaning of love’ (abril 1982), single que junto al siguiente ‘Leave in silence’ (agosto 1982), se convirtió en rampa de lanzamiento del segundo álbum, ‘A broken frame’ (agosto 1982). ‘A broken frame’ ayudó a Depeche Mode a afirmarse en toda Europa. Su pop electrónico, constituido por delicadas y “contagiosas” melodías sintéticas, siguió triunfando en 1983 gracias a los singles ‘Get the balance right’ (que señala el ingreso en la formación del ex Hitmen Alan Wilder) y ‘Everything counts’.

En agosto del mismo año, Mute publicó el tercer álbum de estudio, ‘Construction time again’, disco que revela las primeras señales de una importante evolución, tanto musical (ritmos y soluciones sonoras más complejas) como de contenidos (letras más comprometidas, con más referencias a los problemas sociales). En octubre de 1983, extraído de este álbum, salió el single ‘Love in itself’, seguido al año siguiente, por los singles ‘People are people’ (marzo 1984) y ‘Master and senvant’ (agosto 1984), incluidos ambos en el álbum ‘Some great reward’ (septiembre 1984). Los juicios y en general las críticas de la prensa especializada a propósito de este último trabajo discográfico fueron inmejorables.

Su sonido se hizo más “industrial” y más agresivo e interesante, y también sus lirismos, antes un tanto frívolos, se volvieron más punzantes y agudos. El cuarteto de Basildon, visiblemente crecido, logró superar la definición de pop-band para adolescentes y conquistar un público más vasto y maduro. 1984 concluyó con la publicación de tres versiones diferentes del single ‘Blasphemous rumours’ (octubre 1984), el tercero extraído del álbum ‘Some great reward’. Seis meses después Depeche Mode regresaron al mercado con el single ‘Shake the disease’ (mayo 1985), seguido en septiembre del single ‘It’s called heart’.

Mientras tanto, la grabación del nuevo álbum se retrasó más de lo previsto y Mute decidió burlar la espera con la publicación de una antología, ‘The singles 1981-85’, que recoge todas las caras A de los singles realizados por Depeche Mode. El quinto álbum, ‘Black celebration’, largamente esperado por el público y la crítica, apareció en marzo de 1986, precedido por el single ‘Stripped’ (febrero 1986), y conquistó la posición más alta jamás alcanzada por la banda en la lista oficial inglesa: el cuarto puesto. Los singles ‘A question of lust’ (abril 1986) y ‘A question of time’ (agosto 1986), ambos editados en tres versiones diferentes, completaron la producción de 1986 de Gahan y compañía.

El mismo año, Alan Wilder llevó a cabo un proyecto discográfico que le permitió realizar dos discos de carácter experimental (‘1+2’ , en 1986, e ‘Hydrology’, en 1987). La vena creativa de los cuatro muchachos ingleses no mostraba ninguna señal de estancamiento y, a pesar de su febril actividad en directo, su constancia discográfica en 1987 fue impecable. Según un esquema ampliamente ensayado, Depeche Mode realizaron dos singles, ‘Strange love’ y ‘Let me down again’, antes de editar un nuevo álbum: ‘Music for the masses’ (septiembre 1987). El álbum conquistó un envidiable décimo puesto en las listas inglesas, mientras que el single ‘Behind the wehel’ (diciembre 1987) no superó el puesto 24.

En 1988 Depeche Mode recorrieron el mundo en una gira de 101 días, denominada “concert for the masses”. En el último concierto de la gira, el 18 de junio de 1988 en el Rose Bowl de Pasadena, la banda grabó un doble álbum en directo emblemáticamente titulado ‘101’. El álbum, junto al documental homónimo, rodado por el experto D.A. Pennbaker durante toda la gira mundial, rememora la etapa fundamental de la carrera del grupo y pone el acento en su popularidad y en la innegable originalidad de su música. Peculiaridades que han asegurado a Depeche Mode una presencia constante y relevante en el inmenso y variado panorama pop de los años ochenta.

Más recientemente en noviembre del 2016 se publicó Video Singles Collection, una nueva colección de tres DVD en presentación de formato Digipak con todos los vídeos promocionales realizados por la banda desde 1981 hasta el 2013. La colección desde un principio se anunció tan sólo como el primero de una serie de materiales, aprobados por la banda, retrospectivos y revisionistas de su trayectoria.

En febrero del 2017, Depeche Mode oficializó mediante un comunicado oficial en su sitio de Internet la aparición de su nuevo disco sencillo “Where’s the Revolution” ese mismo mes, así como la subsiguiente publicación en marzo de su álbum Spirit, producido por James Ford. El 5 de mayo del 2017, la banda dio inicio a la gira Global Spirit Tour, la cual recorrió en primera instancia 33 ciudades en 21 países de Europa durante casi tres meses, como soporte de su nuevo álbum; posterior a ello, continuaron con 29 fechas por Norteamérica; después volvieron a Europa en noviembre del 2017 y llegaron en marzo del 2018 por México y Sudamérica.

El segundo disco sencillo de la colección fue “Going Backwards”. En septiembre del 2017, Depeche Mode dio a conocer el vídeo oficial de su versión de “Heroes” de David Bowie, justo el día del 40 aniversario del tema, el cual además fue incluido en varias de las fechas del Global Spirit Tour. El tema “Cover Me” de Dave Gahan fue el tercer sencillo del álbum.

Depeche Mode dibujó sus influencias artísticas de una amplia gama de artistas y escenas, tales como Kraftwerk, David Bowie, The Clash, Roxy Music y Brian Eno, The Velvet Underground, Sparks, Siouxsie and the Banshees, Cabaret Voltaire, Talking Heads, Iggy Pop, y blues. La música de Depeche Mode se ha descrito principalmente como synth-pop, new wave, electronic rock, dance rock y rock alternativo.

Depeche Mode se convirtió en “La banda electrónica más popular que el mundo jamás ha conocido”, según Q Magazine y “uno de los mayores grupos del Rock británico de todos los tiempos”, según el Sunday Telegraph.

Depeche Mode influyó en muchos de los artistas populares de la actualidad, en parte debido a sus técnicas de grabación y el uso innovador de toma de muestras. Por ejemplo, los Pet Shop Boys citan a Violator (y “Enjoy the Silence” en particular) como una de las principales fuentes de inspiración durante la grabación de su aclamado álbum Behaviour. Neil Tennant declaró “estábamos escuchando Violator de Depeche Mode, que era un disco muy bueno y nos sentimos muy celoso de ello”. Su compañero Chris Lowe está de acuerdo “Ellos han planteado lo que está en juego”.

Los pioneros del techno Derrick May, Kevin Saunderson y Juan Atkins citan regularmente a Depeche Mode como una influencia en el desarrollo de la música techno durante la explosión del Detroit techno, en los 80. La apreciación de Depeche Mode en escena de la música electrónica actual se evidencia en las numerosas remezclas de sus temas por DJs contemporáneos, como el de “The Sinner in Me” por Ricardo Villalobos o el de “Useless” por Kruder & Dorfmeister.

Según Matt Smith, el ex director musical de la estación de radio de rock KROQ, “Green Day, The Killers, Linkin Park, Franz Ferdinand deben una enorme influencia a Depeche Mode.”

En una entrevista que acompaña a su obra en The New Yorker que evalúa el impacto de artistas británicos en el mercado de Estados Unidos, Sasha Frere-Jones afirma que “probablemente la última influencia Inglés grave fue Depeche Mode, que parecen cada vez más importante a medida que pasa el tiempo”.

El vocalista de Radiohead Thom Yorke, cita a Depeche Mode como una influencia con su álbum Violator.

Ken Jordan, miembro del dúo de electrónica de Los Ángeles The Crystal Method ha dicho que Depeche Mode es una de las principales influencias en su música.

Chester Bennington, vocalista de Linkin Park, fue inspirado por la banda. Otro miembro de Linkin Park, Mike Shinoda ha dicho, “Depeche Mode es uno de los grupos más influyentes de nuestro tiempo. Su música es una inspiración para mí”.

La influencia de la banda se extiende a través de diferentes géneros de la música. Raymond Herrera, baterista de la banda de heavy metal Fear Factory, dice “Un montón de música diferente influida en la forma en que toco ahora. Al igual que la banda Depeche Mode. Si pudiera sonar como Depeche Mode, pero ser rápido como Slayer, creo que yo podría estar en algo”. De acuerdo a Darren Smith, el guitarrista de la banda de Funeral for a Friend, su banda de música fue “influida por Depeche Mode”. La influencia de Depeche Mode en bandas de heavy metal es evidente a través de las numerosas versiones de sus canciones, “Enjoy the Silence” versionado por HIM, It Dies Today y Lacuna Coil, “I Feel You” de Vader, entre otras, así como las versiones de músicos afines a la música más dura: “Stripped” de Rammstein, “Personal Jesus” de Marilyn Manson o “World in My Eyes” de Sonata Arctica.

En agosto del 2008, Coldplay filmó un cover del video de “Enjoy the Silence” dirigido por el mismo Anton Corbijn, como vídeo alterno de su sencillo “Viva la Vida”. En su sitio web se muestra el vídeo con la leyenda “Este es nuestro intento de una versión de vídeo, hecho por amor a Depeche Mode y el genio de Anton Corbijn …”. El video muestra a Chris Martin, vestido como un rey igual que Dave Gahan, caminando a través de La Haya, la tierra natal de Corbijn.

“Me siento más conectado a Depeche Mode” (en comparación a otros actos de los años 80) afirmó Magne Furuholmen, el teclista de A-Ha. En julio del 2009, a-ha realizó un cover de “A Question of Lust” durante una actuación en vivo para la BBC Radio 2 – El Show de Dermot O’Leary.

Johnny Cash en el 2002 eligió el tema “Personal Jesus” por sus riffs para hacer una versión acústica en el álbum American IV: The Man Comes Around junto al guitarrista John Frusciante, lo que supone un claro ejemplo de cómo una canción puede influir en diferentes maneras de concebir la música.

En el juego Left 4 Dead 2, la superviviente Rochelle usa una camiseta rosada mostrando el nombre del grupo.

The Posters Came from the Walls es un documental sobre los fans de Depeche Mode en todo el mundo, co-dirigida por el artista ganador del premio Turner Jeremy Deller y el cineasta Nicholas Abrahams.

Al igual que otras bandas como Linkin Park, Keane o Coldplay, Breaking Benjamin ha hecho un cover de la canción Enjoy the Silence en un concierto con un estilo de rock pesado o metálico.

En España, el grupo Techno-Pop de éxito OBK, debe no sólo gran parte del carácter de su música o su imagen al grupo británico, incluso su nombre es una abreviatura de una canción acústica de Depeche Mode, “Oberkorn”, mostrando su admiración por la banda incluyendo en muchos de sus conciertos remezclas de DM. El grupo de pop mexicano Mœnia tiene un sonido basado principalmente en la influencia de Depeche Mode, lo cual reiteradamente han admitido.

En el Juego Metal Gear Rising: Revengeance fue usada la canción “Wrong” en el Trailer mostrado en la E3 del 2012.

En el año 2014, la banda de rock/pop chilena, La Ley, presentó el vídeo de la canción “Sin ti”, en este vídeo se puede ver la silueta de una rosa en varias secuencias en clara referencia a la portada del álbum Violator. Beto Cuevas, líder de la banda, confesó que es un gran admirador de Depeche Mode, así como también lo son los demás integrantes del trío chileno.

Pese a ser el álbum más vilipendiado de Depeche Mode, en el 2015 el dueto griego Marsheaux publicó una reproducción completa de A Broken Frame, todo un disco cover.

Depeche Mode

ÁLBUMES
1981 Speak & Spell
1982 A Broken Frame
1983 Construction Time Again
1984 Some Great Reward
1986 Black Celebration
1987 Music For The Masses
1990 Violator
1993 Songs Of Faith And Devotion
1997 ULTRA
2001 Exciter
2005 Playing For Angel
2009 Sounds Of The Universe
2013 Delta Machine
2017 Spirit

 

Créditos

El MiniPodcast

con Alex Cardona

es presentado por:

LaBuona.it, Italian Brand.
Sun Energy Lights, SEL-Colombia.com, ¡La Energía Que Se Renueva!
LaBuonaPiada.com, ¡La Tradizione Che Si Evolve!
GeralCN.com, ¡Joyería Contemporánea!
AlexandrosQuiro.com, ¡Tus Masajes A Domicilio!
MarianDValencia.es, ¡La Voz De Oro!
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Depeche Mode







FICHA GENERAL







Origen


1980
Basildon, Inglaterra | Reino Unido







Géneros


Dark Wave
Synth Pop
New Wave
Electronic
Industrial Music
Dance Rock
Alternative Rock
Electronic Rock







Período de actividad


1980 – Presente







Sellos discográficos


EMI Records
Sire Records
Mute Records
Virgin Records
Capitol Records
Reprise Records
Columbia Records
Some Bizarre Records







Sitio web


DepecheMode.com







Miembros


Dave Gahan
Martin Gore
Andrew Fletcher
Vince Clarke
Alan Wilder





Depeche Mode es una banda británica de música electrónica formada en 1980 por Vince Clarke, Andrew Fletcher, Martin Gore y David Gahan. Tras su álbum debut Speak & Spell en 1981, Clarke dejó el grupo y fue sustituido por Alan Wilder, quien permaneció hasta 1995. Desde entonces, Gahan, Gore y Fletcher, continúan el proyecto como trío.


Según el documental de Historia del Rock de la BBC “son los padres del rock electrónico”; está considerado uno de los mejores exponentes del género, siendo importantes precursores del uso del sintetizador como instrumento y del sampler como recurso musical, así como de la realización de videos musicales. Depeche Mode ha vendido más de 120 millones de álbumes, sumando el total de ventas de sus discos en todo el mundo, incluyendo sencillos, convirtiéndose en el más exitoso grupo de música electrónica en la historia. También fue elegido entre los 50 mejores grupos de música de todos los tiempos y uno de los 10 más influyentes de la música contemporánea.


Depeche Mode se convirtió en “la banda de rock electrónico más popular que el mundo ha conocido”, según la revista Q, y “uno de los más grandes grupos de pop británico de todos los tiempos”, de acuerdo al Sunday Telegraph.


La historia de Depeche Mode, una de las más famosas bandas británicas de electro-pop, se inició en Basildon, Essex, durante el verano de 1980.]]>
Alexander Cardona Nieto clean 25:24
0010 - Culture Club - La Máquina De La Música https://www.lamaquinadelamusica.com/0010-minipodcast-con-alex-cardona-la-maquina-de-la-musica/ Sat, 24 Mar 2018 18:45:34 +0000 https://www.lamaquinadelamusica.com/?p=1080 Culture Club es una banda británica de new romantic/pop muy popular en los años 1980, liderada por Boy George, quien se destacaba por su estética glam y sexualmente ambigua; Roy Hay, Mike Craig y Jon Moss. El sonido de la banda se caracteriza por.... Escuchar el MiniPodcast

Culture Club

Culture Club

FICHA GENERAL
Origen 1981
Londres, Inglaterra | Reino Unido
Géneros Pop
New Romantic
Pop Soul
New Wave
Dance Pop
Pop Reggae
Blue-Eyed Soul
Período de actividad 1981 – 1986
1998 – 2002
2011 – Presente
Sellos discográficos Epic Records
Virgin Records
Sitio web CultureClub.co.uk
Miembros Boy George
Roy Hay
Mikey Craig
Jon Moss
Helen Terry
Phil Pickett
Michael Rudetski

Culture Club es una banda británica de new romantic/pop muy popular en los años 1980, liderada por Boy George (vocalista), quien se destacaba por su estética glam y sexualmente ambigua; Roy Hay (guitarra), Mike Craig (bajo) y Jon Moss (batería). El sonido de la banda se caracteriza por combinar new wave y soul, con otros estilos como el reggae, calypso, salsa o country.

El grupo triunfó en los años 1980 con temas al mismo tiempo sensuales, alegres y creativos, siendo considerados un fenómeno de la música pop. En sus inicios, Boy George creó revuelo en sus apariciones por televisión, por sus maquillajes coloridos, ropa femenina y trenzas con las que se presentaba, mostrando un aspecto inequívocamente travestido. La banda destacó junto a otros grupos de new romantic como Duran Duran o Spandau Ballet.


La historia de George O’Dowd comenzó como la de tantos artistas: nacido en 1961 en las cercanías de Londres, en una numerosa y pobre familia de origen irlandés, creció idolatrando a algunos personajes del mundo musical de su tiempo, como Marc Bolan y David Bowie. Tras ser expulsado de la escuela, intentó ganarse el sustento haciendo diversos trabajos, desde modelo a diseñador de moda. El look era su obsesión, y precisamente sería su look lo que le caracterizaría, más aun que su música, y le daría fama mundial. George comenzó a vestirse de formas un tanto extravagantes y a frecuentar los locales londinenses de moda en los ochenta.

En uno de estos locales, llamó la atención de Malcolm McLaren, ex productor de Sex Pistols. Malcolm, que entonces estaba trabajando con el grupo Bow Wow Wow, le convenció para que participara como corista de la banda con el seudónimo de “Lieutenant Lush”. Sin embargo, este trabajo no le duró mucho, pues George quería un grupo propio. Así nacieron In Praise Of Lemmings, que fundó junto a Mikey Craig, y que se convertirían en Sex Gang Children con la llegada del guitarrista Jonn Suede. Entonces la banda se puso a buscar un buen batería. A Kirk Brandon de Theatre Of Hate y amigo de George se le ocurrió presentarles a Jon Moss, batería profesional que ya había colaborado con grupos como The Clash y Damned. Moss aceptó y entró inmediatamente en el grupo.

En 1981, el grupo tomó su nombre definitivo: Culture Club. Al mismo tiempo entró en el grupo Roy Hay, que sustituía al saliente John Suede, con lo que la formación quedó definitivamente configurada. El grupo debutó en octubre de 1981 en un local de Essex, y llamó la atención del joven productor Steve Levine, quien consiguió proporcionarles una audición con EMI. Culture Club se presentó con dos temas: ‘White boy’ y ‘I’m afraid of me’, que, sin embargo, no agradaron a los responsables de la compañía discográfica: les pareció una chapuza.

En la primavera de 1982, Culture Club firmaron un contrato con Virgin, por el que, por fin, podían grabar su primer single: ‘White boy’. Sin embargo, su debut no fue de los mejores: el single no se vendía, se quedaba en los estantes de las tiendas de discos. Su segundo single, ‘I’m afraid of me’, corrió la misma suerte. Descontento por este fracaso, George (que por entonces había tomado el seudónimo de Boy George), con su singular imagen, comenzó a hacerse notar, y sus fotografías salían cada vez más a menudo en la prensa. Era la ocasión de aprovechar esta publicidad gratuita, y la aprovecharon: un disc jockey de la BBC accedió a incluir cuatro temas de Culture Club en su programa. Pero Boy George y compañía sólo tenían escritos tres. Entonces se metieron en el estudio y grabaron de un tirón un cautivante tema reggae: ‘Do you really want to hurt me’. En el plazo de un mes, ‘Do you really want to hurt me’ llegó al primer puesto de las listas británicas, para permanecer en él durante tres semanas.

Entonces la banda entró en el estudio para grabar su primer álbum, ‘Kissing to be clever’. La popularidad de Culture Club iba en continuo ascenso y, en particular, aumentaba en todo el mundo la fama de su excéntrico líder. Boy George, perfectamente disfrazado de mujer, era un personaje que representaba, para la juventud, un símbolo de transgresión, un modelo a imitar, al menos por el coraje con el que exhibía su “diversidad” más allá de cualquier prejuicio. Incluso el difícil público estadounidense valoró a Culture Club. ‘Do you really want to hurt me’ entró en las listas americanas en diciembre de 1982 y permaneció en ellas durante 25 semanas.

Entre tanto, Culture Club continuaban publicando éxitos internacionales: en abril (1983), ‘Church of the poison mind’ alcanzó el segundo puesto de las listas inglesas, y en septiembre ‘Karma chameleon’ llegó al primer puesto, donde permaneció seis semanas y del que se vendieron más de un millón de copias. En octubre salió el segundo álbum de la banda, ‘Colour by numbers’, que alcanzó inmediatamente el primer puesto de las listas, mientras que en diciembre, el single ‘Victims’ permaneció durante semanas en los puestos más altos de las listas británicas.

El año 1984 se inició con el inmenso éxito de Culture Club en Estados Unidos: ‘Colour by numbers’ ocupó el segundo puesto de las listas durante seis semanas, superado solamente por ‘Thriller’, de Michael Jackson, mientras que ‘Karma chameleon’ no tenía rival en las listas de singles. En octubre, Boy George asombró a todos, al dejar de lado sus viejos hábitos y presentarse con los cabellos cortos y negros para ‘The war song’. Era el síntoma de un malestar en el seno de Culture Club que iba a ser mortal para la banda.

En efecto, en 1985, terminada su gira mundial, el grupo decidió tomarse un tiempo para descansar y reflexionar. Sin embargo, a estas alturas la disolución ya era inevitable. En julio de 1986, Boy George protagonizó una noticia relacionada con las drogas. Su hermano, preocupado por la suerte de Boy, decidió revelar a la prensa que el cantante era drogodependiente (y pensar que pocos meses antes, Boy George había condenado públicamente el consumo de cualquier estupefaciente). La noticia, ya de por sí dramática, se agravó con la muerte por sobredosis de un amigo de Boy George (el teclista Michael Rudetski) en la casa del propio cantante. La policía arrestó a Boy George y a otros asiduos de esos ambientes. Para Boy fue un momento muy difícil: el artista obtuvo la libertad a condición de que se hiciera una cura de desintoxicación, y así lo hizo.

Dijo estar fortalecido y con muchas ganas de retomar su actividad artística, pero desechó la posibilidad de una reunificación de Culture Club. Esta vez quería probar suerte en solitario. Y la diosa Fortuna no pareció darle la espalda. En efecto, en marzo salió su primer single en solitario: se trataba de una versión de un tema de Bread, titulado ‘Everything I own’. El éxito fue inmediato. También su primer álbum en solitario obtuvo un gran éxito: su título era ‘Sold’, y tras una semana en venta, ya estaba en el puesto veintiséis de las listas británicas. Revigorizado por esta buena acogida, Boy George retomó su actividad artística con gran entusiasmo.

Con el tema ‘No Clause 28’, publicado en la primavera de 1988, se enfrentó abiertamente a la propuesta de ley del Gobierno británico, que quería poner en jaque cualquier forma de ostentación homosexual. En 1989, unos rumores sobre la reunificación de Culture Club no se tradujeron en hechos. En el otoño de aquel año, Boy George escribió y produjo el disco del grupo Jesus, titulado ‘Loves You’: entonces se llegó a decir que el cantante quería hacer suya a esta banda, pero la década se cerró sin que llegara a confirmarse este punto.

Boy George continuó en solitario con una exitosa carrera como solista en un principio. No obstante, su adicción a los estupefacientes continuaba en aumento, llegando a ser detenido en alguna ocasión por posesión de drogas. En el 2007 cumplió servicio comunitario por este motivo en Nueva York.

Convertido en un icono de los años 80, se ha dedicado a escribir libros (una autobiografía en dos partes y un libro de cocina macrobiótica), a viajar por el mundo como DJ, a fundar un sello discográfico More Protein, a la fotografía, a escribir un musical que llegó a Broadway (Taboo) y a diseñar ropa bajo la marca B-Rude.

George siempre fue abiertamente gay, no ocultaba su sexualidad a sus fanes y mantuvo una gran amistad con el vocalista de Queen, Freddie Mercury.

Se le considera el rey del New Romantic y en la década de 1980 se le consideró príncipe del Pop.

Participó en el episodio 16 Cowboy George de la cuarta temporada de El equipo A con la canción “Karma Chameleon” como final del episodio.

Tuvo un cameo en la película española I love you baby (2001), protagonizada por Jorge Sanz.

Hasta la fecha Boy George ha vendido un poca más de 150 millones de discos, lo que lo convierte en uno de los cantantes con más discos vendidos de la historia.

En 1998 Culture Club vuelve a reunirse para grabar el tema I Just Wanna Be Loved, que fue incluido en el disco doble para el canal de televisión VH1 Story Tellers/Greatest Moments; la misma canción fue incluida en el disco del grupo de 1999 Don´t mind if I do que contiene 15 temas.

En el 2005 se editó el DVD recopilatorio Greatest Hits.

Además su canción Do You Really Want to Hurt Me fue incluida en la banda sonora de la película The day after tomorrow.

En el 2010 Boy George declaró en una entrevista con la BBC que la banda podría volver a juntarse por su 30º aniversario para dar un espectáculo en vivo. En entrevistas concedidas poco antes de los conciertos brindados en Sídney y Dubái en el 2011, el grupo confirmó que se habían propuesto grabar nuevo material. Sin embargo, posteriormente hubo rumores de que el proyecto fue dejado de lado por razones desconocidas. Boy George, sin embargo, mencionó en una entrevista con Danny Baker emitida por la BBC Radio 5 Live, el 31 de marzo del 2012, que el material tan esperado sería lanzado en el 2013, aunque no mencionó una fecha para la futura gira.

Está postergada la edición del nuevo material en estudio titulado Tribes, el cual estaría producido por Martin Glover también conocido como Youth, quien ha trabajado con Paul McCartney, The Verve y Embrace y se supone que saldrá bajo su propia discográfica Different Man Music por intermedio de Kobalt Label Services.

Culture Club

ÁLBUMES
1982 Kissing to Be Clever
1983 Colour by Numbers
1984 Waking Up with the House on Fire
1986 From Luxury to Heartache
1999 Don’t Mind If I Do

 

Créditos

El MiniPodcast

con Alex Cardona

es presentado por:

LaBuona.it, Italian Brand.
Sun Energy Lights, SEL-Colombia.com, ¡La Energía Que Se Renueva!
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Culture Club es una banda británica de new romantic/pop muy popular en los años 1980, liderada por Boy George, quien se destacaba por su estética glam y sexualmente ambigua; Roy Hay, Mike Craig y Jon Moss. El sonido de la banda se caracteriza por.... Escuchar el MiniPodcast


Culture Club







FICHA GENERAL







Origen


1981
Londres, Inglaterra | Reino Unido







Géneros


Pop
New Romantic
Pop Soul
New Wave
Dance Pop
Pop Reggae
Blue-Eyed Soul







Período de actividad


1981 – 1986
1998 – 2002
2011 – Presente







Sellos discográficos


Epic Records
Virgin Records







Sitio web


CultureClub.co.uk







Miembros


Boy George
Roy Hay
Mikey Craig
Jon Moss
Helen Terry
Phil Pickett
Michael Rudetski





Culture Club es una banda británica de new romantic/pop muy popular en los años 1980, liderada por Boy George (vocalista), quien se destacaba por su estética glam y sexualmente ambigua; Roy Hay (guitarra), Mike Craig (bajo) y Jon Moss (batería). El sonido de la banda se caracteriza por combinar new wave y soul, con otros estilos como el reggae, calypso, salsa o country.


El grupo triunfó en los años 1980 con temas al mismo tiempo sensuales, alegres y creativos, siendo considerados un fenómeno de la música pop. En sus inicios, Boy George creó revuelo en sus apariciones por televisión, por sus maquillajes coloridos, ropa femenina y trenzas con las que se presentaba, mostrando un aspecto inequívocamente travestido. La banda destacó junto a otros grupos de new romantic como Duran Duran o Spandau Ballet.


La historia de George O’Dowd comenzó como la de tantos artistas: nacido en 1961 en las cercanías de Londres, en una numerosa y pobre familia de origen irlandés, creció idolatrando a algunos personajes del mundo musical de su tiempo, como Marc Bolan y David Bowie. Tras ser expulsado de la escuela, intentó ganarse el sustento haciendo diversos trabajos, desde modelo a diseñador de moda. El look era su obsesión, y precisamente sería su look lo que le caracterizaría, más aun que su música, y le daría fama mundial. George comenzó a vestirse de formas un tanto extravagantes y a frecuentar los locales londinenses de moda en los ochenta.
En uno de estos locales, llamó la atención de Malcolm McLaren, ex productor de Sex Pistols. Malcolm,]]>
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0009 - Chic - La Máquina De La Música https://www.lamaquinadelamusica.com/0009-minipodcast-con-alex-cardona-la-maquina-de-la-musica/ Sat, 17 Mar 2018 09:33:04 +0000 https://www.lamaquinadelamusica.com/?p=1071 Chic es un grupo musical estadounidense, formado en 1976 por el guitarrista Nile Rodgers, el baterista Tony Thompson y el bajista Bernard Edwards. Consiguieron sus mayores éxitos con canciones de música disco, al mismo tiempo, Edwards y Rodgers...... Escuchar el MiniPodcast

Chic

Chic

FICHA GENERAL
Origen 1976
Nueva York | Estados Unidos
Géneros Rhythm And Blues
Soul
Disco
Funk Rock
Período de actividad 1976 – 1983
1990 – 1992
1996
1998 – Presente
Sellos discográficos Buddah Records
Atlantic Records
Warner Bros. Records
Sumthing Else Records
Sitio web NileRodgers.com/Chic
Miembros Nile Rodgers
Jerry Barnes
Kim Davis
Folami Ankoanda
Ralph Rolle
Russel Graham
Richard Hilton
Bill Holloman
Curt Ramn
Bernard Edwards
Tony Thompson

Chic es un grupo musical estadounidense, formado en 1976 por el guitarrista Nile Rodgers, el baterista Tony Thompson y el bajista Bernard Edwards. Consiguieron sus mayores éxitos con canciones de música disco, como Dance Dance Dance (Yowsah, Yowsah, Yowsah) y Everybody Dance (1977), Le Freak: N.º 1 del Billboard Hot 100 de los Estados Unidos y N.º 1 en listas de rhythm and blues y I Want Your Love (1978), Good Times N.º 1 del Billboard Hot 100 y My Forbidden Lover (1979).

Al mismo tiempo, Edwards y Rodgers componían, arreglaban, interpretaban y producían discos muy influyentes de música disco y rhythm and blues, tanto para artistas ya establecidos como para estrellas de un solo éxito, como Sister Sledge, Sheila and B. Devotion, Diana Ross y Deborah Harry. También ayudaron a lanzar a la fama al joven Luther Vandross, que cantó en uno de los álbumes de Chic.

En los 80, la banda tuvo que luchar por su difusión y sus ventas, y acabó separándose.

Rodgers y Edwards produjeron discos por separado para una amplia variedad de artistas. Rodgers produjo el álbum de estudio de mayor éxito comercial de David Bowie, Let’s Dance, y fue en gran parte responsable del éxito de Madonna, en 1985, con su álbum Like a Virgin.

A principios de los 90, Rodgers y Edwards se reunieron para trabajar en material nuevo. Bernard Edwards murió en 1996 en Japón, pero Chic siguió haciendo giras con nuevos músicos. Tony Thompson falleció en 2003.

Además de definir la música disco, Chic inspiró a otros artistas en la elaboración de su propio sonido. Por ejemplo, el trío The Sugarhill Gang utilizó Good Times como base instrumental para su canción Rapper’s Delight (1979), el primer éxito discográfico del hip hop. También el grupo británico Queen sacó de los típicos riffs de guitarra y bajo de Chic la inspiración para su exitoso sencillo Another One Bites The Dust.

El grupo siempre sabía si sus temas iban a funcionar, porque primero, sin que nadie lo supiese, los pinchaban en la discoteca Studio 54 de Nueva York. Comprobaban el comportamiento de la gente y, dependiendo cuál fuese, lo editaban o no.


Nile Rodgers nació en la Ciudad de Nueva York, N.Y. en el año 1952. Creció hasta llegar a ser un guitarrista de primer orden. Estudió música clásica y jazz antes de establecerse como músico de sesión en el Harlem´s Apollo Theatre, la meca de la música negra en N.Y. Bernard Edwards nació en el mismo año (1952) en Greenville, Carolina del Norte. Llegaría a ser uno de los más grandes bajistas que se han conocido e incluso hizo que muchos músicos se decidieran a escoger el bajo en lugar de la guitarra. Uno de ellos fue John Taylor, del conocido grupo de los ‘80 Duran Duran. Su forma de tocar llegó a ser inconfundible, pudiéndose comprobar en canciones como “Good times”, un tema perfecto para renovar los ánimos en cualquier mal día. Tristemente, Bernard murió a la temprana edad de 43 años. El 18 de Abril de 1996, Nile Rodgers encontró a su amigo muerto en su habitación del hotel en Tokio. Bernard se estuvo quejando la noche anterior de un fuerte dolor de estómago y de tener unas extrañas fiebres. Murió en su cama debido a una especie de horrible neumonía. ¡Pero su memoría y su música aún permanecen y permanecerán por un largo tiempo!

Nile y Bernard se encontraron por primera en 1972, cuando formaban parte de la Big Apple Band. En 1977, Walter Murphy and the Big Apple Band fueron número uno con “A Fifth of Beethoven”, que más tarde apareció en la excelente banda sonora de Fiebre del Sábado Noche.

Inspirados por este éxito se decidieron por abandonar esta banda y fundar Chic. Se unieron al batería ex-Labelle Tony Thompson y pusieron como vocalistas a Norma Jean Wright y Alfa Anderson. El grupo grabó una demo de “Dance, Dance, Dance (Yowsah, Yowsah, Yowsah)” pero no encontraron ningún sello que se interesara. Finalmente, acabando ya el año 1977, Atlantic Records los contrató y lanzaron el sencillo que llegó a vender un millón de copias sólo en el primer mes. Según opinión de Rodgers, este primer sencillo fue también clave para el resto de su carrera. Fue la primera canción en la que se permitió grabar con el que llamaron sonido “sub-bass”. Antes de este tema, todo bajo de menos de 60 Hz se eliminaba en el proceso de grabación, pero en esta ocasión, Nile and Bernard decidieron mantenerlo. Por tanto, se trató de la primera vez en la que, cuando entrabas en la discoteca, se llegaba a escuchar y, literalmente, sentir en tu cuerpo la vibración de los altavoces cada vez que se hacían notar los bajos de Rodgers. Esto era algo completamente nuevo entonces, pero hoy en día lo podemos comprobar en cualquier sala de baile escuchando la música electrónica actual.

El extraordinario éxito de este single permitió el lanzamiento de su primer álbum, “Chic” (1977). Este incluía también el tema “Everybody dance”. Según se contaba entonces, el sonido del bajo para esta canción se grabó en sólo una sesión.

Norma Jean dejó el grupo para intentar una carrera en solitario en Bearsville Records. Su repercusión no fue la deseada a pesar de que gran parte del grupo colaboró en su álbum y de que este contenga algunos de los mejores momentos de Nile Rodgers. Se lanzaron dos sencillos del álbum al más puro estilo “Chic”. Estos fueron “High society” y “Saturday”. Norma Jean fue reemplazada por la vocalista Luci Martin.

En una entrevista con el periodista Mats Nileskar, Bernard nos cuenta la historia de cómo escribieron “Le Freak”, otro de sus grandes éxitos. Contactaron con Grace Jones, quien quería una colaboración suya para su próximo LP. Para elló les trajo como invitados en una fiesta en la famosa sala Studio 54, de la que hace poco se hizo una película.

Era la víspera de Año Nuevo en 1977. Los chicos iban vestidos de etiqueta y hacía un tiempo horrible, nevando y con un frío que pela. Cuando Nile y Bernard llegaron al club, los porteros no conseguían encontrar sus nombres en la lista de invitados. Ellos explicaron que eran “Chic” y que Grace les estaba esperando. Pero no les dejaron entrar (a quien no le ha pasado). Cuando volvieron a casa con un considerable “cabreo”, se pusieron a escribir una canción en apenas 25-30 minutos a la que pusieron como nombre “Fuck off” (creo que no hace falta traducirlo). Era algo así: “aaahh Fuck off!”. Pensaron que podía ser un éxito, pero obviamente pensaron en cambiar el título para publicarla. Asi que cambiaron el texto y esa línea por “aaaah Freak out!”. De hecho triunfaron con este – “Le Freak”, que es considerada una obra maestra de la música de baile. Llegó a encabezar las listas yanquis durante seis semanas llegando a ser el sencillo de Atlantic más vendido en su historia. Sigue siendo aún el más vendido en Canada y llegó a vender más de 6 millones de copias sólo en EEUU. Por cierto, Rodgers y Edwards no llegaron a trabajar nunca como conjunto con Grace Jones. Pero Nile le produjo en 1986 “comeback” “Inside story”, que incluía la conocida “I’m not perfect”. Otra cosa más respecto a esta grabación. Alrededor de un año después de este incidente en el Studio 54, la gente del club sacó un LP llamado “A night at Studio 54” y la canción más destacable llegó a ser nada menos que “Le Freak”.

Escuchando “Le Freak” se puede comprobar como es el sonido “Chic” que Nile y Bernard usaban cuando escribían la mayor parte de sus canciones. Solían empezar con una introducción y después empezaban directamente con los coros. Esta técnica fue algo que Nile cogió de un viejo músico de jazz. Compruébalo tu mismo escuchando cualquiera de sus grabaciones. Otra de sus características era la existencia de una sección de cuerdas, dirigidas generalmente por Gene Orloff, lo que le daba un cierto toque, algo triste, que contrastaba con la alegría de sus ritmos. Una de las muestras más conseguidas de la presencia de las Chic strings se puede oír en lo que fue su siguiente sencillo, “I want your love”, que alcanzó el número 7 en las listas norteamericanas. Ambos temas fueron incluidos en su segundo álbum “C’est Chic” (1978).

El año siguiente, el grupo volvío con uno de sus temas imprescindibles “Good times”. El grandioso bajo de Edwards fue plagiado por Queen en “Another one bites the dust” y la canción se usó como base en “the Adventures of Grandmaster Flash on the wheels of steel”. También para la histórica canción de rap de Sugarhill Gang’s “Rapper’s delight”.

La primera vez que Nile escuchó “Rapper’s delight” fue en un club de Nueva York. Primero pensó que era el DJ el que estaba rapeando sobre “Good times”. Al hablar con él, se dio cuenta que realmente era otro grupo el que estaba utilizando esta canción para su propia grabación sin haber pedido ningún tipo de permiso. Pero hoy en día, ¿cuántos músicos no han hecho esto y, sobre todo, dentro del hip-hop?. Nile y Bernard intentaron amenazarles con una demanda. La respuesta a esta amenaza fue enviarles al estudio como regalito unos gansters, pistola en mano, apuntando con sus armas a sus bonitas cabecitas y decirles que se olvidaran del asunto. Los chicos se quedaron impactados, claro, pero áun así, ellos no querían que las cosas quedaran así. Se pusieron en contacto con su abogado, quien había trabajado anteriormente para la mafia y conocía a este tipo de gente. Consiguió alcanzar un trato con ellos y N & B consiguieron que les pagaran medio millón de dólares de entonces, ¡en efectivo!. “Good times” sigue siendo aún un himo en las pistas de baile y muchos artistas siguen usando samples de trozos de este tema en sus canciones. Probablemente, sólo el gran James Brown haya sido sampleado o copiado más que Chic, con los sonidos de la guitarra de Nile o los bajos de Bernard.

“Good times” apareció en el tercer disco de Chic “Risque” (1979). También incluía su segundo sencillo “My forbidden lover” y otra estupenda canción, “My feet keep dancing”.

La exitosa carrera de esta pareja de talentos hizo que pronto numerosos artistas quisieran trabajar con ellos. Nile & Bernard escribieron, produjeron y pusieron sus instrumentos (junto con el resto de Chic) para el albúm de las ¿guapas? Sister Sledge “We are family” (1979). Incluye algunos auténticos clásicos como son “We are family”, “He’s the greatest dancer” y la brillante “Lost in music”, aparte de otros considerables temas. El mismo año el dúo escribió y produjo “Spacer” para el grupo francés Sheila B. Devotion, que fue también un éxito en la época.

En 1980 el grupo vuelve a editar un nuevo disco “Real people”. Se trata de un excelente álbum, con instrumentales como “Open up” o los singles “Real People” que títula el disco y “Rebels are we”. Aún así no consiguió la repercusión de sus discos anteriores y de hecho suponía el inicio de su declive.

Aún así, siguieron con sus producciones, que es a lo que más se dedicarían en una etapa posterior. Una destacable fue la del álbum de Diana Ross “Diana” en 1980. Se encuentran algunos clásicos inolvidables como “Upside down”, “Tenderness”, “My old piano” y “I’m comming out. Pero la relación no duraría mucho tiempo. Como cualquier otra diva, Diana Ross estaba acostumbrada a formar parte de la producción y decir a sus colaboradores como quería que sonara el disco. Nile & Bernard estaban habituados a tener una total libertad para hacer la música a su manera desde el principio hasta el final de la grabación. Así que la gente de la Motown se encargó de coger las cintas y hacer sus propias mezclas. ¿Cómo hubiera sonado el disco si hubieran dejado a nuestra pareja hacer las mezclas finales de las canciones?. No lo sabemos, pero probablemente el álbum hubiera tenido un sonido más “Chic”.

A principios de los 80, muchos críticos y empezaron a clamar por el fin de la era Disco y los artistas que tenían algo que ver con este tipo de música y todo lo que había alrededor de ella (ya sabeis, patillas, pantalones de elefante, pelo a lo “afro”) empezaron a perder popularidad rapidamente. Lo mismo ocurrió con el temprano éxito de Chic. El grupo grabó tres LP´s más: “Take it off” (1981) “Tongue in Chic” y “Believer” (1984).

Pero ninguno de ellos tuvieron apenas repercusión. Aunque la verdad, estos discos tampoco llegan a tener la calidad de sus precedentes, ya que no fueron capaces de adaptarse a los nuevos ritmos que estaban surgiendo. Así que en al año 1985 se disolvieron, dedicándose exclusivamente a hacer producciones y sacar algunas cosillas por separado.

Nile llegó a producir a artistas de un gran renombre que apenas tenían que ver con el estilo de música que había desarrollado hasta entonces, como pueden ser David Bowie, Madonna, Duran Duran, Philip Bailey, Mick Jagger y Paul Young. Bernard también intentó hacer algo parecido pero no tuvo tanto éxito como su compañero. Algunos artistas que trabajaron con él fueron Power Station (llegó a ser bajista del grupo), Robert Palmer (ex de Power Station), Joe Cocker, Jody Watley y Rod Stewart.

Pero esto no fue el final de Chic. En 1992, después de pensarselo un poco y de ser reivindicados por mucha gente, se volvieron a meter en un estudio para grabar un nuevo disco.Esta vez ya no contarían con su batería de siempre, Tony Thompson, ni con las vocalistas habituales, pero sí con los Chic Strings. Las nuevas vocalistas eran Sylver Logan y Jenn Thomas. En esta ocasión, sí podemos decir que estos nuevos Chic consiguieron renovarse sin perder su habitual sonido.

El trabajo en el estudio dio como resultado un albúm llamado “Chic-ism” (1992), que traducido sería algo así algo así como “Chic-ismo”. Tiene canciones que nos vuelven a envolver con su optimismo y las ganas de bailar. Aunque el primer sencillo fue “Chic mystic”, existen para mi gusto mejores canciones en el disco como puedan ser “Your love” o “M.M.F.T.C.F.”, con la que termina el álbum. En general se mantiene un tono funkero, incluyendo nuevos ritmos como el rap de Princessa en “Something you can feel”.

El inesperado fallecimiento de Bernard Edwards hace que muchos de los nuevos planes de la banda se tengan que suspender. Aún así, Nile ha continuado desde entonces con la banda haciendo varios conciertos a nivel mundial, recibiendo muy buenas críticas. Pero, ¡nos falta Bernard!

Pero hubo una sorpresa. En el año 1999 salió un disco “Live at the Budokan”, de difícil distribución, donde podemos comprobar la potencia de Chic en directo. En realidad se trata de una grabación del año 1996, justo en la noche anterior al fallecimiento de Bernard, donde se le puede oir como le dice a la audiencia que no se encuentra muy bien.

Hoy en día podemos comprobar como la influencia de Chic en la música actual se encuentra muy presente. Incluso el legendario cantante Tom Jones, acompañado del productor/mezclador Mouse T., hicieron a finales de 1999 una remezcla de la canción “Sex bomb” en la que aparece un sample de “All American girls” de las Sister Sledge. También el cantante y actor Will Smith ha utilizado samples de las Sister Sledge para uno de sus temas “Gettin´jiggy wit it”. Pero no sólo en los EEUU, también en Europa, han influido en diversos ambientes musicales, desde el funk, hip-hop, música electrónica. Uno de los últimos éxitos de las pistas de baile han sido el grupo francés Modjo con su canción “Lady”. Pues poca gente conoce que contiene un sample de un clásico de los Chic “Soup for one”.

En fin, esto prueba que que los Chic permanecen aún en nuestra memoria y su música no se quedó en una moda más, sino que se han convertido en verdaderos clásicos.

Chic

ÁLBUMES
1977 Chic
1978 C’est Chic
1979 Risqué
1979 Les Plus Grands Succès De Chic: Chic’s Greatest Hits
1980 Real People
1981 Take It Off
1982 Tongue in Chic
1983 Believer
1992 Chic-Ism

 

Créditos

El MiniPodcast

con Alex Cardona

es presentado por:

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Chic







FICHA GENERAL







Origen


1976
Nueva York | Estados Unidos







Géneros


Rhythm And Blues
Soul
Disco
Funk Rock







Período de actividad


1976 – 1983
1990 – 1992
1996
1998 – Presente







Sellos discográficos


Buddah Records
Atlantic Records
Warner Bros. Records
Sumthing Else Records







Sitio web


NileRodgers.com/Chic







Miembros


Nile Rodgers
Jerry Barnes
Kim Davis
Folami Ankoanda
Ralph Rolle
Russel Graham
Richard Hilton
Bill Holloman
Curt Ramn
Bernard Edwards
Tony Thompson





Chic es un grupo musical estadounidense, formado en 1976 por el guitarrista Nile Rodgers, el baterista Tony Thompson y el bajista Bernard Edwards. Consiguieron sus mayores éxitos con canciones de música disco, como Dance Dance Dance (Yowsah, Yowsah, Yowsah) y Everybody Dance (1977), Le Freak: N.º 1 del Billboard Hot 100 de los Estados Unidos y N.º 1 en listas de rhythm and blues y I Want Your Love (1978), Good Times N.º 1 del Billboard Hot 100 y My Forbidden Lover (1979).


Al mismo tiempo, Edwards y Rodgers componían, arreglaban, interpretaban y producían discos muy influyentes de música disco y rhythm and blues, tanto para artistas ya establecidos como para estrellas de un solo éxito, como Sister Sledge, Sheila and B. Devotion, Diana Ross y Deborah Harry. También ayudaron a lanzar a la fama al joven Luther Vandross, que cantó en uno de los álbumes de Chic.


En los 80, la banda tuvo que luchar por su difusión y sus ventas, y acabó separándose.


Rodgers y Edwards produjeron discos por separado para una amplia variedad de artistas. Rodgers produjo el álbum de estudio de mayor éxito comercial de David Bowie, Let’s Dance, y fue en gran parte responsable del éxito de Madonna, en 1985, con su álbum Like a Virgin.


A principios de los 90, Rodgers y Edwards se reunieron para trabajar en material nuevo.]]>
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0008 - Cher - La Máquina De La Música https://www.lamaquinadelamusica.com/0008-minipodcast-con-alex-cardona-la-maquina-de-la-musica/ Sun, 11 Mar 2018 17:30:32 +0000 https://www.lamaquinadelamusica.com/?p=1065 Cherilyn Sarkisian, conocida simplemente como Cher, es una cantante, actriz, compositora y celebridad de televisión estadounidense. Su extensa carrera como cantante, sumada con su extravagante artística, su influencia en la televisión durante la..... Escuchar el MiniPodcast

Cher

Cher

FICHA GENERAL
Origen 20 / Mayo / 1946
El Centro, California | Estados Unidos
Géneros Pop
Dance Pop
Rock
Country
Electronic
Disco
Folk
Período de actividad 1960 – Presente
Sellos discográficos Atco Records
Casablanca Records
Columbia Records
Geffen Records
MCA Records
Warner Bros. Records
Sitio web Cher.com
Grupos Sonny & Cher

Cherilyn Sarkisian, conocida simplemente como Cher, es una cantante, actriz, compositora y celebridad de televisión estadounidense. Su extensa carrera como cantante, sumada con su extravagante artística, su influencia en la televisión durante la década de los setenta, su incursión en diversos géneros musicales, así como su notable trabajo en el cine, la han convertido en una de las artistas más influyentes de la cultura pop en el mundo.

Saltó a la fama en 1960 como parte del dúo Sonny & Cher, popularizado gracias a su estilo y sonido hippie que compitió exitosamente con otras tendencias de la época como la invasión británica y el sonido Motown. Al finalizar la década, Cher resurgió como estrella de televisión con The Sonny & Cher Comedy Hour y The Cher Show, programas de éxito que le otorgaron popularidad y la establecieron como un «ícono» de la pantalla chica. Al mismo tiempo, se estableció como una cantante prolífica, con canciones como: «Bang Bang (My Baby Shot Me Down)», «Gypsys, Tramps & Thieves», «Half-Breed» y «Dark Lady». Luego de la separación del dúo en 1975, logró el éxito en la música disco y se convirtió en una de las atracciones de mayor éxito en Las Vegas.

Durante los ochenta, incursionó en Broadway y se convirtió en una de las actrices más aclamadas de la década, protagonizando películas taquilleras como Silkwood, Las Brujas de Eastwick y Hechizo de luna, esta última por la cual ganó el Óscar a la mejor actriz. A partir de 1987, revitalizó su carrera musical lanzando una serie de álbumes y sencillos de género rock que dominaron las listas de éxitos, tales como «I Found Someone», «If I Could Turn Back Time» y «The Shoop Shoop Song (It’s in His Kiss)». En 1998 lanzó la producción más exitosa de su carrera, «Believe», una canción de eurodance que lideró las listas de popularidad a nivel mundial y se convirtió en uno de los sencillos más vendidos de todos los tiempos, además de ser pionero en un nuevo método de producción musical llamado «Efecto Cher».

Se retiró de los escenarios en el 2005 al finalizar Living Proof: The Farewell Tour, catalogada en su momento por el Libro Guinness de los récords como la gira más exitosa por parte de una solista. En el 2010 estrenó el musical Burlesque, su primera película en siete años, y en el 2013 lanzó Closer to the Truth, su primer álbum de estudio en doce años y el cual le reportó el debut comercial más exitoso de su carrera. Entre el 2008 y el 2011 llevó a cabo el espectáculo Cher at the Colosseum en el hotel Caesars Palace de Las Vegas, y nuevamente a partir del 2017 regresó con Classic Cher en el hotel Monte Carlo de la misma ciudad.

Cher es una de las pocas artistas que ha triunfado en diversas áreas del entretenimiento y, aunque su carrera ha sufrido sonoros altibajos, se ha mantenido vigente por más de cincuenta años. Ha ganado los máximos reconocimientos en la industria de la música, el cine y la televisión; posee un Óscar, un Grammy, tres Globos de Oro, un Emmy y el premio a la mejor actriz en el Festival de Cine de Cannes, además de dos nominaciones al BAFTA. Ha vendido más de 100 millones de discos a lo largo de su carrera, convirtiéndose en una de las artistas con mayores ventas de todos los tiempos. Es la única cantante que ha ingresado a las listas de éxito Billboard durante las últimas seis décadas y es la mujer de mayor edad que ha llegado a la cumbre del Hot 100.​ Fue portada de la revista TIME en 1975, consagrándose como un ícono incuestionable de la industria del entretenimiento. Se ha desempeñado como feminista, activista de diversas causas sociales y defensora de la comunidad LGBT.


Cher nació en El Centro, California, el 20 de mayo de 1946. Su padre, John Sarkisian de ascendencia armenia y su madre, Georgia Holt (nacida como Jackie Jean Chourch), fue una aspirante a actriz y modelo de ascendencia irlandesa, inglesa, alemana y cherokee. Sus padres tuvieron una relación tormentosa y se divorciaron en Reno, cuando Cher tenía 10 meses de edad; ellos se casarían y divorciarían en dos ocasiones más. El tercero de los ocho matrimonios de Holt fue con el actor John Southall, padre de la medio-hermana de Cher, la actriz Georganne LaPiere. Aunque su matrimonio terminó cuando Cher tenía nueve años, ella lo considera como su verdadero padre y lo recuerda como «un buen hombre quien se volvía agresivo cuando bebía demasiado». Como Holt se casó y divorció en muchas ocasiones, la familia se desplazó de ciudad en ciudad (incluyendo Nueva York, Texas y California) y no poseían mucho dinero. Llegado el momento, Holt tuvo que dejar a Cher en un orfanato y aunque ambas se veían a diario, encontraron esta experiencia traumática.

Su familia notó su creatividad cuando produjo el musical Oklahoma! para su clase. Según la biógrafa Connie Berman, «Cher consiguió que un grupo de niñas se reunieran para dirigirlas y crear rutinas de baile. Como no podía hacer que los niños formaran parte del grupo, ella interpretaba los papeles de hombre y cantaba sus canciones. Incluso a esa edad, tuvo una inusual voz grave». A pesar de lo difíciles que fueron los matrimonios de su madre, Cher quíso ser famosa desde su niñez, pero pensaba que no era atractiva ni talentosa. Ella misma comentó en una entrevista: «No podía pensar en otra cosa que yo pudiera hacer… No pensé si sería cantante o actriz, solo pensaba, bueno, seré famosa, esa es mi meta».

En 1961, Holt se casó con el banquero Gilbert LaPiere, que adoptó a Cher y a su medio hermana y las inscribió en la escuela privada Montclair Prep, en Encino (Los Angeles). Como el padrastro de Cher, los padres de los estudiantes del Montclair Prep eran adinerados. Tal escuela le presentó a Cher un cambio en su vida, Bernan escribió: «ella destacó de otros por su llamativa apariencia y su extrovertida personalidad». Un compañero de Cher recalcó: «Nunca olvidaré la primera vez que vi a Cher. Era tan especial… parecía una estrella de cine, allí y ahora… ella dijo que iba a ser una estrella de cine y supimos que lo haría». A pesar de no ser la mejor de su clase, Cher era considerada inteligente y creativa. Habitualmente obtenía buenas notas y le iba bien en francés e inglés. Más tarde, fue diagnosticada de dislexia a la edad de 30 años, un trastorno que le impediría aprender con facilidad. lo cual la hizo retirarse de la escuela a una edad muy temprana. También logró notoriedad por su comportamiento inusual: entretenía a otros estudiantes durante la hora de descanso, cantando y escandalizando a otros al utilizar un top, siendo la primera mujer entre la multitud en hacerlo. Cher declaró: «Nunca estuve realmente en la escuela, siempre estaba pensando sobre cuando crecería y sería famosa». En aquellos años, mantuvo una esporádica relación con el actor Warren Beatty.

A los 16 años, Cher dejó la escuela y la casa de su madre para mudarse a Los Ángeles con una amiga, donde tomaron clases de actuación y tuvieron diversos trabajos para sostenerse. Bailó en pequeños clubes cerca del Sunset Strip en Hollywood, presentándose frente a otros artistas y agentes. Según la biógrafa Connie Berman, «no vacilaba en aprovechar nada que le pudiera dar oportunidades, hacer contactos o conseguir una audición». En noviembre de 1962, Cher conoció a Sonny Bono mientras trabajaba en la grabación «Wall of Sound» del productor Phil Spector. Poco después, la amiga de Cher dejó el apartamento donde vivían y ella aceptó la oferta de Sonny de ser su ama de llaves. En un momento llegaron a ser amigos muy cercanos, más tarde novios y en octubre de 1964 comenzaron a vivir en pareja sin contraer matrimonio. Sonny llevó a Cher ante Spector, que la incluyó como vocalista en muchas grabaciones clásicas, tales como «You’ve Lost That Lovin’ Feelin’» de The Righteous Brothers y «Be My Baby» de The Ronettes. También produjo su primer sencillo dedicado a Ringo Starr, «Ringo, I Love You», bajo el nombre artístico Bonnie Jo Mason, que no tuvo éxito comercial. Más tarde en 1964, Cher emergió con Sonny como dúo con el nombre de Caesar & Cleo, con sencillos como «The Letter», «Do You Wanna Dance» y «Love Is Strange», pero recibieron poca atención.

A finales de 1964, Cher (conocida por aquella época como Cherilyn) firmo un contrato con Liberty Records, con Sonny como su productor. Su segundo sencillo como solista, «Dream Baby», consiguió colarse en la radio de Los Ángeles, siendo un éxito a nivel local. Ya en 1965, Cher lanzó su primer álbum de estudio titulado All I Really Want to Do, descrito por Tim Sendra de Allmusic como «una de las grabaciones de folk-pop más fuertes de la época». El álbum entró en el top 20 del Billboard 200 y permaneció seis meses en la lista. La canción que da nombre al álbum fue la versión hecha por la cantante de una composición de Bob Dylan y alcanzó el puesto 15 en el Billboard Hot 100 de ese año.

Mientras tanto, Sonny & Cher, que ya eran conocidos, firmaron con Reprise Records y lanzaron su primer sencillo «Baby Don’t Go». La canción llegó a ser un éxito mayor en Los Ángeles y alcanzó el puesto 8 en el Hot 100, tras el cual los contrataron en el sello discográfico Atco, división de Atlantic Records. Su primer álbum, Look At Us (1965), permaneció en el segundo puesto del Billboard 200 durante cinco semanas. El sencillo «I Got You Babe», lideró el Billboard Hot 100 y se convirtió en uno de «los sencillos de pop/rock más queridos de mitad de la década». Otros sencillos de mediano éxito que le siguieron fueron «Just You», «But You’re Mine», «What Now My Love», «Little Man» y «The Beat Goes On». Con este último, el dúo ingresó de nuevo en el “top 10” de Estados Unidos. Sonny & Cher enlistaron 11 canciones en el top 40 del Billboard entre 1965 y 1972, incluyendo seis en el top 10 y registraron ventas de 40 millones de discos. Llegaron a colocar en lista cinco canciones en el top 20, igualando a artistas como Elvis Presley y The Beatles. Para finales de 1967, el dúo se había convertido, según Ginia Bellafantek, editora de la revista TIME, en «la pareja del rock».

Sonny & Cher llegaron a ser un fenómeno similar a la Beatlemania, viajando y actuando alrededor del mundo y gracias a su «suave sonido» y «cálida armonía», compitieron con éxito frente a otras tendencias de la época como la invasión británica o el sonido Motown. De acuerdo con la escritora Cintra Wilson: Los fotógrafos de los diarios ingleses mostraron cuando Sonny & Cher fueron expulsados del London Hilton por su vestuario la noche en que llegaron – literalmente en la noche, ellos eran estrellas. Londres quedó impactado al ver su look nunca antes visto, el cual ni era mod, ni tampoco roquero. Al mismo tiempo en que Sonny & Cher volvieron a América… tuvieron que desembarcar del avión en la pista o los fans los hubieran hecho trizas.

Tras una aparición en The Ed Sullivan Show en el otoño de 1965 en el que Sullivan presentó erróneamente a la cantante como “Chur”, Cher empezó a escribir su nombre con un acento agudo: Chér, un signo tipográfico que la acompañó hasta 1974. Pronto, el dúo comenzó a hacer apariciones en famosos programas de televisión de la época, tales como American Bandstand, Hollywood Palace, Beat Club, Hullabaloo y Shindig!. Para disfrazar su miedo escénico, Cher sacudía esporádicamente el cabello de Sonny Bono, gesto que se convirtió en un símbolo de la pareja.

Con su exótica apariencia, Cher puso de moda los pantalones de campana y los accesorios «hippie» que lucía en el escenario y llegó incluso a diseñar su propia línea de ropa. Entre 1966 y 1967, la artista lanzó en solitario The Sonny Side of Chér, Chér y With Love, Chér. Entre ellos sobresale la canción «Bang Bang (My Baby Shot Me Down)», que alcanzó el segundo puesto del Hot 100 y se convirtió en su primer sencillo en superar el millón de copias vendidas. «Alfie» sirvió como tema central de la película homónima y recibió una nominación al Óscar a la mejor canción original. A su vez, «You Better Sit Down Kids» alcanzó el “top 10” en Estados Unidos.

La década de los sesenta estaba finalizando y la monogamia de Sonny & Cher y el estilo de vida libre de narcóticos estaban pasando de moda con la llegada del hard rock, la psicodelia y la cultura de la droga. Además, según Berman, «la pesadez y el sonido de grupos como Jefferson Airplane y Cream hicieron que la música folk-rock de Sonny & Cher pareciera demasiado suave». En un intento fallido de atraer de nuevo la atención de la audiencia joven, el dúo produjo y protagonizó la cinta Good Times, un fracaso en taquilla. Cher, continuando su carrera en solitario lanzó Backstage (1968) y 3614 Jackson Highway (1969), ambos un fracaso comercial pero no así de crítica. Tras 3614 Jackson Highway, se acabó su contrato con Atco Records. Su relación con Sonny empezó a complicarse y él empezó a engañarla en repetidas ocasiones. Según la revista People, «Bono trató de ganársela desesperadamente, diciéndole que quería casarse y formar una familia». El dúo contrajo matrimonio luego del nacimiento de Chaz Bono (nacida como Chastity Bono) el 4 de marzo de 1969. A finales de dicho año, probaron suerte nuevamente en el cine con Chastity, en el que Sonny como productor, trató de lanzar a Cher como estrella de cine. La película fracasó, costándole al dúo buena parte de sus ahorros. Sin embargo, algunos críticos notaron las dotes Cher para la actuación. Como un golpe profesionalmente bajo, el dúo comenzó a realizar presentaciones nocturnas en Las Vegas. Según Wilson, «su larga presentación era tan deprimente que la gente empezaba a abuchearlos. Entonces Cher les respondía, Sonny la intentaba callar y ella lo callaba a él». Tal interacción entre ambos se convirtió en ficha clave de su acto, traduciéndose en éxito para el dúo, lo que les permitió presentar su show en horario estelar.

En 1970, Cher protagonizó junto a Sonny Bono su primer especial para televisión, The Sonny & Cher Nitty Gritty Hour. Una mezcla de comedia y música en vivo; el especial fue un éxito de crítica. Fred Silverman, programador de la CBS, vio al dúo durante una presentación en The Merv Griffin Show y les ofreció tener su propio show de variedades. The Sonny & Cher Comedy Hour debutó en 1971 como reemplazo de una serie saliente y tuvo una duración de solo 6 episodios. Sin embargo, debido a los altos índices de audiencia, el show fue extendido y entró al horario prime en diciembre. Silverman tildó el éxito de la pareja como «una explosión. Podrías contar en una mano las veces en que esto ha sucedido en la historia de la televisión». El show tuvo una audiencia de 30 millones de espectadores en los tres años en que duró en antena; recibió 12 nominaciones al premio Emmy y ganó uno por mejor dirección. Elogiada por sus lapsos de humor, Cher se burlaba de Sonny aludiendo a su aspecto y su baja estatura. Según la biógrafa Connie Bernan, ellos «irradiaban un aura de alegría, cariño y calidez que solo aumentaba su atractivo. Los televidentes quedaron aún más encantados cuando la pequeña Chastity apareció en el show. Parecían la familia perfecta». Gracias a los sketches del programa, Cher perfeccionó sus habilidades para interpretar papeles cómicos, tales como la temida ama de casa Laverne, la sarcástica camarera Rosa y diversas damas históricas como Cleopatra y Miss Sadie Thompson. Además, los vestidos que lucía eran un atractivo más de la serie y su estilo influyó en las tendencias de la moda de la década.

Ya con 25 años, Cher continuó estableciéndose a si misma como cantante solista, contando con la ayuda del productor Snuff Garrett. Su primer sencillo número uno en solitario fue «Gypsys, Tramps & Thieves», uno de los más vendidos de la historia de MCA Records, a la vez que recibió una nominación al Grammy a la mejor interpretación pop femenina en 1972. El álbum homónimo salió a la venta en septiembre de 1971 y fue disco de platino por la RIAA. La crítica reconoció en Cher una artista más «madura, confiada y poderosa, con alta intensidad en sus interpretaciones», como en «The Way of Love», sencillo que se ubicó en el “top 10” de Estados Unidos. El álbum alcanzó el puesto 16 en el Billboard 200 y se mantuvo en la lista 45 semanas. En 1972, lanzó un álbum de menor éxito, Foxy Lady, una producción compuesta totalmente por baladas y en donde la crítica nuevamente elogió su evolución vocal. El mismo año, Snuff Garret dejó de producir sus discos tras una discusión con Sonny Bono sobre el tipo de música que se debía grabar. En 1973 y tras su insistencia, Sonny produjo Bittersweet White Light, que fue un fracaso de ventas.

Meses después, Cher logró su segundo sencillo número uno con «Half-Breed», composición de Garret, que habla sobre una mujer, hija de madre cherokee y padre blanco. A pesar de no estar con ella durante la composición, Garret estaba convencido que la canción sería «un éxito para Cher y para nadie más», así que conservó la canción durante meses hasta reencontrarse con la cantante. Tanto el sencillo como el álbum, fueron certificados con un disco de oro por la RIAA. En 1974, se anotó un tercer número uno con «Dark Lady», proveniente del álbum Dark Lady y meses más tarde lanzó su primera recopilación, Greatest Hits, disco que según la revista Billboard, la mostró como «una de las creadoras de éxitos más consistentes de los últimos cinco años», así como «una super estrella que siempre vende discos». Tras «Dark Lady», Cher no volvería a tener otro sencillo número uno en el Hot 100 hasta el final del siglo.

Entre 1971 y 1974, Sonny & Cher revivieron su carrera musical con el lanzamiento de cuatro álbumes a través de Kapp Records y MCA Récords que incluyeron sencillos de éxito como «All I Ever Need Is You» en 1971 y, ya en 1972, «A Cowboy’s Work Is Never Done», por el que recibieron una nominación al Grammy. Sobre su apretada agenda de aquella época, Cher comentó lo siguiente: «Podía hacer todo un álbum… en tres días… luego nos poníamos en camino… y estabamos haciendo el show de Sonny & Cher».

Para finales de 1972, el matrimonio de Sonny y Cher ya había finalizado, pero sus apariciones se mantuvieron hasta 1974. Sonny escribió en su diario, «el público aún pensaba que estábamos casados… y esa es la forma en que tenía que ser». En febrero de 1974, Sonny solicitó la separación citando «diferencias irreconciliables», una semana después, Cher contraatacó con una demanda de divorcio, citando «servidumbre involuntaria» y lo acusó de haberle retenido dinero y de haberla privado de ingresos que le pertenecían por derecho. El dúo discutió en los tribunales las finanzas y la custodia de Chastity, que se le concedió finalmente a la madre. El final de la pareja salió a la luz durante la tercera temporada de The Sonny & Cher Comedy Hour, por lo que dejó de emitirse aun cuando registraba altos índices de audiencia. El proceso de separación finalizó el 27 de junio de 1975. Durante el proceso, Cher tuvo una relación de dos años con el productor ejecutivo David Geffen, que la liberó de los negocios de Sonny Bono, asilándola en la compañía que ella misma controlaría: Cher Enterprises. Geffen acordó un contrato por 2,5 millones de dólares con Warner Bros. Records y reunió a la artista con Phil Spector para grabar un sencillo de prueba a través de Warner-Spector Records, sello controlado por este último. El resultado de la alianza fue «A Woman’s Story» y el dueto con Harry Nilsson, «A Love Like Yours», sencillos que no alcanzaron el éxito. Este último fue posteriormente reconocido por la revista DMA como uno de «los estribillos más pegadizos jamás grabados».

En 1974, ganó el Globo de Oro a la mejor interpretación de una actriz en televisión – comedia o musical por The Sonny & Cher Comedy Hour. El mismo año, Sonny Bono lanzó su propio programa, The Sonny Comedy Revue, pero fue cancelado después de seis semanas de emisión.

Por su parte, Cher con The Cher Show debutó como un exitoso especial para televisión el 16 de febrero de 1975, con la participación de artistas invitados como Flip Wilson, Bette Midler y Elton John. Los actores Cloris Leachman y Jack Albertson ganaron el Emmy por su aparición especial y el programa recibió un total de nueve nominaciones. The Cher Show fue producido por David Geffen y contenía monólogos, comedia, música y el repertorio de vestuario más grande para un show de televisión en ese entonces. La prensa lo valoró positivamente en sus primeros episodios, con Los Angeles Times exclamando «Sonny sin Cher fue un desastre. Cher sin Sonny, por otro lado, sería la mejor cosa que le pasó a la televisión en esta temporada». The Cher Show continuó por otras dos temporadas como sustituto directo de The Sonny & Cher Comedy Hour. Cher declaró: «hacer un programa yo sola era más de lo que podía manejar».

El 30 de junio de 1975, tres días después del final del proceso de divorcio con Sonny, Cher contrajó matrimonio con el músico Gregg Allman, cofundador de The Allman Brothers Band. Firmó el divorcio nueve días después citando sus problemas de alcohol y heroína, sin embargo, la pareja se reconcilió y continuó su matrimonio hasta 1979. Tuvieron un hijo, Elijah Blue, nacido el 10 de julio de 1976. Bajo el nombre artístico de «Allman and Woman», Gregg y Cher lanzaron el álbum de duetos Two the Hard Way en 1977, calificado por A+E Networks como «el peor trabajo de sus respectivas carreras».

Tras la cancelación de The Cher Show debido a su segundo embarazo, Sonny y Cher prepararon su regreso a la televisión con The Sonny & Cher Show, emitido desde febrero de 1976 hasta mediados de 1977. Su extravagante estilo de vida, su tormentosa relación con Allman y el humor insultante entre la pareja acerca de su divorcio fueron factores decisivos para llevar el programa al fracaso.

Animada por Geffen, Cher comenzó a trabajar en su primer álbum bajo el sello Warner en 1975. Según el biógrafo Mark Bego, «su intención era que [este álbum] hiciera millones de fans alrededor del mundo y la tomaran seriamente como una estrella de rock, y no solo como una cantante pop».​ A pesar de sus esfuerzos por desarrollar un estilo con influencias de Stevie Wonder, Elton John, James Taylor, Carly Simon, Joni Mitchell y Bob Dylan, el álbum resultante, Stars, recibió críticas negativas. Janet Maslin de The Village Voice escribió: «Cher no solo no es una rock and roller… apariencia, sin música, Cher solo es el ingrediente principal de las grabaciones y programas de [Sonny] Bono» Desde entonces, el álbum se ha convertido en objeto de culto y es considerado como uno de los mejores de su carrera. Sus siguientes álbumes fueron I’d Rather Believe in You (1976) y Cherished (1977). Este último marcó un regreso al género pop ante la insistencia de los productores de Warner, sin embargo, ambos fueron fracasos comerciales. Cher volvió al horario prime con los especiales Cher… Special (1978), nominado a tres premios Emmy y Cher and Other Fantasies (1979). En 1978, cambió su nombre de Cherilyn Sarkisian La Piere Bono Allman a solo Cher, sin segundo nombre ni apellido para «evitar ser relacionada con su padre, padrastro o ex-esposos».

Ya como madre soltera de dos hijos, se dio cuenta que debía tomar un decisión acerca del rumbo de su carrera como cantante, decidió dejar a un lado su deseo de ser estrella de rock y firmó con Casablanca Records. Finalmente, lanzó Take Me Home, un álbum que incursionó en el género disco, muy popular en ese entonces y cuyo primer sencillo, «Take Me Home», permaneció dentro de las producciones más vendidas de mitad de 1979. Dicha producción marcó una especie de «regreso» en la música y tanto el álbum como el sencillo fueron certificados con un disco de oro por la RIAA. Parte de las ventas fueron respaldadas por la controversial portada del álbum, la cual mostraba a Cher con un revelador traje vikingo.

A pesar del éxito del álbum y el entusiasmo inicial, Cher cambió de mentalidad acerca de la música disco, comentando: «nunca pensé que quería hacer disco… [pero] es terrorífico! Es bueno hacer música para bailar también. Pienso que la música bailable es lo que todos quieren.» Animada por la popularidad de Take Me Home, Cher planeó su regreso al rock con su siguiente álbum, Prisoner (1979). En la portada, apareció semidesnuda y atada con cadenas, aludiendo la presión de la prensa hacia ella y generando la ira de grupos feministas que la persivieron como una «imagen de esclava sexual». Cher incluyó canciones de rock en el álbum promocionado como de género disco, lo que ocasionó que pareciera desenfocado y así, llevándolo al fracaso. Prisoner produjo el sencillo «Hell on Wheels», el cual fue incluido en la banda sonora de la cinta Roller Boogie y fue un éxito al rendir homenaje al patín sobre ruedas, muy popular durante el final de la década. Durante esta época, Cher mantuvo una relación con el bajista de KISS, Gene Simmons.

En 1980, Cher realizó su última grabación bajo el sello Casablanca Records, «Bad Love», una canción de género disco que fu incluida en la cinta Foxes. Formó parte de la banda de rock Black Rose con su pareja de entonces, el guitarrista Les Dudek. El grupo fue promovido sin mostrar a Cher como celebridad, su nombre nunca apareció en el primer álbum y su rostro solo fue visto en una fotografía con todos los miembros del grupo en la parte trasera del disco. Luego de ser fácilmente reconocida tras una presentación, desarrollo una imagen estilo punk, cortándose el cabello y tiñendolo de rubio, verde y rosado. A pesar de sus apariciones en televisión, el grupo no logró realizar conciertos. Su primer y único álbum Black Rose registró pocas ventas y recibió críticas desfavorables. Cher comentó a la revista Rolling Stone: «nos pisotearon, y no atacarón el álbum. Me atacaron a mí. Fue algo como “¿Como Cher se atreve a cantar rock & roll?”»​ En 1981, cuando la banda se disolvió, Cher era una de las atracciones nocturnas más exitosas de Las Vegas, ganando cerca de 300 mil dólares a la semana. El mismo año lanzó el sencillo «Dead Ringer for Love» a dúo con Meat Loaf, el cual se posicionó en el top 5 de Reino Unido. Dicho dueto fue descrito como «uno de los más inspiradores de los ochenta». En 1982, lanzó a través de Columbia Records el álbum I Paralyze, el cual fue declarado como «su álbum más fuerte y consistente en años», pero registró pocas ventas.

Con las ventas de sus álbumes y sencillos estancadas nuevamente, Cher decidió extender su carrera hacia la actuación formal. Sus primeras ámbiciones estuvieron siempre encaminadas hacia el cine, antes que la música, sin embargo no tenía referencias profesionales además de los pobres títulos Good Times y Chastity y los productores y directores en Hollywood no le prestaron atención como actriz. De hecho, en este punto de su carrera, ya la declaraban una artista del pasado. En 1982, se trasladó a Nueva York para tomar lecciones de actuación con Lee Strasberg, fundador de Actors Studio, pero nunca asistió. Audicionó y fue elegida por el director Robert Altman (cuya esposa era amiga de Georgia Holt) para protagonizar la obra de Broadway Come Back to the Five and Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean. El mismo año, fue llamada a hacer parte del reparto para la versión cinematográfica, también dirigida por Altman, la cual le otorgó una nominación al Globo de Oro. El director Mike Nichols la vio en escena mientras actuaba en Jimmy Dean y le ofreció ser la novia lesbiana de Meryl Streep en la controversial cinta Silkwood. En su estreno en 1983, la audiencia era escéptica acerca de la habilidad de Cher como actriz. De acuerdo con la biografa Connie Berman: Ella ha repetido frecuentemente la historia sobre la respuesta de la audiencia en la premier en la que asistió. En el comienzo de la película, cuando su nombre apareció en pantalla, la audiencia cayó en risa. Cher quedó devastada. Su hermana, quien estaba con ella, empezó a llorar. Cher no lloró pero estaba profundamente dolida. La percepción de la audiencia cambió al final. Hollywood también lo supo, así que hicieron las críticas.

Por su «intensa y casi perfecta interpretación», Cher fue nominada al Óscar a la mejor actriz de reparto y ganó el Globo de Oro en la misma categoría. Su siguiente filme, Mask (1985), se posicionó en el segundo lugar de la taquilla norteamericana y fue su primer éxito comercial y de crítica como protagonista. Por su papel de adicta a las drogas y las motocicletas y madre de un joven severamente desfigurado, ganó el premio a la mejor actriz en el Festival de Cine de Cannes. Durante la realización de la película, tuvo un enfrentamiento con el director Peter Bogdanovich, su comportamiento que iba en contra del «orden establecido» provocó que fuera ignorada en las nominaciones a los Óscar de ese año. Según el autor James Parish, para mostrar su inconformidad con el «sistema», Cher asistió a la ceremonia de premiación de 1986 en uno de los trajes más extravagantes –el cual hacía alusión a una tarántula– que se han visto en la historia de los Óscar. Dicho incidente fue altamente publicitado.

También en 1985, fue homenajeada con el premio a la mujer del año Hasty Pudding de la Universidad de Harvard y formó parte de la compañía cinematográfica Isis. En mayo de 1986, hizo su primera aparición como invitada especial en el programa Late Night with David Letterman. Cuando Letterman le preguntó por qué había sido tan renuente a aparecer en su programa, Cher respondió que no lo había hecho por considerarlo un «idiota». La audiencia «estremeció» y Letterman comentó a la revista People, «eso hirió mis sentimientos, Cher era una de las pocas personas que realmente he querido tener en el programa y entonces me dijo idiota. Me sentí como un total tonto».​ En 1987, limó asperezas con Letterman y regresó al programa en una aparición especial con su ex-esposo Sonny Bono para cantar «I Got You Babe», siendo la primera vez en casi 10 años en que se reunían.

Durante esta década, fue involucrada ampliamante en relaciones sentimentales con varios hombres de menor edad, incluyendo los actores Val Kilmer, Eric Stoltz y Tom Cruise, el jugador de hockey Ron Duguay, el productor cinematográfico Josh Donen, el guitarrista de Bon Jovi, Richie Sambora y Rob Camilletti, este último era un panadero, 18 años menor, el cual conoció en 1986 y con quien vivió durante tres años. Apodado como el «chico rosquilla» por la prensa, Camilletti apareció en los titulares al estrellar el Ferrari de Cher con el auto de uno de los paparazzis. La pareja se separó al poco tiempo después.

En 1987, regresó a la pantalla gigante en tres ocasiones. La primera, interpretando a una defensora pública en el drama Suspect, al lado de Dennis Quaid y Liam Neeson, la segunda, co-protagonizando junto con Susan Sarandon, Michelle Pfeiffer y Jack Nicholson la comedia Las brujas de Eastwick, la cual tuvo ingresos por 31,8 millones de dólares por ganancias de alquiler y la tercera, protagonizando la comedia romántica de Norman Jewison, Hechizo de luna, en la que actuó junto con Nicolas Cage y Olympia Dukakis y que tuvo ingresos por más de 90 millones de dólares. Por su «cautivadora» actuación de una italiana «viuda y solitaria que al final re-encontró el amor», Cher ganó el Óscar a la mejor actriz y el Globo de Oro como mejor actriz – comedia o musical. En la ceremonia, toda la audiencia se levantó al escuchar su nombre como ganadora, ella dijo en su discurso: «No creo que este premio signifique que soy alguien, pero tal vez estoy en camino». Para 1988, Cher era considerada como una de las actrices más aclamadas y rentables de la década, cobrando cerca de USD$1 millón por película. El mismo año lanzó su propia fragancia, Uninhibited, la cual le generó ingresos por cerca de USD$15 millones en su primer año en el mercado. También lanzó su primer libro de ejercitamiento físico titulado Forever Fit, el cual vendió más de 100,000 copias.

El mismo año, revivió su carrera musical al firmar con la disquera Geffen Records con lo que la revista DMA llamaría «la más impresionante serie de éxitos hasta la fecha que la estableceria como una artista rock & roll seria una corona por la cual había trabajado arduamente para conseguir». Con la intervención de Michael Bolton, Jon Bon Jovi, Desmond Child y Richie Sambora, lanzó Cher, álbum que redefinió su imagen como cantante y que fue certificado con un disco de platino por la RIAA. Su primer sencillo, «I Found Someone», presentó una ineludible influencia de rock and roll y se posicionó en el top 10 de Estados Unidos, siendo el primer éxito de Cher en más de ocho años. Otros sencillos descatables son «We All Sleep Alone», el cual alcanzó el puesto 14 del Hot 100 y «Bang Bang», una nueva versión de su éxito de 1966, el cual destacó por su amplia inmersión en el género hard rock. Cher vendió alrededor de 7 millones de copias.

Su vigésimo álbum y segundo con Geffen, Heart of Stone (1989), superó el éxito del anterior y vendió 11 millones de copias a nivel mundial, consiguiendo tres discos de platino por la RIAA. El video musical del primer sencillo, «If I Could Turn Back Time», suscitó polémica al mostrar a Cher actuando en un buque de guerra, luciendo un body negro semi-transparente, el cual dejaba al descubierto un gran tatuaje en sus glúteos. Diversas cadenas musicales censuraron el video, incluyendo a MTV, quien inicialmente se negó a transmitirlo por su «parcial desnudez». Respondiendo a la presión de sus televidentes adultos, la cadena solo transmitió el video entre las 9pm y 6am. «If I Could Turn Back Time» fue un hit a nivel mundial, convirtiéndose en el sencillo más exitoso de Cher en toda su carrera. Otros sencillos de gran notoriedad fueron «Just Like Jesse James», «Heart of Stone» y «After All», este último fue un dúo con Peter Cetera que sirvió como tema central de la cinta Chances Are y que fue nominado al Óscar a la mejor canción original. El mismo año, se embarcó en la gira Heart of Stone Tour (también conocido como The Cher Extravaganza), el cual finalizó en 1990. La gira generó un especial de televisión titulado Cher at the Mirage, el cual fue grabado durante uno de sus conciertos en Las Vegas.

Su primera película en tres años, Mermaids (1990), fue un homenaje a las mujeres que viajan de ciudad en ciudad al final de una relación amorosa. Contó con la participación de Winona Ryder y Christina Ricci y aunque no fue considerada como un éxito de taquilla, fue bien valorada por los críticos. La artista declaró que tuvo discusiones con los primeros dos directores de la cinta, Lasse Hallstrom y Frank Oz, hasta que fueron reemplazados por Richard Benjamin. Como los productores creían que Cher podría ser la «atracción» de la película, le dejaron tener control total detrás de escena. Según la biógrafa Connie Bernan, Mermaids se convirtió en un clásico de culto. Cher contribuyó con dos canciones para la banda sonora: «Baby I’m Yours» y el éxito internacional «The Shoop Shoop Song (It’s in His Kiss)», el cual lideró las listas británicas por cinco semanas y entró en el top 5 a nivel mundial. En 1991 lanzó su última producción bajo el sello Geffen, Love Hurts, el cual debutó en el primer lugar en Reino Unido, manteniedose allí por seis semanas. El álbum vendió cerca de 4 millones de copias y generó cuatro sencillos de éxito, el más notable, «Love and Understanding», el cual ingresó en el top 10 en el país británico y se ubicó dentro de las primeras veinte casillas de Estados Unidos, siendo el único sencillo exitoso del álbum en América. Tiempo después, Cher comentó que sus «años de éxito» con Geffen habían sido especialmente significativos para ella porque «estaba logrando hacer canciones que realmente amaba canciones que realmente me representaban y que fueron populares».

En 1992, se embacó en la gira Love Hurts Tour y lanzó dos videos sobre salud nutricional, CherFitness: A New Attitude y CherFitness: Body Confidence, siendo muy exitosos en su género. En noviembre del mismo año, lanzó la recopilación Cher’s Greatest Hits: 1965-1992, la cual solo estuvo disponible en Europa y que incluyó tres nuevas canciones, «Oh No, Not My Baby», «Many Rivers to Cross» y «Whenever You’re Near». La recopilación demostró ser exitosa, liderando las listas británicas por siete semanas no consecutivas y ubicándose en el top 10 de otros países. En Alemania, Cher recibió el premio Echo a la artista internacional del año.

Debido a su mala experiencia en Mermaids, rechazó protagonizar las exitosas películas La guerra de los Rose y Thelma & Louise. Según la biografa Connie Berman, «luego del éxito de Hechizo de Luna, ella estaba tan preocupada sobre su siguiente paso profesional, por lo cual era muy cautelosa». En la primera mitad de la década, cayó víctima del virus de Epstein-Barr y consecuentemente desarrolló un síndrome de fatiga crónica, lo cual la dejaba demasiado agotada como para sostener su carrera en la música y el cine. Sin embargo, comenzó a aparecer en una serie de infomerciales sobre productos de salud, dieta y belleza, ya que «necesitaba dinero» y «estaba demasiado cansada como para trabajar en otros proyectos». Dichos comerciales le generaron ingresos por 10 millones de dólares. Las críticas no se hicieron esperar, Cher era constantemente parodiada en programas como Late Night with David Letterman y Saturday Night Live, era objeto de burlas y los críticos declararon «muerta» su carrera como actriz. Más tarde, ella declaró en Ladies Home Journal: «De repente me convertí en la reina de los infomerciales y no se me ocurrió que la gente solo se centraría en eso y me despojaría de mis otras cosas».

Realizó una serie de cameos en las películas The Player (1992) y Prêt-à-Porter (1994), ambas dirigidas por Robert Altman. En 1994 colaboró en la serie Beavis and Butt-Head de MTV para la realización de una versión rock del éxito de Sonny & Cher, «I Got You Babe». En 1995, volvió a la cumbre de las listas británicas con «Love Can Build a Bridge», que contó con la colaboración de Chrissie Hynde, Neneh Cherry y Eric Clapton. El mismo año, firmó con los sellos Warner Bros. Records (por segunda vez) y WEA Records para lanzar It’s a Man’s World, álbum constituido en su totalidad por canciones escritas por hombres y que serían expuestas por Cher bajo la mirada femenina. El álbum recibió comentarios positivos y algunos críticos declararon que su voz «se escuchaba mejor que nunca». It’s a Man’s World fue lanzado en Europa en noviembre de 1995 y en América en junio de 1996 bajo el sello Reprise Records y originó los sencillos notables «Walking in Memphis» y «One by One», en este último Cher hizo gala de su falsete, por lo que fue bien valorada. It’s a Man’s World vendió cerca de 1 millón de copias. El 24 de diciembre de 1995 protagonizó Christmas with Cher, un especial navideño de ITV para televisión. En 1996, protagonizó la comedia de Chazz Palminteri, Faithful, que fue mal recibida por los críticos. A pesar de ser elogiada por su «appeal», se negó a promoverla alegando que era «horrible». Se anotó un éxito profesional al dirigir parte de la película de HBO, If These Walls Could Talk, la cual trataba sobre el tema del aborto y contó con la participación de Demi Moore, Sissy Spacek y Anne Heche. Por encarnar a una doctora asesinada brutalmente por un fanático que estaba en contra del aborto, recibió una nominación al Globo de Oro a la mejor actriz en una película para televisión.

En enero del mismo año, el ahora representante republicano Sonny Bono falleció en un accidente de ski. Cher dio un conmovedor discurso en su funeral y con lágrimas en los ojos lo declaró «el personaje más inolvidable» que había conocido. El 20 de mayo de 1998 homenajeó a Bono con el especial de televisión Sonny and Me: Cher Remembers de la CBS. Consecuentemente, Sonny & Cher recibieron una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood por su contribución en la televisión. El mismo año, lanzó su autobiografía, The First Time, una colección de ensayos que relataron sus «primeras veces» a lo largo de su vida; el libro fue bien calificado al mostrar a la cantante «real» y «genuina». En el momento de la muerte de Sonny Bono, Cher no había terminado de escribir el libro y estaba indecisa sobre incluir o no la muerte de este, ya que podrían acusarla de aprovecharse del momento. Más tarde, declaró a la revista Rolling Stone: «No lo podía pasar por alto, ¿como podría?. Me importaría más lo que la gente pensara o lo que fuera correcto para mí… Yo no tengo que dar explicaciones. Me gustaría que la gente entendíera, pero si no lo hacen, bueno, así es como son las cosas».

En noviembre de 1998 lanzó el que sería la producción discográfica más exitosa de su carrera, Believe, un álbum compuesto totalmente por canciones de género dance, que reinventaron su imagen, le devolvieron popularidad y marcaron una amplia brecha con sus antiguas producciones. Muchas canciones intentaron «capturar la esencia de la era disco». Cher comentó: «no es que piense que es un álbum de los setenta… pero allí hay un enlace, una consistencia corriendo a través de él que me encanta». Believe fue certificado con cuatro discos de platino por la RIAA, recibió certificaciones adicionales en otros 39 países y vendió más de 20 millones de copias. El primer sencillo del álbum, «Believe», lideró las listas de popularidad en 25 países y vendió cerca de 11 millones de copias. Llegó a ser un hit alrededor del mundo, fue el sencillo mejor vendido de 1998 y 1999, así como en el más exitoso de toda su carrera hasta la fecha, se convirtió en uno de los sencillos más vendidos de la historia y en su canción insignia. En el Reino Unido, la canción se ubicó en el primer lugar por siete semanas y se catalogó como el sencillo más vendido por parte de una cantante solista en aquel país, récord que aún mantiene. Con «Believe», Cher se convirtió en la cantante de mayor edad (a los 52 años) en alcanzar la cumbre del Hot 100 en Estados Unidos, la catalogó como la artista con el mayor periodo de tiempo entre canciones que hayan alcanzado la cumbre de dicha lista desde su primera y última vez, con un lapso de 33 años y como la única mujer en la historia en entrar en el top 10 de Estados Unidos en las décadas de los sesenta, setenta, ochenta y noventa. Adicionalmente recibió dos nominaciones al Grammy a la grabación del año y mejor grabación bailable, ganando el último.

El álbum también produjo un segundo sencillo de gran éxito, «Strong Enough», el cual entró en el top 10 a nivel mundial. El 28 de enero de 1999 apareció en la trigésimo tercera edición del Super Tazón para interpretar el himno de los Estados Unidos.​ En marzo, apareció en el especial de televisión VH1 Divas Live 2, que contó con la colaboración de Tina Turner, Elton John y Whitney Houston, entre otras estrellas. Según VH1, «ese fue el especial más popular y más visto en la historia de la televisión, con la presencia de Cher generando parte de eso». Su posterior gira, Do You Believe? Tour, se extendió a lo largo de 1999 y el 2000, agotó boletería en Estados Unidos y fue vista por cerca de 1,5 millones de personas globalmente. De la gira se originó un especial para televisión titulado Cher: Live at the MGM Grand In Las Vegas, el cual logró los niveles más altos de audiencia que cualquier otro programa de HBO de 1998 y 1999 y recibió siete nominaciones al Emmy. También en 1999, Cher lanzó su siguiente recopilación, The Greatest Hits, que lideró las listas de popularidad en Australia y Alemania. El mismo año, Geffen Records también lanzó su propia versión, If I Could Turn Back Time: Cher’s Greatest Hits, el cual fue certificado con un disco de oro por la RIAA.

Su siguiente película fue Té con Mussolini (1999) de Franco Zeffirelli, con la participación de las aclamadas actrices Judi Dench, Maggie Smith, Joan Plowright y Lily Tomlin. Aunque la cinta recibió comentarios mixtos, su actuación fue bien valorada al interpretar a una extravagante y acomodada mujer judía que es traicionada, quedando en la ruina en el marco de la Segunda Guerra Mundial; un crítico de FilmComment escribió: «Solo después de que ella aparece en pantalla es cuando te das cuenta cuanto profundamente ha estado perdida de ella. Pero Cher es una estrella, ella se las arregla para ser un personaje y al mismo tiempo y sin que lo olvides, ser Cher».

En marzo del 2000, Cher lanzó el álbum independiente Not.com.mercial, una recopilación de composiciones que había realizado luego de asistir a una conferencia de compositores en París en 1994. Debido a la fuerte naturaleza de las letras, muchas compañías discográficas se negaron a publicar el álbum al considerarlo «no comerciable», por lo que decidió publicarlo a través de su página web. El título proviene de un juego de palabras entre «dot com» (punto com), referida a los sitios web y «not commercial» (no comercial). Muchas de las canciones relataban sus vivencias personales, con un lenguaje «contundente» y contenido «sombrío». Not.com.mercial fue la primera producción en donde casi todas las canciones eran de su autoría. La canción «Sisters of Mercy» evocó la época en que estuvo recluida en un orfanato, allí tildó a las monjas católicas que cuidaban de ella como «crueles, despiadadas y perversas», lo cual causo controversia entre los líderes de la iglesia.

El mismo año, grabó «Più che puoi», a dúo con el cantante italiano Eros Ramazzotti. En noviembre, realizó un cameo en Will & Grace, en el episodio «Gypsies, Tramps and Weed», el cual se convirtió en el segundo episodio más visto de la serie. El mismo año, Cher recibió su segundo premio Echo a la artista internacional del año.

En el 2001, lanzó Living Proof, álbum que también incursionó en el género dance y que fue considerado como el sucesor de Believe. Living Proof debutó en el puesto 9 del Billboard 200, siendo el debut más exitoso de su carrera hasta aquel tiempo. Slant Magazine calificó el álbum como «la mayor pieza de re-afirmación del arte pop desde el 9/11». El primer sencillo del álbum para Europa, «The Music’s No Good Without You», alcanzó el puesto 8 en el Reino Unido y entró en el top 10 en algunos países. El primer sencillo para Estados Unidos, «Song for the Lonely», fue dedicado «al coraje de los neoyorquinos» tras los atentados contra las Torres Gemelas. De hecho, en el video de la canción aparecen las Torres, las cuales habían sido derribadas con meses de anterioridad.

Muchas de las canciones del álbum fueron remezcladas, siendo muy populares en las discotecas de Estados Unidos y Europa. Living Proof recibió un disco de oro por la RIAA y la canción «Love One Another» recibió la nominación al Grammy a la mejor grabación bailable. En mayo del 2002, apareció por segunda vez en el concierto benéfico VH1 Divas Las Vegas, que contó con la colaboración de Anastacia, Céline Dion, Dixie Chicks y Shakira, entre otros. El mismo año, recibió el galardón Dance/Club Play Artist of the Year en los premios Billboard. Durante esa época, su fortuna personal fue calculada en USD$600 millones.

En junio del mismo año, se embarcó en la gira Living Proof: The Farewell Tour, la cual fue publicitada como la última de su carrera, aunque siempre aclaró que seguiría grabando discos y haciendo películas. El espectáculo fue diseñado como un homenaje a sus 40 años de carrera. Este incluyó video clips de sus inicios en la década de los sesenta, su éxito en la televisión, el cine y fue adornado por un extravagante vestuario, respaldado por más de 20 bailarines, acróbatas y dos coristas. Inicialmente, la gira enlistó 49 conciertos pero fue extendida en muchas ocasiones, cubriendo virtualmente a todo Estados Unidos, así como varias ciudades en Europa, Australia, México, Canadá y Nueva Zelanda.

Re-encontró el éxito en la televisión nuevamente con Cher: The Farewell Tour, un especial de la NBC de uno de sus conciertos en Miami en noviembre del 2002 y que fue emitido en abril del 2003, con una audiencia de más de 17 millones de personas. Fue el especial de televisión más visto del año y Cher fue premiada con el Primetime Emmy al mejor programa de variedades, música o especial de comedia. Más tarde en el 2003, lanzó el álbum Live! The Farewell Tour, una recopilación de sus canciones en vivo provenientes de la gira.

Luego de romper con la sucursal de Warner en el Reino Unido en el 2002, firmó un contrato de cubrimiento mundial con la casa matriz de la disquera en septiembre del 2003. El mismo año lanzó The Very Best of Cher, una recopilación de grande éxitos de toda su carrera. Dicha producción alcanzó el puesto 4 en el Billboard Hot 100 y fue certificado con dos discos de platino por la RIAA. El mismo año, presentó una imagen distorsionada de sí misma en la comedia de Bobby y Peter Farrelly, Stuck on You, junto con Matt Damon y Greg Kinnear. En la película, Cher trató de falsificar su imagen pública, apareciendo en una cama junto con «su supuesto novio» Frankie Muniz. También en ese año, grabó un dueto con Rod Stewart, titulado «Bewitched, Bothered and Bewildered». Living Proof: The Farewell Tour, que había tenido una duración de tres años con 325 conciertos, finalizó en abril del 2005, siendo la gira más exitosa por parte de una artista femenina hasta ese tiempo, ganándose un lugar en el Libro Guinness de los récords. Durante los siguientes tres años, las apariciones de Cher en público fueron escasas.

En el 2008, volvió a los escenarios firmando un contrato por USD$180 millones para realizar una serie de presentaciones en el Coliseo del Caesars Palace de Las Vegas, titulado Cher at the Colosseum. El espectáculo, el cual inició el 6 de mayo de dicho año, repasó su historia musical y contó con una imponente puesta en escena. Ella declaró: Comencé a actuar en Las Vegas en el casino Caesars, así que ahora completo el ciclo.

El 8 de mayo del mismo año apareció en el programa The Oprah Winfrey Show, donde se reunió con su colega y amiga Tina Turner. El episodio fue declarado el más visto en meses en Estados Unidos, rompiendo los propios récords del programa de Winfrey. En agosto del mismo año, el diario británico The Daily Telegraph anunció que Cher sería la primera opción para interpretar a Catwoman en la cinta The Dark Knight Rises. El 3 de noviembre del mismo año, estos rumores fueron desmentidos luego de una aparición en el programa The Ellen DeGeneres Show, en donde confirmó que participaría en la cinta The Drop Out, sin embargo, nunca llegó a filmarse por falta de financiación.

El 5 de febrero del 2011, finalizó su espectáculo en Las Vegas, con un total de 192 conciertos realizados en tres años; ninguno de ellos fue grabado por lo cual no se realizaron lanzamientos posteriores en DVD del show.

En el 2010 realizó su primera película formal desde 1999: Burlesque, interpretando a la dueña de un club neo-burlesque en el Sunset Boulevard que está a punto de entrar en bancarrota y que contó con la participación de Christina Aguilera. Grabó dos canciones para la banda sonora, «Welcome to Burlesque» y «You Haven’t Seen the Last of Me», esta última compuesta por Diane Warren y ganadora del Globo de Oro a la mejor canción original. Burlesque recaudó $110,657,398 millones de dólares, convirtiéndose en la película de mayor recaudación de Cher. El mismo año fue inmortalizada al dejar sus huellas de manos y pies en cemento frente al Grauman’s Chinese Theatre y en diciembre fue reconocida como la «mujer del año» por la revista Glamour. El año siguiente prestó su voz en la película Zookeeper, que contó con la colaboración de Kevin James, Adam Sandler y Sylvester Stallone.

En el 2013 lanzó al mercado Closer to the Truth, su primer trabajo discográfico desde Living Proof del 2001. El álbum, que subió directamente a la tercera casilla del Billboard 200 en la semana de lanzamiento, se convirtió en el mejor debut de toda su carrera. Siguió la misma línea musical de sus dos producciones anteriores y contó con composiciones de Jake Shears, Pink y Timbaland. Además, la catalogó como la artista con el periodo de tiempo más amplio que ha incursionado en dicha lista desde la primera y última vez, comenzando en 1965 como parte de Sonny & Cher, hasta 2013, con un rango de 48 años. The Boston Globe calificó el sonido del álbum y a la cantante de 67 años «más convincentes que JLo o Madonna». Su primer sencillo, «Woman’s World», fue presentado con una actuación en vivo durante el capítulo final de la cuarta temporada de The Voice, marcando su primera aparición en televisión en casi una década. Cher apareció en la siguiente temporada como invitada especial y consejera de Blake Shelton. También produjo Dear Mom, Love Cher, un especial de televisión sobre su madre Georgia Holt, el cual se estrenó en mayo del 2013 a través de Lifetime. En junio del mismo año apareció como artista principal en el evento del desfile del Orgullo Gay de Nueva York Dance on the Pier, el cual agotó boletería por primera vez en cinco años. En noviembre, apareció como invitada en la décimo séptima temporada del programa Bailando con las Estrellas, haciendo parte del jurado durante la octava semana del programa, cuya banda sonora incluía exclusivamente su música.

En el 2014 inició su gira Dressed to Kill Tour casi doce años después de haber anunciado su «gira de despedida», aunque aclaró con los dedos cruzados que esta sí sería la última. En la primera etapa de la gira, los boletos fueron agotados para 49 presentaciones en Norteamérica, recolectando $54.9 millones de dólares. En noviembre del mismo año, canceló el resto de sus conciertos debido una infección que había comprometido sus riñones.

El mismo año realizó una interpretación especial en el álbum Once Upon a Time in Shaolin del grupo de rap Wu-Tang Clan, siendo acreditada como Bonnie Jo Mason, su primer nombre artístico en 1964. De este álbum sólo se produjo una copia, la cual fue vendida por la suma de $2 millones de dólares en una subasta en línea en noviembre del 2015. Luego de ser invitada por Marc Jacobs al Met Gala del 2015, fue el rostro de la colección otoño/invierno del diseñador. Sobre esto, Jacobs declaró: «Este ha sido mi sueño desde hace mucho, mucho tiempo».

En junio del 2012, reveló que un musical de Broadway sobre su vida estaba en desarrollo, abriendo la posibilidad de participar en el mismo. Para el 2015, se confirmó que el guion de la obra estaba en manos de Rick Elice, responsable del éxito de Broadway Jersey Boys. Cher también confirmó que tres actrices la personificarían en tres etapas distintas de su vida. A finales del 2016, Jason Moore fue confirmado como el director, mientras que Flody Suárez y Jeffrey Seller fueron confirmados como productores. La obra tuvo su primera lectura en escena entre el 2 y el 14 de enero del 2017 en presencia de Cher en la ciudad de Nueva York, bajo el título de The Cher Show.

El 8 de febrero del 2017, inició su segundo espectáculo residencial titulado Classic Cher en el hotel Monte Carlo de Las Vegas. El espectáculo fue diseñado en cooperación con la empresa AEG Live, responsable de su anterior show Cher at the Colosseum. Classic Cher también cuenta con varias presentaciones en el recién inaugurado hotel MGM National Harbor en Washington D.C.

Un día después de su 71° cumpleaños, fue galardonada con el premio «Icon Award» durante la ceremonia de entrega de los Billboard Music Awards, distinción también concedida a otros artistas como Stevie Wonder, Prince y Céline Dion. Su interpretación en la ceremonia marcó su primera aparición en una entrega de premios en más de 15 años.

Cher ha empleado numerosos estilos musicales: folk, pop, punk, arena rock, power ballads, disco, New Wave y hip hop; según sus palabras, lo ha hecho para «permanecer vigente y tocar fibras sensibles». Sus primeros álbumes estaban basados en composiciones de artistas como Bob Dylan, Pete Seeger y Jackie DeShannon, así como de Sonny Bono, quien produjo la mayoría de sus discos en la década de los sesenta utilizando las técnicas aprendidas de Phil Spector. Phil Marder, de la revista Goldmine, la elogió por su casi perfecta selección de canciones que la hicieron una cantante de rock distinguida; mientras que muchos de sus primeros éxitos eran compuestos o cantados por Sonny, la mayoría de los suyos en solitario, los cuales superaban en número a los del dúo, eran hechos por compositores independientes elegidos por Cher. Según Jose F. Primes de Allmusic, en Not.com.mercial (2000), el primero de sus álbumes en donde compuso casi todas las canciones, presentó el «sentimiento de una cantautora de los setenta» que la situó en un «rol de narradora». Marder escribió que sus contribuciones en el rock & roll habían sido altos pues «había trascendido en el Rock» para convertirse en un icono de la industria del entretenimiento.

Algunas de sus primeras canciones hablaban sobre temas polémicos como el divorcio, la prostitución, embarazos no planeados en menores de edad y racismo. Debido al peculiar tono de su voz, la canción «The Way of Love», de 1972, tuvo varios puntos de interpretación, la primera era acerca del amor de una mujer hacia otra y la segunda era de una mujer rompiendo su relación con un hombre gay al que había amado. Su habilidad para cantar en tonos femeninos y masculinos le permitió interpretar canciones de temática andrógina. Su voz es contralto, sólida hasta en las notas más altas, espesa y oscura a la vez; su resistencia vocal es tal que puede mantener notas durante largos periodos de tiempo sin dificultad.1​ Es descrita por el autor Nicholas E. Tawa como «fuerte, profunda y con un espeso vibrato». Ann Powers de The New York Times la llamó «la voz del rock por excelencia: impura, peculiar; un fino vehículo para proyectar personalidad». Su falsete ha sido descrito como «robusto», siendo «brillante, claro y pesado».

Demostrado por primera vez en el álbum Black Rose de 1980, la agresividad y la voz aguda en álbumes orientados hacia el rock resaltaron su autonomía sexual. En It’s a Man’s World de 1995, moderó su voz para cantar en registros altos, con falsete consistente y sin vibrato. En la canción «Believe» aplicó un método de distorsión vocal propuesto por ella misma, siendo el primer éxito internacional que presentaba el uso de Auto-Tune y manipulación de tonos como efectos creativos deliberados. Tras el éxito mundial de la canción, la técnica fue conocida como «Efecto Cher» y desde entonces ha sido muy utilizada en la música popular. Volvió a implementar esta técnica en su álbum Living Proof del 2001 y en Closer to the Truth del 2013.

Según la autora Diane Negra, Cher presentó en sus primeros años de carrera un «lugar ideal para los pensamientos de otros» y «un cuerpo que podría mostrar la creatividad masculina». Su imagen en el escenario, según la autora Yvonne Tasker «funciona en términos de una negativa a la dependencia hacia algún hombre y la determinación a no solo forjar una carrera (como actriz) en sus propios términos sino a rechazar el papel convencional asignado a la mujer de más de cuarenta años por una industria con un fetichismo hacia la juventud». A través de la década de los ochenta, encarnó papeles cuya función principal era de intermediadora social para hombres marginados. Por compartir con una víctima de elefantiasis interpretado por Eric Stoltz en Mask (1985), un mudo veterano sin hogar interpretado por Liam Neeson en Suspect (1987) y un panadero socialmente marginado con una mano de madera interpretado por Nicolas Cage en Hechizo de luna (1987), Cher mostró su estatus de «emancipadora de cuerpos». En Mermaids (1990) hizo uso de «su fuerte y sexualmente asertiva» imagen. Según Jeff Yarbrough de The Advocate, por haber tomado la decisión de interpretar a una lesbiana en Silkwood (1983), Cher se convirtió en «una de las primeras superestrellas que interpretaban a una persona gay con compasión y sin entrar en estereotipos».

Su rebelde personalidad también ha calado en sus vídeos musicales y presentaciones en vivo, en los cuales ha comentado repetidamente sobre «su propia construcción, la búsqueda de la perfección y su desempeño en un cuerpo de mujer». Según Roger Flint, escritor de la revista American Cinematographer, su video «Hell on Wheels» fue uno de los primeros videos musicales del mundo, en el que involucró «casi todas las técnicas complejas necesarias para la realización de una película». El video de «If I Could Turn Back Time» —traducido como «Si pudiera devolver el tiempo»; referido a la juventud de su cuerpo— fue el primero en ser censurado por la cadena MTV. Tasker destacó que mientras otros videos musicales y presentaciones de artistas como Janet Jackson, Madonna y Tina Turner eran apoyados por cantantes de soporte que hacían mímica y las hacían relucir, Cher en el especial Cher at the Mirage era apoyada por un bailarín que vestía uno de sus glamurosos y reveladores vestidos durante un número en el cual cantaba «toda mi vida he estado soñando con la perfección». Según Diane Negra, según su presupuesto se lo permitió, «Cher le ofreció a su público una pluralidad placentera». En su interpretación de «After All» en el mismo concierto, inicia con un montaje sobre su vida, sus ex-esposos e hijos, así como de sus películas, «invitando a pensar en la letra de la canción con relación a su vida y así, poniendo en circulación a una Cher histórica».

Sus actuaciones en vivo fueron descritas por Cary Darling, editora de la revista Billboard, como «más un show que un concierto». Su gira Take Me Home Tour de 1979 reunió elaboradas coreografías, varios cambios de vestuario, un video clip biográfico acerca de su carrera y dos imitadores vestidos como Diana Ross y Bette Midler. En 1999, The New York Times llamó a su Do You Believe? Tour un concierto de «alta energía circence». En el 2002, Clea Simons de Boston Phoenix declaró que en su gira de despedida, Cher había «superado su propia predilección por los espectáculos». Dicho «gran show» estaba acompañado de «acróbatas del estilo del Cirque du Soleil, bailarines que se deslizaban en el aire con piruetas, con trajes de la etnia mongol envueltos en pieles, con tatuajes maoríes sobre sus letargos, fuego (proyectado en pantalla) y un acto con un animal (un elefante mecánico)». Según James Sullivan de San Francisco Chronicle: «Cher es muy consciente que su brillo camaleónico sentó las bases para el actual era de los esplendorosos shows de estadio. Esta lo suficientemente cómoda como para ver tal imitación en forma de adulación, no como si la hubieran robado».

Cher emergió como un ícono de la moda desde la década del sesenta. Popularizó el cabello negro azabache largo y lacio, los pantalones campaneros, el torso desnudo, pañoletas y túnicas de estilo cherokee. Empezó su carrera como modelo en 1967 cuando fue descubierta por el fotógrafo Richard Avedo, responsable de la portada de la revista TIME en la que Cher apareció en 1974. Apareció en la portada de Vogue en cinco ocasiones entre 1972 y 1975. A través de su incursión en la televisión durante los setenta, llegó a ser un símbolo sexual gracias a los reveladores vestidos diseñados por Bob Mackey. Se enfrentó en numerosas ocasiones a la censura tras vestir prendas que dejaban descubierto su ombligo, catalogándose como la primera mujer en mostrar dicha parte del cuerpo en la televisión estadounidense. Igualmente, empezó a usar pelucas durante esta década. En 1972 y luego de ser enlistada en el conteo de las «mujeres mejor vestidas», Mackie declaró: «no ha habido ninguna mujer como Cher desde [Marlene] Dietrich y [Greta] Garbo. Es la estrella de la moda que atrae a personas de todas las edades. Es una gran influencia tanto para adultos como para jóvenes. Nunca ha sucedido antes. Puede pararse allí con un atuendo más salvaje y salirse con la suya. Es divertido ver a un artista que está tan conectada con la moda».

En mayo de 1999, luego de que fuera homenajeada por el Concilio de Diseñadores de América con un premio especial por su influencia en dicha industria, Robin Givhan de Los Angeles Times la llamó una «visionaria de la moda». También citó a Tom Ford, Anna Sui y Dolce & Gabbana como «diseñadores influyentes quienes han evocado su nombre como fuente de inspiración y guía». Concluyó declarando: «la nativo americana y mujer del espectáculo Cher ahora parece resumir la etnicidad, adornación y sex appeal de la industria de la moda». El crítico Booth Moore de Los Angeles Times escribió que «ellos [la industria de la moda] no volverán a crear iconos del estilo como Cher. Desde el inicio de su carrera, ella entendió que cultivar un look era tan importante como cultivar un sonido… Ella fue la muñeca Barbie del mundo, una fantasía de la moda viviente semana tras semana en televisión, que simultáneamente apareció en las listas de las mejores —y peores— vestidas. Ámenla u ódienla: ella siempre nos mantiene adivinando».

Cher se ha reinventado en personas «completamente nuevas» a través de su carrera, siendo declarada como «el último camaleón» por el profesor Richard Aquila de la Universidad Estatal Ball. Según Lucy O’Brien, Cher se adhiere al sueño americano de la autoreinvención: «el envejecer no significa ser obsoleto». Phil Marder de Goldmine escribió que «de arriba a abajo, Cher fue el prototipo de estrella femenina del rock, estableciendo los estándares de la apariencia, desde sus primeros días hippies hasta sus recientes trajes extravagantes, y su actitud —la de una mujer punk perfecta, incluso antes de que el punk fuera un término del rock–». Aseguró que con sus «actitudes casi dominantes» sobre su compañero Sonny Bono y su vestuario en el escenario, lideró el caminó hacia la liberación femenina en el mundo del rock, con contemporáneas como Marianne Faithfull y Nancy Sinatra como sus seguidoras. O’Brien, en su libro She Bop II: The Definitive History of Women in Rock, Pop and Soul, discutió acerca de su personalidad adoptada en el final de los ochenta: «La reina del rock de los ochenta debió ser Cher… con su cabello en cascada, el tatuaje en su trasero, medias en malla, chaquetas de cuero negro, y sus muy bien publicitados romances con jóvenes héroes del heavy metal… fue como si estuviera interpretando el papel de estrella de rock».

Según la biógrafa Connie Berman, su victoria en los premios Óscar de 1987 señaló un cambio importante en Hollywood: «No solo lo hizo, apareció con una bata insinuante, bailó en el escenario y fue aplaudida por su audacia». Douglas Bourde documentó en su libro The Films of the Eighties: «en el comienzo de los ochenta, su estilo personal y sus travesuras fuera de cámara pudieron haber sido demasiado para aceptarlos… Pero hacia el final de la década, la vieja guardia había pasado y un nuevo Hollywood había percibido en Cher, —trajes casi al borde de la transparencia, el cabello encrespado, opiniones concretas y agudas— una persona muy apropiada para él». El autor Craig Crawford la llamó un «modelo flexible para manejar carreras», aclamando sus «muchas y variadas victorias», las cuales se basaron en la remodelación constante de su imagen de acuerdo a las demandas cambiantes del mercado cultural. Según él, ella cobró cada «cambio radical de estilo como otro ejemplo de la rebelión, una imagen que le permitió hacer cambios calculados mientras aparentaba ser consistente». La misma Cher ha declarado: «Esta es mi vida—y voy a hacer todo lo que quiera. No me importa lo que otros piensen».

Ha atraído la atención de la prensa por su apariencia física, particularmente por sus looks juveniles y sus tatuajes. Es llamada frecuentemente la «chica del póster» de las cirugías plásticas. Grant McCracken, en su libro Transformations: Identity Construction in Contemporary Culture, dibujó un paralelo entre sus cirugías y las transformaciones de su carrera: «No existe un registro público de cuando… Cher eligió hacerse una cirugía plástica. Pero parece más o menos consistente con las transformaciones de su carrera. Sus cirugías no son meramente cosméticas. Son hiperbólicas, extremas, exageradas… Cher se ha involucrado en una tecnología de transformación dramática e irreversible». Caroline Ramazanoglu, autora de Up Against Foucault: Explorations of Some Tensions Between Foucault and Feminism, declaró que sus operaciones «han reemplazado una fuerza y apariencia étnica concreta con un look más simétrico, delicado, convencional y una versión por siempre joven de la belleza femenina, Cher admite haberse «hecho» sus senos, reparado su nariz, enderezado sus dientes; varios medios reportaron la extracción de una de sus costillas, moldeó sus glúteos, se implantó pómulos, ahora actúa como un estereotipo con la cual otras mujeres se medirán, juzgaran, disciplinaran y se corregirán a sí mismas». Cher niega la mayoría de rumores sobre sus cirugías, declarando: «he tenido las mismas mejillas toda mi vida. No me he levantado los glúteos, no me he removido ninguna costilla. Si quiero poner mis senos en mi espalda, no es asunto de nadie más que mío». También ha desarrollado una posición férrea y apatía sobre el envejecimiento. En una entrevista con Andy Cohen en el 2013 declaró: «es una porquería. No me gusta. Cualquiera que diga que sí le gusta, está mintiendo. O no tiene mi trabajo».

Cher tiene seis tatuajes, uno de ellos, «el jardín en su trasero» como lo describió en una entrevista. The Baltimore Sun la llamó la original «Sra. Rosa Tatuada». Se tatuó por primera vez en 1972. Según Sonny Bono, «llamar “nada” a sus mariposas tatuadas era como ignorar una tormenta de arena en el desierto de Mojave. Ese fue el efecto exacto que Cher quería crear. Le gustaba hacer cosas debido al impacto que creaba. Lo hace todavía. Crea cierta controversia y luego le dice a sus críticos para que se le peguen». En el final de los noventa, Cher comenzó un tratamiento con láser para removerlos. Ella declaró: «cuando me tatué, solo las chicas malas lo hacían: yo y Janis Joplin. Ahora, eso no significa nada. Nadie se sorprende. Me tatué justo cuando dejé a Sonny y fue un sentimiento de independencia real. Esa fue mi placa».

Su hija mayor, Chastity Bono, se declaró lesbiana a los diecisiete años, lo cual causó en Cher sentimientos de «culpa, miedo y dolor». Sin embargo, aceptó pronto la orientación sexual de su hija, llegando a la conclusión de que la gente LGBT «no tuvo los mismos derechos que los demás, pienso que es injusto». Fue la oradora principal en la convención anual de Padres, familias y amigos de lesbianas y gays (PFLAG) en 1997.​ Desde entonces, se ha convertido en una de las defensoras más acérrimas de la comunidad de LGBT. El 11 de junio del 2009, Chastity se sometió a una operación de cambio de sexo, adoptando su nuevo nombre Chaz Bono y declarándose hombre legalmente el 6 de mayo del 2010.

Los primeros esfuerzos filantrópicos de Cher estuvieron encaminados hacia la investigación en salud y el mejoramiento de la calidad de vida de internos en hospitales, iniciativas a favor de la erradicación de la pobreza, de los derechos de los veteranos de guerra e infancia vulnerable. Es madrina de la fundación Cher Charitable Foundation, la cual apoya proyectos internacionales como la Fundación Intrepid Fallen Heroes, Operación Helmet y Children’s Craniofacial Association.

A comienzos de los noventa, Cher donó y sirvió como portavoz y presidente honoraria de la organización Children’s Craniofacial Association, cuya misión es «empoderar y dar esperanza a niños facialmente desfigurados y a sus familias». Anualmente, se realiza una convención de familias bautizada como «Cher’s Family Retreat», la cual reúne en el mes de junio a pacientes con desfiguración y sus familias, con otras personas que estén atravesando la misma situación. Además, Cher apoya y promueve a Get A-Head Charitable Trust, una fundación estadounidense que trabaja para el mejoramiento de calidad de vida a pacientes con enfermedades de cabeza y cuello.

Cher es donante, promotora y vocera internacional de Keep a Child Alive, una organización que busca acelerar la lucha contra el SIDA pandémico, con la inclusión de medicina retroviral para niños y familias portadoras con el virus del VIH. En 1996, fue la anfitriona del evento amfAR -Fundación para la Investigación sobre el SIDA- junto con la legendaria actriz Elizabeth Taylor en el marco del Festival de Cine de Cannes. De hecho, esta organización le otorgó en el 2015 un premio especial por «su voluntad y habilidad de usar su fama para el bien común» y por «ser una de las grandes campeonas en la lucha contra el SIDA».

En muchas ocasiones, Cher ha sido una voz de apoyo para soldados y veteranos estadounidenses. Contribuyó con la donación de recursos para la Operación Helmet, una organización que provee dotación gratuita de cascos a las tropas en Irak y Afganistán. También ha contribuido con la fundación Intrepid Fallen Heroes, la cual sirve a personal militar que ha quedado en estado de discapacidad en operaciones en Oriente Medio, o en grave estado en otro tipo de operativos. En 1993, participó en un evento humanitario en Armenia, llevando comida y medicina a regiones azotadas por la guerra.

Cher se ha involucrado en la construcción de viviendas a través de la organización Hábitat para la Humanidad y ha servido de Jefe Honorario de la iniciativa «Eleva un Techo», la cual apoya la erradicación de viviendas poco adecuadas para vivir. En el 2007, se convirtió en la seguidora principal de Peace Village School (PVS), en Ukunda, Kenia, una escuela rural que provee de «alimento nutritivo, medicina, educación y actividades extracuriculares» para más de 300 huérfanos y niños vulnerables de entre 2 y 13 años. Su apoyo hizo que la escuela adquiriera tierras y un edificio permanente con facilidades para la comunidad. En asociación con Malaria No More y otras organizaciones, ha piloteado esfuerzos para la erradicación de la mortandad y morbidez por malaria en los niños, cuidadores y a comunidades cercanas a la misma zona. En el 2016, tras la crisis de contaminación de agua en Flint, Michigan, Cher donó más de 180.000 botellas de agua purificada a la ciudad en asociación con la embotelladora islandesa Icelandic Glacial.

Su hijo mayor, Chaz Bono (nacido como Chastity Bono), se declaró homosexual a los 17 años, lo cual causó conflictó entre ambos. Sin embargo, Cher pronto aceptó su orientación sexual llegando a la conclusión de que la comunidad LGTB «no tuvo los mismos derechos que todos los demás, [y ella] pensó que era injusto». Cher fue la vocera de la convención ncional de Padres, Familias & Amigos de Lesbianas y Gays (PFLAG), y desde entonces, se ha convertido en una de las defensoras más arraigadas de esta comunidad. En mayo de 1998, recibió el premio GLAAD Vangard por haber «marcado la diferencia en promover los derechos igualitarios para lesbianas y hombres gay». El 11 de junio del 2009, Chaz se declaró transgénero y su proceso de reasgnación de sexo de mujer a hombre concluyó el 6 de mayo del 2010.

Del mismo modo, Cher ha demostrado gran preocupación por los animales en cautiverio y el cuidado de las especies. En el 2013 expresó su preocupación por el mal estado de un oso polar en un zoológico de Argentina y alegó por su liberación, acusando a la misma presidenta de esa nación, Cristina Fernández, de culpable; el oso finalmente murió en cautiverio. En el 2014 abogó por la liberación de «Billy, el elefante», el cual había permanecido en cautiverio por más de treinta años y que también presentaba problemas de salud. Cher, junto con otros artistas, reunieron más de medio millón de dólares para su liberación pero el zoológico rehusó liberarlo. También abogó por la liberación de «Kavaan», un elefante cautivo en un zoológico de Pakistan y pidió «devolverle su dignidad con su liberación». También ha atacado a SeaWorld en numerosas ocasiones pues según ella, dicha compañía recibe millones de dólares a cambio de la tortura y muerte de las especies marinas. En el 2017 anunció la creación de #FreeTheWild, una campaña dedicada al cuidado de la vida salvaje y contra el maltrato animal, y que fue introducida durante la cumbre mundial de jóvenes «One Young World» llevado a cabo en Bogotá, Colombia.

Aunque Cher nunca se ha declarado Demócrata, ha asistido con frecuencia a eventos y convenciones de este partido político. A través de los años, ha hecho público su punto de vista sobre la política estadounidense y se ha dirigido con franqueza hacia el movimiento conservador. En una entrevista con Vanity Fair, Cher fue crítica acerca de varios temas de índole político, entre ellos, ídolos republicanos como Sarah Palin y Jan Brewer. Comentó que no había motivos para que alguien fuese republicano tras los ocho años de administración Bush que «casi acabaron» con ella. Durante las elecciones presidenciales de Estados Unidos del 2000, el noticiero ABC aseguró que «Cher haría todo lo posible para mantener a Bush lejos del cargo». Ella comentó a este medio: «Si eres negro en este país, si eres una mujer en este país, si perteneces a alguna minoría en este país ¿qué te haría votar a favor de los republicanos? No tendrás ningún derecho». Además añadió: «No me gusta Bush. No confio en él. No me gustan sus antecedentes. Él es estúpido. Es perezoso».

El 27 de octubre del 2003, Cher se contactó anónimamente con C-SPAN durante un programa en vivo para contar una de sus visitas al Centro Médico Walter Reed Army, en Washington D.C., y criticó la falta de atención por parte de la prensa y del gobierno para atender a los soldados heridos en combate. En dicha entrevista, Cher fue identificada por el anfitrión del programa, quien luego la cuestionó acerca del apoyo dado al candidato independiente Ross Perot en 1992. Ella contestó: «Cuando lo escuché al comienzo, pensé que traería algo de sentido común enfocado a los negocios y menos parcialidad, pero luego… quedé completamente desilusionada como todo el mundo cuando él cortó y corrió, y nadie supo exactamente por qué… Tal vez él no pudo haber resistido toda la investigación que corre ahora».

El 30 de mayo del 2006, día de los caídos, Cher declaró vía telefónica en el programa Washington Journal (de la misma cadena), su respaldo al programa Operación Helmet, un grupo que proveía a soldados estadounidenses con cascos para evitar cualquier lesión en sus cabezas mientras se encontraban en zona de guerra. El 14 de junio del 2006, apareció en C-SPAN junto con Bob Meaders, fundador de dicho grupo. El mismo año, en una entrevista con Stars and Stripes, Cher se declaró en contra de la guerra en Irak, expresando su deseo de viajar a Bagdad tan pronto como encontrara la oportunidad.

Cher apoyó a Hillary Clinton en su aspiración a la Casa Blanca en el 2008. Luego de que Obama se quedó con la nominación demócrata, ella le dio todo su apoyo por radio y televisión. Sin embargo, en una entrevista con Vanity Fair en el 2010, comentó que aún pensaba que Hillary «hubiese hecho un mejor trabajo», aunque aceptó el hecho de que Obama «heredó problemas infranqueables». Durante las elecciones presidenciales del 2012, Cher y la comediante Kathy Griffin se declararon en contra del candidato Mitt Romney, y particularmente, del apoyo dado por este al senador republicano Richard Mourdock, quien en declaraciones pasadas había afirmado que los embarazos producto de violaciones eran «parte del plan de Dios»; su declaración fue publicitada con un corto televisivo titulado «Don’t Let Mitt Turn Back Time on Women’s Rights». En septiembre del 2013, Cher rechazó una invitación para actuar en la inauguración de los Juegos Olímpicos de Invierno de Sochi en Rusia, debido a las duras reformas del legislativo en contra de la comunidad LGTB en ese país. En junio del 2015, luego de que Donald Trump anunciara su aspiración a la Casa Blanca, Cher lo críticó duramente a través de Twitter, declarando que si Trump ganaba la presidencia, ella se mudaría a Jupiter.

El éxito imperecedero de Cher en diversas áreas del entretenimiento le han otorgado el título de «Diosa del Pop». Fue proclamada como el «ícono pop número uno en el mundo» por AEG Live. Phill Marder, editor de la revista Goldmind, la declaró la «superestrella de más alto nivel» y que «ha sido y es hoy en día una de las figuras de mayor dominación de la era del Rock». También agregó que «ninguna mujer ha representado el rock & roll con su música, apariencia y actitud como Cher lo ha hecho». Fue considerada por Chicago Tribune como la mujer que «preparó el camino a otras cantantes como Madonna o Lady Gaga y muchas otras más». El biógrafo Mark Bego escribió que «nadie en la historia de la industria del entretenimiento ha tenido una carrera de la magnitud y el alcance de Cher. Ha sido estrella pop adolescente, presentadora de televisión, modelo de revista de moda, estrella de rock, cantante pop, actriz de Broadway, estrella de cine ganadora de un Óscar, sensación del disco y centro de atención de la prensa». Apareció dos veces en la lista de «las 25 personas más fascinantes del año» de la revista People en 1975 y 1987. En 1992, el museo de cera de Madame Tussaud la honró al incluir una estatua a su imagen y semejanza de tamaño natural como una de la cinco mujeres más bellas de la historia. En una encuesta realizada en el 2001 por A&E, fue declarada como «la tercera actriz favorita» por detrás de Katharine Hepburn y Audrey Hepburn. Apareció en la lista de «las 100 estrellas más grandes del cine de nuestros días» de la revista People. En el 2010, ocupó el puesto 44 entre «las 75 mujeres más grandes de todos los tiempos» de la revista Esquire. El mismo año dejó sus huellas de manos y pies frente al Grauman’s Chinese Theatre y fue honrada como la mujer del año por la revista Glamour.

Cher ha sido la única persona en ganar los premios Óscar, Grammy, Globo de Oro y el premio a la mejor actriz en el Festival de Cine de Cannes. Fue homenajeada con reconocimientos especiales en los World Music Awards en 1999 y los Billboard Music Awards en el 2002 por su «contribución permanente a la industria de la música» y por haber ayudado a «redefinir la música popular a través del éxito en las listas de Billboard», respectivamente. Con la canción «Believe» se convirtió en la artista femenina más anciana (a la edad de 52) en llegar a la cima de la lista Billboard Hot 100. Igualmente, tiene la brecha más larga de tiempo entre su primer y último éxito número uno en dicha lista (33 años), así como la más amplia entre dos de sus sencillos que hayan estado en la misma posición (diez días por debajo de 25 años) en la era rock del Hot 100. Es la única cantante que posicionó algún sencillo en el Top 10 de Estados Unidos desde la década de 1960 hasta la de 1990 y la única en tener algún éxito número uno en cualquier lista Billboard desde la década de 1960 hasta la del 2010. A pesar que interpretó su música de forma frecuente en la televisión durante la década de 1970 sin necesidad de que la gente comprara sus discos, Cher ha logrado vender más de 100 millones de álbumes en solitario alrededor del mundo.

El biógrafo Mark Bego comentó que «a pesar de no ser la actriz más destacada o la vocalista más talentosa, Cher ha construido una carrera de resistencia, longevidad y estatus de superestrella basada tanto en su imprevisibilidad, así como por su talento». La describió como «un pilar de conocimiento de autodeterminación». La biógrafa Connie Berman escribió que «su vida ha sido de drama e inspiración desde que se levantaba a menudo empobrecida durante su infancia hasta que irrumpió en el estrellato. Cher no podría protagonizar ninguna película tan fascinante como su propia vida». Según el autor Nicholas E. Tawa, «Cher estaba determinada a ser la cantante y actriz número uno, y lo logró… era enorme, las luces de neón de su personalidad llenaron cada escenario donde cantaba. Sus seguidores eran legión». Su «integridad» y «perseverancia» fueron distinguidos en Reaching Your Goals (Alcanzando tus Metas), una serie de libros de inspiración personal para niños en donde se detallaba su vida, haciendo hincapié en la importancia de la auto-realización: «durante años, Cher trabajó duro para convertirse en una cantante de éxito. Luego trabajó duro para convertirse en una actriz. Incluso, cuando necesitaba dinero, rechazó papeles en películas que no eran correctas para ella… su objetivo ha sido siempre ser una buena actriz y no sólo una rica y famosa».

Ha llamado la atención de numerosas activistas feministas. Apareció en el décimo sexto aniversario de la revista Ms., en donde fue declarada como una «auténtica heroína feminista» y «la mujer por excelencia de los años ochenta. Cher, la sencilla, tatuada, madre soltera disléxica y ganadora del Óscar que contrajo matrimonio con un conocido adicto a la heroína y que reconoció ser víctima de la moda por elección propia, por fin ha aterrizado en una época que no tiene miedo a aplaudir las mujeres reales». Sin embargo, Kathleen Park de Orlando Sentinel consideró esta opinión miserable, declarándola «una estrella de proporciones extraordinarias. Cher difícilmente encarnó, al menos públicamente, las cualidades para ganar el respeto del mundo». Además agregó que «[Cher] es elogiada por hacer todas las cosas que la mayoría de nosotras intentó hacer en nuestros esfuerzos para crecer». Stephanie Brush del The New York Times escribió que Cher «cumple la función para las mujeres aficionadas al cine que Jack Nicholson siempre cumplió para los hombres. Estar libre de culpas al no haber sido nunca la Novia de América, en donde representa a las mujeres con sus deseos de venganza, diciéndoles a todos imbéciles y diciéndoles a donde pueden ir. Tienes que ser más bella para salirte con la tuya. Tienes que haber sido Cher por más de 40 años».

Sus múltiples regresos y cambios de carrera han sido siempre objeto de discusión. El productor David Geffen la declaró como «el gato proverbial de las nueve vidas» y que «seguirá siendo relevante hoy como lo fue en los años sesenta». Mark Bego escribió: «Justo cuando crees que lo ha hecho todo, Cher se recrea y adquiere una personalidad completamente nueva». The New York Times la declaró como «la Reina de los Regresos». Su regreso a la música en 1998, en el género dance, inspiró a otros artistas veteranos como Diana Ross, Lionel Richie y Tina Turner a que emularan su sonido y replicaran su éxito. Por su parte, Cher declaró: «me siento como el bumper de un auto, si choco contra un muro, retrocedo y voy hacia otra dirección. Y he golpeado un montón de paredes de mierda en mi carrera. Pero no voy a parar. Creo que tal vez esa es mi mejor cualidad: Simplemente no te detengas».

La reverencia mostrada hacia Cher por parte de la comunidad gay se ha atribuido a los logros en su carrera, su sentido del estilo y longevidad. Alec Mapa, de The Advocate, escribió: «Mientras que el resto de nosotros estábamos durmiendo, Cher ha estado por ahí durante las últimas cuatro décadas viviendo cada una de las fantasías de nuestra infancia… Cher encarna una libertad inperdonable y la intrepidez que solo algunos de nosotros podemos aspirar». Según Thomas Rogers de la revista Salon, Cher ha sido frecuentemente imitada por los drag queens porque «superó los insultos y las dificultades en [su] camino hacia el éxito» y porque su historia es el «reflejo que muchos hombres gays sufren en su camino para salir del armario».

Cher

ÁLBUMES
1965 All I Really Want To Do
1966 The Sonny Side of Chér
1966 Chér
1967 With Love, Chér
1968 Backstage
1969 3614 Jackson Highway
1971 Gypsys, Tramps & Thieves
1972 Foxy Lady
1973 Bittersweet White Light
1973 Half Breed
1974 Dark Lady
1975 Stars
1976 I’d Rather Believe in You
1977 Cherished
1979 Take Me Home
1979 Prisoner
1982 I Paralyze
1987 Cher
1989 Heart of Stone
1991 Love Hurts
1995 It’s a Man’s World
1998 Believe
2000 Not.com.mercial
2001 Living Proof
2013 Closer to the Truth

 

Créditos

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Cherilyn Sarkisian, conocida simplemente como Cher, es una cantante, actriz, compositora y celebridad de televisión estadounidense. Su extensa carrera como cantante, sumada con su extravagante artística, su influencia en la televisión durante la..... Escuchar el MiniPodcast


Cher







FICHA GENERAL







Origen


20 / Mayo / 1946
El Centro, California | Estados Unidos







Géneros


Pop
Dance Pop
Rock
Country
Electronic
Disco
Folk







Período de actividad


1960 – Presente







Sellos discográficos


Atco Records
Casablanca Records
Columbia Records
Geffen Records
MCA Records
Warner Bros. Records







Sitio web


Cher.com







Grupos


Sonny & Cher





Cherilyn Sarkisian, conocida simplemente como Cher, es una cantante, actriz, compositora y celebridad de televisión estadounidense. Su extensa carrera como cantante, sumada con su extravagante artística, su influencia en la televisión durante la década de los setenta, su incursión en diversos géneros musicales, así como su notable trabajo en el cine, la han convertido en una de las artistas más influyentes de la cultura pop en el mundo.


Saltó a la fama en 1960 como parte del dúo Sonny & Cher, popularizado gracias a su estilo y sonido hippie que compitió exitosamente con otras tendencias de la época como la invasión británica y el sonido Motown. Al finalizar la década, Cher resurgió como estrella de televisión con The Sonny & Cher Comedy Hour y The Cher Show, programas de éxito que le otorgaron popularidad y la establecieron como un «ícono» de la pantalla chica. Al mismo tiempo, se estableció como una cantante prolífica, con canciones como: «Bang Bang (My Baby Shot Me Down)», «Gypsys, Tramps & Thieves», «Half-Breed» y «Dark Lady». Luego de la separación del dúo en 1975, logró el éxito en la música disco y se convirtió en una de las atracciones de mayor éxito en Las Vegas.


Durante los ochenta, incursionó en Broadway y se convirtió en una de las actrices más aclamadas de la década, protagonizando películas taquilleras como Silkwood, Las Brujas de Eastwick y Hechizo de luna, esta última por la cual ganó el Óscar a la mejor actriz. A partir de 1987, revitalizó su carrera musical lanzando una serie de álbumes y sencillos de género rock que dominaron las listas de éxitos,]]>
Alexander Cardona Nieto clean 25:24
0007 - James Brown - La Máquina De La Música https://www.lamaquinadelamusica.com/0007-minipodcast-con-alex-cardona-la-maquina-de-la-musica/ Sat, 03 Mar 2018 14:34:52 +0000 https://www.lamaquinadelamusica.com/?p=1050 James Joseph Brown fue un cantante de soul, funk y rock estadounidense, considerado el padrino del soul. La Revista Rolling Stone lo posicionó en el puesto séptimo de su listado de Los 100 Grandes Artistas de todos los tiempos. Nació el 3 de mayo.... Escuchar el MiniPodcast

James Brown

James Brown

FICHA GENERAL
Origen Barnwell, Carolina del Sur | Estados Unidos
Géneros Funk
Soul
R&B
Período de actividad 1946 – 2006
Sellos discográficos Federal Records
King Records
Dade Records
Try Me Records
Smash Records
People Records
Polydor Records
Scotti Bros. Records
Sitio web JamesBrown.com
Grupos The Famous Flames
The J.B.’s

James Joseph Brown fue un cantante de soul, funk y rock estadounidense, considerado el padrino del soul.

La Revista Rolling Stone lo posicionó en el puesto séptimo de su listado de Los 100 Grandes Artistas de todos los tiempos.


Nació el 3 de mayo de 1933 en una granja en Barnwell, Carolina del Sur, en el seno de una familia pobre de un barrio marginal. Esto lo obligó a desempeñar desde la adolescencia (15 años) todo tipo de trabajos. Abandonado por su madre, Brown creció con su padre, un trabajador itinerante, hasta que terminó en Augusta (Georgia), donde una tía regentaba una fonda que también funcionaba como timba y prostíbulo. Con apenas educación, el niño Brown procuró ganarse la vida limpiando zapatos, recogiendo algodón y robando piezas de coches. Antes de cumplir los veinte años ya había sido detenido por robo a mano armada y fue condenado por eso a cumplir entre 8 y 16 años de cárcel (según él, todavía era un menor, pero lo encerraron y lo juzgaron cuando llegó a la edad penal). Fue un buen preso y, tras tres años y un día, fue puesto en libertad y estuvo más de tres años en un reformatorio. Fue entonces cuando lo acogió la familia de Bobby Byrd, el cantante que lo lanzó al estrellato. Compartieron escenarios en el grupo The Famous Flames.

En 1953 ingresó en el grupo de gospel The Starlighters. Con él en el grupo fueron transformándose desde el gospel al R&B. Tiempo después el nombre del grupo pasó a ser The Famous Flames. En 1955 publicaron el single “Please, Please, Please”, mientras que en 1958 se lanza el primer número uno de James Brown, “Try Me”. El 24 de octubre de 1962 ofrecieron un concierto en el teatro Apollo de Nueva York, editado al año siguiente en el LP “Live at the Apollo” en el que participó el baterista Clayton Fillyau, quien adelantó en temas como “I’ve Got Money” los contrarritmos percusivos (influenciado del estilo de los bateristas del R&B de Nueva Orleans) que serían marca distintiva de Brown.

A partir de ese momento, los éxitos comenzaron a acumularse en su carrera, con títulos como “I’ll Go Crazy” donde puso toques de jazz, “Think” (un tema ideal para bailar ‘Monkey’ y ‘Shake’), “Shout and Shimmy” y “Prisoner of Love”. Ya consolidado como una de las más brillantes y explosivas estrellas de la música soul, no fue sino hasta 1965 cuando con “Papa’s Got a Brand New Bag” hace algo realmente original. La resaltación del ritmo sobre la melodía, una musculosa línea de bajo de Bernard Odum, compases en síncopa y el rasgueo de guitarra de Jimmy Nolan (ex guitarrista del gran artista blanco del R&B de los 40s y 50s, Johnny Otis) haciendo de puente se hicieron notar en esta composición y también en “Cold Sweat” de 1967; dando a conocer masivamente el concepto del funk, ya algo premonizado por los trabajos sincopados de bateristas oriundos de Nueva Orleans tales como Cornelius ‘Tenoo’ Coleman (para Fats Domino), Earl Palmer (que tocó para uno de sus ídolos y máximas influencias, Little Richard entre otros).

El funk fue una verdadera bocanada de aire fresco frente a la dulzona música para gente de color de entonces (doo wop y el estilo Motown), y además de un rescate de la herencia de la acidez urbana del jazz y la poliritmia de los ritmos afrocubanos como la rumba y el mambo. De hecho como dice el músico de James Brown, Pee Wee Ellis, en el documental “Soul Deep”, la línea de vientos de Cold Sweat “fue basada en una línea de un tema de cool jazz llamado ‘So What?’ de Miles Davis”.

También relevante fue el efecto energizante en su música de los movimientos por los derechos civiles de los años 60; como muy bien lo representó en su hit de 1968 “Say It Loud, I’m Black and I’m Proud”, toda una declaración del orgullo negro que, no obstante, le valió su censura por parte de muchas estaciones radiales racistas. Tras separarse del grupo con el que se dio a conocer, The Famous Flames, por razones monetarias y de convivencia; James Brown comenzó en 1969 a actuar con una banda más joven originalmente llamada The Pacemakers, y que él mismo de ahí en adelante los rebautizaría como The J.B.’s, con quienes ahondó más en las exploraciones rítmicas y sonoras, poniendo aún más acento en el primero de 4 compases (la fórmula funky por excelencia denominada The One) con la ayuda de los músicos Phelps y Bootsy Collins, el trombonista Fred Wesley, el saxofonista Maceo Parker y su hermano en la batería, Melvin Parker. Bootsy, Fred y Maceo se unieron posteriormente a la cofradía espacial de George Clinton conocida como P-Funk.

Con esta nueva alineación Brown siguió consiguiendo nuevos éxitos: “Sex Machine” que fue nº1 R&B en 1970, “The Payback”, álbum certificado multiplatino en 1974, “My Thang”, “Gravity”, “Papa Don’t Take No Mess” y “Body Heat” entre otros.

En sus escarceos con el cine, participó en 1980 en la película “The Blues Brothers”, junto a John Belushi y Dan Aykroyd, trabajando después en 1998 en la secuela del film “Blues Brothers 2000”. En ambas, representó al Reverendo Cleophus James. En 1986 graba “Living in America”, el tema compuesto para la película “Rocky IV”.

En 1988 fue arrestado por exceso de velocidad y por consumo de drogas, período que fue aprovechado por productores de Hip Hop para samplear trozos de su música. Fue condenado a seis años de prisión, aunque salió de la cárcel en 1991. En 1996 falleció su esposa durante una operación de cirugía estética y en 1998 fue arrestado de nuevo por tenencia de armas y consumo de drogas, a los pocos días de haber salido de una clínica de desintoxicación.

Fue señalado por su hija Yamma Brown en su libro “Cold Sweat: My Father James Brown and Me” de golpear a su madre, la segunda esposa del cantante llamada Deirdre Jenkin. Estuvieron casados entre 1970 y 1979 y su hija detalla como su padre golpeaba a su madre regularmente en la habitación de ambos y como le echaba la culpa de todo, maltratándola psicológicamente.

También golpeaba a su tercer esposa, Adrienne Rodriguez, y fue arrestado en múltiples oportunidades por esto. Fue arrestado un total de cuatro veces entre 1987 y 1995 por esto y finalmente se divorciaron en 1996. En el año 2001 se caso con la cantante Tomi Rae Hynie, y en enero del 2004 la empujo hacia el piso durante una discusión en su hogar, causándole arañazos y moretones en su brazo derecho y cintura. Más tarde, en junio del mismo año, James Brown decidió ante la justicia de su país que no iba a refutar los cargos de violencia domestica y no paso tiempo en la cárcel por eso. En cambio, se le exigió a Brown que perdiera un bono de US $ 1.087 como castigo.

Sus últimas dos presentaciones en vivo fueron en San Francisco, el 20 de agosto de 2006 en el festival Foggfest y en el Roundhouse de Londres, el 27 de octubre de 2006. En noviembre de 2006, un mes antes de morir, Brown se presentó durante una ceremonia en Alexandra Palace, en Londres, en donde fue reconocido con su entrada al Salón de la Fama del Reino Unido, 20 años después de haber recibido un homenaje similar en Estados Unidos. Finalmente, el domingo 24 de diciembre de 2006, Brown, el autoproclamado “hombre más trabajador del mundo del espectáculo”, es internado en el Emory Crawford Long Hospital, de Atlanta, a causa de una neumonía que lo aquejaba. A pesar de los intentos de los médicos, el corazón del “Padrino del Soul” dejó de latir en la madrugada de Navidad de 2006 a la 1.45 AM, a la edad de 73 años. Su amigo y compañero Charles Bobbit se encontraba con él en el momento de su fallecimiento. Brown mantenía en ese momento, según su esposa, una relación conyugal feliz con ella. Cuando murió, el cantante se encontraba siguiendo un tratamiento de rehabilitación: “Lo último que me dijo era que me amaba a mí y al bebé, nos veremos pronto”, fueron las últimas palabras de James, según ha manifestado su viuda al Chronicle de Augusta.

James Brown consiguió llevar sus modos de iglesia inspirados en el gospel al rhythm & blues, que en los años sesenta, ya con conciencia racial, se transformó en lo que se denominaría posteriormente como soul e inundaría el planeta. Brown desarrolló el ritmo concentrado en estado puro que se bautizó como funk y que mantendría su popularidad y atractivo hasta el presente. En los setenta, el funk tuvo como hijo a la comercial música disco, el afrobeat de gente como Fela Kuti, y sirvió de base para la fundación del hip-hop: miles de temas de rap parten de grabaciones de Brown como “Funky Drummer”, “Give It Up or Turn It Loose” o “Think About it”, de una de sus protegidas la cantante Lyn Collins. Incluso muchos pasos de breakdance provienen directa o indirectamente de los frenéticos movimientos de baile (“The Boogaloo”, “Get Down”, “Slide”, “Robot”) a los que instaba seguir en temas como “Get on the Good Foot” de 1972.

Por llamarlo de alguna manera, el funk es una creación colectiva: todos los instrumentos se concentran en generar un cierto ritmo, a expensas de la melodía. James Brown tuvo la genialidad de implicar a instrumentistas imaginativos, muchos de los cuales siguieron productivas carreras en solitario: Alfred Pee Wee Ellis, Maceo Parker, Fred Wesley, William Bootsy Collins, pero sin la visión de un talento como James Brown, es posible que no hubieran pasado de ser nombres para coleccionistas.

El Rey del Soul buscaba el momento adecuado para grabar: muchos de sus más grandes clásicos se hicieron en la carretera, entre actuación y actuación. No podía ser de otra manera, Brown se había ganado a pulso el título de “el trabajador más duro del mundo del espectáculo” debido a la intensidad de sus actuaciones y el número de conciertos: más de 300 en sus buenos años. Le gustaba alardear de la afilada precisión de sus bandas, sometidas a disciplina férrea, rayando lo militar: multas por retrasos, descuidos indumentarios, fallos musicales; y si el culpable se resistía, podía llegar a ponerse violento.

Brown consiguió alcanzar una posición hegemónica durante la segunta mitad del siglo XX, el cual quedó marcado por la emergencia de la música afroamericana. Miles Davis obtuvo más respeto pero nunca logró su impacto comercial. Su influencia en la música ha sido tal que nombres como Mick Jagger, Serge Gainsbourg, David Bowie, Prince, y Michael Jackson le han reconocido como un gran inspirador en sus carreras. Una vez dijo: “Lo que me conviene es desaparecer, llamando la atención lo menos posible”.

James Brown

ÁLBUMES MÁS IMPORTANTES
1963 Live At The Apollo
1972 Get On The Good Foot
1974 The Payback
1974 Hell
1986 In The Jungle Groove
1991 Star Time
1991 20 All-Time Greatest Hits!

 

Créditos

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Sun Energy Lights, SEL-Colombia.com, ¡La Energía Que Se Renueva!
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AlexandrosQuiro.com, ¡Tus Masajes A Domicilio!
MarianDValencia.es, ¡La Voz De Oro!
RapidoYEconomico.com, multimedia/graphic/web
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James Joseph Brown fue un cantante de soul, funk y rock estadounidense, considerado el padrino del soul. La Revista Rolling Stone lo posicionó en el puesto séptimo de su listado de Los 100 Grandes Artistas de todos los tiempos. Nació el 3 de mayo.... Escuchar el MiniPodcast


James Brown







FICHA GENERAL







Origen


Barnwell, Carolina del Sur | Estados Unidos







Géneros


Funk
Soul
R&B







Período de actividad


1946 – 2006







Sellos discográficos


Federal Records
King Records
Dade Records
Try Me Records
Smash Records
People Records
Polydor Records
Scotti Bros. Records







Sitio web


JamesBrown.com







Grupos


The Famous Flames
The J.B.’s





James Joseph Brown fue un cantante de soul, funk y rock estadounidense, considerado el padrino del soul.


La Revista Rolling Stone lo posicionó en el puesto séptimo de su listado de Los 100 Grandes Artistas de todos los tiempos.


Nació el 3 de mayo de 1933 en una granja en Barnwell, Carolina del Sur, en el seno de una familia pobre de un barrio marginal. Esto lo obligó a desempeñar desde la adolescencia (15 años) todo tipo de trabajos. Abandonado por su madre, Brown creció con su padre, un trabajador itinerante, hasta que terminó en Augusta (Georgia), donde una tía regentaba una fonda que también funcionaba como timba y prostíbulo. Con apenas educación, el niño Brown procuró ganarse la vida limpiando zapatos, recogiendo algodón y robando piezas de coches. Antes de cumplir los veinte años ya había sido detenido por robo a mano armada y fue condenado por eso a cumplir entre 8 y 16 años de cárcel (según él, todavía era un menor, pero lo encerraron y lo juzgaron cuando llegó a la edad penal). Fue un buen preso y, tras tres años y un día, fue puesto en libertad y estuvo más de tres años en un reformatorio. Fue entonces cuando lo acogió la familia de Bobby Byrd, el cantante que lo lanzó al estrellato. Compartieron escenarios en el grupo The Famous Flames.
En 1953 ingresó en el grupo de gospel The Starlighters. Con él en el grupo fueron transformándose desde el gospel al R&B. Tiempo después el nombre del grupo pasó a ser The Famous Flames. En 1955 publicaron el single “Please, Please, Please”, mientras que en 1958 se lanza el primer número uno de James Brown, “Try Me”.]]>
Alexander Cardona Nieto clean 25:24
0006 - Boney M. - La Máquina De La Música https://www.lamaquinadelamusica.com/0006-minipodcast-con-alex-cardona-la-maquina-de-la-musica/ Sat, 24 Feb 2018 09:04:09 +0000 https://www.lamaquinadelamusica.com/?p=1037 Boney M. fue un grupo de música disco que alcanzó gran fama durante la década de los 70. Fue creado por el productor alemán Frank Farian en 1975, que por entonces trabajaba para la discográfica alemana Hansa, una compañía que en la década siguiente.. Escuchar el MiniPodcast

Boney M.

Boney M.

FICHA GENERAL
Origen Alemania
Géneros Pop
Disco
Dance-Pop
Hi-NRG
Eurodance
Soul
R&B
Período de actividad 1975 – 1986
1987 – 1989
1992 – 1994
1996 – 2010
Sellos discográficos Hansa Records
Atlantic Records
Sony BMG
Sitio web BoneyM.es
Miembros Marcia Barrett
Maizie Williams
Liz Mitchell
Bobby Farrell

Boney M. fue un grupo de música disco que alcanzó gran fama durante la década de los 70. Fue creado por el productor alemán Frank Farian en 1975, que por entonces trabajaba para la discográfica alemana Hansa, una compañía que en la década siguiente lanzaría a Modern Talking.

Boney M. originalmente tenía su sede en Alemania Occidental, los cuatro miembros originales de la alineación oficial del grupo fueron Liz Mitchell y Marcia Barrett de Jamaica, Maizie Williams de Montserrat y Bobby Farrell de Aruba. El grupo alcanzó popularidad durante la era disco de finales de los años setenta. Desde la década de 1980, varias alineaciones de la banda se han presentado con personal diferente.

Con más de 150 millones de discos vendidos, son uno de los grupos más vendidos de todos los tiempos.


El primer disco que contiene el nombre de Boney M. aparece en las tiendas de Alemania en la primavera de 1975. La portada no tiene ninguna foto del grupo que conocemos sino la bandera americana (barras y estrellas) con una chica que baila. “Baby Do You Wanna Bump” se titula la canción. “Do you wanna bump?” pregunta una voz grave y comienza un ritmo disco. La canción es una composición con una voz grave masculina que sigue preguntando: ¿Quieres hacer el bump? B-U-M-P Bump.

A poca gente le interesa este single. En Alemania pasa desapercibido. Sin embargo, en Holanda y Bélgica el bump empieza a ser popular, el single empieza a sonar en las pistas de baile y las televisiones piden a la casa discográfica Hansa International actuaciones. Sólo hay un problema … ¡no existe ningún grupo! Quien canta no sólo la voz grave masculina sino también las voces agudas del coro es el productor Frank Farian – un artista alemán conocido por exitazos. La reacción de Farian es: “No hay modo que yo pueda ir a actuar con esa canción”.

Farian, cuyo verdadero amor no es para los exitazos alemanes sino para la música soul, lo ha grabado bajo seudónimo porque sabe que en la Alemania de los años 70, un hombre blanco no puede cantar música negra (esto no se acepta). La creación del nombre Boney M. fue un poco casual. Por aquel entonces Farian veía una serie de televisión con un investigador negro llamado Boney. A Farian le gustó el nombre, y tras degustar el nombre unas cuantas veces: “Boney … Boney …”, de repente tuvo la idea de añadir un “M”.

Farian llama a una agencia de modelos para que le ayude “crear” un grupo negro que pueda ir a Holanda para presentar la canción. Poco después está formada la primera formación de Boney M. – una hermosa chica de Inglaterra, Maizie Williams, y su amiga Sheila Bonnick, una chica llamada Nathalie y un chico llamado Mike. Van a Holanda para actuar una vez en la tele, bailando y moviendo los labios al ritmo de la canción. La próxima vez que tendrán que actuar, Nathalie ha perdido el interés, y la agencia envía una cantante llamada Claudja Barry para ocupar su lugar. Poco después se va Mike, y le sigue Sheila Bonnick quien ya que no está satisfecha con sólo mover los labios sin cantar. Maizie se acuerda de un DJ que conocía en un club donde ella trabaja. El chico se llama Bobby Farrell y baila como loco. Maizie le llama, y Bobby acepta la invitación. En lugar de Sheila entra una belleza jamaicana, Marcia Barrett, que actúa como cantante en los clubs de Alemania. No está muy nteresada en formar parte de un grupo pero necesita el dinero, y la nueva formación de Maizie, Bobby, Marcia y Claudja aparece una vez en la tele, cantando “Baby Do You Wanna Bump”. Entonces Claudja recibe una oferta de una nueva casa discográfica en Münich – y ella se va. Todavía hay televisiones que piden actuaciones, y Marcia se acuerda de otra jamaicana que conoce, una tal Liz Mitchell que formaba parte de Les Humphries Singers y que también cantaba en el musical Hair. Liz no está muy interesada pero acepta hacer tres actuaciones.

Farian siente que ahora tiene la formación perfecta. Con dos buenas cantantes, Liz Mitchell y Marcia Barrett, hay base para hacer grabaciones con el grupo. Farian seguirá cantando la voz baja masculina en los discos ya que, según su criterio, Bobby Farrell no canta muy bien. Es un fantástico bailarín en las actuaciones en la tele. Maizie Williams, la única que quedó desde el origen, también sigue en grupo – no como cantante sino como bailarina exótica. En la primavera de 1976 se completa el primer álbum de Boney M. :TAKE THE HEAT OFF ME. El primer single es “Daddy Cool” – un disco sensacional con su ritmo disco, un sonido original con Farian que toca sus dientes con un bolígrafo, y la única mezcla de las voces de Liz Mitchell y Marcia Barrett junto con la voz grave de Farian. Liz Mitchell comentará más tarde que sabían que habían grabado un éxito. No obstante pasan unos meses sin que nadie compre el single. Entonces en septiembre de 1976 aparecen Boney M. por primera vez en el programa de TV Musikladen con una fantástica actuación live-to-tape (el grupo canta realmente sobre una cinta pre-grabada). El público se vuelve loco, y al cabo de semanas “Daddy Cool”alcanza el Número 1 en Alemania, y el single es un éxito por toda Europa. En el Reino Unido alcanza el No. 6.

El álbum también empieza a ser un éxito. Con una portada sexy con las chicas vestidas en lencería, tendidas en el suelo con Bobby mirándolas, se abre con “Daddy Cool” y es seguido por una versión inglesa del éxito italiano “Nessuno mai”. Farian había grabado una versión alemana con su artista Gilla en 1974, esta nueva versión es cantada con vocales sensuales por Marcia Barrett que también (re)graba una fantástica versión de otra canción de Gilla: “Lieben und frei sein” con el título “Lovin’ Or Leavin’”. Liz Mitchell será la cantante solista en el segundo single “Sunny” – una brillante versión de Bobby Hebb. Boney M. la presenta otra vez en Musikladen con una actuación sensacional – Liz canta sus partes solistas en vivo. ¡Bobby enciende un cigarillo al final de la actuación! Liz también canta “No Woman No Cry” de Bob Marley, una canción que sería el primer single del álbum antes de que Farian y Hansa eligiera “Daddy Cool”.

“No Woman No Cry” se puso en la cara B pero será una canción muy popular con Boney M. “Fever” es otra canción conocida que Farian graba con Boney M., también hace una nueva versión de una canción que Farian mismo cantó:”Am Samstag Abend” (Sábado noche). La versión de Boney M. es arreglada como un título reggae, cantado por Liz Mitchell. “Baby Do You Wanna Bump” también es incluida en una versión larga y con extras vocales en los coros por Liz y Marcia. Pero aparece un problema … en algunos países los derechos de “Baby Do You Wanna Bump” pertenecen a otras casas discográficas que ahora tienen derechos para el álbum. Por eso, Farian remezcla la canción “Help Help” que es un éxito para su artista Gilla. Farian canta todas las vocales él mismo, y la canción es incluida en el álbum en países como Inglaterra, Los EE.UU., Japón y Sudamérica. Otra canción que pertenece al álbum pero sólo aparece en la cara B del single de “Sunny” es “New York City” que de hecho es una versión remezclada de otra canción de Gilla, “Why Don’t You Do It”.

Con el enorme éxito del primer álbum de Boney M., Farian siente la presión cuando él, Liz y Marcia vuelven al estudio para grabar el próximo disco. Unos 20 temas son grabados entre los cuales se eligen los 10 mejores para el álbum. El tema de “Ma Baker” es elegido para el primer single – un título que está basado en algo tan insólito como una melodía tradicional árabe de una versión regrabada. “Sidi Manzun” ha sido un gran éxito en Túnez 1976 donde el brazo derecho de Farian, Hans-Jörg Mayer (seudónimo Reyam), lo ha escuchado durante sus vacaciones de verano. Farian que ya tiene una idea de hacer una historia sobre la gángster americana Ma Barker añade unas partes nuevas y le pide a Fred Jay que ponga esta historia en letras. Pero al grabarlo no suena tan bien cantar “Ma Ma Ma Ma – Ma Barker” y Farian cambia el nombre a “Ma Baker” para que suene mejor. Farian no tiene motivos para estar intranquilo – cuando el single sale, ¡es una bomba! Con una intro de una voz amenazante que regaña: “¡No se muevan! Soy Ma Baker, levanten las manos y denme todo su dinero”, seguida por un bajo arrollador, y otra vez la percusión insólita de Farian que toca sus dientes con un bolígrafo como lo hizo en “Daddy Cool”, “Ma Baker” no decepciona. Con un fuerte ritmo de baile, una melodía que se pega instantáneamente, y vocales ásperas alternantes entre Farian y las chicas, “Ma Baker” llega a la cima de las pistas en toda Europa y muchas otras partes del mundo excepto – otra vez – en los EE.UU. donde misteriosamente sólo alcanza el puesto 95. En el Reino Unido, el single llega a No. 2 tras otro disco hipnótico de Munich: “I Feel Love” de Donna Summer. Boney M. también presenta el single con vocales en vivo en Top Of The Pops en Londres. Pero ¿quién hace la voz misteriosa detrás de “Ma Baker”? No es ni de Liz, Marcia, ni Maizie, sino de una mujer americana que se llama Linda Blake Thompson, casada entonces con Bill Swisher, un soldado americano afincado en Alemania, y amigo de Farian. Es Bill Swisher quien también participa en el disco, con una voz radiofónica dando un aviso de búsqueda de Ma Baker.

Con un single tan exitoso, el álbum “Love For Sale” (Amor en venta) se lanza con triunfo aunque tiene una portada controvertida – Liz, Marcia y Maizie desnudas, tendidas en el suelo, cubiertas de cadenas con Bobby Farrell, sólo vestido en calzoncillos cubiertos de estaño. En Alemania, el LP también se edita con un póster enorme. En los EE.UU., la casa discográfica no se atreve a poner tal portada en el disco, y eligen el motivo más decente del dorso. En el Reino Unido, sin embargo, muchas tiendas disfrazan el LP en papel porque la portada es demasiado provocadora, y por resultado, el álbum sólo llega al No. 65. En Alemania alcanza el primer puesto tal y como lo hace en el resto de Europa donde será uno de los álbumes más exitosos del año 1.977.

Además de “Ma Baker”, el álbum es dominado por un fuerte ritmo de disco, como el tema principal “Love For Sale”, originalmente un stándard de Cole Porter desde los años 30, pero transformado en una versión excelente disco. También el éxito de los Creedence Clearwater Revival, “Have You Ever Seen The Rain”, que es momentáneamente escogido como próximo single. Este, no obstante, será el tema “Belfast”, cantado por Marcia Barrett.

La canción casi no llega a ser incluida en el álbum. Con el título original de “Londonderry”, es una canción compuesta por Drafi Deutscher para Marcia Barrett en 1.971 cuando actúa como solista en Alemania. Marcia la sacó a la luz cuando Boney M. fue a su primera gira de discotecas en 1.976 – las ocho canciones de su primer álbum no bastaban, y Marcia ya tenía las cintas. A Farian le gusta la canción y decide grabarla … pero no con Boney M. sino con su artista Gilla. En enero de 1.977 se edita su segundo álbum “Zieh mich aus” (¡Desvísteme!) con la versión alemana de “Belfast”. Hay imprentas de muestra de “Love For Sale” donde la versión de Boney M. no está incluida. Por suerte, Marcia persuade a Farian para cantar la canción como Boney M. Farian también se da cuenta que será una de las canciones más populares del álbum, y será el segundo single en octubre de 1.977. Durante cuatro veces consecutivas, Boney M. llegan al número 1 en Alemania. En el Reino Unido (tiene bastantes problemas en Irlanda del Norte) el single es provocador, y no es tan exitoso como lo fue “Daddy Cool” (No. 6), “Sunny” (No. 3) y “Ma Baker” (No. 2) – tras otra actuación en Top Of The Pops, no llega más alto del puesto No. 8.

Como Marcia contribuye con una canción de su pasado antes de Boney M., Liz Mitchell también contribuye con un tema que cantaba cuando era componente de Les Humphries Singers: “Motherless Child”, arreglado por ella y Farian y transformado en un tema disco por el brillante Stefan Klinkhammer quien dirige “La máquina de ritmo” (los músicos ingleses, suecos e islandeses) grabado en Munich y Rosbach. El propio Farian también canta el tema de baile “Gloria Can You Waddle” junto con el grupo Black Beauty Circus que acompañará a Boney M. en su gran gira de 1.977. “Plantation Boy” es un gran tema con un regusto de reggae, con letras sobre los esclavos en las plantaciones de algodón. “Silent Lover” es un tema funky y sexy, cantado por Marcia Barrett. El tema será grabado por el grupo americano El Coco en 1.980. “A Woman Can Change A Man” es originalmente una balada, grabada por Farian como Gilla en 1.975. Grabado por Boney M., se transforma en una versión arrolladora disco. El álbum termina con una maravillosa balada melancólica, originalmente de los Yardbird, “Still I’m Sad” cantada por Liz.

Boney M. tienen un año bastante ocupado. En marzo empiezan su gira de al menos 76 conciertos. Tras el primer concierto en Alemania, permanecen cinco días en Dinamarca, y luego actúan todo el mes de abril en Alemania. El concierto del 17 de abril en Hamburgo será grabado para TV. Boney M. junto con el grupo Black Beauty Circus aparecen en trajes presuntuosos en una escena que según los críticos se parece a un club de los años 30 en Berlín. Para los primeros conciertos, los músicos ya no son suficientemente experimentados, y como Farian quiere ofrecer el mejor sonido en vivo, Boney M. con Black Beauty Circus actúan con temas pregrabados, sólo con las partes solistas cantadas en vivo por Liz y Marcia. Esto sin embargo provoca artículos en los periódicos afirmando que Boney M. no son sino muñecas que no saben cantar. En los conciertos siguientes, el grupo actuará en vivo, también cantan Bobby y Maizie. Para recrear el sonido de los discos donde las voces de Liz y Marcia son redobladas para crear un gran coro, Boney M. actúa con tres chicas coristas, entre ellas la hermana de Liz, Jacinth Mitchell. En junio dan más conciertos en Alemania y Austria, en julio sólo un concierto en el festival de Benidorm (España). Mientras Liz, Marcia y Maizie tienen vacaciones, Bobby Farrell promociona el nuevo single de Gilla “Gentlemen Callers Not Allowed” / “Say Yes”. Al mismo tiempo Hansa edita dos singles, “Take The Heat Off Me” / “Lovin’ Or Leavin” de Marcia Barrett, y “Got A Man On My Mind” / “Perfect”de Liz Mitchell. Los temas con excepción de la cara B de Liz Mitchell que es una grabación demo que hizo en 1.974 con su ex-novio Malcolm Magaron, son canciones que ya fueron incluidas en el primer álbum de Boney M. el año pasado, y consecuentemente no le interesan a nadie.El motivo tras esa rara publicación es que cuando Liz y Marcia aceptaron ser miembros de Boney M. en 1.975, Farian les había prometido promocionarlas como solistas – con la publicación de estos dos singles, ¡Farian considera que ya ha cumplido su promesa!

En agosto, Boney M. continúa su gira en Italia, Escandinavia, Alemania, Austria, Inglaterra y Benelux en diciembre. Para Maizie, el concierto en Estocolmo es especial: “Estábamos viajando con nuestro propio escenario pero no había sido fijado bien. De repente, el escenario se desplomó. No pudimos más que reírnos y continuar pero fue bastante penoso ya que sabíamos que en el público se encontraba ABBA …”. Farian y Hansa planean editar un tercer single del álbum “Love For Sale” con “Gloria Can You Waddle” podría ser otra bomba en las discotecas, pero el single es suspendido porque Farian ya tiene otros planes. El éxito será aún más grande en 1.978.

¡Qué triunfal será el año 1.978 para Boney M.! Su popularidad sigue creciendo por todo el mundo, hasta en el Próximo Oriente donde Boney M. afrontan los riesgos de seguridad y van a actuar a Beirut, Damasco, Amman y Kuwait en marzo de ese mismo año. En Jordania, no obstante, el grupo es afectado por intoxicación alimenticia, justo el día antes de su primer concierto. Pero cuando el rey de Jordania envía a su médico particular, él les cura para que puedan actuar. En abril se presenta el nuevo single de Boney M. – “Rivers Of Babylon”. Aunque tiene un ritmo de baile, no es una típica pieza de disco, sino un viejo himno con letras de la Biblia. Fue un éxito para The Melodians en 1969.

La nueva versión de Boney M. con la voz distintiva lead de Liz Mitchell, hermosas armonías de las voces multi-dobladas de Liz Mitchell, Marcia Barrett y Frank Farian será su éxito más universal. Nueve semanas en la cima de las pistas alemanas, su primer Número Uno en el Reino Unido. Hasta en los EE.UU. llega al Número 30 en Billboard. Aunque es una posición modesta, sin embargo es su single más exitoso allá. Pero en Alemania el single causa cierta controversia cuando aparecen dos señores, F. McNaughton y B. Dowe que sostienen que ellos han compuesto algunas de las partes que Farian utiliza en la versión de Boney M. En el single sólo aparecen los nombres de Farian y Reyam como compositores. “¡¡¡Hurto!!!” escriben los periódicos y las revistas. Farian explica que no lo sabía, pero que las siguientes prensas del single contendrán los dos nombres también para que reciban royalties de las ventas en todo el mundo. Pero al mismo tiempo aparece el rumor que Maizie no canta … en Alemania, todo el mundo sabe que Bobby nunca cantó, pero ¿también Maizie? Farian responde en BRAVO, una gran revista alemana de música: “Desde el principio he prestado mi voz a Bobby en los discos. Es verdad que en los grandes éxitos como “Daddy Cool” y “Ma Baker” también doy prestada mi voz falsete a Maizie.” – “¿No es engaño del público?” pregunta BRAVO. – “¿Cómo? La gente quiere escuchar la música y el sonido. Quien canta realmente no le interesa. Para este sonido especial es más adecuada mi voz que la de Bobby y Maizie”.

Al público no le importa que no canten Bobby y Maizie. Boney M. es el grupo más exitoso del año y siguen una increíble gira de conciertos en Suiza y Austria, Yugoslavia, Hungría, Alemania, Luxemburgo y Holanda.

Hacia finales de julio vuelven a Alemania para preparar el gran lanzamiento de su 3er álbum “Nightflight To Venus” cuyo contenido será revelado en una gran fiesta en un club en Munich donde también presentan sus nuevas canciones a un público de 300 invitados. Pero los nervios crecen cuando Farian no aparece para las pruebas…los cuatro Boney esperaban en la discoteca pero no tenían las cintas para sus actuaciones. El mismo perfeccionista señor Farian está mezclándolas y llega justo en el último minuto antes de que empiece la fiesta. Boney M. entran en escena con sus nuevos trajes de ciencia-ficción sin saber cuáles versiones de las canciones van a presentar. Pero será un triunfo no obstante – Liz, Marcia, Bobby y Maizie reciben discos de platino por las ventas de “Rivers Of Babylon” mientras el álbum “Nightflight To Venus” ya es disco de oro con más que 300.000 copias vendidas en Alemania. En las semanas siguientes, el álbum llega al Número 1 en toda Europa, incluso en Inglaterra donde permanece No. 1 durante cuatro semanas. Es el único álbum de Boney M. que entra el Billboard 200 en los EE.UU. donde llega al No. 134 en la pista.

El álbum también es sensacional. La doble portada con Boney M. en el espacio es fantástica, e incluye cinco postales, una de cada componente, y una del grupo de su gira de 1.977.

El LP tiene el sello de Hansa en la cara A, mientras la cara B es un sello con la foto del grupo de la portada. El tema principal “Nightflight To Venus” que abre el álbum. No ofrece el típico sonido de Boney M. sino un fabuloso montaje de sonido con unos fantásticos tambores, efectos espaciales y una voz de un robot – por el mismo Bill Swisher que también leyó la búsqueda por radio de “Ma Baker” – que cuenta los detalles de este vuelo nocturno a Venus, y un tema de guitarras rock que se pega. Sólo contiene un único verso cantado por Marcia y Liz, el resto es instrumental con sólo la misteriosa voz del robot que habla. Compositores: Frank Farian y Dietmar Kawohl con letras de Fred Jay otra vez. Pero el tema suena familiar – el original es un tema rock que se llamaba “Dance With The Devil”, un gran éxito en 1.974 para Cozy Powell. Farian ha comprado los derechos para crear su fantasía espacial que es aún la pieza más complicada que ha salido de los estudios en Rosbach. También revela que Farian ahora hace un montón de mezclas para cada canción. Las primeras prensas rarísimas contienen una versión de 7 minutos de “Nightflight To Venus” – pero Farian no está satisfecho y mezcla una versión de 6 minutos para las siguientes ediciones alemanas y españolas antes de determinarse una nueva mezcla de 5 minutos, algunos países tienen que estar contentos de una versión aún 15 segundos más corta.

Los tambores hipnóticos de “Nightflight To Venus” siguen non-stop al segundo tema que también será el próximo single – “Rasputin”. Una historia del monje loco ruso que sedujo a la reina rusa. La canción con un fuerte ritmo de disco con un gracioso tema del baile ruso Kasachok y un gracioso fin – “Oooh those Russians!” – es el sexto single No. 1 consecutivo para Boney M. en Alemania. En Inglaterra llega al 2º puesto en otoño de 1.978 donde Boney M. ya han tenido otro éxito … cuando “Rivers Of Babylon” había bajado al #20, los DJs empezaron a tocar la cara B, “Brown Girl In The Ring”, y el single ya subió otra vez hasta el #3. “Brown Girl” es otro tradicional de Jamaica, también es incluida en el álbum. También es un éxito en el resto del mundo con su melodía irresistible y el ritmo calipso arrollador.

Liz ya había grabado esta canción infantil tradicional con su ex-novio Malcolm para su álbum “Caribbean Rocks” en 1.971, y es esta versión que inspira a Farian a grabar una versión para Boney M.

“Nightflight To Venus” presenta otros temas dramáticos. “He Was A Steppenwolf” es un “cuento raro y triste” de 7 minutos, con un lento y pesado ritmo monótono, cuerdas dramáticas y vocales staccato por Liz y Marcia. Es compuesto por Frank Farian y el director musical Stefan Klinkhammer, con letras de Fred Jay. “Voodoonight” (Noche de vudú) es compuesto por los italianos Giorgio y Gisela Sgarbi e igualmente pinta una atmósfera de aventura. A los japoneses les gusta tanto este tema que Atlantic Japón decide editarlo en single más tarde junto con un recopilatorio”Super Special Album” en abril 1.979. El batería inglés Keith Forsey y el guitarrista sueco Mats Björklund también contribuyen con un tema original, otra vez con letras de Fred Jay: “Never Change Lovers In The Middle Of The Night”(Nunca cambies amantes a media noche). Curiosamente, como “Silent Lover” en “Love For Sale”, éste es un tema funky disco con una vocal sensual por Marcia Barrett. Parece que este estilo les gusta más a los americanos – como“Silent Lover” sería grabado por el grupo “El Coco”, “Never Change Lovers” será un éxito R&B para la cantante americana Millie Jackson el año siguiente. También para Boney M. es un tema popular en sus conciertos.

Lo que también resulta espectacular en este álbum es la selección de temas conocidos de otros artistas que Boney M. presentan en versiones sorprendentemente frescas: ¿Quién se había imaginado que un grupo disco grabaría un tema de un grupo británico psicodélico, The Creations? Pero eso sí – “Painter Man”, con lead de Liz Mitchell, hasta con un solo brillante de guitarra rock, vuelve a ser otro éxito para Boney M. En Alemania como cara B de “Rasputin”, en Inglaterra, donde “Never Change Lovers” fue la cara B, “Painter Man” se edita como el tercer single del álbum en febrero de 1.979 … y alcanza la posición No. 10. Marcia Barrett canta la canción popular “King Of The Road”. Para la última canción del álbum, Boney M. re-interpreta “Heart Of Gold” de Neil Young, con un hermoso intro acapella. El álbum es una excelente producción, lleno de ideas. Digan los críticos lo que digan, es uno de los álbumes más exitosos del año 1.978.

Boney M. lanzan su nueva gira “Nightflight To Venus” en Francia en agosto, un show espectacular con todas las canciones del nuevo álbum, junto con “Ma Baker”, “Belfast” y un medley: “Love For Sale”, “Baby Do You Wanna Bump”, “Daddy Cool” y “Sunny”. El show alcanza su climax cuando el grupo canta”Rasputin” y Bobby baila como loco. El show contiene unas sorpresas: Liz canta la canción de Leo Sayer: “When I Need You”, una gran balada con mucha emoción – Marcia canta una fabulosa versión de “Big Spender” junto con Bobby.

Liz y Marcia vuelven al estudio en septiembre para grabar un nuevo tema – Farian ha decidido editar un single de navidad y ha elegido el viejo tema de Harry Belafonte, “Mary’s Boy Child”. Farian hasta a compuesto una nueva parte con letras de Fred Jay: “Oh My Lord”. El tema continúa el estilo de”Rivers Of Babylon” – Liz canta lead, y Marcia y Farian cantan las bellas armonías. El single es editado en noviembre ….. después de Rivers Of Babylon, Brown Girl In The Ring y Rasputin, éste es su cuarto éxito del año – y ¡qué triunfo! Su segundo No. 1 en Inglaterra …”Rivers Of Babylon” y “Mary’s Boy Child” se encuentran entre los cinco singles más vendidos en el Reino Unido. Boney M. también incluye este tema popularísimo en su show en noviembre en Alemania. A finales de noviembre actúan en Dublín, Irlanda, antes de ir a Inglaterra para dar conciertos en todas las grandes ciudades, Londres, Birmingham, Liverpool, Manchester y Brighton.

En diciembre Boney M. también aparece en las portadas cuando son el primer grupo pop que van a la Unión Soviética. En sólo 6 días darán 10 conciertos en Moscú … unos conciertos cuyas entradas se agotan en minutos. Boney M. son una sensación increíble – en Moscú también graban un video de “Mary’s Boy Child” en la Plaza Roja. No obstante tienen que hacer un cambio en su show: las autoridades soviéticas no permiten que canten “Rasputin” por “razones políticas”. Bobby cuenta más tarde que todos los rusos, sin embargo, conocían su éxito. Durante uno de los conciertos, hay un fan que lleno de alegría corre por el escenario. Luego es cogido por un guardia que le arrastra bruscamente mientras Liz empieza a llorar. La semana en la USSR será uno de los momentos más especiales en este año tan memorable para Boney M.

Después de un año apoteósico (1.978) con cuatro mega-éxitos, “Rivers Of Babylon”, “Brown Girl In The Ring”, “Rasputin” y “Mary’s Boy Child”, un álbum que ha sido platino en toda Europa, Japón, Canadá, Hong kong, Australia y Sudáfrica y una inmensa gira de 78 conciertos, Boney M. se halla en la cima del mundo de música pop. La presión es enorme.

Boney M. va a actuar en la película “Disco Fever”, la réplica alemana de “Saturday Night Fever” y “Thank God It’s Friday”. Junto con el otro grupo disco de Farian, Eruption, con Precious Wilson, y el grupo italiano La Bionda, Boney M. interpreta “Rasputin” y “Dancing In The Streets”, la cara B del single “Mary’s Boy Child”. No es la famosa canción de Motown, sino un nuevo tema disco en el que Frank Farian canta todas las voces solo, las agudas en falsete tal como “la voz de Bobby” grave. En Alemania el single es re-editado después de navidad, ahora con “Dancing In The Streets” como cara A y “Mary’s Boy Child” como cara B, pero como todos ya han comprado el single ante navidad, no recibe mucha atención.

Boney M. sin embargo también canta dos nuevas canciones en la película, dos canciones que serán su nuevo single en abril: “Hooray! Hooray! It’s A Holi-Holiday” y “Ribbons Of Blue”.

“Holi-Holiday” es una vieja canción con el título original de“Polly Wolly Doodle All Day”, cantada por Shirley Temple en los años 30 en el juego musical de “The Littlest Rebel”, completamente re-arreglada por Farian con nuevas letras por Fred Jay.

En el estilo de calypso de “Brown Girl In The Ring” y melodía fácil de cantar es … otro éxito aunque por primera vez (fuera del primer single “Baby Do You Wanna Bump”) es un single de Boney M. que no alcanza el número 1 en la pista alemana, “sólo” el No. 4. En Inglaterra es No. 3. La cara B es un tema original, el tercero donde contribuye el batería Keith Forsey con Boney M. – ¡Unos pocos meses antes su tema“Hot Stuff” sería uno de los mayores éxitos para Donna Summer! “Ribbons Of Blue” es una bella melodía y con un arreglo de country, es muy popular también. Hay fans que hasta piensan que es mejor la cara A.

Mientras tanto, Boney M. también logra ofrecer 11 conciertos en Alemania antes de ir a Suiza para grabar el programa“Disco In The Snow” para la BBC en febrero. Aquí se encuentran con otro súper-grupo ABBA por primera vez con mucha fiesta. Luego aparecen rumores en las revistas – por lo visto, Björn Ulväus que acaba de separarse de Agnetha Fältskog, y Liz se fueron de la fiesta para hablar en paz. Pero Liz ya tiene una relación con un actor americano, Thomas Pemberton, a quien conoció cuando Boney M. celebró el lanzamiento de “Nightflight To Venus” en Munich, y Björn Ulväus también tiene otra relación con una nueva mujer – así que son solo rumores.

En Japón Atlantic decide editar el single “Voodoonight” y “Heart Of Gold” para promocionar un recopilatorio único para el mercado japonés. Mientras tanto, Boney M. y Farian ahora quieren conquistar a los estadounidenses. Parece ser un “problema” que los discos de Boney M. sean una mezcla de todos tipos de música – los americanos prefieren que los artistas mantengan un estilo claro – así que piensan mucho en que canciones son adecuadas para promocionar cuando Boney M. va a los EE.UU. en abril.

Su casa discográfica americana decide editar un single con el nuevo tema “Dancing In The Streets” y “Never Change Lovers …” en la cara B, los dos temas más funky de Boney M., que hasta se edita con una espléndida portada en color – algo insólito allá. También se edita en maxi-single. Boney M. va a Hollywood – entre varias actuaciones, la más importante es su aparición en el famoso programa “Soul Train”. Sin embargo,”Dancing In The Streets” sólo alcanza el Número 75 en la pista de R&B. El fracaso tendrá que ver con el hecho de que la canción – a pesar de su ritmo fuerte de disco – sea una de las más flojas de Boney M. La estrategia de hacer al grupo actuar con una canción en la que canta Farian todas las vocales tampoco es muy bien reflexionada. Sire (sello discográfico americano) hace un último intento y edita “Rasputin” en single – pero la visita promocional de Boney M. en los EE.UU. no logra la apertura al mercado más importante del mundo pop.

No obstante, de regreso a Europa, Boney M. sigue ocupadísimo con la grabación de su cuarto álbum. En verano presentan su nueva canción “Going Back Home” en varios shows. Un fuerte tema disco con cierto aire caribeño. Cuando se edita el single en agosto de 1.979, aparece con el nuevo título “Gotta Go Home”, junto con el tema “El Lute”. En Alemania prefieren este tema que tiene cierta influencia de “Fernando” de ABBA. “El Lute” single será su octavo Número 1 en Alemania. En Inglaterra prefieren “Gotta Go Home” que alcanza el Número 12.

Y en septiembre sale el cuarto álbum “Oceans Of Fantasy” con una portada espléndida que se puede desplegar en un gran póster.

El álbum abre con el tema “Let It All Be Music” (Deja que todo sea música) un tema disco-rock, compuesto por el holandés W.S. van Vugt del grupo Telephone y arreglado por Christian Kolonovits. Es un tema en el que Farian, Liz y Marcia se turnan para cantar lead en los versos, una sorpresa en el tema es la aparición de Precious Wilson que ha abandonado el grupo Eruption para iniciar carrera en solitario.

Farian también incluye su primer single, una nueva versión increíblemente funky de “Hold On I’m Coming” en el que Farian canta los coros, en el álbum de Boney M. para darle máxima atención. Curiosamente, su single se defiende mal en las pistas europeas. “Bye Bye Bluebird” es otro tema del mismo estilo funky con solos de flauta y saxofón – ¡Farian canta un dúo consigo mismo con sus tonos agudos de falsete y la voz grave de “Bobby”! Uno de los temas no tan conocidos por The Beatles, “Two Of Us”, es arreglado en una versión reggae, cantada por Liz. “Bahama Mama” es un tema disco sobre una mujer que no sabe dar en casamiento a sus seis hijas – será el próximo single junto con la balada de tema religioso “I’m Born Again”para navidad de 1.979. Es un tema por Helmut Rulofs con letras de Fred Jay, y es un tema que Liz – la más religiosa del grupo – ha querido cantar. En Alemania alcanza el número 7 pero en Inglaterra es una decepción – sólo alcanza el Número 35 tras una serie de 9 singles Top 10 consecutivos y “Gotta Go Home” / “El Lute” que fue Número 12. A pesar de esto, el LP es su segundo No. 1 en Inglaterra. “Ribbons Of Blue” es el último título en el lado uno- desafortunada e incomprensiblemente sólo en una versión corta.

El tema del título, “Oceans Of Fantasy”, es una canción compuesta por Dietmar Kawohl con letras de Fred Jay. El título “Océanos de fantasía” fue una idea del fotógrafo Didi Zill que también ha tomado las maravillosas fotos para la mayoría de las portadas de Boney M. El arreglo magnífico con efectos especiales de sonido antes de que empiece la música funky con trompetas de músicos americanos, casi de estilo de Earth Wind & Fire, es impresionante. Según Liz Mitchell, ella y Marcia Barrett cantaron las vocales originalmente para este tema antes de que Farian decidiera cantarlas él solo – otra vez con sus voces altas de falsete. Otro tema impresionante es “No More Chain Gang” (Jamás esclavo) con un ritmo pesado por fuertes tambores que indican el monótono trabajo de los esclavos. La historia de un esclavo que logró escapar, la cantan Liz y Marcia junto a Farian. Después del tema suave de “I’m Born Again”, “No Time To Lose”es el tema para Marcia. Después del éxito de “Never Change Lovers …” para Millie Jackson en los EE.UU., Farian ha compuesto este tema especialmente en un estilo funky R&B americano. La última canción de la cara B es un tema de aire caribeño, “The Calendar Song”, que sólo es un coro que va “Enero, febrero, marzo, abril, …”. Liz, Marcia y Farian cantan junto con The Trinidad Steel And Show Band – ellos de hecho se llamaban “The Dutch Steel And Show Band” y tuvieron un éxito en Holanda con esta canción – que es un tradicional sudafricano. Aunque nunca fue un single para Boney M., es un tema que ha seguido muy popular.

Así que el LP es otro éxito asegurado… pero ahora los tres años de trabajo constante empiezan a desgastar al grupo. Marcia no está satisfecha con los porcentajes que les paga Farian – no se puede competir con los más que 80 millones de discos vendidos ya, según ella. Pero como Farian una vez ha dicho en una entrevista que Liz es la única de Boney M. que no se puede relevar, quizá no es extraño que ella se calle.

Farian también tiene problemas con Bobby – tras tantos conciertos en los que canta en vivo con su propia voz, ahora insiste en cantar en los discos lo cual Farian niega. Por esto Farian pone por primera vez en la portada del LP quienes son las voces de Boney M.; Liz Mitchell, Marcia Barrett y Frank Farian.

Farian está furioso y amenaza que no quiere seguir produciendo a Boney M. a quienes llama “ingratos” – “Ya estoy en marcha para preparar una carrera de solista para Precious Wilson”, dice en una entrevista.

También es dudoso que Farian tenga tiempo para los dos. Durante la producción del álbum, Farian se cayó delante del mezclador debido al exceso de trabajo. Su brazo derecho Reyam / Hans-Jörg Mayer sugiere integrar a Precious Wilson como miembro de Boney M. – con su voz auténtica de soul ha logrado lo que no han logrado Boney M. – tener un éxito en los EE.UU. con “I Can’t Stand The Rain” con Eruption.

Pero Precious Wilson se niega – y Farian decide que va a producir su primer álbum como solista. Mientras tanto, Hansa, Boney M. y Farian tienen nuevas negociaciones salariales.

En otoño de 1.979, Boney M. continúa con su gira, la cual les lleva a Sudamérica, Hong Kong y Malaysia, y por supuesto Europa (Escandinavia, Alemania, Inglaterra – donde actúan en Wembley, Londres). En Polonia van a actuar en un estadio, pero las calles se llenan con tanta gente que el grupo tiene que trasladarse en helicóptero. Pero a finales de año tienen una pausa – porque Liz será madre.

Con la llegada de la nueva década, parece que Boney M. puede tomar las cosas con toda calma. Tras una actuación en un concierto caritativo en Berlín el 22 de febrero, no hay más conciertos.

Farian está trabajando con la producción del primer álbum de Precious Wilson – pero aunque ha declarado que Boney M. tendrá una pausa, parece que a Farian sin embargo le preocupa la mala posición del último single “I’m Born Again”, sólo un No. 35 en Inglaterra. Para que el mundo no se olvide de Boney M., Farian decide editar un recopilatorio compuesto por 18 éxitos de Boney M. junto con 2 nuevas canciones, así que Liz y Marcia son llamadas al estudio en primavera. Farian ha escuchado una canción compuesta por Gilla y su productor y prometido Helmut Rulofs, una canción llamada “(I Beg You) Boat On The River” (Te pido, barca en el río) que quiere grabar con Boney M. Farian compone unas partes extras y Fred Jay escribe unas nuevas letras, y la canción que se edita en abril de 1.980 ahora tiene el título “I See A Boat On The River” (Veo una barca en el río).

Con su típico sonido de Boney M. es un éxito Top 10 en toda Europa – pero en Inglaterra donde la popularidad de la música disco ha bajado drásticamente, se decide promocionar el título de la cara B: “My Friend Jack”. Si “I See A Boat”sigue la fórmula bien conocida, “My Friend Jack” es una selección más interesante e inesperada de Boney M.

Fue un título del grupo psicodélico inglés, Smoke, en 1.966 con letras de “mi amigo Jack” que “come montones de azúcar” y “viaja por todo el mundo” … ¡un disfraz transparente de una borrachera de drogas! Ahora dos miembros del grupo Smoke, Mal Luker y Zeke Lund, trabajan en los estudios de Munich como ingenieros para muchos artistas de disco. La versión de Boney M. es excelente – una interesante combinación de un disco 6/8 – como lo hizo Amii Stewart con “Knock On Wood” – y rock … y en el maxi-single se edita una fabulosa versión de 8½ minutos. Desafortunadamente no gusta nada al público británico – es demasiado “rock” para las discotecas y demasiado “ligero” para el público rock – y el single cae aún peor que “I’m Born Again” cuando no llega más alto que el No. 57 en la pista inglesa. Por suerte, el recopilatorio “The Magic Of Boney M.” va mucho mejor – es su tercer No. 1 en Inglaterra tal como un gran éxito mundial donde vende que 10 millones de copias.

El 20 de junio Liz da a luz a su hijo Aaron – pero la carrera no la deja descansar. Farian ya ha terminado el primer álbum de Precious Wilson “On The Race Track”, y ahora quiere concentrarse en Boney M. Ya en julio, la familia Mitchell/Pemberton va con Farian y Marcia a los estudios Vigilant en Niza en el sur de Francia para grabar nuevas canciones. Farian ahora planea tener listo un nuevo álbum de Boney M. ya en noviembre. Ya en septiembre se edita lo que intenta ser el primer single del nuevo álbum – “Children Of Paradise” (Los niños del paraíso). Aunque tiene un fuerte ritmo de baile, es una canción con una atmósfera más melancólica. Es otro éxito en la mayoría de Europa pero en Alemania es su primer single que no entra al Top 10 – culmina justo fuera, en el No. 11. Curiosamente, Ariola España decide no editar el single. Tras el fracaso de “My Friend Jack”, Atlantic en Inglaterra también vacila. Cuando se edita allá en enero de 1.981, va aún peor que “My Friend Jack” cuando sólo alcanza el No. 66.

La otra cara del nuevo single es curiosa – una versión disco del tema”Gadda Da Vida” de Iron Butterfly pero una versión que mantiene el aire místico del original. La versión single es de 5 minutos y la versión maxi de 9 minutos!

Pero se nota que la atmósfera entre Boney M. y Farian no es muy buena – aunque nadie lo sospecha en 1.980, las vocales femeninas no las cantan Liz y Marcia, sino tres chicas americanas, Cathy Bartney, Madeleine Davis y Patricia Shockley.

Farian las ha contratado originalmente para cantar los coros en el álbum de Precious Wilson. Con ellas en el estudio, Farian les pidió cantar las vocales para las versiones demo – y para esta canción ha mantenido sus vocales. Veinte años más tarde, Madeleine Davis recuerda que sabían que sería una canción para Boney M. pero que ella quedó sorprendida cuando vio la misma canción en la tele – con las vocales de La Mama como Cathy, Madeleine y Patricia se llamarán. Marcia recuerda que estuvo muy enojada con Farian por este truco pero nunca lo discutió con él.

A pesar de que el nuevo álbum de Boney M. se anuncia para noviembre de 1.980 en la portada del single, pronto queda claro que no será así, y ediciones siguientes del single ahora anuncia “Super – ¡los éxitos! ¡el sonido! ¡el álbum! THE MAGIC OF BONEY M. – 20 GOLDEN HITS”. Sin embargo – sólo 3 meses después de “Children Of Paradise”, sale un nuevo single: “Felicidad” y “Strange”. “Felicidad (Margherita)” originalmente se tituló “Margherita (Love In The Sun)”cuando fue un éxito de Massara en Europa del Sur en 1.979. La nueva versión de Boney M. es poco diferente, el ritmo es un poco menos robótico y las vocales son más fuertes.

Es una canción que Farian también grabó en primer lugar con La Mama pero esta vez protesta la casa discográfica de Hansa y exige a Farian que añada la vocal de Liz para darle el típico sonido de Boney M. Sin embargo Farian mantiene las vocales de La Mama en todos los coros. El lado B “Strange”(Extraño) es una linda bossanova originalmente de Bobby Dobson, con Liz en lead y Marcia en coro.

El single devuelve a Boney M. al Top 10 alemán por la última vez, al puesto No. 6, pero hay varios países que deciden ignorar la edición – entre ellos: Atlantic (Inglaterra), Ariola (España) y Durium (Italia). En Holanda, Hansa decide publicar”Strange” como cara A pero este título no parece lo suficiente fuerte para entrar las pistas holandesas esta vez.

Al mismo tiempo, Marcia está ocupada con un proyecto en solitario con el productor John Edmed y el compositor Kelvin James. Dice que su proyecto no significa que vaya a abandonar a Boney M. pero siempre quiso ser una solista, más que formar parte de un grupo. Lo que no dice es que el ambiente entre Farian y ella ha sido frío, tampoco se queja que Farian prefiere a Liz Mitchell como la cantante principal en Boney M. Entre los temas que graban Marcia, Edmed y James, se editan “You” y “I’m Lonely” el single en enero de 1.981. Pero Marcia siente una frialdad respecto a su proyecto por Liz, Maizie, Bobby y Farian, y por Hansa que edita el single. Ni siquiera le dan la posibilidad de promocionar el single en televisión, y el disco desaparece rápidamente en la oscuridad. La decepción de Marcia crece aún más cuando Farian escucha otra canción del proyecto, “Breakaway”, que decide re-grabar con sus vocales en lead. “Jamás olvidaré la vista en la cara de John Edmed y Kelvin James cuando Farian les contó que sería una canción para Boney M.”, cuenta Marcia muchos años más tarde. s El single será editado en Inglaterra en abril – aunque esto permite a Marcia actuar con la canción una vez en la televisión británica, tampoco pasa nada.

El planeado quinto álbum de Boney M. se pospone unos meses porque Farian ha decidido que las nuevas canciones ya editadas “Children Of Paradise”, “Gadda Da Vida”, “Felicidad” y “Strange” no formarán parte del álbum. En su lugar quiere grabar nuevas canciones en primavera de 1981 que junto con las canciones inéditas, grabadas en Francia en verano de 1980, serán editadas en un álbum doble, junto a un folleto ilustrado y una película. Farian quiere hacer un álbum con un tema africano-caribeño, por ello Boney M. va a Jamaica en febrero de 1.981 para tomar fotos para el álbum, grabar la película y actuar en vivo en un concierto caritativo – un sueño hecho realidad para Liz y Marcia, que tiene la oportunidad de actuar en su isla nativa. No hay mucho tiempo para hacer un guión para la película – el cuento en el que Boney M. ha perdido la “M” de su logotipo al llegar a Jamaica, y Liz le explica al mánager que el grupo no actuará antes de que tengan la “M” – y el mánager tonto tiene que ir en su búsqueda. Pero lo que le falta al cuento, lo compensan las maravillosas imágenes de Boney M. en la isla. . El grupo canta lo que será el título del álbum – “BOONOONOONOOS” – una palabra jerga jamaicana que significa “felicidad”, un tema “ska” “Train To Skaville” junto con partes nuevas”That’s Boonoonoonoos”. Tres otros temas se presentan como secuencias de sueño: “Homeland Africa” (País nativo Africa), “African Moon” (Luna africana) y “Ride To Agadir” (Paseo a Agadir). Mientras tanto, el mánager se encuentra en una “Silly Confusion” (Confusión tonta), un tema instrumental electrónico. Boney M. va a los estudios de Bob Marley,”Tuff Gong”, en Kingston para grabar las vocales para esta canción. El grupo presenta la tercera parte del medley”Boonoonoonoos”, “I Shall Sing” (Cantaré) y un tema ecológico: “We Kill The World (Don’t Kill The World)” (Matamos al mundo – ¡No matemos al mundo!) antes de cantar en vivo en el concierto caritativo “Rivers Of Babylon” en un arreglo reggae junto a Rita Marley.

Cuando el grupo regresa a Alemania se edita un recopilatorio limitado especialmente para los clubs de discos: “Children Of Paradise” con una de las muchas nuevas fotos desde Jamaica en la portada. Lleva el subtítulo “Greatest Hits Vol. 2” porque los clubs de discos tuvieron una edición especial de “The Magic Of Boney M.”con otro título “Greatest Hits Of Boney M.” y sólo 16 canciones. Además, las 4 canciones que faltaban: “No Woman No Cry”, “Painter Man”, “Oceans Of Fantasy” y “Still I’m Sad” están incluidas aquí, junto con los 4 nuevos títulos “Children Of Paradise”, “Gadda Da Vida”, “Felicidad” y “Strange” (la única vez que es incluido en un recopilatorio hasta 2000 cuando se incluye en un recopilatorio holandés). Las 6 canciones restantes son una interesante selección de sus mejores temas de álbum desde “Baby Do You Wanna Bump”, “Love For Sale”, “Heart Of Gold”, “A Woman Can Change A Man” y “Motherless Child”.Otra rareza es “Dancing In The Streets” que no es incluido en ningún álbum y sólo aparecerán en pocos recopilatorios después.

Boney M. continúa grabando canciones durante la primavera de 1.981, y en junio se presenta su nuevo single, una doble cara A: una nueva versión del famoso tema africano “Malaika”, y la otra una balada original de una historia de una revolución sudamericana, “Consuela Biaz” que con sus partes de flauta se parece algo a “El Lute”. Como tantas otras veces, Boney M. presenta este tema en uno de los programas más importantes de Alemania, Musikladen, pero a pesar de que “Consuela Biaz” tiene una linda melodía, es demasiado largo y lento. Al mismo tiempo, “Malaika” entra al Top 10 en España, y Farian se apresura para volver al estudio, remezclar el título y editar una nueva versión más enérgica que también se edita en maxi-single. Cuando Boney M. presenta este tema en Alemania, el single empieza a subir posiciones hasta culminar en el No. 13. En Inglaterra, no obstante, Atlantic decide no editar el single.

La portada del single anuncia el nuevo álbum “BOONOONOONOOS” que se va a editar el 1 de septiembre ’81.

Pero con el éxito modesto de “Malaika” / “Consuela Biaz”, Hansa y Farian abandonan la idea de un álbum doble, y Farian corta algunas de las canciones para que quepan en un solo LP hasta tal punto que se desconoce si “Malaika” y “Consuela Biaz” formarán parte del álbum – ¡existe una prensa de prueba en la que estas dos canciones no están incluidas!

En septiembre se va a editar el nuevo álbum de Boney M. – y se lanza con un nuevo single, por primera vez desde”Belfast” un tema que canta Marcia Barrett: es un grandioso tema de dos partes – la primera parte es un tema rock insólito “We Kill The World” que es seguido por una parte balada con coro de niños, “Don’t Kill The World”. Aunque existe un video de esta canción desde Jamaica, Boney M. graba un nuevo video muy moderno, cantando la canción en un desgüace de coches. En el otro lado del single, una versión abreviada del medley de “Boonoonoonoos”, “Train To Skaville / That’s Boonoonoonoos” y “I Shall Sing”. Boney M. promocionará ambos temas en la televisión alemana y española donde también presentan un medley de sus éxitos: “Seis años de éxitos de Boney M.” de estilo Stars On 45 que son bastante populares con sus medleys de ABBA y Beatles.

Pero justo cuando va a salir el nuevo LP, aparecen nuevos problemas. En la cubierta interior hay una foto de Boney M. en las cataratas de Ocho Ríos. Cuando los vestidos de Marcia, Maizie y Liz se mojan, se divisa el seno de Liz lo cual enoja tanto a su esposo Thomas Pemberton que él exige que ¡la portada se retire y la foto se reemplace por otra instantánea! Así que el LP se pospone unos meses mientras se reproducen nuevas portadas. Finalmente se edita el 1 de noviembre, ¡el álbum ha sido pospuesto un año entero!

Pero el álbum es una maravilla – no sólo la fantástica portada con un gran póster y las fotos de Boney M. en Jamaica, sino también la música que es aún más atrevida. El álbum es como un libro ilustrado de sonido de sueños africano-caribeños.

El tema principal “BOONOONOONOOS” empieza con un tema melancólico de guitarras inspiradas por Pink Floyd que se cambia en un tema jamaicano de ritmo ska, “Train To Skaville” de los Ethiopians junto con las partes “That’s Boonoonoonoos” por Farian y Rainer M. Ehrhardt. El ritmo se parece algo al gran éxito de “M” en 1979 – “Pop pop pop muzik” > “Bo bo bo Boonoonoonoos” (el tema ya fue grabado en la primavera de 1980) junto con un rap por Bobby Farrell que así tiene su estreno en el disco. Originalmente el tema iba a ser el primero en el que aparecerían todos los miembros de Boney M. pero la parte que hizo Maizie “Ska ska ska Jamaica ska” (se oye en la película) es regrabada por Liz para el disco. El tema es seguido por “I Shall Sing” de Van Morrison que canta Liz sobre tambores y palmadas. Versiones diferentes del medley aparecerán en las diferentes prensas del LP, desde la versión 10:35 que se edita en Alemania y en la versión CD en 1994, hasta la versión 11:23 en Japón, España y Sudamérica, y la versión más larga 12:08 que se edita en un rarísimo álbum doble limitado en Francia.

“Silly Confusion” es un tema de más de 7 minutos que suena casi como el disco robótico de Giorgio Moroder. Una misteriosa canción con Farian y Liz en los versos, cantando sobre una “máquina de sueños” en la que quieren ir a “un tiempo y un lugar donde nadie haya estado antes”. El estribillo es cantado por Liz, Marcia y otra vez La Mama en el coro. La primera parte de la canción termina en una “confusión tonta” que es seguido por otra parte electrónica con vocales por La Mama que también cantan el final robótico.

“Ride To Agadir” es una re-grabación del clásico de Mike Batt. Incluso utiliza la misma orquestra filarmónica de Londres que utilizó Mike Batt para su versión original en 1979. La canción empieza con dos versos acapella, cantados primero por Farian, y seguidos con vocales de Marcia y Liz, antes de que comience la música pomposa con timbales, guitarras rock, como en “Boonoonoonoos”de clara influencia por Pink Floyd, y grandes cuerdas e instrumentos de vientos. Es uno de los temas grabados en Niza en verano de 1980. Marcia recuerda este tema como uno de los más complicados que jamás hicieron –“Grabamos todas las armonías de esa canción por las noche durante lo que deberían haber sido mis vacaciones de verano”, dijo. El director musical de Boney M., Stefan Klinkhammer, también menciona este tema como uno de sus favoritos aunque reconocería que “la interpretación de Boney M. de esta canción creó sentimientos mezclados en los críticos”.

Tras tres grandes obras “Boonoonoonoos”, “Silly Confusion” y “Ride To Agadir” viene una simple canción, una de las nuevas grabaciones desde la primavera es “Jimmy” – compuesta por Farian y el holandés Johan Daansen que también toca la guitarra acústica que abre la canción. Las letras son escritas por Liz Mitchell y Brad Howell que ¡siete años más tarde será el cantante principal “secreto” de Milli Vanilli! Se sigue por “African Moon” – un tema de suave reggae, otra vez con letras por Liz Mitchell. Las diferentes prensas del LP sólo contienen una versión edita desde 2:37 hasta 3:19, la versión completa original con un extra verso sólo será incluido en las ediciones limitadas en álbum doble, editado sólo en Alemania y Francia. Aunque también se edita una versión en Inglaterra, esta no contendrá las versiones largas aunque lo dice en la portada.

La cara B abre con “We Kill The World (Don’t Kill The World)” en una versión de 6 minutos y medio. La versión omite el cuarto verso que sólo es incluido en rarísimas ediciones del single. La versión completa de 7:51 se intentó incluir en el maxi-single pero desafortunadamente sólo se incluyó la versión álbum – la versión completa queda hasta hoy día inédita.

“Homeland Africa” es una balada maravillosa pero sombría, una canción sobre los esclavos africanos que anhelan a Madre África. Las vocales de Liz y Marcia suenan soñadoras, casi de fantasma… tras el lúgubre fin viene el canto de pájaros de “Malaika” junto con una maravillosa acapella de Liz, Marcia – y otra vez las vocales secretas de La Mama. Es una versión abreviada del single, de sólo 2:48 (el single es 5 minutos). El álbum doble, el cassette y el CD 13 años más tarde contienen una versión de 3 minutos y medio, la versión que Boney M. también promocionó en la tele. Es seguido por “Consuela Biaz” – el otro lado del single de “Malaika” – y también abreviado desde 5 minutos hasta 3:50. El álbum doble, el cassette y el CD contendrán una versión de 4:36. Es curioso que algunas de las primeras prensas alemanas del LP tienen un orden inverso de estas dos canciones, así que “Homeland Africa” es seguido por”Consuela Biaz” y entonces “Malaika” (aunque el sello en el disco dice: Homeland Africa / Malaika / Consuela Biaz), ¡hasta con ambas versiones 3:50 / 2:48 y 4:36 / 3:27!

El tema “Breakaway” es también insólito para Boney M. con su ritmo perezoso de funk y un largo solo de saxofón por Tom Scott. Fue el tema compuesto por Kelvin James para Marcia que Farian decidió utilizar para Boney M. con él mismo cantando la voz lead, aunque los coros originales de Marcia son mantenidos. Es seguido por una dulce balada de suave reggae, cantada por Liz, “Sad Movies”(Películas tristes) antes del último tema del álbum – “Goodbye My Friend” (Adiós amigo mío) que es un tema extraordinario de un soldado que se va a la guerra. Con su ritmo lento, como el de una tribu africana y una parte de tambor con voces soñadoras de Farian en falsete suena casi a un canto fúnebre. Un fin notable de un álbum extraordinario.

El single de “We Kill The World” alcanza el puesto 12 en Alemania y es más exitoso en España, en Sudáfrica alcanza el No.1 por varias semanas. En Inglaterra – donde han ignorado “Felicidad” y “Malaika” – editan el single y sube más alto que lo hicieron “My Friend Jack” y “Children Of Paradise” cuando entra al Top 40. Aunque tiene todos los aspectos de ser un éxito allá, no llega más alto del puesto 39. Boney M. no puede ir a promocionarlo…¡Farian ha decidido excluir a Bobby Farrell! “Es el momento más triste de Boney M.,” dice Marcia. Es una culminación de los problemas por la falta de disciplina de Bobby, quien (según Farian) no cumple con sus deberes en el grupo, lo que hace que finalmente el productor tome una decisión tan drástica. Pocos meses antes, Farian fue humillado cuando Bobby y Maizie de repente abandonaron la escena durante una actuación en Saarbrücken, dejando a Liz y Marcia solas. Fue una demostración de rechazo por cobrar una cantidad inferior a la de Liz y a Marcia.

La crisis de tener un álbum que ahora no puede promocionar también influye en las ventas de “Boonoonoonoos”, hasta entonces ha sido la producción más cara de un disco alemán, y ni siquiera entra al Top 20 del mismo país. En Holanda, el álbum sólo llega al No. 28, en Inglaterra ni siquiera entra al Top 75. El álbum es más exitoso en España donde Boney M. hizo una de sus últimas actuaciones antes de que Bobby fuera excluido, aquí vende 100.000 copias y alcanza el No. 6 en las listas de venta.

Para crear la máxima atención y persuadir al público de que Boney M. continua, se edita otro álbum tan sólo tres semanas más tarde que “Boonoonoonoos”, es un álbum navideño, grabado por Farian y Liz en los estudios de Niza en verano de 1981 con coros de cantantes ingleses. Según Liz, la idea original fue que sería un álbum de Liz Mitchell, lo cual también explica que Marcia apenas se escucha excepto de “Mary’s Boy Child” por supuesto, pero Farian cambia de idea. “Little Drummer Boy” (El pequeño tamborilero) es el primer single que sale en noviembre junto con un video que fue lo último que hizo Bobby antes de ser despedido. El single no llega a repetir el éxito de “Mary’s Boy Child”, llega al No. 20 en la pista alemana pero “Christmas Album” será un álbum bastante popular. En la cara B, Farian ha puesto el medley “6 años de éxitos de Boney M.” que el grupo promocionó en la televisión española – después de navidad, este tema será el lado A con una nueva portada.

“Christmas Album” es un trabajo bastante bueno. Además del”Pequeño Tamborilero” que abre el álbum, contiene una versión interesante de “White Christmas” (Navidades blancas), arreglada en un suave reggae al que el coro clásico provoca un contraste especial. La famosa “Feliz Navidad” de José Feliciano y “Jingle Bells”, también arreglada en reggae, suena más típica Boney M. porque es el sonido de Liz y Marcia. “Winter Fairy-Tale” (Un cuento de hadas de invierno) es un lindo instrumental por Harry Baierl antes de que su single que batió todos récords desde hace tres años, “Mary’s Boy Child/Oh My Lord”, cierre el lado 1.

El lado 2 es más tranquilo e íntimo con un “Christmas Medley” por el salmo navideño más famoso jamás, “Silent Night, Holy Night”. Liz canta el primer y el último verso en inglés, ¡el segundo verso es cantado en alemán! Es seguido por dos canciones tradicionales alemanas para las que Fred Jay ha escrito nuevas letras : “Snow Falls Over The Ground” (La nieve cae sobre la tierra) y “Hear Ye The Message” (Escuchad el mensaje). También en”Snow Falls Over The Ground” canta Liz un verso original en alemán: “Leise rieselt der Schnee”. No obstante, los versos en alemán son cortados de la versión que saldrá en Inglaterra un año más tarde. En segundo verso de “Silent Night, Holy Night” es cantado en inglés en esta edición. Una cuarta canción, “Sweet Bells” que también es una versión inglesa de un tradicional alemán, Süßer die Glocken nie klingen (Las campanas nunca suenan más dulce), es cortada de la versión original – aparecerá cinco años más tarde cuando el álbum es remezclado.

Tras haber cantado en inglés, castellano y alemán, ¡”Petit Papa Noël” es cantado en francés! Es un álbum realmente internacional. Un tema tradicional por Georg Friedrich Händel – “Tochter Zion” – es traducido al inglés por Fred Jay para”Zion’s Daughter” (La hija de Sión) que tiene un arreglo disco-gospel. Vuelve a la atmósfera íntima con uno de los títulos más bellos del álbum, “When A Child Is Born”, originalmente una canción alemana por Michael Holm llamada“Tränen lügen nicht” (Las lágrimas no mienten), seguido por “Darkness Is Falling” (Cae la oscuridad), otro tradicional alemán con letras por Fred Jay. El álbum termina con un original por Frank Farian, Helmut Rulofs y el francés C. Courage aunque toma prestado el título a otra canción navideña más famosa “I’ll Be Home For Christmas” (Estaré en casa para la navidad). Lo canta Farian a dúo con Liz Mitchell.

A finales de 1981 Boney M. se encuentra en una grave crisis, tienen dos álbumes que no pueden promocionar sin Bobby y las ventas de sus discos no son tan buenas como antes. ¿Pueden continuar? Mientras tanto Farian ha comenzado la producción del segundo álbum de Precious Wilson en el que se va a concentrar durante la primera mitad de 1982.

El año de 1.982 es muy tranquilo para Liz, Marcia y Maizie. Actúan solas en un programa alemán con “Rivers Of Babylon” con el verso de “Let the words of our mouth…” que canta Farian, cortado. El medley “Seis años de éxitos de Boney M.” se edita como single – en Francia con “Bye Bye Bluebird” en la cara B, en España con “Rivers Of Babylon” y en Japón con “Sad Movies”. El medley tiene malas críticas en Alemania y no entra en las pistas – sólo en España donde la popularidad de Boney M. sigue grande, el single alcanza el Top 10.

A principios de año, Atlantic Records en Londres avisa a Farian que están interesados en editar “Jimmy” en single pero la versión incluida en “Boonoonoonoos” es demasiado lenta así que Farian y Liz vuelven al estudio para grabar una versión más “up-tempo”. Pero a última hora Atlantic cambian de idea. A Farian le gusta la nueva versión, y cuando está produciendo otro álbum de Precious Wilson, le ofrece la canción a ella. Pero ella no quiere grabarla… Mientras tanto, Farian ha encontrado un sustituto para Bobby, el ghanés Reggie Tsiboe, al que el productor alemán ha visto actuar en un musical en Londres. La nueva formación de Boney M. graba su primer single que se publica en julio de 1982 – una doble cara A: una nueva versión del éxito de “The New Seekers”: “The Carnival Is Over”, una linda balada con lead de Liz para mantener el sonido conocido de Boney M., pero resulta demasiado anticuado para un grupo que necesita demostrar que no han terminado todavía. En Alemania (donde todos sus singles hasta ahora han alcanzado el Top 20) acaban en el puesto Número 41, en Inglaterra el single no logra entrar el Top 100 … en Suiza no obstante alcanza el Número 11. Ariola España no edita el single – curiosamente Boney M. ha sido más popular en España recientemente que en el resto de Europa. El otro lado del single introduce a Reggie – es un tema por Jimmy Cliff, “Going Back West”. Suena más moderno que “The Carnival Is Over” y también es un éxito en Sudáfrica. En el maxi-single Farian pone”Going Back West” en medley con “Silly Confusion” de “Boonoonoonoos”.

Mientras se publica el álbum “All Coloured In Love” de Precious Wilson, Farian y Boney M. empiezan el trabajo en un nuevo álbum que se planea editar en primavera de 1.983. Mientras, el grupo hace varias actuaciones de vez en cuando – entre ellas “We Kill The World”, “Children Of Paradise”y un medley de los viejos éxitos. En noviembre, se edita otro single del”Christmas Album”. En España, donde no hubo ningún single navideño cuando se editó el álbum, se elige “Jingle Bells”. En 1.983 saldrá otro single sólo para el mercado español “White Christmas”. En Escandinavia se elige “Feliz Navidad”. En Alemania “Zion’s Daughter” – curiosamente el single se edita con la foto del “Christmas Album” manipulada de manera que la cabeza de Reggie está insertada donde solía estar Bobby. En Inglaterra, el álbum se edita con el título: “Mary’s Boy Child – The Christmas Album” sin ningún single acompañante – y sin mucha atención. En Sudáfrica el álbum se edita con el título “Christmas With Boney M.” – aquí el álbum resulta un gran éxito.

¿Y qué ha hecho Bobby después de ser excluido de Boney M.? Junto con Morgan Perrineau de Eruption, Bobby ha grabado 10 canciones para su primer álbum. La casa discográfica de Holanda – donde vive Bobby ahora – edita el single “Polizei” (Policía) – un título reggae en alemán. El lado B es un tema rock: “Fool In Love”. Pero el single no vende nada y Dureco deja el LP inédito aunque Bobby ha hecho un show en Polonia donde canta todas las canciones del álbum.

Durante las sesiones para el nuevo álbum, Marcia siente que su papel en Boney M. va disminuyendo. Muchos de los coros ahora los cantan las chicas La Mama. Su novio, Marcus James (bajista de Eddy Grant) le persuade a grabar unos demos con Marcia en 1.983. Tanto Marcia como Eddy están muy satisfechos por el resultado obtenido. Dice Eddy Grant – “Marcia tiene el potencial de ser una nueva Diana Ross.” La casa discográfica CBS está muy interesada – pero una llamada de Farian destruye el proyecto – “Marcia está contratada para Boney M.” La relación entre Marcia y Farian se enfría aún más.

Liz está embarazada otra vez y por esta razón el nuevo álbum se pospone medio año hasta otoño de 1.983. En julio se edita lo que se supone ser el primer single del álbum que ya no tiene título. “Jambo – Hakuna Matata”indica que el álbum tendrá un tema africano como”Boonoonoonoos” – Farian también ha grabado una canción “Kisuaheli” con Precious Wilson y La Mama el año pasado y acaba de grabar una canción “The Bushman”del proyecto MAD. “Jambo” es un tradicional africano que tiene un ritmo fascinante con tambores y percusión y una melodía que se pega. Las primeras mezclas mandan a las imprentas españolas junto con “African Moon” del álbum”Boonoonoonoos” que será el lado B para corresponder al tema africano. Para el maxi se manda otra nueva canción “I Need A Babysitter”, una canción electro-pop.

Mientras el maxi español tendrá la versión más larga de “Jambo” de 7 minutos 44, “African Moon” (versión 1981 3:19) y el nuevo tema “Babysitter”, el maxi alemán tendrá una versión, 2 minutos más corta pero remezclada de “Jambo” y una remezcla larga de “African Moon”. Por eso se omite “I Need A Babysitter”. Boney M. presentan el nuevo single en Musikladen, también se produce un video. Pero el single es otro flop… sólo No. 48 en Alemania.

Farian reconoce que los éxitos no vienen tan fácilmente como antes y sabe que debe hacer un esfuerzo extraordinario para relanzar a Boney M. tras un período de quietud. Por eso se pospone el álbum, Farian abandona el tema africano y durante otoño de 1.983 mientras produce el tercer álbum para Precious Wilson – “Funky Fingers” – tiene la idea de un álbum ciencia-ficción… ¡un viaje al mundo del futuro!

Después de una gira en India en diciembre de 1983, Boney M. vuelve al estudio para grabar nuevas canciones en el invierno de 1984. Con este último esfuerzo, Liz, Maizie y Marcia finalmente están listas para editar su primer álbum con Reggie Tsiboe para volver al foco después de dos años amortiguados. Por entonces el álbum se planea titular “Future World” (“Mundo de futuro”) y es con este título que Boney M. hace un programa para la tele en el que se presentan siete de sus nuevas canciones. Se planea una gira de conciertos que se estrenarán en Sudáfrica en abril donde el grupo actuará 10 noches en Sun City. En esa época de Apartheid, esta decisión es controvertida como la mayoría de artistas internacionales boicotean el país, pero Boney M. quiere romper las barreras entre las razas. Sudáfrica es el país donde el grupo ha sido más exitoso recientemente. Junto con una gran orquestra de músicos, dirigidos por Stefan Klinkhammer, Boney M. toca todos los viejos éxitos entre los cuales se encuentran “Rivers Of Babylon”,”Belfast” y “No Woman No Cry” temas que se manifiestan como canciones de protesta contra el régimen racista sudafricano. El grupo también canta “We Kill The World” – uno de sus mayores éxitos en Sudáfrica – y varios temas del nuevo álbum: “Exodus”, “Wild Planet”, “Where Did You Go”, “I Feel Good” y “Barbarella Fortuneteller”. Los conciertos son un gran éxito y también son emitidos por la televisión sudafricana.

Cuando el álbum se edita en mayo, el título se ha cambiado a”10.000 Lightyears”(“Diez mil años luz”) en una portada otra vez espectacular, aunque algo parecida a “Nightflight To Venus”. La cara A está prácticamente dedicada al tema ciencia-ficción, con un sonido electrónico y puro, algo más rock que antes, y muchos efectos de sonido espacial. Se abre el álbum con el tema “Exodus”con el subtítulo “El arco de Noa 2001”. El tema de guitarra, no obstante, se parece mucho al tema de “Papa Was A Rolling Stone” que Farian acaba de grabar con Precious Wilson. Mientras el estribillo suena al éxito reggae de Bob Marley con el mismo título… pero funciona, es una de las canciones más fuertes del álbum. El cuento trata de la nave espacial del futuro que traerá a la gente del planeta Tierra a un futuro mejor en el planeta salvaje… “Wild Planet” que es un tema hi-energy. “Future World”es un tema majestuoso con un fuerte “riff” de guitarra rock y un gran coro del mejor mundo que está esperando a una distancia de 10.000 años luz. El cuento se rompe con la balada “Where Did You Go” (¿Adónde fuiste?), cantada – como la mayoría de las canciones en este álbum – por Liz. El cuento ciencia-ficción sigue con el tema del título, otra gran balada espacial, con extras voces angélicas de las hermanas Amy & Elaine Goff. En esta canción, el sueño hermoso está roto por el despertador, la persona principal se despierta en la triste realidad. En el LP promocional se escucha un tercer verso, ¡inédito comercialmente! El cuento concluye con la balada “Somewhere In The World” que también es el tema que se edita en single junto con “Exodus”(..En algún lugar del mundo hay paz, algún lugar del mundo, esto es lo que debo encontrar..). Se nota la gran producción con las orquestras sinfónicas de Londres y Munich. La decepción de Farian y Boney M. aumenta cuando el single marca otro punto bajo en las pistas alemanas donde sólo alcanza el No. 49. El single vende algo mejor en España, país que el grupo también visita. España ya era uno de los países donde su último álbum “Boonoonoonoos”fue más exitoso.

La cara B del LP contiene muchas de las canciones que se grabaron en 1982-83. “I Feel Good” es una canción disco que suena a éxito, “Bel Ami” es un tema con aire calypso con instrumentos de viento, con un poco más de de inspiración del éxito instrumental “Garden Party” del grupo islandés Mezzoforte. “Living Like A Moviestar” es una canción melancólica sobre la vida superficial de Hollywood mientras “The Alibama” es un “schlager” alemán con nuevas letras. Por error, una versión demo sale en el LP promocional en la que canta el co-autor Sandy Davis en vez de Liz.

También se incluye la versión re-grabada de “Jimmy” que ha quedado en los archivos durante dos años desde que se intentó lanzar como el tercer single de “Boonoonoonoos”. El álbum concluye con el único tema para Reggie, “Barbarella Fortuneteller”. Con el añadido de las nuevas canciones de ciencia-ficción: canciones como “Going Back West”, “Jambo” y “I Need A Babysitter” son omitidas del álbum, lo que significa que “Babysitter” queda inédito en el resto del mundo, fuera de España. Otro de los títulos cantados por Reggie, “Mother And Child Reunion” de Paul Simon, también es omitido. ¿Y Marcia? Aparte de una pequeña parte en “Wild Planet” – “Won’t be long / We will come / With a song / Soon we’ll come”, las partes junto con Farian en “Exodus”, y las armonías en “Somewhere In The World”, su voz está mezclada muy baja en el resto de las canciones. Mientras Liz es destacada más que nunca con lead en 10 de las 13 canciones.

El álbum también contiene la canción “Dizzy” que de hecho no es un tema de Boney M. Farian no ha cantado como solista desde su último éxito de “Rocky” en 1976, pero con el viejo éxito de los años 60 de Tommy Roe, Farian quiere relanzarse como solista. La canción es completamente re-arreglada de un estilo techno-disco. Farian lo canta junto con Sandy Davis. La canción también se planea editar en maxi-single pero con las desastrosas ventas del LP en toda Europa – en Francia y Inglaterra ni siquiera se ha editado – el single de Farian nunca sale, tal como el segundo single del álbum que sería “Living Like A Moviestar” también se suspende. También está claro que no hay ninguna base para hacer una gira europea con Boney M.

En su desesperación, Farian decide grabar otro álbum navideño ya que el de 1981 ha sido tan exitoso. Liz y Reggie entran el estudio en verano junto con las hermanas Amy & Elaine Goff, otra vez se ignora a Marcia. Seis canciones son grabadas, pero falta la magia del primer “Christmas Album”.., entonces Farian escucha un éxito italiano, “Kalimba De Luna”, que Hansa está pendiente de editar en Alemania. El dinamismo de la canción le encanta a Farian y rápidamente graba una versión con Reggie en lead y coro por Farian y las hermanas Goff y que se edita como nuevo single de Boney M., al mismo tiempo que Hansa edita la versión original de Tony Esposito. A pesar de no tener el típico sonido de Boney M. – o quizá justo porque no tiene el típico sonido – el single devuelve a Boney M. al Top 20 en Alemania (No. 16) por primera vez en tres años. El single también es un éxito en Francia y España, en otros países como Suiza e Italia prefieren la versión original.

No obstante, Hansa (Alemania) y Ariola (España) lanzan una nueva edición de “10.000 Lightyears” donde “Somewhere In The World” ha sido editada para incluir el nuevo éxito, también editado. En Francia, la casa discográfica Carrere (que ignoró el álbum en primer lugar) finalmente decide editarlo, pero bajo el título “Kalimba De Luna” con la misma portada del single (que curiosamente muestra un sol …) y una nueva foto del grupo en la contraportada. Esta edición incluye la versión larga de 7 minutos del maxi-single. Para caber en la cara B, se ha decidido omitir “Jimmy”.

Para mantener la popularidad revivida de Boney M., Farian edita una remezcla de más de 9 minutos de “Kalimba De Luna” con rap por los neoyorquinos TJ y OG. Mientras, busca otra selección para el siguiente single. Mientras tanto, Bobby Farrell ha abandonado su carrera en solitario la cual no ha sido muy exitosa y ha vuelto a Farian. Esto parece perfecto para Farian que está planeando otra regrabación de un éxito italiano, “Happy Song” del grupo Baby’s Gang. Con su tema de la nueva onda de baile “breakdance”, Bobby será perfecto para presentarlo. En octubre se edita el nuevo single, acreditado a Boney M. con Bobby Farrell y The School Rebels, que es el grupo de niños que cantan los versos. En Francia y Holanda sólo se acredita a Bobby Farrell y The School Rebels. Reggie canta el coro y Bobby hace hace un rap. Como en el caso de “Kalimba De Luna”, las voces de Liz y Marcia tampoco se escuchan en éste single. Las vocales femeninas adicionales son otra vez cantada por las chicas La Mama, Madeleine y Patricia. La tercera, Cathy Bartney, ha sido reemplazada por Judy Cheeks que una década más tarde tendría un gran éxito dance con “Respect”.”Happy Song” es otro éxito Top 20 en Alemania.

Para gozar de la venta navideña, Farian hace un nuevo recopilatorio que cubrirá los éxitos de Boney M. desde que se editó “The Magic Of Boney M.” en 1980. El álbum se titula “Kalimba De Luna – 16 Happy Songs With Boney M.” como indica el título, se concentra en los dos éxitos que son incluidos en las maxi-versiones (ambos, no obstante, dos minutos más cortos). ¡Y tiene el mismo diseño de portada como el LP francés “Kalimba De Luna” (“10.000 Lightyears”), lo que significa que Carrere tiene que editar este álbum con otra portada!. La selección de las 14 canciones restantes es muy buena: “Children Of Paradise”, “Felicidad” y “Gadda Da Vida” aparecen en LP por primera vez (fuera del recopilatorio exclusivo para los clubs) tal como “Going Back West” y “Jambo” que se omitían de “10.000 Lightyears”. Desde el album “Boonoonoonoos” se ha seleccionado “Consuela Biaz”, ¿y por qué no “Malaika”, “That’s Boonoonoonoos” y “African Moon” (remezcla 1.983)?. Desde “10.000 Lightyears”: “Somewhere In The World” por supuesto, el cancelado segundo single “Living Like A Moviestar” (tampoco una canción muy feliz), “Barbarella Fortuneteller” y “I Feel Good”. La canción que nunca fue un single, “Calendar Song”,se incluiye con la música re-grabada. Lo malo es que todas las canciones, salvo “Kalimba De Luna” y “Happy Song”, son cortadas por Farian para que no duren más que 3 minutos.

Un LP muy especial se edita en Sudáfrica: “New Christmas With Boney M.” Incluye las seis nuevas canciones navideñas inéditas, “Little Drummer Boy” y la más famosa “Mary’s Boy Child”. El resto de temas no son navideños, pero sin embargo son elegidos por su ambiente festivo: “I’m Born Again”, “Children Of Paradise”, “Ribbons Of Blue”, “Hooray! Hooray! It’s A Holi-Holiday” y “Somewhere In The World”.Curiosamente, también incluye un tema inédito, grabado para su álbum planeado en 1983: “Mother And Child Reunion” de Paul Simon. Lo canta Reggie como en el caso de “Barbarella Fortuneteller”, los coros lo cantan otra vez La Mama -Madeleine, Patricia y Judy.

El año 1984 hasido otro año donde los planes para Boney M. parecen haber cambiado día a día. Su séptimo álbum en el que han trabajado dos años y que iba a marcar su come-back, ha sido un fracaso. Sin embargo han logrado volver a tener éxitos tras una pausa de tres años, pero éxitos copiados nota a nota de otros. ¿Lograrán continuar? El sonido típico de Boney M. con la voz de Liz no parece vender más y la voz de Marcia apenas se escucha en los coros que cada vez más es sustituida por cantantes de estudio. Por otra parte, ¿volverá Bobby a ser miembro de Boney M.? La confusión crece aún más al siguiente año.

En 1.985 Farian edita “Mother and Child Reunion” un single caritativo para Etiopia con el proyecto Frank Farian Corporation. Farian ha remezclado la canción y añadido un coro de Raff, miembros de Barclay James Harvest, Trio, the School Rebels y Liz Mitchell. Que falte Marcia en este proyecto no puede sorprender cuando uno sabe como ha sido ignorada por Farian los últimos años. Los coros originales por Patricia Shockley, Judy Cheeks y Madeleine Davis son mantenidos pero por error, la foto de Madeleine no está en la portada. Las hermanas Goff también contribuyen vocales. La cara B es el inédito “I’m Alive”, un tema alegre que canta Farian. “Mother And Child Reunion” es un éxito modesto – No. 24 en Alemania.

Farian está en los estudios otra vez para grabar un nuevo álbum de Boney M. Pero el productor está cansado con Boney M. – y se nota en la música también. “Esas sesiones fueron un revoltijo total”, recuerda Liz en una conversación doce años más tarde. Farian no sabe qué dirección tomar con Boney M. Se graban canciones de ambiente caribeño, se graban canciones de disco/Hi-NRG – y se graban canciones de rock porque al mismo tiempo Farian quiere ser un productor que sea tomado en serio por los críticos, por eso también está trabajando en un proyecto rock con miembros de Toto – un proyecto bajo el nombre FAR Corporation. Tendrán un éxito europeo con su versión del clásico “Stairway To Heaven”por Led Zeppelin, la producción más ambiciosa que Farian ha producido jamás. Por eso no le interesa mucho Boney M. Sin embargo se debe admitir que el primer single es una producción excelente – Stevie Wonder ha grabado parte de su nuevo álbum en los estudios de Farian a principios del año, por eso Farian tiene la idea de grabar una nueva versión del viejo éxito de Stevie Wonder, “My Cherie Amour”.

La balada es convertida en un arreglo up-tempo de ritmo samba… un arreglo que intenta repetir el “sentir-bien” de “Kalimba De Luna” – por esto, no es ninguna sorpresa que sea Reggie quien canta el lead. Y tampoco es ninguna sorpresa que Liz y Marcia no se escuchan en los coros que se cantan por las hermanas Goff. La versión dura casi 9 minutos con solos de guitarra y trompeta. Desafortunadamente, la versión editada en single no logra mantener la magia de la versión entera, y el single no llega más alto del puesto 55 en Alemania. Liz y Marcia tampoco se escuchan en la cara B – “Sample City” – que canta Farian. Y si hay algo que suena familiar en él, es porque utiliza los mismos acordes de “I Can’t Stand The Rain” que produjo Farian con Eruption y Precious Wilson en 1977.

Al mismo tiempo, Farian también edita un single como solista a Bobby: “King Of Dancin’” (Rey de baile) que también es una reutilización de “Dancing In The Streets”de Boney M. (o mejor Farian) de 1978. El “rap” o mejor dicho – los gritos de Bobby – no gustan nada al público, y el single no vende. La mayoría de fans también prefieren la cara B, “I See You”, un italo-disco de Farian y Helmut Rulofs. Varios fans creían escuchar a Liz en esta canción – ¡pero es la voz de Madeleine Davis que se parece!

En julio sale un recopilatorio único para Sudáfrica: “16 Greatest Love Songs” con una selección insólita: Sunny, No Woman No Cry, Ribbons Of Blue, Where Did You Go, Love For Sale, Heart Of Gold, El Lute, Still I’m Sad, Malaika, Somewhere In The World, Silent Lover, Two Of Us, Got A Man On My Mind, Let It All Be Music, A Woman Can Change A Man y Jimmy.

En septiembre se edita el nuevo single “Young Free And Single” (Joven, libre y solo), acreditado a Boney M. feat. Bobby Farrell. La cara B es una remezcla instrumental, llamada “Blue Beach” por la famosa playa jamaicana. Ahora Boney M. ha vuelto con una formación de cinco miembros: Liz, Marcia, Reggie, Bobby y Maizie. Pero la portada es muy anónima – falta el logotipo conocido, falta una foto del grupo, sólo es una pintura en rojo y blanco de un hombre con los brazos alzados. El disco también suena poco típico de Boney M. – es un tema Hi-NRG, compuesto por Farian con letras de un nuevo equipo de Robert Rayen y Mary Applegate, sobre un show en la radio como agencia de contacto. Después de “Train To Skaville/That’s Boonoonoonoos” y “Happy Song”, es el tercer título de Boney M. en el que se escucha Bobby – pero aunque es el lead singer en los versos, apenas se reconoce su voz que ha sido manipulada para sonar como una computadora. Liz y Marcia cantan unas pocas líneas de los versos pero el refrán es cantado por Reggie. El single se toca algo en los clubs pero no alcanza más que el No. 48 en Alemania. A pesar de ser un tema bastante fuerte, el sonido de Boney M. brilla por su ausencia. También parece algo extraño escuchar a Liz rapear las líneas: “Soy alta y rubia, llena de broma, ¡llámame y te enseñaré una cosa!”, la formación que se ve presentar la canción en la tele, ya no parece ni joven ni enérgica, ni un grupo unido.

Luego se edita el LP con el raro título: “Eye Dance” – baile ocular. Como el single, una portada muy anónima con un gran ojo en una espiral y el perfil de una pareja en baile debajo. En el dorso, cinco fotos individuales de Maizie, Marcia, Liz, Reggie y Bobby. Será su último álbum, y desafortunadamente el que menos gusta a sus fans. Al álbum le hace falta un sentido de unidad. La música está producida con toda perfección, pero aún así resulta muy estéril y sintética. Reggie canta lead en seis de las canciones, Farian en tres, Liz sólo en dos y Marcia en ninguna.

Las coristas son Amy & Elaine Goff, en dos canciones hasta son las damas de La Mama, Madeleine y Patricia, ahora juntas con Rhonda Heath, cantante del grupo Silver Convention, quienes cantan todas las vocales femeninas en los refranes.

Después de “Young Free And Single” que abre el álbum, el tema “Todos Buenos” pretende ser un título de baile latino pero no logra serlo. “Give It Up” es un típico tema funk de los años 80. La cara A termina con los temas del primer single, “My Cherie Amour” y “Sample City”. Uno de los mejores temas será el título – un dúo con Farian (voz baja) y Farian (voz alta). Es irónico, no obstante, que la única canción que mantiene el sonido de las tres voces originales de Boney M. – Liz, Marcia y Farian – sea también la más sosa de las 10: “Got Cha Loco” debería de haber llamado “Got Cha Aburrido” con su pobre arreglo de funk light.

Farian ha hecho una nueva versión del “Dreadlock Holiday” del grupo 10CC que está planeado ser el tercer single del álbum. Otra vez una grabación respetable pero con ningún sentido ni sonido de Boney M. Probablemente la canción más querida del álbum es “Chica Da Silva”, otro cuento de un héroe, en este caso una espía valiente. Con lead de Liz es la única canción que tiene el sonido familiar de Boney M. “Bang Bang Lulu” – un tradicional caribeño de estilo calypso parece ser perfecto para Boney M. pero tiene el efecto contrario – resulta la canción más odiada de Boney M. por los fans. Y no sólo por los fans – Farian le ha ofrecido la canción a Liz pero ella niega cantar las letras vulgares. Entonces Farian se la ofrece a Reggie. En todos los versos, se corta la última palabra que se insinúa muy claro por las rimas:

“Lulu conoció a un cantante / que tenía tantos éxitos / A ella le encantaba su voz / Pero odiaba como él seguía sobándole las …” lo que en inglés indica “las pechugas” [tits] o hasta aún más vulgar en el verso: “Lulu estaba miserable / cuando conoció a Chuck / Él era muy amable ¡que sí! / pero él no podía …”. ¿Y qué palabra inglesa rima con Chuck? – f*** [joder]

“Eye Dance” resulta pésimo en ventas otra vez. La edición en el nuevo formato de CD también se cancela (“10.000 Lightyears” y “Kalimba De Luna” han sido editados en CD en 1.984) a pesar de que el álbum ha sido concedido con un número de catálogo en CD. Farian les dice a Boney M. que es el final. No habrá más discos. Celebrarán el aniversario de 10 años y luego el fin. Así será.

En otoño de 1985, Boney M. recibe el “león dorado” de la Radio Luxemburgo por sus 10 años fantásticos en el mundo de música pop, y luego graban su show “10 Años Boney M.” para la televisión alemana ZDF. Es un show en el que todos los éxitos se presentan en medley – el final es “Dreadlock Holiday” que en este punto se planea como el tercer y final single de “Eye Dance”. Se edita un LP de 32 canciones re-mezcladas con sonidos adicionales de los años 80 – mientras se incluye un medley “B.M. à GoGo” de canciones menos conocidas como “New York City”, “Gloria Can You Waddle” y “Bye Bye Bluebird”, ¿por qué son omitidas “Bahama Mama”, “Still I’m Sad” y sobre todo “Mary’s Boy Child”? El álbum de “Boonooonoonoos” tampoco se representa con “Malaika” y “We Kill The World”.

El LP alcanza el Top 10 alemán durante varias semanas – en Inglaterra es su primer álbum en las pistas desde “The Magic Of Boney M.” “The Best Of Ten Years” alcanza el No. 35 allá.

Farian decide cancelar la edición de “Dreadlock Holiday” en single y en su lugar grabar una nueva versión de “Daddy Cool” de estilo de los años 80. La canción con nuevas partes “Grabación de aniversario 1986” con rap por Reggie y vocales re-grabadas por Liz y Farian es muy fructífera en ideas , la versión completa es de 9 minutos. Una versión editada sale en single pero no logra gustar ni al público general ni a los fans con el sonido muy moderno. Mientras Boney M. lanza su última gira mundial, Farian edita una versión re-mezclada de “Bang Bang Lulu” que no atrae ninguna atención.

A finales de 1986 (tras la disolución oficial del grupo) Liz, Marcia, Bobby y Maizie van cada uno por su lado. Sin embargo Farian no deja ir a su grupo más exitoso. Remezcla las canciones del “Christmas Album” – salvo “WinterFairy-Tale” y “I’ll Be Home For Christmas” y añade las 6 canciones navideñas grabadas en 1984 con las hermanas Goff que son inéditas en la mayoría del mundo – para crear un nuevo álbum con el título “The 20 Greatest Christmas Songs” – en Alemania con el título en alemán “Die 20 schönsten Weihnachtslieder der Welt” – “Las 20 canciones navideñas más lindas del mundo”. El álbum seguirá con buenas ventas cada año y se re-edita con nueva portada en 1992 y otra vez más en 1997 bajo el título “Christmas Party”.

En 1987 Bobby edita un sencillo bajo el título “Hoppa Hoppa”. El single sólo se edita en Holanda donde alcanza el Nº 64 en las pistas. A finales de año, Bobby persuade a Marcia y Maizie que vuelvan para hacer una gira europea en 1988, pero Liz no es invitada. En su lugar, Bobby añade una chica holandesa cuyo nombre se desconoce. Entonces Marcia se enfada con Bobby por alguna razón y dice que no. Bobby cambia de idea y decide llamar a Liz. Ella acepta, y su marido Thomas Pemberton ayuda a Bobby para organizar la gira. Bobby consigue un contrato con sus productores de “Hoppa Hoppa” para la grabación de un álbum entero, salvo que no será un álbum solista de Bobby, sino un álbum de Boney M. La grabación comienza en 1987 pero cuando Liz, Maizie, Bobby y la chica holandesa van a ensayar para la gira de verano, sólo están Liz y Maizie.

Bobby y la chica desconocida no vienen. Liz y Maizie se juntan con un chico bailarín que se llama Curt Dee Daran, y una cantante Celena Duncan que cantará las vocales de Marcia. A la vez, Celena está contratada por la casa discográfica inglesa, Nightmare Records, en la que edita tres singles “Faster Than The Eye Can See”, “Questions And Answers” y”Running For The Moon”, producidos por Ian Levine.

Esta formación va en gira por Europa en primavera de 1988. Mientras tanto, la producción del álbum producido por John Bartels, Jimmy Soulier, Roberto Gobessi, Pierre van Dormael y Pierre Piront está completa, pero como Liz canta todas las vocales en el álbum, se decide editarlo como el primer álbum en solitario de Liz Mitchell. Tiene por título “No One Will Force You” (Nadie te forzará), pero resulta difícil para Liz encontrar una casa discográfica. La popularidad de Boney M. es muy baja en esa época, y en Alemania, el poder de Farian es tan grande que las casas discográficas interesadas en el álbum no se atreven a editarlo. Sólo logra un contrato en España con la pequeña compañía Horus y en Dinamarca con la compañía Mega Records que a pesar de su nombre todavía es una compañía pequeña y nueva. En España se elige el título “Mandela” para el single (una nueva versión de “El Lute” con letras escritas por Liz y Thomas). En Dinamarca eligen “Ninos De La Playa” como el primer single, este título pop ligero será el segundo single en España. Pero los singles venden mal, el LP sólo se edita en España y en Dinamarca el álbum es cancelado por Mega Records a pesar de que Liz ha promocionado cuatro títulos (“Get Up And Dance”, “Ninos De La Playa”, “Mandela” y “Reggae People”) en su gira escandinava en octubre de 1988. En esta parte de la gira, Maizie se ha ido y ha sido reemplazada por Carol Grey.

Es una gran decepción para Liz que se encuentra en un dilema cuando los mánagers Simon Napier-Bell y Donovan Nelson le preguntan si quiere reunirse con Maizie, Bobby y Marcia para una reunión de Boney M. La gente de PWL – la compañía de Stock Aitken Waterman – está interesada en remezclar los viejos éxitos de Boney M. Farian no está muy interesado ya que está trabajando con un nuevo proyecto que le parece más prometedor : ¡Milli Vanilli! Eso es otra historia… Liz y Thomas consideran la oferta, ya que si las nuevas remezclas son exitosas, también significará para Liz mejores posibilidades para lanzarse como solista. Liz acepta y vuelve con Bobby, Marcia y Maizie para la Reunión Boney M. 1988. Luego se edita el primer single. Son remezclas de sus mayores éxitos “Rivers Of Babylon” y “Mary’s Boy Child/Oh My Lord”, luego seguido por un single con un “Megamix” y “Rasputin”. En Inglaterra editan un single de “Megamix” y “Mary’s Boy Child” que alcanza el puesto Nº 52 – en España se edita “Rivers Of Babylon” y el “Megamix” juntos en un single -. Se edita el LP “Greatest Hits Of All Times – Remix ’88” con 12 éxitos, remezclados por Pete Hammond de las producciones Stock-Aitken-Waterman y un sonido espectacular, muy enérgico y moderno. Las canciones elegidas por este proyecto son: Sunny, Daddy Cool, Rasputin, Ma Baker, Take The Heat Off Me, Hooray! Hooray! It’s A Holi-Holiday, Rivers Of Babylon, No Woman No Cry, Brown Girl In The Ring, Gotta Go Home, Painter Man, Mary’s Boy Child/Oh My Lord. En la portada hay una hermosísima foto del grupo en Jamaica en 1981.

Liz hasta ha re-grabado las vocales para “Sunny”, “No Woman No Cry” y “Brown Girl”, pero también se nota que las voces de Marcia han sido bajadas en los coros … aunque ella también se escucha, no con “Belfast” que curiosamente se omite, pero sí en “Take The Heat Off Me”, una sorprendente selección y una remezcla excelente. Aunque el LP no vende tan bien como se esperaba, tampoco es ningún fracaso. En Alemania recibe un disco de plata. Liz, Marcia, Bobby y Maizie se ven más bellos que nunca cuando van en gira en invierno de 1989 por toda Europa. El “Megamix”alcanza la cima de las pistas francesas, y la popularidad revivida del grupo en Francia hace que Liz logre editar su LP en Francia, hasta con un nuevo tema “Love Is Bleeding”. El álbum también se editará en Holanda pero curiosamente nunca en Alemania. Se edita el tema “Marinero” en single que junto con “Get On Up And Dance” será remezclado por un DJ francés para las discotecas. Pero cuando Liz quiere ir a hacer unas actuaciones como solista para promocionar el disco, Bobby, Marcia, Maizie y los mánagers se enfurecen porque sienten que Liz les ha fallado. Últimamente Liz (que se siente víctima de celosía) dice: “¡Ya basta! ¡Me voy!” ¡Y se va!

Bobby, Marcia y Maizie ahora tienen un problema urgente ya que tienen actuaciones por hacer en el mundo entero. ¿Qué harán? Maizie llama a Madeleine Davis de La Mama (quien cantaba coros en varias de las canciones de Boney M. en los últimos álbumes). Madeleine acepta – mientras Marcia cantará los leads de Liz en canciones como “No Woman No Cry” y “Brown Girl In The Ring”, Madeleine cantará “Hooray! Hooray! It’s A Holi-Holiday” y “Sunny”. La nueva formación también graba un video en Montecarlo para un nuevo “Summer Mega Mix” que Farian edita en single en junio de 1989. Su primer concierto juntos es en la isla de la Reunión (Africa).

Pero entonces Farian les comunica de nuevo que no quiere producir más discos de Boney M. – entonces Marcia, Maizie, Bobby y Madeleine buscan otro productor al mismo tiempo que Farian trabaja en un segundo álbum de remezclas de Boney M…. Marcia, Maizie, Bobby y Madeleine encuentran al productor Barry Blue (que tuvo el éxito “Dancing On A Saturday Night” en 1974) que tiene un tema excelente para ellos: “Everybody Wants To Dance Like Josephine Baker”.Marcia, Maizie y Bobby van en el estudio con Barry Blue. Madeleine tiene algunos problemas contractuales que tiene que resolver y por eso no participa en la grabación de “Josephine Baker” – un tema brillante de disco -, así Marcia canta todas las vocales – lead y coros – mientras, Bobby hace las partes narrativas. Unos días más tarde (cuando regresa Madeleine) graban la cara muy bajo.

El single se edita en la casa discográfica Imperative con una foto tomada en Montecarlo cuando el grupo promocionaba el “Summer Mega Mix”, también se prepara un video. Las reacciones del single son muy positivas – todos sienten que será un gran éxito. Pero lo próximo que sabe el grupo es que Farian está enfurecido que hayan editado un single con el nombre de Boney M. sin su permiso. El single es retirado, y aunque se edita una nueva versión en Francia bajo el nombre “Marcia-Maizie-Bobby-Mataleine” el éxito se pierde. Mientras la formación sigue actuando un año más, comienza un juicio entre Farian y el grupo.

Mientras tanto se ha editado otro single: una versión lambada de “Malaika” con nuevas vocales por Liz. El segundo álbum “Greatest Hits Of All Times – Remix ’89” sale en noviembre con títulos como “Kalimba De Luna”, “Felicidad” y “My Cherie Amour” también en “remezclas lambada”.

Otras selecciones son Happy Song en una mezcla French Kiss, Bahama Mama, Children Of Paradise, Nightflight To Venus, Belfast, El Lute, Calendar Song y Baby Do You Wanna Bump. Los dos megamixes son incluidos como bonus tracks. Pero a las remezclas les hace falta la gracia del primer álbum.

Rápidamente Farian llama a Liz Mitchell al estudio para grabar un nuevo tema que irá dirigido al público como la versión oficial de Boney M. con Liz. El tema se llama”Stories”, un tema hip-hop instrumental que ha circulado por los clubs. El escritor Peter Bischoff contribuye con las letras que se rapean por Liz junto con dos nuevas chicas muy jóvenes Sharon Stevens y Patty Onyewenjo. Farian logra persuadir a Reggie Tsiboe para volver a ser miembro de Boney M., aunque éste no canta nada en el single (cuya cara B es un instrumental bajo el título “Rumours”con samples de “Eye Dance”). Aunque el single sale con una hermosa foto de la nueva formación, es difícil reconocer que esto sea Boney M. y al escuchar el tema hip-hop, también es difícil de creer. En Suiza el tema solo alcanza el puesto Nº 26.

La nueva formación de Liz, Reggie, Patty y Sharon se va en una gira promocional por Europa, mientras Marcia, Maizie, Bobby y Madeleine también están actuando. En una ocasión ocurre lo impensable: los dos grupos no sólo actúan en Barcelona al mismo tiempo, sino que también están alojados en el mismo hotel! Madeleine Davis recuerda el momento como muy penoso: “Yo sonreí a Reggie porque él y yo siempre nos hemos llevado muy bien, pero el ambiente era muy tenso entre los miembros originales. Nadie dijo nada” cuenta.

A mediados de 1990, la formación de Boney M. con Liz no funciona muy bien. Reggie vuelve a Londres y Patty y Sharon van cada una por su lado. Como Farian no planea nuevos proyectos para Boney M., Liz reúne a Curt Dee Daran y Carol Grey de la formación con la que actuó dos años antes, añade a otro miembro de su familia, Patricia Lorna-Foster. En el repertorio tienen – fuera de los éxitos de Boney M. – “Get On Up And Dance”, “Mandela”, “Love Is Bleeding” y “Reggae People” del álbum solista de Liz, también cantan “Stories”.

Mientras tanto, Marcia está harta de actuar con Maizie, Bobby y Madeleine, cantando las mismas canciones noche tras noche que ha cantado mil veces antes. En Munich empieza a grabar unas versiones demo de algunas canciones que ha compuesto junto con su esposo Marcus James para un álbum.

Cuando Farian gana el juicio sobre los derechos del nombre Boney M., el grupo se disuelve. No obstante, Bobby tiene permiso de Farian para actuar bajo el nombre de Boney M. sólo en Holanda (donde reside). En 1991 graba una nueva versión de “Everybody Wants To Dance Like Josephine Baker” con tres chicas desconocidas. Su formación cambiará muchas veces en los años posteriores. El tema se edita en un single de carácter caritativo para la fundación “Josephine Baker” para niños.

En la primavera del año 1991, Liz edita un single en solitario llamado,“Mocking Bird” y producido por Helmut Rulofs que también ha compuesto la cara B “Tropical Fever”. Liz añade el single en su repertorio pero la atención es mínima. Mientras tanto, los planes de Marcia Barret de grabar su primer álbum en solista se cancelan completamente cuando descubre que tiene cáncer. Entonces comienza una lucha inquietante para Marcia durante los años siguientes. De Maizie no se sabe mucho en los años 1991-94.

En 1992 el interés por Boney M. casi es nulo. Después de todos los problemas de la reunión y el juicio, Farian tampoco quiere tener nada que ver con el grupo. También ha vivido en primera persona el escándalo cuando se revela que ninguno de los dos chicos de Milli Vanilli cantaban, ahora quiere concentrarse en su nuevo grupo Try’n B. Pero en otoño, otro grupo de los años ´70 revive de manera exitosa. El grupo es ABBA, y el disco es simplemente titulado: “Gold” (Oro). La casa discográfica de Farian (BMG) ve la oportunidad de editar una edición semejante con Boney M., aunque Farian no tiene nada de ganas. Pero coincide en hacer un recopilatorio de los 19 mayores éxitos de Boney M. junto con un “Megamix” que sale al mercado en noviembre junto con un “Christmas Mega Mix” que de hecho sólo es una remezcla de “Mary’s Boy Child”. También saldrá una nueva versión del álbum navideño de 1986.

¡En diciembre, el “Megamix” es el décimo éxito Top 10 de Boney M. en Inglaterra! Como Farian quiere remezclar un poco los temas del recopilatorio, “Gold” no saldrá al mercado por navidad como se había planeado. Pero cuando sale en enero de 1993, es un éxito en toda Europa. Aunque el “Megamix” sólo ocupa el Nº 26 en Alemania, “Gold” llega al Nº 2. La formación de Liz con Curt Dee Daran, Patricia Lorna Foster y Carol Grey es contratada para la promoción, y el año 1993 será un año muy activo para ellos, que empiezan una gran gira con orquesta en vivo en vez de una banda pre-grabada, ¡sus conciertos nunca han sido mejores!

En abril sale una nueva remezcla de “Brown Girl In The Ring” con nuevas vocales por Liz, en Inglaterra es Nº 38. En Dinamarca alcanza el puesto Nº 6 mientras “Gold” vende más de 100.000 copias en el país y recibe un disco de platino. Una pequeña casa discográfica danesa CMC se entera de que existe un álbum solista de Liz desde 1988 que es inédito en Dinamarca y con el gran interés por Boney M., la compañía obtiene los derechos y edita el álbum en CD con “Reggae People”/”Mandela” como single en agosto. Por razones desconocidas se omite una de las mejores canciones “Marinero” pero se incluyen dos inéditos, originalmente grabados por Liz en los estudios de Farian en verano de 1984,”Sweet Sensation” y “Scarlet Ribbons”. El álbum vende 5.000 copias.

Al mismo tiempo que se re-edita el álbum de Liz, Farian edita el tercer single de “Gold” (una remezcla techno de “Ma Baker”). Es un éxito en los clubs europeos pero no entra en listas. Mientras tanto, ABBA ha editado un “More Gold”, y Farian decide hacer lo mismo con Boney M. En octubre sale el álbum con éxitos como Bahama Mama, Ribbons Of Blue, We Kill The World, I See A Boat On The River, Children Of Paradise, Calendar Song y I’m Born Again. Farian incluye una remezcla de “Motherless Child” – hasta con vocales alternativas por Liz – y “Dreadlock Holiday” pero no en la versión que hizo Boney M. – o mejor dicho Reggie y Farian – en 1985, sino la remezcla bajo el pseudónimo Top Deck que hizo Farian en 1987. Se incluye porque el grupo French Connection acaba de tener un gran éxito con su “I Don’t Like Reggae”, basado en ese tema.

Hay canciones cuyas omisión parece un poco extraña. En lugar de canciones de álbum menos conocidas como Oceans Of Fantasy, Jimmy, I Shall Sing, Love For Sale y Motherless Child, ¿por qué no incluir singles como My Friend Jack, Gadda Da Vida, Carnival Is Over, Jambo, Somewhere In The World o Young Free And Single? Farian también graba cuatro nuevas canciones con Liz para el recopilatorio, “Time To Remember” es una nueva versión de “I’ll Be Your Woman” del álbum de La Mama en 1983. “Da La De La” es una canción del rapero Marlon B. que salió en single el año anterior. Liz sólo ha añadido una línea: “Africa – centro del mundo”. “Papa Chico”, una nueva versión del éxito del italiano Tony Esposito que también hizo “Kalimba De Luna”. “Papa Chico” será editado en single pero no será antes de abril de 1994, medio año después. “Lady Godiva” es el tema más popular de los cuatro – compuesto por Farian y con letras de Peter Bischoff – es el único tema que suena algo a Boney M. Hay que admitir que las cuatro nuevas canciones no son del standard habitual de Farian, ¡las vocales de Liz también se graban en un solo día! “More Gold” no logra repetir el éxito de “Gold” en Alemania sólo llega al Nº 85.

En 1994 Curt Dee Daran es reemplazado por Tony Ashcroft en la formación de Liz. Maizie vuelve a actuar, ha formado una versión de Boney M. junto con su vieja amiga Sheila Bonnick que fue un miembro del grupo en 1975 cuando promocionaron “Baby Do You Wanna Bump” y el bailarín Kelly. La cuarta cantante se cambia de vez en cuando. Sheila cantará la mayoría de las leads, pero Maizie se estrena como cantante lead en “Hooray! Hooray!” y “Brown Girl In The Ring”.El grupo hace un concierto en vivo con orquestra para la televisión polaca. Pero junto con el grupo de Bobby, crea cierta confusión que ahora existan tres formaciones de Boney M., cada una con un miembro original. Aunque Farian mantiene que la formación de Liz Mitchell es la oficial, no para las actividades de Bobby y Maizie ya que, como sabe bien es su único ingreso… de hecho también existe una cuarta formación muy extraña, creada en España que desde 1985 ha logrado seguir actuando bajo el nombre de Boney M. sin tener nada que ver con ellos. Incluso en 1987 editaron un single “Citizen”, producido por el famoso Raúl Orellana.

En julio 1994 se editan por primera vez los álbumes de Boney M. en CD incluso el recopilatorio “Kalimba DeLuna”, desafortunadamente sin bonus tracks. Fuera de las maxi-versiones, ahora sólo cuatro canciones del catálogo de Boney M. quedan inéditos en CD: Help Help, New York City, Strange y The Carnival Is Over.

El interés público por Boney M. disminuye en 1995 y en 1996 un club de fans holandés de Boney M. cambia el nombre de Boneymania para ser el club oficial de fans de Liz Mitchell. Como un regalo para los miembros, Liz ha regrabado Mary’s Boy Child, Zion’s Daughter, When A Child Is Born y Feliz Navidad en sus nuevos estudios Dove House que están situados en su casa en Reading, Kent, cerca de Londres. Poco tiempo después anuncia que comenzará grabar su segundo álbum.

En noviembre de 1998 sale una nueva remezcla de “Ma Baker”, producida por el famoso DJ alemán Sash! Cuando el maxi empieza a causar sensación en los clubs alemanes, sale una nueva edición en enero de 1999 con mezclas de Horny United bajo el título “Somebody Scream”. También se produce un video pero sin que aparezca Boney M. El single alcanza el Nº 28 en Alemania y en abril sale el single en Inglaterra donde alcanza el Nº 22. Farian quiere gozar del nuevo éxito y remezcla “Daddy Cool” él mismo para una edición en single en agosto de 1999. Pero el single sale bajo el nombre de Boney M. 2000 feat. Moby T. – ¡¡¡Farian ha creado una nueva formación de Boney M. con tres chicas jóvenes y el rapero Moby T.!!! Sin embargo las nuevas mezclas de “Daddy Cool” mantienen las vocales originales de Liz, Farian y Marcia. El productor anuncia que pronto habrá un álbum en el que esta nueva formación interpretará los éxitos de Boney M. para el nuevo milenio, mezclados con las voces de la formación original. Liz está muy decepcionada y enojada con Farian por este abuso. La remezcla de Farian no va tan bien como “Ma Baker”. Mientras el single fracasa en el No. 47 tanto en Inglaterra como en Alemania, las reacciones a esta idea causan cierta impresión a Farian. Mientras, un álbum de remezclas está listo para salir en noviembre bajo el título “20th Century Hits”, con la foto de “Nightflight To Venus” de Liz, Marcia, Bobby y Maizie en portada. En el libreto Liz y Marcia son acreditadas como las vocalistas de lead, Farian es acreditado por los coros. Sin embargo Farian no quiere que la formación de Liz haga la promoción para el álbum lo cual es – por supuesto – otra decepción para Liz. Para el nuevo single, una remezcla de “Hooray! Hooray!” y un megamix “Caribbean Night Fever” sale un video de dibujos animados de Boney M. Ni el single ni el álbum son muy exitosos – “Hooray! Hooray” sólo alcanza el No. 79 en Alemania, el álbum el No. 35. En febrero sale el cuarto y último single con una remezcla de “Sunny” que sólo alcanza el No. 80. Hay rumores que Farian, Liz y Marcia volverán al estudio juntos para grabar un álbum de versiones en castellano… pero desafortunadamente nunca ocurre.

En noviembre de 1999 finalmente se ha completado el esperadísimo segundo álbum de Liz (ha durado casi tres años en grabarse). Pero ha valido la pena: “Share The World” (Compartamos el mundo) resulta un álbum maravilloso. La mayoría de las canciones son escritas por Liz y Thomas, quienes también han producido el álbum junto a Winston de Landro y Robert Bailey. Contiene temas funk (“Let’s Have A Party” – Tengamos una fiesta), pop (“Good Timing” – Buena hora, “Music”), baladas (“Share The World” y “My Love’s A Ship” – Mi amor es una barca), una acapella muy requerida en los conciertos (“I’ll Meet You In The Morning” – Te encontraré en la mañana), y por supuesto reggae (“Sayamanda”, “007”, “Love Train”, “Fun Out Of Life”). Un título rap “Fools Don’t Know Nothing” (Tontos no saben nada) que se menciona como autobiográfico se omite a última hora. El tema “Sunshine” (Brillo de sol) se edita en single junto con remezclas – desafortunadamente es la única canción que Liz Mitchell jamás ha cantado en sus shows, salvo “I’ll Meet You In The Morning”. La cantó en un concierto en la discoteca G.A.Y. en Londres. Con esta mínima promoción, el álbum no ha tenido la atención que merece. Liz sorprende con editar un single navideño original al mismo tiempo – “Christmas Rose” es compuesto por la misma Liz quien también ha arreglado el “Lord’s Prayer” (cara B).

Increíblemente, también en noviembre de 1999, al mismo tiempo que se edita el álbum de remezclas de Boney M., al mismo tiempo que Liz edita un álbum después de 11 años, también Marcia vuelve al foco después de casi una década en silencio. El álbum se llama “Survival” y reflexiona su lucha contra el cáncer que la ha afectado dos veces en los últimos años. Contiene 12 títulos – seis nuevas canciones, grabadas en los estudios Avalon en Florida, producidas por Scott Christina, mejor conocido como DJ Infinity.

Esas incluyen un título “Strange Rumours” (Rumores extraños) que como el inédito “Fools” por Liz Mitchell se describe como un título autobiográfico; “Only The Strong Survive” (Sólo los fuertes sobreviven) es también un tema enérgico de dance, mientras “I Don’t Know Why” (No sé por qué), “Feel The Need In Me” (Siente mi necesidad) y “Sugar Sugar” (Cariño mío) enseñan su voz sensual. Probablemente el mejor tema es “Seeing Is Believing” (Verlo es creerlo), un excelente tema pop con una parte de ópera, cantada por Marcia! Entre los demás títulos hay tres de los demos grabados en Munich en 1990: unos temas rock “Key To Enter” (La llave para entrar) y “By Your Side” (A tu lado), y un tema country-rock “You’re All I Need” (Eres todo lo que necesito). También hay dos canciones que ha grabado en 1997: “Stay A Little Longer”(Quédate un poco más) y el optimista “It’s Not Over” (No se terminó). La canción “Hallo Freunde” es un demo, ¡grabado en alemán! como un saludo para los fans del país donde todo comenzó. Es un placer volver a escuchar a Marcia en un álbum entero después de haber estado en segunda fila con Boney M. Pero como su música también es algo diferente al estilo de Boney M., Marcia tendrá que reconocer que su regreso es más difícil de lo que se imaginaba. Aunque va a actuar en Alemania y Sudáfrica donde canta “Seeing Is Believing” del nuevo álbum y “Belfast” en conciertos caritativos, la gran atención de la prensa nunca se hace notar. Un año más tarde se estrenan dos títulos más en un programa en la radio holandesa: “Seasons” y la versión de Marcia “Rivers Of Babylon” pero no se han publicado en disco.

En la nochevieja 2000/01, Marcia es invitada a dar un concierto en un club ruso en Nueva York con el nombre adecuado de “Rasputin” – el concierto es una mezcla de canciones de Boney M. desde “Take The Heat Off Me” que abre el concierto hasta el final de “Rasputin”, y sus nuevas canciones. Pero tras esto pasa otro año y medio sin que ocurra nada. Una gira europea planeada parece demasiado cara – Marcia ofrece en venta su casa en Florida para poder trasladarse a Europa donde se halla su público. Mientras tanto, en abril de 2003 Marcia edita un CD como protesta a la guerra americana en Irak: “No War! Peace And Love” contiene cuatro inéditos: “Look Over Yonder”, “Smile”, “I Wanna See You Again” a dúo con Marcus, y “Life Is What You Make It”. Marcia puede entregar $295 a la organización War Child para las ventas del single. Marcia entonces hace otro esfuerzo para “Survival” cuando el DJ ruso Arkady Sarkisyan remezcla “Seeing Is Believing”, “Only The Strong Survive” y “Strange Rumours” – pero justo cuando se va a editar el single, Marcia es atacada por el cáncer por tercera vez y tiene que ir al hospital. Desafortunadamente, el single es cancelado, Marcia tiene que descansar.

En noviembre del 2000, Liz Mitchell edita el álbum “Christmas Rose” que contiene las dos canciones que salieron en single el año pasado, junto con 9 otros títulos. Las grabaciones son hermosísimas pero parece algo raro que Liz haya regrabado 6 canciones del álbum navideño de Boney M.: ” When A Child Is Born, Mary’s Boy Child, Petit Papa Noël, Feliz Navidad, el mismo Christmas Medley y Darkness Is Falling”. Liz también interpreta los salmos “O Holy Night” y“Ave Maria” pero la cumbre es sin duda la canción “I Want To Go Heaven”, compuesta por Liz. También produce un video para la canción. El próximo año Liz logra editar el álbum en Alemania con la casa discográfica CCM y también hace una gira promocional por Alemania.

También en el año 2000 se editan tres recopilatorios de Boney M. En Holanda sale “25 Jaar Na ‘Daddy Cool’” (25 años después de Daddy Cool) – como “Gold” corresponde a un recopilatorio exitoso holandés de ABBA “25 Jaar Na Waterloo”. Es un CD doble, compilado por el Liz Mitchell Fan Club, donde el primer CD contiene los mayores éxitos, el segundo CD contiene éxitos como My Friend Jack, We Kill The World, Jambo, Malaika, Gadda Da Vida, Happy Song y Kalimba De Luna, y una selección de las mejores remezclas – el megamix, “Daddy Cool”, “Ma Baker” de Sash!, “Brown Girl In The Ring”, y “Gotta Go Home” de “20th Century Hits” que fue un favorito entre fans pero desafortunadamente no editado en single. Una rareza es la inclusión de la remezcla de “Going Back West” que sólo se editó en la edición sudafricana de “20th Century Hits”. Una nueva remezcla de “Rivers Of Babylon” por Milk Inc. iba a ser incluida pero desafortunadamente se omite porque Farian tardó en aprobarlo. Luego se edita en single en Holanda. El recopilatorio también es pionero en estrenar “The Carnival Is Over”, “Strange” y “New York City” en CD por primera vez. Aunque Liz Mitchell promociona el álbum en Holanda, las ventas no son tan buenas como se esperaba – llega al No. 27 en las pistas holandesas. Dos años más tarde el recopilatorio será re-editado en Bélgica con otra portada – esta vez es un éxito Top 10.

También en noviembre del 2000, la casa discográfica danesa de CMC que re-editó el primer álbum solista de Liz Mitchell en 1993 junto con BMG lanza el recopilatorio doble “The Definite Collection” con una maravillosa portada. Es un recopilatorio que presenta los éxitos de Boney M. en orden cronológico. También esta recopilación está hecha con ayuda de los fans daneses, Danni Lange y Søren Jensen cuya proposición original no sólo incluye los singles sino también las mejores canciones de los álbumes: Take The Heat Off Me, Love For Sale, Never Change Lovers, Let It All Be Music, Oceans Of Fantasy y Boonoonoonoos. También habían querido representar el álbum “10.000 Lightyears” con los dos temas del single “Somewhere In The World” / “Exodus” – pero la casa discográfica prefiere temas más conocidos, por eso “Eye Dance” está representado por cuatro temas , aunque “Bang Bang Lulu” fue un single en 1986, ni éste ni “Dreadlock Holiday” fueron éxitos para Boney M. pero son canciones que conoce la gente. El recopilatorio también contiene tres canciones navideñas: “Mary’s Boy Child” por supuesto, y “Feliz Navidad” / “White Christmas” que fue un single escandinavo en 1982. La compilación será un gran éxito que se queda en el Top 10 danés por varias semanas y vende más de 50.000 copias.

El tercer recopilatorio se edita en Alemania en noviembre – “Their Most Beautiful Ballads” – “Sus más bellas baladas”. Es un recopilatorio interesante con canciones como The Carnival Is Over, Where Did You Go, Somewhere In The World, Still I’m Sad, El Lute, Jimmy, Sad Movies y otras canciones, también incluso unas canciones que apenas se pueden describir como “baladas”: Ribbons Of Blue, Two Of Us, My Cherie Amour, I See A Boat On The River y Rivers Of Babylon. La portada es hermosa. Al igual que en “20th Century Hits” ,se acredita a Liz como “la cantante lead de Boney M.”, a Marcia como cantante lead y corista, aunque canciones como Silent Lover o Never Change Lovers habrían sido adecuadas para este recopilatorio. Desafortunadamente, “Their Most Beautiful Ballads” no es un éxito.

En 2001 Bobby edita su primer álbum con la casa discográfica italiana DV More bajo el título “Lo mejor de Boney M. – cantado por Bobby Farrell” que es una regrabación completa de las 17 canciones del recopilatorio inglés “The Best Of Boney M.” Fuera de los éxitos de los primeros cuatro álbumes originales, también se incluyen “Motherless Child”, “Never Change Lovers” y “He Was A Steppenwolf”. Las grabaciones no son malas, la voz femenina es cantada por la cantante Sandy Chambers que reproduce bien la voz de Liz. Por primera vez Bobby canta las partes masculinas.

Poco tiempo después se edita otro recopilatorio “I successi” (“Los éxitos”) que es otra regrabación completa, esta vez una copia del recopilatorio de baladas en las que apenas participa Bobby. ¡En “El Lute”, “I’m Born Again”, “Consuela Biaz” y “My Cherie Amour” es un italiano desconocido quien canta la voz masculina! En 2003 Sony Music Italia planea editar un CD de remezclas de Bobby pero el CD se retira cuando Farian se entera del proyecto.

2004 – Después de más de 30 años se rompen los lazos profesionales entre Farian y BMG, lo cual significa que hasta que Farian no haya encontrado una nueva casa discográfica, no veremos nuevos recopilatorios ni CDs remasterizados con bonus tracks de los álbumes de Boney M. Las formaciones de Liz Mitchell, Maizie Williams y Bobby Farrell siguen actuando por todo el mundo con los viejos éxitos. Por otra parte Liz Mitchell edita su cuarto trabajo, esta vez un álbum de gospel: “Let It Be”. También edita un álbum suyo grabado con la orquesta sinfónica de Praga y una nueva versión de “Share The World” con algunos títulos remezclados.

2005 – Marcia también edita un nuevo single con la casa discográfica alemana, Sixx Records, una versión del conocido tema de Jimi Hendrix “Hey Joe” que junto con su nueva imagen con la cabeza calva marca una nueva dirección inesperada de Marcia. 30 años después de la mayor creación de Farian; Boney M. con “Baby Do You Wanna Bump”, el sueño de una reunión parece aún más imposible que nunca.

2006 – Se cumplen 30 años desde la formación de un grande de grandes, Boney M. Previsiblemente no se sabía con exactitud si habría algún tipo de celebración pero finalmente se cumple. Con motivo del aniversario el gran maestro Farian estrena en Londres el musical “Daddy Cool” que recoge parte de la historia de Boney M. y diversas formaciones creadas por Frank como Milli Vanilli o Eruption. En Alemania, Dinamarca y Suiza se publica”The Magic of Boney M.”, un recopilatorio que recoge los grandes éxitos del grupo, una remezcla especial del clásico “Sunny” por Mousse T. y un nuevo tema bajo el título “A moment of love” grabado en unos estudios de grabación en Londres por Farian y Liz Mitchell. Inexplicablemente Marcia no es llamada para participar en el proyecto. También se publica el DVD “The Magic of Boney M.” y el CD perteneciente al musical “Daddy Cool”. Por otra parte, Liz Mitchell graba un CD-EP para apoyar a las madres e hijos que sufren el sida en África. Marcia continua con sus proyectos musicales y Bobby y Maizie continuan con sus respectivas formaciones.

2010 – El 30 de diciembre de 2010 Bobby fallece en San Petesburgo (Rusía) causando una gran conmoción entre su familia, admiradores y los innumerables medios de comunicación que se hicieron eco de la triste noticia, lo que supuso un impacto mediático a nivel mundial.

Actualmente Liz, Marcia y Maizie continúan actuando con sus respectivas formaciones por todo el mundo. Farian lleva una larga temporada sin realizar alguna producción musical, lo cual no significa que cualquier día nos sorprenda con algo novedoso.

Boney M.

ÁLBUMES
1976 Take The Heat Off Me
1977 Love For Sale
1978 Nightflight To Venus
1979 Oceans of Fantasy
1981 Boonoonoonoonoos
1984 Ten Thousand Lightyears
1984 Kalimba De Luna
1985 Eye Dance
1991 Happy Christmas
1996 Best In Spain
1997 The Best Of Boney M.
1999 20th Century Hits
1999 Christmas Party
2005 Remix-2005
2006 The Magic Of Boney M.
2007 Disco Collection

 

Créditos

El MiniPodcast

con Alex Cardona

es presentado por:

LaBuona.it, Italian Brand.
Sun Energy Lights, SEL-Colombia.com, ¡La Energía Que Se Renueva!
LaBuonaPiada.com, ¡La Tradizione Che Si Evolve!
GeralCN.com, ¡Joyería Contemporánea!
AlexandrosQuiro.com, ¡Tus Masajes A Domicilio!
MarianDValencia.es, ¡La Voz De Oro!
RapidoYEconomico.com, multimedia/graphic/web
AlexanderCardonaNieto.com, ACN FreeLancer.

Este MiniPodcast

Es grabado y producido en los estudios de
ACN Medios en España con el respaldo de:
Spreaker.com | La aplicación líder para creadores de audio para radiodifusión
AIR | AlianzaInternacionalDeRadio.com

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Boney M. fue un grupo de música disco que alcanzó gran fama durante la década de los 70. Fue creado por el productor alemán Frank Farian en 1975, que por entonces trabajaba para la discográfica alemana Hansa, una compañía que en la década siguiente.. Escuchar el MiniPodcast


Boney M.







FICHA GENERAL







Origen


Alemania







Géneros


Pop
Disco
Dance-Pop
Hi-NRG
Eurodance
Soul
R&B







Período de actividad


1975 – 1986
1987 – 1989
1992 – 1994
1996 – 2010







Sellos discográficos


Hansa Records
Atlantic Records
Sony BMG







Sitio web


BoneyM.es







Miembros


Marcia Barrett
Maizie Williams
Liz Mitchell
Bobby Farrell





Boney M. fue un grupo de música disco que alcanzó gran fama durante la década de los 70. Fue creado por el productor alemán Frank Farian en 1975, que por entonces trabajaba para la discográfica alemana Hansa, una compañía que en la década siguiente lanzaría a Modern Talking.


Boney M. originalmente tenía su sede en Alemania Occidental, los cuatro miembros originales de la alineación oficial del grupo fueron Liz Mitchell y Marcia Barrett de Jamaica, Maizie Williams de Montserrat y Bobby Farrell de Aruba. El grupo alcanzó popularidad durante la era disco de finales de los años setenta. Desde la década de 1980, varias alineaciones de la banda se han presentado con personal diferente.


Con más de 150 millones de discos vendidos, son uno de los grupos más vendidos de todos los tiempos.


El primer disco que contiene el nombre de Boney M. aparece en las tiendas de Alemania en la primavera de 1975. La portada no tiene ninguna foto del grupo que conocemos sino la bandera americana (barras y estrellas) con una chica que baila. “Baby Do You Wanna Bump” se titula la canción. “Do you wanna bump?” pregunta una voz grave y comienza un ritmo disco. La canción es una composición con una voz grave masculina que sigue preguntando: ¿Quieres hacer el bump? B-U-M-P Bump.
A poca gente le interesa este single. En Alemania pasa desapercibido. Sin embargo, en Holanda y Bélgica el bump empieza a ser popular, el single empieza a sonar en las pistas de baile y las televisiones piden a la casa discográfica Hansa International actuaciones. Sólo hay un problema … ¡no existe ningún grupo!]]>
Alexander Cardona Nieto clean 25:24
0005 - Blondie - La Máquina De La Música https://www.lamaquinadelamusica.com/0005-minipodcast-con-alex-cardona-la-maquina-de-la-musica/ Thu, 15 Feb 2018 13:56:19 +0000 https://www.lamaquinadelamusica.com/?p=1014 Blondie es una banda estadounidense de rock formada en 1974, grupo del incipiente movimiento punk rock neoyorquino y, posteriormente, de la new wave (en castellano: nueva ola), género musical de comienzos de la década de los 80. El grupo ha vendido.. Escuchar el MiniPodcast

Blondie

Blondie

FICHA GENERAL
Origen Neuva York, Estado de Nueva York | Estados Unidos
Géneros Punk Rock
New Wave
Pop Rock
Power Pop
Período de actividad 1974 – 1982
1997 – Presente
Sellos discográficos Chrysalis Records
EMI Records
Beyond Records
BMG Records
Epic Records
Sanctuary Records
Private Stock Records
Sitio web Blondie.net
Miembros Deborah Harry
Chris Stein
Clem Burke
Leigh Foxx
Tommy Kesler
Matt Katz-Bohen


Nigel Harrison
Frank Infante
Gary Valentine
Fred Smith
Billy O’Connor
Eddie Martínez
Ivan Kral
Kevin Patrick
Kevin Topping
Paul Carbonara
Jimmy Destri

Blondie es una banda estadounidense de rock formada en 1974, grupo del incipiente movimiento punk rock neoyorquino y, posteriormente, de la new wave (en castellano: nueva ola), género musical de comienzos de la década de los 80.

El grupo ha vendido más de 50 millones de discos.

Los miembros de la formación original de la banda eran Deborah Harry como cantante, Chris Stein como guitarrista, Gary Valentine como bajista, Clem Burke en la batería y Jimmy Destri en los teclados.

Deborah Ann Harry (Miami, Florida, 1 de julio de 1947), más conocida como Debbie Harry, es una cantante y actriz estadounidense, reconocida por ser la vocalista de la popular banda Blondie. En 1999, Harry fue ubicada en la posición No. 12 en la lista de las 100 mujeres más importantes del Rock & Roll elaborada por el canal VH1.


De origen neoyorquino, el grupo inició en 1974 junto a otras bandas locales como Ramones y Television, dentro del recién surgido movimiento punk-rock. Sus primeros conciertos en la sala CBGB sirvieron para dar a conocer a la banda en su ciudad.

En 1976 lanzan su primer álbum homónimo, Blondie, tuvo poco éxito pero obtuvo una buena posición en las listas de discos de Australia. De este disco surgieron sus dos primeros singles, X Offender e In The Flesh. Este último logró ser número 2 en las listas de singles de Australia y dio el impulso que la banda necesitaba para ser populares.

En 1977 cambian de productora y relanzan su primer disco, obteniendo un moderado éxito. A principios de 1978 lanzan el álbum Plastic Letters cuyo single “Denis” les dio de nuevo otro éxito, pero esta vez en el Reino Unido. Esto trajo consigo la consecuente popularidad de la banda y su fama a nivel mundial.

A finales de 1978 lanzan el álbum Parallel Lines con la ayuda del productor Mike Chapman. Este disco se convirtió en un éxito mundial siendo número uno en varios países y estando en las listas durante algunos años. Hasta el momento, se han vendido más de 20 millones de discos de este álbum. En este año hubo algunos cambios en la banda, Gary Valentine salió y entraron Frank Infante como guitarra rítmica y Nigel Harrison como bajista, pasando a ser una banda de seis integrantes. Del álbum Parallel Lines surgieron seis singles: Picture This (1978), I’m Gonna Love You Too (1978), Hanging On The Telephone (1978), Heart Of Glass (1979), Sunday Girl (1979) y One Way Or Another (1979).

Heart Of Glass surgió como una reedición de una canción de la propia banda del año 1975 llamada Once I Had A Love, la cual fue regrabada y editada con sonidos disco y pop que otorgaron un éxito rotundo a este single. Esta canción se convirtió en seña de identidad de la banda y cosechó grandes éxitos, entre otros, se convirtió en single del año.

Esta canción trajo mucha controversia, puesto que se veía como algo puramente comercial que una banda de estilo punk-rock realizara música disco. Con ello, la banda se desmarcó completamente de esta posición punk-rock y comenzó a realizar canciones de todo tipo. Sobre Heart Of Glass ha habido varios comentarios por parte de los integrantes de Blondie: Clem Burke, batería del grupo, comentó que lo que comenzó siendo una melodía con ritmo reggae terminó convirtiéndose en un tema disco, cuya base rítmica imitó a partir de algunos cortes del Stayin’ Alive del grupo Bee Gees. Jimmy Destri, teclista de la banda, admitió que los integrantes del grupo estaban entusiasmados con los experimentos electrónicos de los alemanes de Kraftwerk, y que en Heart Of Glass intentaron exponer las posibilidades ofrecidas por los sintetizadores. Sunday Girl logró otro éxito de ventas siendo número uno en el Reino Unido, siendo el segundo número uno consecutivo para la banda en ese país.

En 1979 editan su cuarto álbum de estudio, Eat To The Beat, que incluía canciones convertidas luego en iconos del pop como Atomic, Dreaming o Union City Blue.

En 1980 el grupo grabó Call Me, tema compuesto por Giorgio Moroder y Deborah Harry para la banda sonora de la película American Gigolo, convirtiéndose en un nuevo nº 1 en los EE. UU.

Su quinto álbum de estudio, Autoamerican, publicado en 1980, incluyó los sencillos The Tide Is High (versión de la canción de título homónimo, escrita por John Holt, miembro del grupo jamaicano The Paragons) y Rapture (que incluye el primer rap cantado por una mujer blanca), ambos números 1 en los Estados Unidos. Con este álbum, la banda daba un paso hacia adelante abordando nuevos estilos y sonidos que, más allá del pop punk habitual, campaban entre el jazz, el rock épico, el reggae o incluso el sinfonismo europeo.

Hablando de Debbie Harry, a finales de la década de 1960 inició su carrera musical en la banda folk rock The Wind In The Willows, sin mayor éxito comercial.

Fue a mediados de la década de 1970 cuando conoció al guitarrista Chris Stein, entonces perteneciente a la banda The Morticians, y juntos fundaron Angel & The Snake, que pasó después a llamarse Blondie. Tal hecho se desarrolló así, al ocurrírsele la idea a Deborah Harry, cuando un camionero le gritó: ‘¡Hey, rubita!, haciendo referencia a su pelo rubio platinado parcialmente, y pretendiendo un encuentro sexual con ella. Según Deborah, también pensaron en llamarse Blondie porque, al empezar el nombre por B, en las tiendas de discos estarían cerca del apartado de los Beatles, donde más suele mirar la gente.

El disco, “The Hunter”, fue el menos popular de los realizados por Blondie, y coincidió con el declive de la misma en 1982, separándose al año siguiente, también debido a una enfermedad de origen genético que padecía el guitarrista Chris Stein. Deborah Harry, líder de la banda, voz e imagen (que ya había editado un álbum en solitario en 1981 llamado “Koo Koo”), emprendió una carrera como solista con cierto éxito aunque sin igualar la popularidad de Blondie, además de participar en algunas películas y series de televisión como actriz invitada. Algunos de sus éxitos como solista fueron “I Want That Man” o “French Kissin In The USA”, durante la década de los 80. En la década de los 90, Debbie Harry participó en diversos proyectos musicales colaborando con artistas alternativos, y también trabajó con la banda de jazz “The Jazz Passengers”.

En 1998, los cuatro miembros de la formación original de Blondie, Deborah Harry, Clem Burke, James Destri y Chris Stein decidieron reunirse para grabar el que sería su séptimo álbum, “No Exit”, editado en 1998 y cuyo single “Maria” les llevó de nuevo a las listas de éxitos. Blondie es el único grupo musical que ha conseguido números uno en tres décadas consecutivas. Además, Debbie Harry está incluida en el libro Guinness de los Récords, como la cantante más madura de la historia en conseguir un número uno en las listas de éxitos del Reino Unido con “Maria”.

En el 2003 salió a la venta “The Curse Of Blondie”, su octavo álbum. Coincidiendo con el trigésimo aniversario de su disco “Parallel Lines”, Blondie realiza una larga gira internacional. En el 2006, Blondie ha sido incluido en el codiciado Salón de la Fama del Rock And Roll. En el 2008, la banda anunció que comenzarían a grabar lo que sería su noveno álbum. “Panic Of Girls” fue lanzado a finales del 2010 en Australia, y a nivel mundial en el 2011. Desde el 2010 la banda ha ido realizando conciertos en los que ha ido desvelando las diferentes canciones del disco Panic Of Girls. En la última de sus giras anunció nuevo material tal como “Rock On”, “Dead Air” o “Practice Makes Perfect”. En marzo del 2013 se anunciaron dos canciones nuevas por lo que se dejó entrever como un nuevo álbum (“Make A Way” e “I Want To Drag You Around”).

En junio del 2013 la banda anunció el nuevo álbum Ghosts Of Download cuyo primer single sería A Rose By Any Name junto con otras canciones como “Rave”, “Take Me In The Night”, “Winter” y “Sugar On The Side”.

Blondie continúa haciendo varias giras como la realizada en junio promocionando su nuevo álbum mientras tocan sus viejos temas. En los meses de septiembre y octubre realizaron una gira con la banda X para al fin en noviembre anunciar el que sería el segundo single Sugar On The Side que salió a la luz el 17 de diciembre de ese mismo año. Es en ese mes cuando se anuncia la participación de la banda en el concierto de fin de año en el Times Square de Nueva York y la salida de un disco conjunto entre el planeado y un disco recopilatorio de 10 grandes éxitos que la banda ha reeditado y lanzado en este disco conjunto llamado Blondie 4(0) Ever con motivo de su 40 aniversario. En este disco se aúnan lo nuevo y lo antiguo, el estilo New Wave de sus orígenes con sus actuales composiciones más tecnológicas y electrónicas. En el disco recopilatorio existen versiones de canciones como Rapture, Heart Of Glass o The Tide Is High, entre otras.

En cuanto a lo personal de Debbie Harry fue pareja de larga data con su compañero de Blondie, el guitarrista Chris Stein, aunque nunca se casaron. Harry decidió no tener hijos.

En entrevistas brindadas en 1989 y 2010, Harry afirmó que a principios de la década de 1970 fue atraída a un automóvil conducido por el asesino en serie Ted Bundy mientras estaba en la ciudad de Nueva York, pero logró escapar. Harry dijo que identificó al conductor como Bundy en los informes de noticias de televisión, pero el sitio web de verificación de hechos Snopes.com dice que el conductor probablemente no era Bundy porque no hay registro de que Bundy estaba en Nueva York en ese momento. Snopes.com señaló que Ann Rule, autora de un libro sobre Bundy, anunció que las afirmaciones falsas de secuestros de Bundy no son infrecuentes.

En una entrevista del 2011, Harry afirmó que después de ver los incansables esfuerzos de Elton John en su campaña de prevención contra el VIH, se había sentido inspirada para poner la filantropía como su principal prioridad. La artista afirmó: “Estas cosas son importantes para mi vida ahora. Tengo el privilegio de poder involucrarme, y lo hago. Aplaudo a personas como Elton John, que han utilizado su posición para hacer tanto bien”. Algunas de las organizaciones benéficas preferidas de Harry incluyen aquellas dedicadas a combatir el cáncer y la endometriosis.

En abril del 2014, Debbie reveló su bisexualidad, admitiendo haber tenido relaciones sexuales con hombres y mujeres.

Blondie

ÁLBUMES
1976 Blondie
1977 Plastic Letters
1978 Parallel Lines
1979 Eat To The Beat
1980 Autoamerican
1982 The Hunter
1999 No Exit
2003 The Course Of Blondie
2011 Panic Of Girls
2014 Ghosts Of Download
2017 Pollinator

 

Créditos

El MiniPodcast

con Alex Cardona

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Blondie







FICHA GENERAL







Origen


Neuva York, Estado de Nueva York | Estados Unidos







Géneros


Punk Rock
New Wave
Pop Rock
Power Pop







Período de actividad


1974 – 1982
1997 – Presente







Sellos discográficos


Chrysalis Records
EMI Records
Beyond Records
BMG Records
Epic Records
Sanctuary Records
Private Stock Records







Sitio web


Blondie.net







Miembros


Deborah Harry
Chris Stein
Clem Burke
Leigh Foxx
Tommy Kesler
Matt Katz-Bohen
Nigel Harrison
Frank Infante
Gary Valentine
Fred Smith
Billy O’Connor
Eddie Martínez
Ivan Kral
Kevin Patrick
Kevin Topping
Paul Carbonara
Jimmy Destri





Blondie es una banda estadounidense de rock formada en 1974, grupo del incipiente movimiento punk rock neoyorquino y, posteriormente, de la new wave (en castellano: nueva ola), género musical de comienzos de la década de los 80.


El grupo ha vendido más de 50 millones de discos.


Los miembros de la formación original de la banda eran Deborah Harry como cantante, Chris Stein como guitarrista, Gary Valentine como bajista, Clem Burke en la batería y Jimmy Destri en los teclados.


Deborah Ann Harry (Miami, Florida, 1 de julio de 1947), más conocida como Debbie Harry, es una cantante y actriz estadounidense, reconocida por ser la vocalista de la popular banda Blondie. En 1999, Harry fue ubicada en la posición No. 12 en la lista de las 100 mujeres más importantes del Rock & Roll elaborada por el canal VH1.


De origen neoyorquino, el grupo inició en 1974 junto a otras bandas locales como Ramones y Television, dentro del recién surgido movimiento punk-rock. Sus primeros conciertos en la sala CBGB sirvieron para dar a conocer a la banda en su ciudad.
En 1976 lanzan su primer álbum homónimo, Blondie, tuvo poco éxito pero obtuvo una buena posición en las listas de discos de Australia. De este disco surgieron sus dos primeros singl...]]>
Alexander Cardona Nieto clean 25:24
0004 - Bee Gees - La Máquina De La Música https://www.lamaquinadelamusica.com/0004-minipodcast-con-alex-cardona-la-maquina-de-la-musica/ Fri, 09 Feb 2018 16:10:05 +0000 https://www.lamaquinadelamusica.com/?p=999 Los Bee Gees fue una banda británica, formada en Australia en 1958 por los hermanos Barry, Robin y Maurice Gibb. El álbum doble Saturday Night Fever, banda sonora del filme del mismo título, al que los Bee Gees aportaron las seis canciones........... Escuchar el MiniPodcast

Bee Gees

Bee Gees

FICHA GENERAL
Origen Redcliffe, Queensland | Australia
Géneros Pop
Soul
Disco
Rock
Período de actividad 1958 – 1970
1971 – 1981
1987 – 2003
2009 – 2012
Sellos discográficos Festival Records
Polydor Records
Atco Records
RSO Records
Warner Bros Records
Rhino Records
Sitio web BeeGees.com
Miembros Barry Gibb
Robin Gibb
Maurice Gibb

Los Bee Gees fue una banda británica, formada en Australia en 1958 por los hermanos Barry, Robin y Maurice Gibb. El álbum doble Saturday Night Fever, banda sonora del filme del mismo título, al que los Bee Gees aportaron las seis canciones principales, llegó a vender más de 45 millones de copias, convirtiéndose en uno de los más exitosos de toda la historia de la música.

Algunas de sus canciones más populares son To Love Somebody, Words, Massachusetts, I Started A Joke, Run To Me, How Can You Mend A Broken Heart, Stayin’ Alive, Night Fever, You Should Be Dancing, Tragedy, More Than A Woman, How Deep Is Your Love, Too Much Heaven, The Woman In You y You Win Again, entre otras.

En las décadas de 1960 y 1970, fueron parte de la escena musical mundial, en especial con la fiebre disco, de la mano del productor Robert Stigwood. Se encuentra entre los más importantes del género, con más de 40 años de actividad musical ininterrumpida.

La banda cesó su actividad en el 2003 con la muerte del menor de los hermanos, Maurice Gibb. Los sobrevivientes Barry y Robin anunciaron entonces que el nombre de Bee Gees ya no sería usado en presentaciones, sin embargo, el 7 de septiembre del 2009, Robin le reveló a Jonathan Agnew que había hablado con Barry y habían decidido volver a los escenarios. En el 2012 falleció Robin, y con Barry solo, la etapa de los Bee Gees se cerró definitivamente.

Los Bee Gees fue uno de los grupos más exitosos en la historia de la música, vendiendo más de 400 millones de copias a nivel mundial, entre álbumes y singles.


Barry Gibb nació el 1 de septiembre de 1946 en Douglas, Isla de Man, segundo hijo del matrimonio compuesto por Bárbara y Hugh Gibb, un prominente baterista de su época. El 22 de diciembre de 1949 nacieron los mellizos Robin Gibb y Maurice Gibb con 38 minutos de diferencia, lo que hizo de Maurice el menor de los tres hermanos Gibb. En los años ’50 comenzaron a actuar en el teatro local de Mánchester (Inglaterra), como parte de los intermezzos. A fines de esta década, el 5 de marzo de 1958, nació el hermano menor de los Gibb, Andy.

La familia se mudó a Australia en 1958 y se establecieron en Redcliffe al noreste de Brisbane, en Queensland, en donde también realizan presentaciones en teatros y otros escenarios. En un principio se llamaron «The Rattlesnakes», luego «Wee Johnny Hayes & The Bluecats». Fueron presentados al Disc Jockey de una emisora de radio —llamado Bill Gates— por el promotor de carreras de autos Bill Goode, quien los vio actuar en el circuito de carreras de Brisbane. Gates los renombró como «Bee Gees» gracias a una coincidencia que ocurrió luego de la carrera de Brisbane. Bill Gates se juntó con Goode en la casa de los Gibb, donde se encontraban la señora Bárbara Gibb y los hermanos Gibb junto con Barry. Gates frente a esta situación dijo que había tantos «BG» en la habitación que deberían llamarse así.

Por 1960, los Bee Gees estaban actuando en espectáculos televisivos, y en los próximos años empezarían a trabajar regularmente en resorts en la costa de Queensland. Barry llamó la atención de la estrella australiana Col Joye gracias a su capacidad de escribir canciones, así Joye ayudó a los jóvenes Bee Gees a tener un acuerdo de grabación con Festival Records en 1963 bajo el nombre de Bee Gees. Los tres hermanos lanzaron dos o tres sencillos en un año, mientras Barry ayudaba con canciones a otros artistas australianos.

Un éxito menor en 1965, «Wine And Women», impulsó a los hermanos para hacer en ese mismo año su primer álbum como banda: The Bee Gees Sing And Play 14 Barry Gibb Songs. A fines de 1966, la familia Gibb decide volver a Inglaterra, y buscar fortuna con la música allí. Mientras venían de viaje, los hermanos escucharon que «Spicks And Specks», la canción que habían grabado meses antes, había llegado al #1 en Australia.

Antes del traslado desde Australia hasta la nativa Inglaterra, Hugh Gibb envió unos demos a Brian Epstein quien era representante de The Beatles y era director de NEMS, una tienda británica de música. Epstein le había dado los demos a Robert Stigwood quien recientemente se había unido a NEMS. Después de una audición con Stigwood en febrero de 1967, los Bee Gees firmaron un contrato de cinco años donde Polydor Records podría ser la discográfica del grupo en el Reino Unido y Atco Records lo sería por su parte en los Estados Unidos. Rápidamente comienzan a trabajar en el primer álbum internacional y Robert Stigwood lanzó una gran promoción que fuera coincidente con el lanzamiento.

Stigwood proclamó que los Bee Gees eran «el talento más significativo de 1967», e inmediatamente comenzaron las comparaciones con The Beatles. Su primer sencillo británico, New York Mining Disaster 1941, fue puesto en las emisoras de radio con una etiqueta blanca que simplemente indicaba el título de la canción. Muchos pinchadiscos asumieron inmediatamente que éste era un nuevo sencillo de los Beatles y lo emitieron. Esto ayudó a que la canción llegara al Top 20 tanto en el Reino Unido como en EE. UU. Solo después éstos se dieron cuenta de que no eran los Beatles, sino los Bee Gees, cuando lanzaron su segundo sencillo Massachussets «To Love Somebody» que también llegó al Top 20 en EE. UU. Originalmente escrita para Otis Redding, «To Love Somebody» es una balada llena de soul cantada por Barry que se ha convertido en un estándar del pop interpretada por cientos de artistas como Rod Stewart, Janis Joplin, The Animals, Nina Simone, y Michael Bolton solo por nombrar algunos. Otro sencillo, «Holiday», fue lanzado en EE. UU. y llegó al puesto 16. El álbum del sencillo —el erróneamente llamado «Bee
Gees’ 1st»— fue 7º en EE. UU. y 8º en el Reino Unido.

Seguido del éxito de «Bee Gees’ 1st», la banda —que ahora está compuesta por Barry en la guitarra rítmica, Maurice en el bajo, Vince Melouney en la guitarra principal y Colin Petersen en la batería— empezó el trabajo en su segundo álbum, lanzado a fines de 1967. «Horizontal» repitió el éxito del álbum anterior, llegando al #1 en el Reino Unido (#11 EE. UU.) el single «Massachusetts» y #7 también en Inglaterra el single «World». El sonido de «Horizontal» estaba más influenciado del rock que su álbum antecesor, aunque baladas como «And The Sun Will Shine» y «Really And Sincerely» son sobresalientes. «Horizontal» llegó al Top 20 en ambos lados del Océano Atlántico —puesto #12 en EE. UU. y #16 en Inglaterra—. Para promocionar el álbum, los Bee Gees hicieron sus primeras apariciones en EE. UU. tocando en conciertos en vivo y espectáculos de televisión como «The Ed Sullivan Show» y «Laugh In».

Dos sencillos siguieron a principios de 1968, la balada «Words» (#15 EE. UU., #8 en el Reino Unido) y el single de doble Lado A «Jumbo/The Singer Sang His Song». «Jumbo» fue el single menos exitoso llegando solo al puesto #57 en EE. UU., pero alcanzando el puesto #25 en Inglaterra. Los Bee Gees sintieron que «The Singer Sang His Song» era el tema más fuerte de los dos, y de hecho alcanzaron con éste el #3 en los Países Bajos. El año 1968 vio a los Bee Gees alcanzar el Top Ten estadounidense con los singles «I’ve Gotta Get A Message to You» (#8 EE. UU., #1 Reino Unido) y «I Started A Joke» (#6 EE. UU.) que fueron incluidos en el tercer álbum de la banda: «Idea», que fue otro álbum Top 20 en EE. UU. (#17) y en Inglaterra (#4). Seguido del especial de TV y el tour para promocionar «Idea», Vince Melouney dejó el grupo sintiendo que él quería tocar más temas blues que los que los Gibb escribían. Melouney sí contribuyó a la banda con la canción «Such A Shame» (de «Idea»), la única
canción de cualquier álbum de Bee Gees que no está escrita por un hermano Gibb.

Por 1969, las fisuras empiezan a aparecer dentro del grupo, así también como Robin empieza a sentir que Stigwood había estado posicionando a Barry como el líder. Empezaron a grabar el nuevo álbum —que iba a ser conceptual— llamado «Masterpeace», que evolucionó en el álbum doble «Odessa». Los críticos de rock opinan que éste es el mejor álbum de los ’60, con influencia del rock progresivo en la pista que lleva el nombre del álbum y a lo largo del mismo, donde aparecen otros géneros musicales como en las canciones «Marley Purt Drive» y «Give Your Best» —dos temas con sabor nacionalista— y baladas reconocidas como «Melody Fair» y «First Of May», que fue el único single del álbum. Robin, pensando que el tema «Lamplight» debería haber sido el lado A del single, se separó del grupo a mediados de 1969 y lanzó su carrera como solista, la cual tuvo un breve suceso en Europa con el éxito #2 «Saved By The Bell» y el álbum «Robin’s Reign». Barry y Maurice continuaron bajo el nombre
de The Bee Gees, incluso recurriendo a su hermana Leslie para que apareciera con ellos en el escenario.

La primera de muchas recopilaciones de Bee Gees, Best Of Bee Gees fue lanzada incluyendo a los singles «Words» y el nuevo «Tomorrow, Tomorrow» que fue un relativo éxito, llegando al puesto #23 en el Reino Unido y a un pobre #54 en EE. UU. El álbum en sí tuvo una buena acogida llegando al Top 10 en ambos países.

Mientras Robin estaba en lo suyo, Barry, Maurice y Colin siguieron adelante como The Bee Gees grabando el próximo álbum Cucumber Castle. Hubo también un especial de TV filmado para acompañar el álbum, lanzado al aire por la BBC en 1971. Colin Petersen tocó la batería en las grabaciones de las canciones para el álbum, pero fue despedido del grupo después de que comenzaron las filmaciones —las partes donde él aparecía fueron editadas y sacadas de la película final—. El single principal, «Don’t Forget To Remember» fue un gran éxito en el Reino Unido alcanzando la posición #2, pero fue una decepción en Norteamérica, alcanzando solamente el lugar #73.

Los próximos dos singles — «I.O.I.O.» y «If I Only Had My Mind On Something Else» — apenas rozaron las listas y seguido al lanzamiento del álbum, Barry y Maurice separaron caminos y se creía que los Bee Gees como grupo habían terminado. Barry grabó un álbum como solista que nunca fue lanzado oficialmente, aunque el single «I’ll Kiss Your Memory» fue lanzado sin obtener mucho interés. Maurice también grabó durante este tiempo, lanzando el single «Railroad». Además participó en la comedia musical Sing A Rude Song.

Los hermanos se reunieron a finales de 1960, escribiendo canciones acerca de sufrimientos y soledad. Aunque habían perdido la atracción de las listas británicas, los Bee Gees llegaron al puesto #3 con el tema “Lonely Days” (del LP que los vio reunirse 2 Years On) y tuvieron su primer número 1 con “How Can You Mend A Broken Heart?” (de álbum Trafalgar). El talento del trío fue incluido en la banda sonora del filme Melody de 1971 producido por Alan Parker donde grabaron varias canciones para la película. En 1972, llegaron al lugar #16 con “Run To Me” del LP To Whom It May Concern; este single marcó la vuelta de los Bee Gees al Top 10 británico por primera vez en tres años.

Por 1973 los Bee Gees se hallaban en una rutina. El álbum, Life In A Tin Can, y su single principal, “Saw A New Morning”, vendieron de una forma muy regular, llegando al puesto #94. Éste fue seguido de un álbum que no fue lanzado (conocido como A Kick In The Head Is Worth Eight In The Pants). Un segundo álbum compilatorio, Best Of Bee Gees, Volume 2 fue lanzado en 1973, aunque no repitiendo el éxito del Volumen 1.

Con el aviso de Ahmet Ertegün de su nuevo sello discográfico estadounidense Atlantic Records, Stigwood ordenó al grupo que grabara con el afamado productor musical y de soul Arif Mardin. El LP resultante, Mr. Natural, incluyó algunas baladas y un presagio de la dirección hacia el R&B que la banda tomaría por el resto de la carrera. Pero cuando el álbum no convenció a la audiencia, Mardin los animó para que trabajaran con el estilo musical del soul.

Los hermanos intentaron montar un estudio en vivo que pudiera replicar el sonido que deseaban. El guitarrista principal Alan Kendall había llegado al grupo en 1971, pero no tenía muchas tareas desde Mr. Natural. Para ese álbum, agregaron al baterista Dennis Bryon, y posteriormente agregaron al teclista ex-Strawbs Blue Weaver, completando así la “Banda de los Bee Gees” de la década de los ’70. Maurice, que había previamente actuado con el piano, guitarra, órgano, mellotron y bajo, así como una “exótica” mandolina y el moog (Sintetizador), redujo su tarea en el escenario al bajo.

Gracias a la sugerencia de Eric Clapton, los hermanos se trasladaron a Miami, Florida, para grabar a principios de 1975. Después de comenzar con baladas, ellos habían eventualmente atendido la opinión de Mardin y Stigwood y empezaron a desarrollar un disco más rítmico, en canciones como “Jive Talkin'” y “Nights On Broadway”. Este último muestra los primeros intentos de Barry Gibb por cantar en falsetto, en las voces de fondo y casi al final del tema. A la banda le gustó el nuevo sonido resultante, y esta vez al público le gustó, mandando así el LP Main Course, que se volvió el primer álbum de R&B por parte de ellos en las listas. El falsete de Barry se volvería un elemento básico de las siguientes grabaciones. Mardin ya no podía trabajar con el grupo después, pero los Bee Gees llamaron a Albhy Galuten y Karl Richardson quien había trabajado con Mardin durante las sesiones de Main Course. Este equipo de producción llevaría a los Bee Gees por el resto de los años ’70.

El siguiente álbum, Children Of The World, estuvo empapado en el recién hallado falsetto de Barry y el sintetizador de Blue Weaver con aires disco. Liderado por el single “You Should Be Dancing”, empujó a los Bee Gees a un nivel de estrellato que ellos no habían tenido anteriormente en EUA, aunque su nuevo sonido R&B/Disco no era tan popular con algunos duros fanes de los años ’60. La banda de los Bee Gees estaba ahora más cerca de un acto de rock, con guitarra rítmica y batería verdadera detrás del falsete.

Seguido del exitoso álbum en vivo, Here At Last… Bee Gees… Live, los Bee Gees coincidieron con la película “Saturday Night Fever”, en la cual las letras de su nuevo álbum cuyo nombre era “Night Fever” fueron coincidencia, perfectas para la película ya que ellos aseguran que escribían su nuevo disco sin saber de la existencia del nuevo filme Fiebre de Sábado Noche. Sería este el punto decisivo de su carrera. El impacto cultural de la película y de la banda sonora fue tremendo, no solo en EE. UU., sino también en el resto del mundo, convirtiendo a la escena disco como la dominante de la época.

Tres sencillos de Bee Gees (“How Deep Is Your Love”, “Stayin’ Alive”, y “Night Fever”) alcanzaron el #1 en Estados Unidos y en la mayoría de los países alrededor del mundo, lanzando el período más popular de la era disco. Además escribieron “If I Can’t Have You” que se volvió un hit #1 interpretado por Yvonne Elliman, mientras que la propia versión de Bee Gees fue el Lado B de Stayin’ Alive. Tanta fue la popularidad de Saturday Night Fever que dos versiones diferentes del tema “More Than A Woman” fueron puestas al aire, una por los Bee Gees, que fue relegada a ser un tema de álbum, y otra por Tavares, la cual fue el hit de la película. El sonido de los hermanos Gibb era inevitable. Durante un período de ocho meses, desde el comienzo de la temporada navideña de 1977, los hermanos escribieron seis canciones que se mantuvieron en el puesto #1 en los Estados Unidos por 25 de 32 semanas consecutivas: tres canciones bajo el nombre de la banda, dos del hermano de los
Gibb, Andy Gibb, y el single de Yvonne Elliman.

Impulsada por el éxito de la película, el álbum rompió récords múltiples volviéndose el álbum más vendido en la historia hasta ese momento. SNF ha vendido más de 40 millones de copias alrededor del mundo, haciéndolo una de las bandas sonoras más vendidas de todos los tiempos.

Durante esta era, Barry y Robin escribieron “Emotion” para Samantha Sang, quien la llevó al Top Ten Hit (los Bee Gees cantaron las voces de apoyo). Un año después, Barry escribió la canción del título de la película Grease, basada en el musical de Broadway del mismo nombre. Esta versión la cantó Frankie Valli, llegando al número #1. De una vez, cinco canciones escritas por los hermanos Gibb estaban en el Top Ten de los EE. UU. al mismo tiempo. Fue la primera vez que esta situación de dominio en las listas se repetía desde 1964, cuando los Beatles lideraron con 5 sencillos en el top 5 estadounidense.

En 1978, Barry Gibb se volvió el único compositor de letras en tener cuatro números uno consecutivos en Estados Unidos, quebrando el récord de John Lennon y Paul McCartney impuesto en 1964. Estas canciones fueron “Stayin’ Alive”, “Love Is Thicker Than Water”, “Night Fever”, e “If I Can’t Have You”.

En 1976, los Bee Gees grabaron tres covers de los Beatles —”Golden Slumbers/Carry That Weight”, “She Came In Through The Bathroom Window” y “Sun King”— para el documental histórico All This And World War II. Los tres Bee Gees también coestelarizaron este trabajo con Peter Frampton en la película Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1978). El filme había sido fuertemente promocionado previo al lanzamiento, y fue esperado como un suceso para disfrutar de un gran éxito comercial. Finalmente la desilusión obtenida por el filme provocaron duras palabras de los críticos, y la indiferencia del público.

Durante este tiempo, el hermano más joven de los Bee Gees, Andy, siguió a sus hermanos mayores en la carrera musical, disfrutando de un considerable éxito. Producido por Barry, los tres primeros sencillos de Andy Gibb llegaron al número 1 de las listas de Estados Unidos.

Lo que vino después de Saturday Night Fever por parte de los Bee Gees fue el álbum Spirits Having Flown. Produjo tres sencillos más en el #1: “Too Much Heaven”, “Tragedy”, y “Love You Inside Out”. Esto les dio a los Gibb seis sencillos en el #1 en Norteamérica dentro de un año y medio (una marca sobrepasada solo por Whitney Houston). “Too Much Heaven” terminó como la contribución musical de los Bee Gees al Music For UNICEF Concert en la Asamblea General de las Naciones Unidas en enero de 1979, una función benéfica por parte de los Bee Gees, Robert Stigwood, y David Frost para la UNICEF que fue transmitido mundialmente. Los hermanos donaron las ganancias de la canción a la caridad.

Los Bee Gees incluso tuvieron un hit country en 1979 con “Rest Your Love On Me”, el lado contrario del single “Too Much Heaven”, escrito por Barry llegó al Top 40 en las listas de música country. En 1981, Conway Twitty llevó “Rest Your Love On Me” al tope de dicha lista musical.

El infrenable éxito de los Bee Gees tuvo su auge y caída con la burbuja de la música disco. A fines de 1979, la música disco fue decayendo en popularidad, y la reacción violenta contra el disco puso a la carrera estadounidense de los Bee Gees en picada. Las estaciones de radio de todo Estados Unidos empezaron a promocionar el “Bee Gee Free Weekends” (Fines de semanas libres de Bee Gees). Con su increíble despegue de 1975 a 1979, los Bee Gees solo lograron un Top Ten más en Estados Unidos, y nada más hasta 1989. La popularidad internacional de la banda tuvo un pequeño daño.

En 1981, los Bee Gees lanzan el álbum Living Eyes, pero como el odio contra la música disco seguía latente, el álbum falló en llegar a los EE.UU. solo al Top 40. En 1983 la banda tuvo un éxito mayor que el fracaso de “Living Eyes” con la banda sonora de Staying Alive, la secuela de Saturday Night Fever. La banda sonora fue platino en EE.UU., incluyendo a la canción top 30 “Woman In You”.

Robin y Barry Gibb lanzaron varios álbumes como solistas en los años ’80 pero sólo con un esporádico y moderado éxito. De todas formas los hermanos continuaron con éxitos pero detrás de los escenarios, produciendo y escribiendo para artistas como Barbra Streisand, Dionne Warwick, Diana Ross y Kenny Rogers, incluyendo el hit de ventas multimillonarias en Estados Unidos y el #1 en las listas, con Dolly Parton y el propio Kenny Rogers: “Islands in the Stream”.

Los Bee Gees lanzaron el álbum E.S.P. en 1987, que vendió por sobre las 3 millones de copias. El sencillo “You Win Again” llegó al número #1 en numerosos países, incluyendo Reino Unido pero fue una desilusión en los Estados Unidos, llegando solo a un #75.

En 1983, el compositor de la banda Chicago, Ronald Selle, demandó a los Bee Gees. Ronald reclamaba que los hermanos Gibb habían robado material musical de una de sus canciones hits “Let It End”, y la usaron en “How Deep Is Your Love”. Al principio los Bee Gees perdieron el caso; un jurado dijo que el factor clave en la decisión del jurado fue la falla de los Gibb para presentar testimonio de expertos que refutaran el testimonio contrario, que sí contaba cun un testimonio evaluado por expertos que decía que era “imposible” que las dos canciones hubieran sido escritas independientemente. De todas formas el veredicto fue revocado unos meses después.

El 10 de marzo de 1988, el hermano más joven de los Gibb, Andy, muere a la edad de 30 años como resultado de una miocarditis, una inflamación al músculo cardíaco debido a una reciente infección viral. Sus hermanos reconocieron que el pasado de Andy con el alcohol y las drogas probablemente hizo a su corazón más susceptible a la infección. Justo antes de la muerte de Andy, se había decidido que se uniera a la banda, llegando a ser un grupo conformado por cuatro integrantes. El álbum siguiente de Bee Gees, One, es lanzado en 1989, figurando la canción dedicada a Andy, “Wish You Were Here”. El álbum además contiene el primer hit en entrar al Top Ten de EUA (#7) “One”. Después del lanzamiento del álbum, se embarcaron en su primer tour mundial en 10 años.

Seguido del álbum siguiente de 1991, High Civilization, que contenía el hit Top 5 de Reino Unido “Secret Love”, los Bee Gees hicieron un tour europeo. Después del tour, Barry Gibb empezó a pelear contra un serio problema de espalda, que requirió de cirugía. A principios de los años ’90, Barry no era el único Bee Gee que vivía con dolor. Maurice padeció de un serio problema de alcoholismo, con el cual peleó por muchos años, y finalmente ganó la batalla con la ayuda de Alcohólicos Anónimos. En ese mismo año también había muerto su padre Hugh.

En 1993, lanzaron el álbum Size Isn’t Everything, que tenía el hit Top 5 de UK “For Whom The Bell Tolls”. Cuatro años después, lanzaron el álbum Still Waters, que vendió más de cuatro millones de copias, debutando en el lugar #11 en los Estados Unidos, el primer single de este álbum, “Alone”, les dio otro Top 5 en Reino Unido y un Top 30 en Norteamérica.

A fines de 1997, los Bee Gees actuaron en un concierto en vivo en Las Vegas, Nevada, llamado One Night Only. El CD del concierto vendió cerca de 5 millones de copias. Esto los llevó a un tour mundial de conciertos de “One Night Only”. El tour incluyó actuar para 56.000 personas en el Estadio Wembley de Londres, Inglaterra el 5 de septiembre de 1998 y concluyó en el Recién construido estadio “Telstra Stadium” en Sídney, Australia en marzo de 1999.

En 1998, la música hecha por los Bee Gees para Saturday Night Fever fue incorporada al musical del mismo nombre, producido primero en el West End y luego en Broadway. Escribieron tres nuevas canciones para la adaptación.

Los Bee Gees cerraron la década con lo que sería su último gran concierto, conocido como el BG2K el 31 de diciembre de 1999.

En el 2001, lanzaron el que se convertiría en el último álbum de nuevo material como grupo. This Is Where I Came In. El álbum le dio la oportunidad a cada miembro de la banda para escribir en su propio estilo y además también compusieron temas entre los tres juntos. Por ejemplo, las composiciones de Maurice lideran los temas “Man In The Middle” y “Walking On Air”, mientras que Robin contribuyó con “Déjà Vu”, “Promise The Earth” y “Embrace”, y Barry dio su parte en “Loose Talk Costs Lives”, “Technicolour Dreams” y “Voice In The Wilderness”. Las otras canciones son colaboraciones de los tres en voz y líricas. El último acto público de los Bee Gees juntos fue en el año 2001 en el show Live By Request, un especial mostrado en el canal A&E.

Maurice, quien había sido el director musical de los Bee Gees durante los últimos años como banda, murió repentinamente el 12 de enero del 2003, debido a un intestino estrangulado. Inicialmente, los hermanos sobrevivientes anunciaron que intentarían seguir bajo el nombre de Bee Gees. Pero con el paso del tiempo decidieron retirar el nombre del grupo, dejándolo para representar a los tres hermanos juntos. La misma semana que Maurice murió, el álbum solista de Robin, Magnet fue lanzado.

A fines del 2004, Robin se embarcó en una gira como solista en Alemania, Rusia y Asia. Durante enero del 2005, Barry, Robin y varios artistas leyendas del rock grabaron el álbum “Grief Never Grows Old”, la grabación oficial por motivo del tsunami, para el Disasters Emergency Committee. Después de un año, Barry se reunió con Barbra Streisand para su álbum de ventas top Guilty Pleasures, lanzado como Guilty Too en UK como la secuela del álbum Guilty. Robin continuó en giras por Europa.

En febrero del 2006 Barry y Robin se reunieron en el escenario en Miami para el concierto de caridad a beneficio del Diabetes Research Institute (Instituto de investigación de la diabetes). Fue la primera actuación pública de los dos hermanos juntos desde la muerte del hermano Maurice. Barry y Robin además actuaron en el 30º concierto Prince’s Trust en Reino Unido el 20 de mayo del 2006.

En noviembre del 2010 fue lanzada al mercado una obra especial de la banda; se trata del box set llamado «Mythology», que contiene 4 CD, cada uno dedicado a cada hermano, habiendo sido supervisado por Barry, Robin, la viuda de Maurice y la Hija de Andy Gibb, Peta. El set está además acompañado por fotos familiares, tributos de artistas como Elton John o Graham Nash, junto con grabaciones en solitario de Robin y Maurice. A finales del 2009 se lanzó además, el álbum doble «The Ultimate Bee Gees: The 50th Anniversary Collection», compuesta por 39 canciones en las que se incluye un medley de canciones hechas para otros artistas, como las conocidas «Islands In The Stream», «Heartbreaker», «Guilty», entre otras; también se incluye el tema principal de la película Grease, compuesta por Barry Gibb. La edición de lujo del álbum incluye un DVD con videoclips y grabaciones televisivas, muchas de ellas nunca antes mostradas.

Después de la muerte de Maurice, los dos hermanos sobrevivientes decidieron reutilizar el nombre de la banda, aunque habían decidido no volver a tocar con ese nombre. Esta decisión fue dada a conocer el 7 de septiembre del 2009. A finales de ese año y el 2010, Barry y Robin se presentan en diversos programas de televisión, como Dancing With The Stars y American Idol. En marzo del 2010 además, ambos inducen al afamado grupo sueco ABBA al Salón de la Fama del Rock & Roll.

El 14 de abril del 2012, el periódico ‘The Sun’ informó que Robin había ingresado en una clínica privada, se encontraba acompañado por su esposa Dwina, su hermano Barry y sus tres hijos, que temían que a Robin le quedaban “pocos días de vida”.

Ese mismo día, el portal E-Online informó que Robin estaba en estado de coma en una clínica de Londres. Familiares del famoso intérprete de 62 años, a quien en el 2011 le fue diagnosticado un cáncer de hígado, informaron que estaba internado en un hospital a causa de una neumonía, agregó el portal citando fuentes periodísticas. Finalmente, fallece el 20 de mayo del 2012 tras una larga batalla contra el cáncer, anunciaron sus familiares.

Con la muerte de Robin, el grupo termina su carrera musical definitivamente. Sin embargo, en septiembre y octubre del 2013, Barry Gibb (el único hermano sobreviviente) efectúa su primer tour en solitario por el Reino Unido, llamado “Mythology Tour: In Honour Of His Brothers And A Lifetime Of Music”, en el cual interpreta los grandes éxitos del grupo.

El 27 de junio del 2016 Coldplay cerró el festival de Glastonbury con un número muy especial que se llevó la noche, este mismo grupo dio la sorpresa de hacer un dueto con Barry Gibb quienes para dicha ocasión cantaron 2 temas conocidos de los Bee Gees (To Love Somebody y Staying Alive) mismo número que fue recibido con completo éxito.

Los Bee Gees han sido increíblemente exitosos, vendiendo más de 400 millones de grabaciones y sencillos alrededor del mundo. “How Deep Is Your Love” es la canción más popular del grupo, con más de 400 versiones de otros artistas en existencia.

Sus canciones han sido interpretadas por cantantes de todos los tipos incluyendo a Elvis Presley, Janis Joplin, Al Green, Eric Clapton, Lulu, Elton John, Tom Jones, Engelbert Humperdinck y Nina Simone así como también el guitarrista John Frusciante (quien interpretó “How Deep Is Your Love” durante los conciertos de Red Hot Chili Peppers), y Feist cantando una versión llena de soul de “Love You Inside Out”, Billy Corgan y Robert Smith haciendo el cover de “To Love Somebody”, Ardijah cantando “Love So Right” y “Desire”, Steps con Tragedy y Destiny’s Child.

Bee Gees

ÁLBUMES
1965 The Bee Gees Sing And Play 14 Barry Gibb Songs
1966 Spicks And Specks
1967 Bee Gees’ 1st
1968 Horizontal
1968 Idea
1969 Odessa
1970 Cucumber Castle
1970 2 Years On
1971 Trafalgar
1972 To Whom It May Concern
1973 Life In A Tin Can
1974 Mr. Natural
1975 Main Course
1976 Children Of The World
1977 Saturday Night Fever
1979 Spirits Having Flown
1981 Living Eyes
1987 E.S.P.
1989 One
1991 High Civilization
1993 Size Isn’t Everything
1997 Still Waters
2001 This Is Where I Came In

 

Créditos

El MiniPodcast

con Alex Cardona

es presentado por:

LaBuona.it, Italian Brand.
Sun Energy Lights, SEL-Colombia.com, ¡La Energía Que Se Renueva!
LaBuonaPiada.com, ¡La Tradizione Che Si Evolve!
GeralCN.com, ¡Joyería Contemporánea!
AlexandrosQuiro.com, ¡Tus Masajes A Domicilio!
MarianDValencia.es, ¡La Voz De Oro!
RapidoYEconomico.com, multimedia/graphic/web
AlexanderCardonaNieto.com, ACN FreeLancer.

Este MiniPodcast

Es grabado y producido en los estudios de
ACN Medios en España con el respaldo de:
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Los Bee Gees fue una banda británica, formada en Australia en 1958 por los hermanos Barry, Robin y Maurice Gibb. El álbum doble Saturday Night Fever, banda sonora del filme del mismo título, al que los Bee Gees aportaron las seis canciones........... Escuchar el MiniPodcast


Bee Gees







FICHA GENERAL







Origen


Redcliffe, Queensland | Australia







Géneros


Pop
Soul
Disco
Rock







Período de actividad


1958 – 1970
1971 – 1981
1987 – 2003
2009 – 2012







Sellos discográficos


Festival Records
Polydor Records
Atco Records
RSO Records
Warner Bros Records
Rhino Records







Sitio web


BeeGees.com







Miembros


Barry Gibb
Robin Gibb
Maurice Gibb





Los Bee Gees fue una banda británica, formada en Australia en 1958 por los hermanos Barry, Robin y Maurice Gibb. El álbum doble Saturday Night Fever, banda sonora del filme del mismo título, al que los Bee Gees aportaron las seis canciones principales, llegó a vender más de 45 millones de copias, convirtiéndose en uno de los más exitosos de toda la historia de la música.


Algunas de sus canciones más populares son To Love Somebody, Words, Massachusetts, I Started A Joke, Run To Me, How Can You Mend A Broken Heart, Stayin’ Alive, Night Fever, You Should Be Dancing, Tragedy, More Than A Woman, How Deep Is Your Love, Too Much Heaven, The Woman In You y You Win Again, entre otras.


En las décadas de 1960 y 1970, fueron parte de la escena musical mundial, en especial con la fiebre disco, de la mano del productor Robert Stigwood. Se encuentra entre los más importantes del género, con más de 40 años de actividad musical ininterrumpida.


La banda cesó su actividad en el 2003 con la muerte del menor de los hermanos, Maurice Gibb. Los sobrevivientes Barry y Robin anunciaron entonces que el nombre de Bee Gees ya no sería usado en presentaciones, sin embargo, el 7 de septiembre del 2009, Robin le reveló a Jonathan Agnew que había hablado con Barry y habían decidido volver a los escenarios. En el 2012 falleció Robin, y con Barry solo, la etapa de los Bee Gees se cerró definitivamente.


Los Bee Gees fue uno de los grupos más exitosos en la historia de la música, vendiendo más de 400 millones de copias a nivel mun...]]>
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