La Máquina De La Música https://www.lamaquinadelamusica.com El MiniPodcast Con Alex Cardona Sat, 29 Sep 2018 09:56:50 +0000 es-ES hourly 1 https://wordpress.org/?v=4.9.8 Alexander Cardona Nieto clean episodic Alexander Cardona Nieto info@lamaquinadelamusica.com info@lamaquinadelamusica.com (Alexander Cardona Nieto) Copyright © LaMaquinaDeLaMusica.com El MiniPodcast Con Alex Cardona La Máquina De La Música https://www.lamaquinadelamusica.com/wp-content/uploads/powerpress/MiniPodcast-Con-Alex-Cardona_La-Maquina-De-La-Musica_original.jpg https://www.lamaquinadelamusica.com TV-G Valencia, España Semanal 0028 - Prince https://www.lamaquinadelamusica.com/0028-minipodcast-con-alex-cardona-la-maquina-de-la-musica/ Sat, 29 Sep 2018 09:54:53 +0000 https://www.lamaquinadelamusica.com/?p=1340 Prince Rogers Nelson fue un cantante, compositor, bailarín, actor y filántropo estadounidense. Era un músico innovador, conocido por su ecléctico trabajo, su extravagante puesta en escena, vestuario y aspecto, y por su amplio registro vocal. Su......
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Prince

Prince

FICHA GENERAL
Origen 1958
Minneapolis, Minesota | Estados Unidos
Géneros Funk
R&B
Pop
Rock
Período de actividad 1975 – 2016
Sellos discográficos Warner Bros. Records
Paisley Park Records
NPG Records
EMI Records
Columbia Records
Arista Records
Universal Records
Sitio web OfficialPaisleyPark.com
Artistas relacionados The Revolution
Michael Jackson
The New Power Generation
The Time
Wendy & Lisa
Morris Day
Sheila E.
The Family
Mazarati
Vanity 6
Apollonia 6
94 East
Madhouse

Prince Rogers Nelson (n. Minneapolis, Minnesota; 7 de junio de 1958 – m. Chanhassen, Minnesota; 21 de abril de 2016) fue un cantante, compositor, bailarín, actor y filántropo estadounidense.

Era un músico innovador, conocido por su ecléctico trabajo, su extravagante puesta en escena, vestuario y aspecto, y por su amplio registro vocal. Su música integró un sin número de géneros, entre los que se destacan: el funk, el R&B, el new wave, el soul, el blues, el rock e incluso el jazz. En vida vendió más de 100 millones de discos en el mundo, siendo uno de los artistas más exitosos de la historia. Ganó siete premios Grammy, un American Music Award, un Globo de Oro y un premio Óscar por la película Purple Rain.

Ingresó en el 2004 en el Salón de la Fama del Rock and Roll tan pronto cumplió los requisitos de elegibilidad y la prestigiosa revista Rolling Stone lo ubicó en la casilla 27 en su lista de los «100 artistas más influyentes de la era del rock & roll».

Prince nació en Minneapolis y desarrolló gran interés por la música desde muy joven. Firmó su primer contrato discográfico con Warner Bros. Records a los 18 años y lanzó su primer álbum, For You, en 1978. Su siguiente álbum, Prince de 1979, logró la certificación de platino y sus siguientes producciones: Dirty Mind de 1980, Controversy de 1981 y 1999 de 1982 aumentaron su éxito de forma progresiva. Durante esta época, sus letras contenían mensajes sexuales explícitos y combinaba géneros como el funk, el dance y el rock. En 1984 lanzó junto con su banda, en ese entonces llamada The Revolution, el álbum Purple Rain, banda sonora de la película del mismo nombre y de la cual fue protagonista. Dicha producción se convirtió en la más exitosa de su carrera, ubicándose en los primeros lugares en las listas durante meses y vendiendo más de 20 millones de copias, convirtiéndose en uno de los discos más vendidos de la historia. Más tarde, lanzaría Around the World in a Day en 1985 y Parade en 1986. En 1987 y ya como solista, lanzó Sign o’ the Times, un álbum doble considerado por la crítica como uno de los más grandes de la música contemporánea.

Lanzaría tres álbumes más hasta formar una nueva banda: The New Power Generation en 1991. A partir de 1993 y debido a graves conflictos con Warner Bros. sobre la autoría y posesión de sus canciones, Prince cambió su nombre a un símbolo impronunciable para evitar cualquier vínculo con su compañía discográfica. Durante este periodo también fue apodado como «El artista antes conocido como Prince», —a menudo abreviado como TAFKAP por sus siglas en inglés (The Artist Formerly Known as Prince)—, o simplemente como «El artista». Bajo su nuevo nombre lanzó cinco álbumes más hasta firmar un nuevo contrato con la compañía Arista Records en 1998. Recuperó su nombre en 2000 y en 2004 lanzó el álbum Musicology, el cual le devolvió popularidad.

Si bien, gran parte de su éxito tuvo lugar durante la década de los ochenta, Prince fue siempre catalogado como uno de los artistas más relevantes de la música moderna. Se le considera el fundador del llamado «sonido Minneapolis», un híbrido musical surgido de la mezcla del uso de sintetizadores y del rock, el pop y el funk, propios de la región. Solo en los Estados Unidos, vendió alrededor de 39.5 millones de álbumes y algunas de sus canciones como: «1999», «Little Red Corvette», «When Doves Cry», «Let’s Go Crazy», «Purple Rain» y «Kiss» ganaron popularidad a nivel mundial. Una de sus composiciones, «Nothing Compares 2 U», fue regrabada por la cantante Sinéad O’Connor en 1990 y disfrutó de un inmenso éxito en el mundo. La Enciclopedia Británica lo destaca como una de las más notables estrellas del pop junto con Michael Jackson y Madonna.

Prince falleció el 21 de abril del 2016 debido a una sobredosis accidental de fentanilo en su casa en Paisley Park; tenía 57 años.


Biografía

Prince nació el 7 de junio de 1958 en el hospital Monte Sinaí en Minneapolis, Minnesota. Su padre, llamado John L. Nelson, músico aficionado, formaba parte de un grupo de jazz llamado Prince Rogers Trio, del cual tomó el nombre para su hijo. En él conoció a Mattie Shaw, cantante del grupo con la que se casó y futura madre de Prince.

Cuando tenía siete años, sus padres se divorciaron. El padre se fue de la casa familiar pero no se llevó el piano que tenía, lo cual fue aprovechado por Prince para aprender a tocarlo él solo, aprendiendo de oído sintonías de series de televisión como Batman. Más tarde aprendió a tocar otros instrumentos: a los 13 años su padre le regaló una guitarra eléctrica, que Prince aprendió a tocar rápidamente.

Por aquel tiempo conoce en el instituto a André Cymone, que también tocaba varios instrumentos y entablan amistad. Poco después Prince invita a André a hacer una “jam” en casa de su padre, donde la futura estrella toca al piano una versión particular de The Man from U.N.C.L.E. y el tema de Peanuts. Es ahí donde André se entera de que su padre Fred Anderson había sido compañero como bajista de John L. Nelson, el padre de Prince, algo que ninguno de los dos sabían.

Prince se fuga un tiempo después de la casa de su madre y pide refugio en casa de su amigo André, al principio parece que se quedará, con permiso de ambas madres, solo unos pocos días, pero acaba viviendo en esa casa durante los siguientes seis años. Inicialmente tocan versiones de otros artistas como Earth, Wind & Fire, Jimi Hendrix, Billy Preston, acompañados por el baterista Charles “Chazz” Smith, que era primo de Prince.

André Cymone fundaría Grand Central una jovencísima banda que incluía a su hermana pequeña, Linda, en los teclados, Terry Jackson y ;William Doughty en la percusión, y donde estuvo de forma provisional Chazz Smith a la batería. La banda incorporó un ilustre miembro: Prince.

Tocaban en fiestas de instituto, centros comunitarios y religiosos, hoteles y similares pero Prince no cantaba, pues consideraba que su voz no era apta para ser presentada en público. Más adelante, demostraría que su talento como cantante era tan amplio como el de instrumentista o compositor. Batallaban por aquel entonces con algunas otras bandas de jóvenes, especialmente con Flyte Time donde estaban entre otros Terry Lewis y Jellybean. Gracias a una de esas victorias pudieron grabar su primera maqueta, formada por cuatro temas: Love Unlimited de Barry White, It’s Too Late de Carole King y un tema original de cada uno. Poco después un batería zurdo también adolescente pero bastante brillante llamado Morris Day les pedía incorporarse al grupo, ocupando el lugar de Smith. Esto ocurría cuando Prince tenía ya unos 15 años. André decidió pasar de ser el saxofonista a ocuparse del bajo, esta banda evolucionada pasó a llamarse Champagne.

 

Carrera
1975 – 1983: Inicios y éxito inicial

Cuando tenía 17 años Prince conoció a un músico llamado Pepé Willie, marido de una prima suya, que le introdujo en el mundo profesional y con el que hizo sus primeras grabaciones en estudio, acompañándole como guitarrista en una banda denominada 94 East, compuesta por Pepe, que escribía los temas, y por Marcy Ingvoldstad y Kristie Lazenberry, para los trabajos de estudio contrató también a André Cymone. Prince compondría uno de esos temas: Just Another Sucker, por lo que en sentido estricto su carrera discográfica arranca como músico de estudio y como compositor, siendo este segundo aspecto uno de los registros donde conseguiría más éxitos y reconocimientos apenas unos años más tarde.

Poco después, entabla relación con un ingeniero llamado Chris Moon, propietario de un pequeño estudio al sur de Minneapolis, con quien comienza como aprendiz. Le dio una llave del estudio y gracias a ello fue grabando sus propios temas. Moon, convencido del talento del joven, empieza a mover la maqueta sin éxito hasta que se le ocurre contactar con Owen Husney promotor y agente musical con contactos en las grandes discográficas. A Husney le parece “una banda” muy buena, Moon le pide que se siente y le explica que todo eso lo tocaba una sola persona, un chico de 17 años. Husney consigue dinero de varios inversores y graban una segunda maqueta de la que se ocupa el ingeniero de grabación David Rivkin (posteriormente conocido como David Z), que ya había tenido contacto con Prince por haber hecho las grabaciones de Champagne en 1975. Uno de los temas que grabaron fue Soft and Wet, en cuya letra había participado el propio Moon. Bobby Z, el hermano de David, cuidaba de Prince, le buscó un apartamento y como el pequeño genio no sabía conducir le llevaba a todas partes; solían terminar cada día en interminables jams.

La maqueta llamó la atención de varias compañías, Husney recomendó a Prince descartar las de A&M y Columbia y optaron por Warner Bross, que le dio completa libertad artística y creativa.

En 1978 grabó su primer disco, For You, en el que todas las canciones están compuestas por él y toca todos los instrumentos que se escuchan en el disco (según sus propias palabras, sabía tocar más de treinta instrumentos). El disco acabó costando más de lo que estaba presupuestado: 150.000 dólares, pero también alcanzó a vender 150.000 copias y despertó las primeras comparaciones con otros prodigios de la música negra como Steve Wonder o Michael Jackson, mientras en la industria discográfica, por su estilo y características vocales, lo veían como la persona destinada a ocupar el hueco de Smokey Robinson.

Se realizó un casting para componer una banda con la que pudiera actuar en directo. Esto ocurrió por primera vez en el Teatro Capri, de Minneapolis, el 5 de enero de 1979. La banda estaba formada por su compañero André Cymone en el bajo, Dez Dickerson en la guitarra, Gayle Chapman y Doctor Fink en los teclados, y Bobby Z, amigo del anterior, en la batería.

Amante de los cócteles musicales más variopintos, se convirtió en la gran esperanza de la música negra tras su disco Prince (1979), en el que se incluía I Wanna Be Your Lover, primer tema de Prince en alcanzar las listas de éxitos, el clásico “I Feel For You”, que en 1984 supondría la consagración mundial de Chaka Khan al hacer una versión, o la guitarrera y provocativa “Bambi”, historia de un ligue femenino con tendencias lésbicas. El disco incluía un tema que entonces pasó más desapericibido pero que apuntaba las características estilísticas que le harían famoso: Why You Wanna Treat Me So Bad?, con bajo funk, un ritmo persistente de rock, voz soul en falsete y un uso destacado de la guitarra eléctrica. Este tema causa las primeras fricciones reconocidas entre André Cymone y Prince ya que el primero se encargó del bajo y algunas armonías vocales y en el álbum no aparecía acreditado, una cuestión que según Prince sería por un error tipográfico.

En aquel año, hace su primera gira por Estados Unidos, tanto en solitario como de telonero de Rick James. Su primera banda fija estaba compuesta por: André Cymone (bajo), Gayle Chapman (teclados), Dez Dickerson (Guitarra) y Matt Fink, alias Dr. Fink, (teclados).

En febrero de 1980 su álbum Prince se convertía en su primer disco en superar el millón de copias vendidas, lo que le supuso su primer disco de platino. Tenía entonces sólo 21 años.

Su siguiente disco, Dirty Mind (1980), supuso un radical cambio de estilo. Un disco de poco más de media hora, con un sonido más crudo (el disco es prácticamente una maqueta) y una imagen absolutamente provocativa, pues aparece en escena en calzoncillos y con medias de mujer debajo de una raída gabardina. Además, las letras iban más allá de los límites establecidos en el tema sexual; temas como Head y Sister se convirtieron en pesadilla de censores. Sólo consta la intervención de Dr. Fink y de Lisa Coleman en dos de los temas, mientras que las aportaciones de André Cymone en Uptown y la de Morris Day en Partyup no están acreditadas.

Su siguiente álbum, Controversy (1981), supuso una nueva vuelta de tuerca; esta vez los temas sexuales dejan paso a temática social en canciones como Ronnie, Talk To Russia o Annie Christian. Debido a lo provocativo del nuevo estilo de Prince, la teclista Gayle Chapman abandona la banda de directo y es sustituida por Lisa Coleman, joven teclista hija de músicos que no tuvo ninguna objeción a la música.

Por esta época empieza a dar rienda suelta a su creatividad con grupos paralelos como The Time, a mayor gloria de su amigo Morris Day (antiguo batería de Champagne) ,y que sería semillero de valiosos músicos y productores como Jimmy Jam, Terry Lewis, o Paul ‘St. Paul’ Peterson.

 

1999

El disco que hizo a continuación, 1999 (publicado en octubre de 1982), supuso su primer gran éxito popular, siendo su primer disco en alcanzar el “top ten” del ranking Bilboard 200. Es considerado por varios críticos, productores y músicos como su primera gran obra maestra, consiguiendo en cualquier caso una valoración positiva unánime. La canción que dio título al disco (plagiada por Phil Collins algunos años después como “Sussudio”) se convirtió en un clásico, aunque la canción que le aupó a las listas de éxitos fue el segundo sencillo, Little Red Corvette, tema dirigido básicamente al público blanco. Aunque el álbum fue grabado a lo largo de varios meses en diversas sesiones, los dos temas más famosos, junto con Lady Cab Driver’ se grabaron en una única sesión, en Sunset Sound, el 7 de agosto de 1982.

La revista Rolling Stone lo considera el álbum más influyente de Prince, al codificar el estilo que poco más tarde sería conocido como Sonido Minneapolis, preponderante a mediados de los 80, y extenderse a través de diversos aspectos en la música house, techno y electro de los siguientes 20 años.

Aunque en este disco intervienen distintos miembros de la banda que luego se llamaría The Revolution lo hacen únicamente con segundas voces y palmas y además no coinciden todos en los mismos temas, Wendy y Lisa colaboran en Free mientras que Brownmark lo hace en D.M.S.R.

 

1983 – 1987: Prince & The Revolution y el éxito mundial de Purple Rain

En enero de 1983 el video de su segundo single, Little Red Corvette, es añadido a la lista de MTV, habitualmente ocupada por artistas blancos, lo que contribuirá al éxito del tema y del propio álbum.

Antes de la gira de promoción de 1999, André Cymone dejó la banda, frustrado por el egocentrismo de Prince, y empezó una carrera en solitario como solista y productor en el sello Columbia, en lo que sería el primer “Spin-Off” del círculo de músicos que le rodeó en su primera etapa. Fue sustituido al bajo por Mark Brown, rebautizado como Brownmark. En esta gira la banda tomó por primera vez el nombre The Revolution.

Con The Time publica un nuevo álbum: What time is it? y también lanza su primer grupo femenino: Vanity 6, dando origen al álbum del mismo título. Ambos grupos acompañaron como teloneros a Prince en la extensa gira del ciclo 1999 Tour, que se realizó en Estados Unidos. En febrero del 83 se produciría el segundo spinoff, tras despedir a Jimmy Jam y Terry Lewis, que no pudieron llegar al concierto de San Antonio, por perder el vuelo desde Atlanta, donde estaban produciendo a The SOS Band. Ambos se convertirían en exitosos y reputados productores durante los 80.

Por esta época, Prince empieza a pensar en hacer una película. Durante la gira de apoyo al disco 1999, empezó a anotar ideas en una libreta de color púrpura. Sus representantes Cavallo, Ruffalo y Fargnoli consiguen interesar a su compañía en el proyecto. Los trabajos de guion y los primeros contactos con el director comenzaron en abril de 1983 y durante el verano y otoño de 1983 se rueda la película en Minneapolis y Los Ángeles. En mayo de ese año se produce el despegue definitivo de 1999, al auparse Little Red Corvette al número 6 y 1999 al top 10 de los álbumes más éxitosos (acabaría el año siendo el quinto más vendido). El número 1 fue para el gran éxito del otro referente de la música negra de los 80: el Thriller de Michael Jackson, que se había publicado unas semanas antes de 1999.

El 8 de agosto de 1983 dio un concierto benéfico en la sala de su ciudad natal 1st Avenue. Este concierto es reseñable por dos hechos destacados: supuso el debut a la guitarra de la joven de 19 años Wendy Melvoin en la banda, sustituyendo a Dez Dickerson. Wendy había sido traída a la banda por su amiga Lisa Coleman. Ambas serían la mano derecha de Prince, musicalmente hablando, durante los siguientes tres años. El otro hecho destacado fue que varios de los temas tocados serían grabados e incluidos, con pequeños retoques de estudio, en el disco que acompañó a la película.

A principios de 1984 se publica el primer álbum de Sheila E: The Glamorous Life donde Prince aparece acreditado como “The Starr ★ Company”. El tema que da título al disco había sido compuesto para Vanity 6 y fue un éxito relevante, alcanzando el nº1 en la categoría Dance y el 7 en pop. El video también resultó nominado por MTV.

Purple Rain (1984), disco y película, supusieron el estrellato masivo para Prince. El 16 de mayo publicaba el single When Doves Cry, que se convertiría en una de sus canciones insignia, logró la certificación oro (500.000 copias) el 24 de julio (antes del estreno de la película), y la platino (1 millón) el 21 de agosto. El éxito de Prince se extendió a su álbum Dirty Mind, que alcanzó también el oro el 20 de junio del mismo año.

El álbum fue publicado el 25 de junio y según WB, vendió sólo el primer día 1,3 millones de copias y hasta 1985 más de 9 millones de copias solo en Estados Unidos.

La película, que apenas había costado 7,2 millones de dólares, se estrenó el 27 de julio de 1984 y fue un éxito de taquilla: más de 60 millones recaudados solo en Estados Unidos. La posterior gira norteamericana, que empezó en Detroit en noviembre de 1984 y terminó en Miami en abril de 1985, fue vista por más de un millón de personas. Empezaron a lloverle los premios: ganó tres Grammys por el disco y un premio Óscar a la Mejor banda sonora, así como el premio a la mejor banda sonora en los Brit Awards, y las nominaciones: mejor canción en los Globos de Oro para When Doves Cry.

La película dio también origen a otros dos discos paralelos Ice Cream Castle de The Time y Apollonia 6, grupo sucesor del que había formado con Vanity. Entre el material que había preparado para el disco de Apollonia se encontraba Manic Monday, que quedó inédito y se convirtió más tarde en uno de sus grandes éxitos como compositor gracias a la banda femenina The Bangles.

El éxito arrollador de Purple Rain impulsó el interés por otros discos anteriores de Prince, gracias a ello Controversy se convertía también en platino a principios de 1985. El 22 de julio, 1999 alcanzaba el triple platino tras disparar de nuevo sus ventas.

Su siguiente disco, Around the World in a Day (publicado en abril de 1985), se grabó en diversas sesiones a lo largo de 1984 ysupuso un radical cambio de estilo con respecto a ‘Purple Rain’. Ecos árabes, psicodelia y existencialismo en una grabación que descolocó a su compañía de discos y a sus seguidores, sobre todo a los ganados con su disco anterior. Aunque en un principio Prince no tenía planeado hacer videoclips del disco, hizo varios como el colorista de ‘Raspberry Beret’, que ganó un premio de MTV y se convirtió en el tema más popular del álbum, o la grabación en directo en Niza de ‘América’. Logró rápidamente el doble platino (2 de julio) y fue nº1 en Billboard, pero fue un disco mucho menos popular que Purple Rain y 1999, fuera de Estados Unidos tuvo sin embargo bastante aceptación, ya que vendió otros 5 millones de discos. Las opiniones de la crítica estuvieron divididas entre las entusiastas (The Guardian) y las negativas (Blender).

En esta época comenzó a construir, con los réditos de ‘Purple rain’, un gran complejo audiovisual llamado Paisley Park en Chanhassen, población cercana a Minneapolis. El edificio incluye varios estudios de grabación y un gran plató para el rodaje de películas, aunque este último ha sido usado básicamente para celebrar conciertos del propio Prince.

A finales de 1985 y principios de 1986 graba distintos temas, inicialmente con Eric Leeds, Sheila E. y Levi Seacer Jr. y posteriormente, también con Wendy y Lisa. Estos temas formaban parte de un proyecto llamado The Flesh, y giraban en torno a un extenso tema instrumental llamado The Junk. Prince dejó listo el álbum pero abandonó su publicación al abordar un nuevo disco de estudio, Parade, una película, y otro proyecto de disco más “colaborativo” llamado Dream Factory. Parte de The Junk vio la luz en Under the Cherry Moon y U got to shake something aparecería tiempo más tarde en Graffiti Bridge como Shake!, interpretado por The Time.

Dentro de los proyectos de Paisley Park destacó en esta época la publicación de un álbum para una flamente banda del bajista de The Revolution, Brownmark, llamada Mazarati. El álbum contenía un único tema de Prince: 100 MPH que fue su único éxito. Este álbum se haría famoso más tarde por uno de los temas que pudo tener y no tuvo: Kiss.

Con su siguiente disco de estudio publicado, Parade (1986), Prince volvía al formato de disco más película de ‘Purple Rain’. Aunque la película, llamada ‘Under The Cherry Moon’, rodada en la Costa Azul francesa y dirigida por el propio Prince era de una categoría ínfima y fue un tremendo fracaso de crítica y público, el disco que le acompaña como banda sonora muestra un Prince tremendamente experimental, alternando comercialidad como la del primer sencillo del disco, el tema ‘Kiss’, con melodías dislocadas como las de ‘Anotherloverholenyohead’ o ‘ Life Can Be So Nice’ y lirismo poético en ‘Do You Lie?’ o ‘Under The Cherry Moon’. La gira que acompañó al disco fue la primera que hizo por Europa y Japón y también fue la primera en incluir sus legendarios ‘aftershows’, conciertos en salas pequeñas de madrugada a posteriori del concierto en gran pabellón o estadio. El disco sólo alcanzó una certificación de platino, siendo el menos popular de los que grabó con The Revolution. Pese a ello alcanzó los máximos puestos en la lista de Billboard gracias a Kiss, dándose la coincidencia de que el 19 de abril de 1986 el nº1 era ese tema de Parade, y el nº2 Manic Monday de The Bangles (que también había escrito él); el disco publicado por ellas, Different Light, del que formaba parte este tema, se convertiría en triple platino, extendiendo el prestigio de Prince a su faceta de compositor.

Prince lanzó en esta época un nuevo grupo, formado a partir de lo que había quedado de The Time: The Family, en el participaba la hermana gemela de Wendy, Susannah Melvoin, que también era la pareja sentimental de Prince en aquella época. Fue también su musa, pues inspiró el que luego se volvería uno de los temas más conocidos de Prince: Nothing Compares 2 U.

El proyecto del que había de ser el siguiente disco de The Revolution, Dream Factory se había extendido con numerosos temas hasta alcanzar un formato de doble álbum, sin embargo el abandono de Brownmark y finalmente el de Wendy y Lisa para formar su propio dúo forzó a Prince a reformular este disco. Muchos de sus temas pasaron a formar parte del que sería su siguiente disco publicado: Sign O’The Times, mientras que otros temas sólo verían la luz muchos años después dentro del triple álbum The Crystal Ball.

Bobby Z era sustituido para sus futuras bandas por Sheila E., a quien consideraba más versátil. De The Revolution permaneció únicamente el miembro más antiguo: el Dr. Fink.

 

1987 – 1991: Trabajo como solista y éxito de crítica de Sign O’ The Times

Después de más de un año de trabajo, varios proyectos cancelados, la disgregación de su banda The Revolution y otras historias personales y profesionales, se editó la que es considerada como su gran obra maestra hasta la fecha, Sign ‘O’ the Times (1987). Compendio de los abortados proyectos de 1986 ‘Dream Factory’, ‘Camille’ y ‘Crystal Ball’, este álbum es el más ecléctico de su carrera; un doble disco de 80 minutos y muchos estilos mezclados como funk, gospel, pop y rock. El disco fue alabado por la crítica de todo el mundo por canciones como la que daba título al disco (absolutamente minimalista), ‘If I was Your Girlfriend’, ‘Hot Thing’ o ‘I Could Never Take The Place Of Your Man’. La gira que acompañó al disco (que solo paró en Europa) fue un gran éxito también, y fue inmortalizada en una película del mismo título filmada en Róterdam, aunque gran parte de lo que se ve en ella fue regrabado en Paisley Park.

Sus siguientes discos en esta década fueron: Lovesexy (1988); Batman (1989), banda sonora de la película del mismo título, que alcanzó gran éxito comercial y donde además coescribió una canción con Sheena Easton (“The Arms of Orion”); Graffiti Bridge (1990), disco de una película escrita, dirigida y protagonizada por él; y Diamonds and Pearls (1991).

En 1989 colaboró con Madonna en su famosísimo álbum Like a Prayer: grabó a dúo con ella la canción “Love Song” y participó como músico (no acreditado) en la mundialmente famosa canción que da nombre al disco. Se cuenta que esta canción sumó arreglos de guitarra sampleados o tomados del disco The Black Album, que Prince no había publicado por desavenencias con su discográfica.

 

1991 – 1993: Unión con The New Power Generation y Diamonds And Pearls

Autor prolífico, de quien se cuenta que apenas dormía tres o cuatro horas al día, Prince siguió publicando álbumes: Symbol (1992); The Hits/The B-Sides (1993), álbum recopilatorio; Come (1994); The Gold Experience (1995); Chaos and Disorder (1996); Emancipation (1996) y The Rainbow Children (2001), en los cuales combinó el funk con la psicodelia, el rock and roll y el new wave. A partir de dicha fecha se centró en trabajos más alternativos que se vendían a través de su web oficial. Posteriormente lanzó Musicology (2004), que llegó al n.º 3 tanto en Estados Unidos como en Gran Bretaña, y al que acompañó una gran gira con artistas como Candy Dulfer. Le siguió “3121” (2006) que alcanzó en la primera semana el nº1 de álbumes según Billboard y Planet Earth (2007).

Publicó diversos trabajos bajo los pseudónimos de Jamie Starr, Joey Coco, Alexander Nevermind, Tora Tora y Christopher. Por problemas contractuales con su compañía discográfica (que frustraron la publicación de su disco The Black Album en 1987), durante varios años Prince no pudo publicar música con su nombre y en 1992 adoptó un símbolo mezcla de «femenino» y «masculino»: (Love Symbol). Más tarde el público empezaría a definirlo como The Artist o TAFKAP (The Artist Formerly Known As Prince, El Artista Anteriormente Conocido Como Prince) ante la ausencia de un nombre pronunciable verbalmente. Solo al finalizar contrato con la Warner Bros. (2000) volvió a usar su seudónimo de Prince.

Al principio de su carrera comenzó a tocar con la banda The Revolution, pero a principios de los 90 tocó con New Power Generation. La mayor parte de sus grabaciones las realiza en sus estudios Paisley Park.

Durante dicha época era una especie de playboy que hacía gala de una grandísima discreción. Se conocen romances con Susanna Hoffs (de The Bangles), Madonna, las actrices Kim Basinger, Sherilyn Fenn, Troy Beyer, Tara Leigh Patrick (a quien más tarde apodó Carmen Electra) y Sheena Easton, entre otras.

En 1991 colaboró en la composición de algunas canciones para el álbum Martika’s Kitchen de la cantante Martika. Al año siguiente vino su álbum conocido como “Symbol” que ya adelantaría su cambio de nombre (Prince) por el de un símbolo, rara fusión entre el masculino y el femenino basado en el símbolo alquimista de la esteatita. Esto ocurrió en 1992. De este álbum cabe destacar la canción “My Name Is Prince”, en la que ya anunciaba que volvería al nombre de Prince como hizo a partir de 2000, cuando finalizó su contrato legal con la Warner Bros.

 

1993 – 2000: Cambio de nombre, numerosos lanzamientos y The Gold Experience

Después apareció el disco recopilatorio de sus 15 años de carrera “The Hits/The B-Sides” (1993). Más tarde Come (1994), The Gold Experience (1995)” y Chaos and Disorder (1996), el que fuera quizás un disco más allegado al rock hasta la fecha. Ese mismo año lanzó el triple álbum Emancipation (1996), fuera de la órbita de la discográfica Warner que, al parecer, no le permitía liberar todo el material que Prince producía. Durante ese tiempo el músico salía en todas sus apariciones públicas con la palabra “esclavo” escrita en su mejilla. Este disco lo sacó mediante un acuerdo de distribución con EMI – Odeon. Sus sencillos más destacables son “Betcha by Golly Wow!”, “The Holy River” o “Emancipation”.

A partir de 1997, Prince sufrió una serie de reveses con Warner, en el cual su contrato duraría hasta el 31 de diciembre de 1999. Ésta presionó a las compañías con las que Prince intentaba llegar a acuerdos puntuales.

La empresa ganó esas batallas legales y Prince se vio obligado a cumplir el contrato. Todo ello, unido a la muerte de su hijo, Boy Gregory, que tuvo con su entonces esposa Mayte García (bailarina y cantante), que se produjo a los pocos días de nacer, hizo que Prince tuviera importantes problemas emocionales (se ha llegado a especular que intentó suicidarse).

Finalmente, en ese contexto publicó Crystal Ball (1998), Newpower Soul (1998) y The Rainbow Children (2001), álbum que fue aclamado por la comunidad de músicos e instrumentistas por lo sabio de la mezcla de estilos y la producción rica en texturas del disco, que era una obra conceptual a modo de rock sinfónico de los 70 con grupos como Genesis o King Crimson pero con un sonido jazz-soul-funk.

 

2001 – 2010: reinvención musical, Musicology e independencia discográfica

Posteriormente publicó One Nite Alone… (en CD y DVD), Musicology (que le llevó de nuevo a las listas de éxitos), N.E.W.S y 3121.

Prince, en los últimos años, recibió varios reconocimientos. Entró en el Rock and Roll Hall of Fame y en el UK Music Hall of Fame, en 2004 fue el artista mejor pagado del año, hizo la octava gira más vista de la historia con cerca de un millón y medio de espectadores en 90 conciertos por EE. UU. Ganó varios premios en su estilo y un Globo de Oro por la canción “The Song Of The Heart” para la película Happy Feet (2006).

Publicó un álbum recopilatorio llamado Ultimate Prince. También fue el artista elegido para realizar el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl XLI (2007), donde su actuación creó una enorme expectación. A pesar de la fuerte lluvia que cayó durante el espectáculo, Prince cumplió de sobra las expectativas siendo su actuación considerada de las mejores de la historia de este evento anual.

En 2001 Prince se convirtió en testigo de Jehová y desde su conversión dejó de cantar sus canciones más sexualmente explícitas y abandonó ese tema en sus composiciones. A finales de año, el 31 de diciembre de 2001, contrajo matrimonio en Hawái con Manuela Testolini, empleada de Paisley Park, de la que se divorció en 2006.

En 2007 Prince lanzó al mercado el álbum titulado Planet Earth, del cual se extrae el primer single, titulado “Guitar”. Prince generó una enorme polémica al decidir regalar el álbum con la edición dominical de un periódico británico antes de que saliera a la venta en las tiendas y al regalarlo también a todos los asistentes a los conciertos de su gira “Planet Earth” (que se desarrolló en una única ciudad, Londres, durante mes y medio). Estos conciertos de Londres (tanto los regulares en el gran pabellón O2, conocido anteriormente como Millennium Dome, como los post-conciertos de madrugada -conocidos entre los seguidores como aftershows- en la sala adyacente Indigo2) fueron un gran éxito de crítica y público, llenando las dos salas en casi todas las fechas.

A finales de 2007 Prince se encontró inmerso en una extraña batalla filosófico-judicial con sus seguidores, a los que acusó de violar sus derechos legales por usar, por ejemplo, fotos suyas como avatares en sitios web. A este respecto, los más importantes grupos en internet de seguidores se reunieron para crear Prince Fans United y protestar contra el hecho de que Prince les persiguiese judicialmente. Prince reaccionó rápidamente a la creación de esta unión con un tema llamado “PFUnk”, en el que de manera velada se burla de esos seguidores que se sienten perseguidos. La batalla se alargó, aunque se llevaron a cabo negociaciones entre Prince y PFU que no dieron ningún fruto. Además, su página oficial fue clausurada, siendo la única estrella de la música que no contaba con ella.

En 2008 Prince fue galardonado con un Grammy al mejor solista de R&B por el tema “Future Baby Mama” y entregó otro a Alicia Keys en la correspondiente categoría femenina. Hizo una actuación esporádica en un pequeño club de Los Ángeles (donde, hasta su fallecimiento, vivía la mayor parte del tiempo), hizo una fiesta en su casa después de la entrega de los premios Óscar y realizó una actuación en vivo, en el Festival de Coachella en Indio (California) por la que cobró más de dos millones y medio de euros. Sin embargo, suspendió una actuación en el estadio Croke Park (Dublín, Irlanda), supuestamente por falta de fechas en el estadio. También volvió a tocar en el programa de Jay Leno de la cadena de televisión estadounidense NBC (en esta ocasión el tema Turn me loose). En octubre se editó un libro y disco llamado 21 Nights, resumen sonoro y visual de su gira-residencia en Londres en agosto y septiembre de 2007.

En 2009 Prince editó dos álbumes a su nombre, que llevan los títulos de Lotus Flow3r y ‘MPLSound’, y un tercero de lanzamiento de su último descubrimiento femenino, Bria Valente, que lleva el título de Elixir. Durante la primavera de este año actuó en dos programas de televisión: cuatro veces en The Tonight Show with Jay Leno –tres días seguidos en marzo y uno en mayo, coincidiendo con la última semana de Jay Leno presentando el programa– y otra vez en el programa de Ellen DeGeneres, donde había actuado ya en 2004. El 18 de julio actuó de nuevo en el Festival de Jazz de Montreux, en Montreux, Suiza, con una inversión, por parte de la organización del evento, valorada en 1,5 millones de dólares, batiendo su propio récord de entradas vendidas, más de 8000 en apenas ocho minutos.

Prince prosiguió su actividad musical en 2010. Según informó el boletín de noticias en la red EFE EME, Prince lanzó en julio su nuevo disco, 20Ten, junto con varios periódicos europeos. El 22 de julio fue distribuido en Francia con el semanario “Courrier International”. A las pocas horas de ponerse a la venta, más de 14.000 puntos de venta habían agotado sus existencias. Los 130.000 ejemplares del disco se vendieron a un precio mucho más económico que cualquier otra novedad. El responsable de comunicación de “Courrier International” mostraba su sorpresa y satisfacción por las inauditas ventas de su publicación: “¡Nos lo quitan de las manos, es lo nunca visto para nosotros! A las diez, más de mil quioscos lo habían vendido todo, es increíble”.

La misma forma de distribución se usaría en otros países. Según informó Billboard, 2,5 millones de ejemplares de “20Ten” fueron regalados, el 10 de julio, en Inglaterra junto al Daily Mirror, en Escocia con el Scotland’s Daily Record y en Bélgica con el Het Nieuwsblad. En Alemania, fue la edición local de Rolling Stone la que ofreció a sus lectores el disco el 22 de julio.

En octubre de 2010, en el teatro Apollo de Nueva York, anunció su nueva serie de actuaciones, a partir de diciembre, bajo el título Welcome 2 América.

 

Enfermedad y muerte

Prince había visitado al doctor Michael T. Schulenberg en Excelsior el 7 de abril de 2016, y nuevamente el 20 de abril. El 7 de abril pospuso dos conciertos de su gira Piano & A Microphone Tour en el Teatro Fox de Atlanta tras haber contraído gripe. Sin embargo, el concierto se llevó a cabo el jueves 14 de abril, a pesar de no sentirse muy bien. Tras el concierto, perdió el conocimiento durante el vuelo de regreso a Minneapolis, por lo cual aterrizó de emergencia en el Aeropuerto Internacional Quad City en Moline. Allí recibió tratamiento para contrarrestar una intoxicación con opiáceos y se le proporcionó naloxona. El artista abandonó el hospital pocas horas después contrariando todo aviso médico. Tras este episodio, algunos de sus representantes indicaron que había sufrido de «mala hidratación» y que había estado luchando contra la gripe durante varias semanas. Al día siguiente, Prince fue visto montando su bicicleta. El 16 de abril fue visto en la tienda Electric Fetus en Minneapolis y realizó un evento en su casa en Paisley Park, afirmando que ya se sentía mejor. El 19 de abril asistió a un concierto de la cantante Lizz Wright en un teatro de la misma ciudad.

El 20 de abril, varios representantes de Prince acudieron al doctor Howard Kornfeld, especialista en adicción a fármacos y algología, en busca de ayuda. Kornfeld lo citó el 22 de abril para un chequeo médico y el artista programó un chequeo físico con un médico local para el 21 de abril. Ese día a las 9:43 a.m., la autoridad local del condado de Carver recibió una llamada de emergencia requiriendo una ambulancia en Paisley Park. El hombre al teléfono alegó haber encontrado una persona inconsciente, luego declaró que ya estaba muerta y finalmente la identificó como Prince. El hombre al teléfono era el hijo del doctor Kornfeld, quien había llegado a Paisley Park con un tratamiento de buprenorfina para contrarrestar una adicción de opioides. Los paramédicos llegaron y encontraron al artista inconsciente en el elevador de su casa y le practicaron reanimación cardiopulmonar, pero un paramédico afirmó que el artista había fallecido hacía seis horas por lo cual era imposible revivirlo. Prince fue declarado muerto a las 10:07 de la mañana, 19 minutos después de la llegada de los paramédicos. No se encontraron señales de suicidio o de algún intento de homicidio. En una conferencia de prensa llevada a cabo el 2 de junio, la Oficina Médica del condado de Anoka estableció que el artista había muerto por una sobredosis de fentanilo a la edad de 57 años.

Posteriormente la investigación policial demostró que Prince obtuvo el fentanilo por prescripción médica a nombre de una persona cercana para preservar su intimidad. De hecho, los botes de fármacos estaban etiquetados con los nombres de otras sustancias menos potentes. Un juzgado local emitió una orden de búsqueda para ubicar su testamento y se emitió otra en contra de la farmacia local Walgreens, a la cual el artista había acudido apenas unos días antes.

Tras una autopsia, sus restos fueron cremados. El 26 de abril, su hermana Tyka Nelson envió un documento a la corte del condado de Carver para iniciar el proceso de sucesión, pues según ella no existía ningún testamento. Tres semanas después de su muerte, cerca de 700 personas alegaron tener algún vínculo familiar con el artista y alegaron parte de su herencia. Un fiduciario del banco Bremer se hizo cargo del control de sus bienes (que incluían propiedades, empresas y una amplia colección de vehículos entre otros) y ordenó la apertura forzada de la caja fuerte del artista y de la autorización de pruebas de ADN para todo aquel que alegara ser su familiar.

Sus cenizas fueron ubicadas en una urna tallada con la forma de Paisley Park y fueron puestos allí mismo sobre un atrio en octubre de 2016.

Numerosos artistas y figuras públicas reaccionaron ante la muerte de Prince. El presidente Barack Obama lamentó su muerte, mientras que el Senado de los Estados Unidos emitió un comunicado destacándolo como un «músico y compositor innovador y un icono cultural». En diversas ciudades de los Estados Unidos se celebraron vigilias y tributos en su memoria y diversos edificios, puentes y otros lugares emblemáticos del país se iluminaron en púrpura para rendir honor a su memoria. Durante las primeras cinco horas después de su muerte, «Prince» fue líder en tendencia en Twitter y tuvo más de 61 millones de interacciones en Facebook. El canal MTV suspendió su programación habitual para transmitir una maratón de vídeos musicales del artista y la película Purple Rain; AMC Theatres y Carmike Cinemas colocaron la cinta en cartelera nuevamente durante la siguiente semana. El programa Saturday Night Live transmitió un episodio especial titulado «Goodnight, Sweet Prince» —Buenas noches, dulce príncipe ó Buenas noches, dulce Prince—, junto con varias de sus interpretaciones en el programa.

El contador de ventas Nielsen Music reportó un incremento del 42% en las ventas del artista tras su muerte. Cerca de 4,41 millones de discos, entre álbumes y sencillos, fueron vendidos entre el 21 y el 28 de abril, y cinco de sus álbumes se ubicaron en los primeros diez lugares de la lista Billboard 200 la siguiente semana, un hito sin precedentes en Billboard. Durante la quincuagésima novena -59- ceremonia de los premios Grammy, Morris Day & The Time junto con Bruno Mars rindieron tributo al artista, mientras que Madonna y Stevie Wonder hicieron lo propio en los premios Billboard.

 

2016 – Legado

Meses después de su fallecimiento Warner Bros publicó el recopilatorio 4Ever.

Prince fue el artista que más álbumes en formato físico vendió en EE.UU. en 2016, llegando a 2,2 millones (no se ofrecía su música por medios digitales). Fue el único artista que vendió más de un millón de álbumes digitales y físicos en 2016.

En 2017, en el aniversario de su muerte se puso a la venta el EP Deliverance, aunque un juez detuvo su venta y sólo estuvo disponible el tema de igual nombre. El 23 de junio de dicho año se lanzó la esperada reedición de Purple Rain (1984) que ya se había anunciado en 2014 pero que por motivos desconocidos no se lanzó hasta 2017. El paquete consiste en 3 discos compactos y un DVD; el primer disco es el álbum original remasterizado por el propio Prince en 2015, el segundo CD consta de 11 canciones inéditas y el tercer disco consta de lados B de la época junto con versiones extendidas y recortadas de Purple Rain. Por último, el DVD contiene un concierto del Purple Rain Tour en 1985.

En 2017 y 2018 se celebraron dos congresos académicos sobre la figura del artista.

En 2018, dos años después de su fallecimiento se publica la versión original de nothing compares 2 U.

En agosto de 2018 un acuerdo entre Sony Universal y los herederos permite escuchar online por primera vez 23 albums del artista de los 90 y 00 (curiosamente la canción The Most Beautiful Girl In The World fue excluida del álbum que la contenía).

En septiembre de 2018 se publica su primer álbum póstumo con material de su “vault”: Piano & a Microphone 1983.

Prince

ÁLBUMES
1978 For You
1979 Prince
1980 Dirty Mind
1981 Controversy
1982 1999
1984 Purple Rain
1985 Around The World In A Day
1986 Parade
1987 Sign O’ The Times
1988 Lovesexy
1989 Batman
1990 Graffiti Bridge
1991 Diamonds And Pearls
1992 Love Symbol Album
1994 Come
1995 The Gold Experience
1996 Chaos And Disorder
1996 Emancipation
1998 Crystal Ball
1999 The Vault: Old Friends 4 Sale
1999 Rave Un2 The Joy Fantastic
2001 The Rainbow Children
2003 N.E.W.S.
2004 Musicology
2006 3121
2007 Planet Earth
2009 Lotusflow3r / MPLSound
2010 20Ten
2014 Plectrumelectrum
2014 Art Official Age
2015 HITnRUN Phase One
2015 HITnRUN Phase Two

 

Créditos

El MiniPodcast

con Alex Cardona

es presentado por:

LaBuona.it, Italian Brand.
Sun Energy Lights, SEL-Colombia.com, ¡La Energía Que Se Renueva!
LaBuonaPiada.com, ¡La Tradizione Che Si Evolve!
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Este MiniPodcast

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Prince Rogers Nelson fue un cantante, compositor, bailarín, actor y filántropo estadounidense. Era un músico innovador, conocido por su ecléctico trabajo, su extravagante puesta en escena, vestuario y aspecto, y por su amplio registro vocal. Su......

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Prince







FICHA GENERAL







Origen


1958
Minneapolis, Minesota | Estados Unidos







Géneros


Funk
R&B
Pop
Rock







Período de actividad


1975 – 2016







Sellos discográficos


Warner Bros. Records
Paisley Park Records
NPG Records
EMI Records
Columbia Records
Arista Records
Universal Records







Sitio web


OfficialPaisleyPark.com







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Prince Rogers Nelson (n. Minneapolis, Minnesota; 7 de junio de 1958 – m. Chanhassen, Minnesota; 21 de abril de 2016) fue un cantante, compositor, bailarín, actor y filántropo estadounidense.


Era un músico innovador, conocido por su ecléctico trabajo, su extravagante puesta en escena, vestuario y aspecto, y por su amplio registro vocal. Su música integró un sin número de géneros, entre los que se destacan: el funk, el R&B, el new wave, el soul, el blues, el rock e incluso el jazz. En vida vendió más de 100 millones de discos en el mundo, siendo uno de los artistas más exitosos de la historia. Ganó siete premios Grammy, un American Music Award, un Globo de Oro y un premio Óscar por la película Purple Rain.


Ingresó en el 2004 en el Salón de la Fama del Rock and Roll tan pronto cumplió los requisitos de elegibilidad y la prestigiosa revista Rolling Stone lo ubicó en la casilla 27 en su lista de los «100 artistas más influyentes de la era del rock & roll».


Prince nació en Minneapolis y desarrolló gran interés por la música desde muy joven. Firmó su primer contrato discográfico con Warner Bros. Records a los 18 años y lanzó su primer álbum, For You, en 1978. Su siguiente álbum, Prince de 1979, logró la certificación de platino y sus siguientes producciones: Dirty Mind de 1980,]]>
Alexander Cardona Nieto clean 25:24
0027 - Pet Shop Boys https://www.lamaquinadelamusica.com/0027-minipodcast-con-alex-cardona-la-maquina-de-la-musica/ Mon, 17 Sep 2018 11:41:18 +0000 https://www.lamaquinadelamusica.com/?p=1323 Pet Shop Boys es un dúo de pop electrónico originario del Reino Unido en el que sus integrantes son Neil Tennant y Chris Lowe. Hasta ahora Pet Shop Boys han vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo. Desde 1986, 40 de sus singles han.... Escuchar el MiniPodcast

Pet Shop Boys

Pet Shop Boys

FICHA GENERAL
Origen 1981
Londres, Inglaterra | Reino Unido
Géneros Synth Pop
Dance-Pop
Electronic
Pop
Período de actividad 1981 – Presente
Sellos discográficos Parlaphone Records
EMI Records
Kobalt Label Services
Sitio web PetShopBoys.co.uk
Miembros Neil Tennant
Chris Lowe

Pet Shop Boys es un dúo de pop electrónico originario del Reino Unido en el que sus integrantes son Neil Tennant (vocalista, tecladista y ocasional guitarrista) y Chris Lowe (tecladista y en ocasiones vocalista).


Éxito comercial

Hasta ahora Pet Shop Boys han vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo. Desde 1986, 40 de sus singles han alcanzado el Top 20 y 22 en Top 10 en Reino Unido, además de cuatro número uno: “West End Girls”, “It’s a Sin”, “Always on My Mind” y “Heart”.

Cabe destacar que Pet Shop Boys no solamente componen para sí mismos sino que colaboran frecuentemente con otros artistas tanto en la producción, composición y remezcla de temas. Hasta el momento, el dúo ha editado 2 bandas sonoras y 13 discos de estudio, siendo el último, Super, lanzado en 2016. Éste ha recibido elogios por su estilo dance en colaboración con Stuart Price, lo que le ha valido que varios críticos y la audiencia lo consideren su mejor álbum desde Very en 1993, alcanzando en #3 en las listas de los discos más vendidos de 2013 en Reino Unido, con lo cual dejan en claro que la esencia que los caracteriza y el “toque inglés” de sus canciones sigue aún vigente, a pesar de que el estilo de sus últimos álbumes se ha alejado de aquel que hicieron de sus primeros álbumes un éxito.

 

Nacimiento del grupo

Neil Tennant y Chris Lowe se conocieron en una tienda de artículos electrónicos en King’s Road, en Chelsea, Londres el 19 de agosto de 1981. Esto sucedió debido a que Neil, después de la compra de un piano electrónico, no sabía cómo enchufarlo a una fuente de potencia, y entonces se dirigió a la mencionada tienda para adquirir un plug especial para el equipo. Ahí fue que se encontró con Lowe. Como tenían en común su afición a la música (incluso Tennant escribía como crítico musical en Smash Hits, una revista musical que dejó de existir en 2006), decidieron escribir juntos, a pesar de la disparidad de gustos artísticos entre ellos: a Neil le gustaba la música clásica y a Chris el dance. Originalmente pensaban llamarse West End, debido a su gusto por el centro londinense, pero luego cambiaron a su nombre actual recordando a un amigo de ambos que trabajaba en una tienda de mascotas. A Tennant, particularmente, le gustó mucho este nombre porque sonaba como el de un grupo de Rap.

 

Trayectoria
El debut (1986 – 1987)

Su primer álbum fue Please, nombre que, según el dúo, al pedirlo en una tienda se oyera algo como: «Can I have the Pet Shop Boys album, please?» («¿Podría darme el álbum de los Pet Shop Boys, por favor?»); el cual fue lanzado el 23 de marzo de 1986, alcanzando el puesto número tres en el Álbum Chart británico. Desde que fue editado el 28 de octubre del año anterior, «West End Girls» (el cual llegó al primer lugar de las listas en 9 países, el Reino Unido y EE.UU. incluidos), fue su credencial para el público. Recientemente «West End Girls» fue elegida por una encuesta telefónica de la BBC como la mejor canción de la década entre 1984 y 1994. Generalmente esta canción es nominada a toda clase de encuesta ochentera que hay en la TV británica, muchas veces resultando vencedora. Tal fue el éxito de la canción en su época, que sirvió para que obtuvieran sus primeros premios a nivel global.

La primera versión de este tema fue el primer sencillo del grupo, editado el 9 de abril de 1984 bajo la producción del célebre multi instrumentista, Bobby “O” Orlando (The Flirts, Roni Griffith, Oh Romeo, Divine, Waterfront Home, entre otros), en el sello Epic Records. Tuvo éxito en las discos de Los Ángeles, Bélgica, España y Francia y sólo alcanzó el número 121 del chart británico.

Luego saldría como single, «Love Comes Quickly», que alcanzó el puesto #19 en las listas británicas y un triste número 62 en la Billboard, siendo una verdadera decepción para el dúo, quienes veían a esta canción como su favorita del álbum.

“Opportunities (Let´s Make Lots of Money)”, fue el tercer single de su trabajo y alcanzó el #11 y #10 en el Reino Unido y EE.UU. respectivamente. Cabe destacar que en la versión del álbum Please, Opportunities (Let´s Make Lots of Money) se presentaba con una versión bastante más renovada a manos del productor Stephen Hague (O.M.D., The Communards, Jimmy Sommerville, New Order, Erasure entre otros), que modificó la primera versión en formato single donde fue producida por J.J. Jeckzalic y Nicholas Froome (Art of Noise) en 1985, además de ser remezclada por Ron Dean Miller y The Latin Rascals. La versión remix contó con la primera colaboración del grupo con Shep Pettibone, logrando de esta manera el número 1 en la lista Hot Dance de la revista Billboard.

Su primera gira estaba prevista para 1986, pero se postergó a 1989, dada la reticencia inicial del dúo a aparecer en público. Al tiempo, su single «Suburbia» llegaba al nº8 de las listas de éxitos británicos y al 70 del otro lado del Atlántico, esta vez producida por Julian Mendelsohn (Hall & Oates, Frankie Goes to Hollywood, entre otros), siendo esta la primera participación de este productor con ellos. Dicho tema se inspiró en la película de Penelope Spheeris, que narra las revueltas juveniles en las metrópolis industrializadas. El video se grabó en parte en la ciudad de Los Ángeles, aprovechando un viaje que realizaron motivo de una nominación de los MTV Awards.

 

Actually y consagración (1987 – 1988)

En 1987 llegaría una época de éxitos sin precedentes en su historia, con temas como «It’s a Sin» («Es un pecado»). Esta canción recibió críticas, pero también elogios como los de War Cry, revista del Ejército de Salvación, que le dio su visto bueno acerca del concepto de pecado en la modernidad.

El 7 de septiembre del mismo año, sale su álbum Actually, que para muchos críticos es uno de sus mejores trabajos. El destino de sus canciones habían adquirido un rumbo distinto al que existía en Please y esta vez apuntaban a la serie de políticas instauradas en la era “Thatcher”. Esta sería la época en la cual el dúo adquiriría mayor fama a nivel mundial y eso quedaría demostrado en el buen lugar que tuvieron sus singles en los listados.

Acertadamente, «Always on my Mind», que llegaría a ser número uno en varios países, no fue incluido en Actually sino en su siguiente trabajo, donde aparecería como un larga duración. Hasta esa fecha, la versión más conocida de la canción era la de Elvis Presley en 1972, totalmente distinta a la que el dúo lanzó ese año. Décadas más tarde, el diario The Telegraph consideró que la versión de los Pet Shop Boys sería el segundo mejor cover en toda la historia de la música, solamente antecedida por Jimmy Hendrix.

Incluida en el álbum Actually fue la mítica canción «What Have I Done to Deserve This?», un dúo con Dusty Springfield editada como single unas semanas antes de la publicación del álbum, canción que siempre ha sido muy estimada por los componentes del dúo ya que Dusty Springfield ha sido siempre un referente musical para ambos. También forma parte del álbum la canción «It Couldn’t Happen Here», la única canción pop co-escrita con el genio de las bandas sonoras Ennio Morricone, aunque su participación fuera de una forma indirecta, ya que les hizo llegar unas líneas orquestales desechadas de sus trabajos a partir de las cuales los Pet Shop Boys compusieron la canción. En esta misma época, el dúo decide rodar una película que llevó el nombre de esta canción en cuestión y que trataba acerca de la propia vida de los integrantes del dúo, bajo la visión bastante peculiar del director Jack Bond. En el film participaron actores británicos de gran trayectoria como Joss Ackland y Neil Dickson, pero aun así, parte de la crítica especializada destrozó la película y otro sector la elevó a tal punto que ganó un Gold Jury Award en el Houston Film Festival Awards. Escenas de la cinta aparecen en el video del single “Always on my Mind”.

 

Discos de consolidación y experimento (1988 – 1992)

El álbum Introspective, editado en 1988, muestra una clara influencia de la cultura house e incluye canciones de peso, como «Left to My Own Devices», Domino Dancing, It’s Alright y I’m Not Scared, canción que fue grabada también por el grupo Eighth Wonder (Patsy Kensit) y I want a Dog (Remezclada por Frankie Knuckles, siendo esta la primera producción de estilo música house para un grupo exitoso), anteriormente utilizada como lado B del single «Rent» en 1987. Por primera vez, el dúo graba canciones para un álbum de estudio sobre los 6 minutos de duración y que están dedicadas principalmente para los Djs y para los coleccionistas de vinilos de 12 pulgadas.

«Left to My Own Devices» es considerada por los fanáticos como la «Bohemian Rhapsody» de los Pet Shop Boys por la gran calidad orquestal y musical del tema en la cual se conjugan los beats con una elegante pieza de gran factura. En la versión del álbum se puede apreciar la ambientación totalmente teatral de la canción donde incluso se escucha cantar a una soprano, todo esto bajo la producción del genio de Trevor Horn y Stephen Lipson. Domino Dancing, otro de los temas de más alto impacto de Introspective, tiene claras influencias latinas y fue toda una sorpresa para los fans escuchar por primera vez al dúo navegar en esas aguas. Para ello, recurrieron a la ayuda de Lewis Martineé, un productor que en ese tiempo estaba bastante de moda por consagrar a varios artistas ochenteros (Exposé, etc.) y que le supo dar los ritmos necesarios que el dúo necesitaba en ese entonces. La canción está inspirada en un colaborador de los Pet Shop Boys que cuando jugaba dominó con Chris Lowe, siempre le ganaba y se ponía a bailar para celebrar sus triunfos. Para 1989 hicieron dúos con Dusty Springfield y Liza Minnelli, que fueron editados en discos como Scandal (Banda sonora original del film), Reputation y Results incluidas otras canciones. De esta manera, Pet Shop Boys no solamente se comenzaba a consagrar como un grupo que hacía un pop inteligente y que daba resultados, sino que también desarrollaban una faceta como colaboradores y productores musicales que les harían ganar un gran prestigio dentro de la industria musical. El dúo sería sindicado como los responsables del nuevo respiro musical que tuvo Liza Minnelli a fines de los 80’s y principios de los 90’s tras una seguidilla de malos resultados por parte de la cantante-actriz. En ese mismo año inicia su primer ciclo de conciertos, que les lleva a Gran Bretaña, Japón y Hong Kong.

En 1990 sale su álbum Behaviour, un disco de atmósfera más intimista, en el que se puede descubrir a Pet Shop Boys en estado puro, contó en la producción con la colaboración de Harold Faltermeyer y fue grabado en Alemania. Inicialmente no tuvo una gran acogida por parte del público y el dúo debe enfrentarse a su primera crisis de ventas, pero con el paso del tiempo se acabaría convirtiendo en una pieza de culto, no solo para sus fans, sino que para el público en general. Usualmente Behaviour aparece en las listas de los mejores álbumes de los 90’s e incluso es frecuente encontrarlo en distintas encuestas de Internet. Lo presentan en 1991 en una gira mundial que les lleva a Japón, Estados Unidos y Europa. Ofrecen conciertos en Barcelona y Madrid, que causan un gran impacto por su sofisticada puesta en escena teatral, apoyada en un amplio equipo de actores y bailarines. Esta gira llevaría el nombre de Perfomance, que sería reconocida y alabada por la prensa de aquel entonces por la temática teatral que combinaba el sexo, la religión, los vicios y una autocrítica descarnada a sus propias vidas, obviamente ambientadas en el transcurso de las canciones que interpretaba el dúo. La puesta en escena, no solo combinaba a artistas venidos desde el ballet clásico, sino que a cantantes de gran nivel, conociéndose así a Sylvia Mason-James, la más grande colaboradora en la historia del dúo a nivel vocal. En paralelo, Tennant y Lowe se enrolan en el grupo Electronic, junto a Bernard Sumner (New Order) y Johnny Marr (The Smiths), aunque tantos egos juntos solo dieron para tres singles y ya para la edición del primer álbum, el grupo ya era dúo, solo con Sumner y Marr. Tennant colaboró de manera solitaria en Getting away With it y Dissappointed, canciones que a la larga, son las más recordadas de este provisorio dúo que luego editó dos álbumes más. En esta época fue la primera vez que se rumoreaba acerca de la separación de los Pet Shop Boys debido a una supuesta depresión que tendría Chris Lowe por a la muerte de un amigo, producto del SIDA, enfermedad que se estaba propagando a gran escala entonces, pero la rápida vinculación de Lowe a Electronic para colaborar en conjunto con su compañero Neil Tennant en la canción The Patience of a Saint, sirvió para despejar las dudas de ese momento.

 

Very y la vuelta a las luces (1993 – 1995)

En 1993, viajan a Rusia para inaugurar el canal MTV Rusia, presentando su versión del tema «Go West», original de Village People.

Tras haber editado Discography, su primer grandes éxitos, que incluyó sus primeros quince sencillos más tres nuevas canciones, también disponibles como singles: «DJ Culture», «Where the Streets Have No Name (I can’t take my eyes off you)» (que ya había sido single unos meses antes) y «Was It Worth It?»; El dúo lanza Very, un regreso al pop electrónico más eufórico y fastuoso, que es considerado por la gran mayoría de los fans como el mejor álbum del dúo ya que no sólo contenía ritmos totalmente bailables y enérgicos, sino que cualquiera de sus temas podría haber sido single. Very se convirtió en una máquina de fabricar sencillos y de escalar rápidamente a los primeros lugares de los charts. Los niveles de venta se dispararon y por primera vez, el dúo consigue llegar al #1 en la venta de discos en el Reino Unido. La promoción del disco no solo contaba con el especial diseño de la caja (muy parecido a los esbozos de Lego), sino que también contenía carátulas alternativas y con distintos colores. La imagen del dúo también cambió, ya no eran el dúo correcto y parco que apenas se movían en sus videos, sino que adoptaron trajes coloridos, sombreros con forma de conos, como si hubiesen sido extraídos de dibujos animados, con los que se disfrazaban en las presentaciones en vivo y en sus propios clips.

Los vídeos promocionales de los sencillos de Very se caracterizaron por presentar animación 3D a cargo de Howard Greenhaugh, quien sería el responsable de muchos de los videoclips que sucederían al disco.

Simultáneamente a la edición de Very, Pet Shop Boys decide lanzar una versión limitada, llamada Very Relentless, que contaba con un nuevo CD de seis temas, en los cuales la participación de Chris Lowe en la composición de los temas resultaba más que evidente.

Para 1994 realizan una gira, el Discovery Tour, que les lleva a Australia, Singapur, México, Brasil, Argentina, Chile y Colombia, países en los cuales, causaron un gran impacto debido a la puesta en escena, donde mostraron una pareja de hombres semidesnudos acariciándose en una jaula, y en otra jaula, dos chicas, y que causó mucha controversia, pero que dejó muy complacidos a sus seguidores.

En Colombia tuvieron un estadio completamente lleno (5.6000 personas) y las entradas se agotaron un mes antes de su presentación. Se temía que por ser un país de habla hispana no se convocara mucha gente pero el concierto fue considerado uno de los mejores de la década.

En 1995 lanzan Alternative, un doble cd y triple vinilo que contiene todas las caras B de singles publicados hasta ese momento. Verdaderas piezas de colección para los fans son las llamadas caras B, debido a la gran calidad de sus canciones, ya que muchas veces son de mejor calidad de los lados A, pero por decisión propia, los relegan muchas veces a permanecer casi en el anonimato. Ejemplos de ello son «Paninaro», «Was that what it was?», «In the Night», «Shameless», Miserablism y We All Feel Better in the Dark entre otros; temas que hubiesen servido para que cualquier artista se hubiese consagrado. Para promocionar este recopilatorio, lanzan una nueva versión de su cara B, «Paninaro ’95», decisión que les costó precisar porque estaban en la disyuntiva de promocionar el recopilatorio con Shameless.

 

Bilingual, musical y el siglo XXI (1996 – 2001)

En 1996 Bilingual experimenta con ritmos brasileños y consigue otros tres temas en el Top 10 británico: Before, A Red Letter Day y Se a vida é (That’s The Way Life Is), una atrevida fusión de samba y pop electrónico. Al contrario de lo esperado no realizan ninguna gira de este álbum, sino una serie de conciertos en un mismo lugar (como si de una obra de teatro se tratase) el Savoy Theatre de Londres. De ello saldrá a la venta el VHS-DVD Somewhere. La génesis de Bilingual se generó tras la gira Discovery, en la cual recorrieron por primera vez, países de Sudamérica, con los que se empaparon de sus ritmos latinos, en especial, de Brasil, en la cual, Bilingual demuestra claros signos de ritmos provenientes del pueblo carioca, como el bossa nova y batucadas. Pese a esto último el tema -que luego fue editado como sencillo-, “Single Bilingual” fue influenciado por la banda argentina Los Fabulosos Cadillacs, con su hit «Matador». Bilingual, en el Reino Unido y países europeos, recibió fuertes críticas y no tuvo la buena aceptación que habían tenido sus discos anteriores, debido a la repentina experimentación con ritmos más bien desconocidos en ese lado del planeta. En cambio, el éxito del disco en Sudamérica fue rotundo, así como también cada uno de los singles que salieron al mercado, llegando a obtener los primeros puestos en las listas radiales.

Este álbum se puede considerar como avant-garde, dado que años después a finales de esa década, invadiría en todo el mundo la llamada “latinmania”. La era Bilingual es una de las más productivas de caras B en la historia de Pet Shop Boys, destacando en calidad y variedad de ritmos, en las que resaltan canciones como Betrayed, The Truck-Drive and his mate y Hit and Miss entre otros.

Tras el lanzamiento de este disco, el dúo decide llevar al mercado una edición especial llamada “Bilingual Especial Edition”, en la cual se incluían las 12 canciones originales de Bilingual, más un nuevo disco de remezclas, incluyendo dos nuevas canciones llamadas “The Boy who couldn’t keep his clothes on” y “Somewhere”, original del músico Stephen Sondheim y que fue lanzada posteriormente como single alcanzando el Top 9 en el Reino Unido.

Tras la publicación de Bilingual los Pet Shop Boys se meten de lleno en la producción de un musical, Closer to Heaven, de lo que se resentirá su próximo álbum Nightlife (publicado en 1999) un paseo musical por los distintos ámbitos de la vida nocturna y sus historias, editado tanto en CD como en Minidisc. Tras la publicación del álbum una nueva gira mundial entre 1999 y el 2000 que incluye un escenario diseñado por la prestigiosa arquitecta angloiraquí Zaha Hadid y nuevas remezclas de sus canciones más conocidas. Más tarde, la gira sería grabada para ser comercializada como “Montage, The Nightlife Tour”, que reunía las visitas que se hicieron a los países, más un material adicional que adjuntaba los tres respectivos clips de los singles del último álbum y el vídeo de For Your Own Good que aparece al ver el concierto de forma completa.

Para la confección de este nuevo álbum de estudio, los Pet Shop Boys contaron con la ayuda y colaboración de diversos artistas reconocidos en el ámbito musical como el productor escocés Craig Armstrong (The Only One, Closer to Heaven), el DJ David Morales (New York City Boy, I Don’t know what you want but I can’t give it anymore), la cantante Kylie Minogue (interpretando In Denial) y Rollo, sí el hermano de Dido, (For your Own Good, Radiophonic). La propuesta visual fue nuevamente lo que más destacaría en esta época ya que el dúo volvería a cambiar de imagen, adoptando un look más nocturno y underground, incorporando elementos new wave, punk y orientales. El destacado director Pedro Rommanyl, estuvo a cargo de los clips, quienes fueron alabados por la gran estética y meticulosidad de su trabajo. El vídeo I don’t know what you want but I can’t give it anymore ganó un premio al mejor video internacional en los premios Viva Comets Awards, en Alemania.

En este nuevo álbum, se puede ver al dúo recorriendo una serie de sonidos más ligado a las discotecas, al techno de moda y al mundo nocturno, pero sin dejar de lado ese sello que los ha caracterizado durante años. New York City Boy fue el tema más recordado en esa era y pegó bastante en las discotecas del Reino Unido así como las de EE.UU.. El video de este hit, fue nuevamente dirigido por Howard Greenhaugh, quien recreó de forma notable el popular Studio 54. Mención aparte tienen las baladas dentro el álbum como por ejemplo The Only One y You Only Tell Me You Love Me When You’re Drunk, la cual se convirtió en el mayor éxito de Nightlife.

En el mes de mayo de 2001 (concretamente el día 31) y tras varios años de trabajo, se estrena en el Arts Theatre de Londres el musical Closer to Heaven (popularizado también como el primer musical del siglo XXI) co-escrito con Jonathan Harvey, autor teatral de gran prestigio. Inicialmente no es el éxito esperado más que nada por las terribles críticas que recibe el musical, aun así las representaciones se realizaron a lo largo de nueve meses con un resultado de público más que notable. Para ello, el dúo también grabó un CD con cada uno de los temas que presentaron en su show. En este disco, el dúo solo se aprecia instrumentalmente ya que los temas son interpretados por otros artistas como Francis Barber, Billie Trix o Shell, entre otros. El disco tuvo buena acogida por la crítica musical y se puede escuchar a los Pet Shop Boys recorrer sonidos que se pasean por el Trip-Hop (K-Hole), Hip-Hop (Out of my system), el pop (Nine out of Ten), el dance (It’s just my little tribute to Caligula, Darling) entre variados estilos. Ese mismo año publican de nuevo sus álbumes Please, Actually, Introspective, Behaviour, Very y Bilingual completamente remasterizados y empaquetados en unas cajas especiales con numerosos detalles para sus fans, incluyendo un segundo CD en todas las cajas con temas contemporáneos a cada disco (remezclas, caras B, colaboraciones,…), más un libreto que contiene todas las letras comentadas por los propios Neil Tennant y Chris Lowe. La decisión fue tomada en agradecimiento a sus fans, debido a que la BBC decidió realizar un concurso telefónico en la que elegirían al grupo más importante de los 80’s, siendo los Pet Shop Boys elegidos con más del 80% de las preferencias.

 

El acústico Release (2002 – 2005)

En 2002, el dúo lanza su álbum Release, considerado por los fans como un impasse en la carrera musical del grupo debido a que en este álbum experimentan con composiciones que no son puramente electrónicas, sino que asistimos a la presencia de otros instrumentos electro-acústicos como guitarras y percusiones. Pese a las críticas de sus fans más acérrimos por la nueva declaración de principios de Pet Shop Boys: “Estamos totalmente distanciados de las canciones bailables porque, en su mayoría perdieron el apego a crear una serie de emociones adultas en el oyente. Ya no nos interesa ese estilo”, la crítica elogiaba al nuevo trabajo del dúo londinense, a tal punto que fueron nominados a un premio Grammy.

El vídeo Home and dry, dirigido por Wolfang Tillmans fue premiado por la cadena MTV, pese a la ira de los fanáticos quienes consideran a este como el peor vídeo debido a la sencillez y carencia de temática en el vídeo. Por otra parte, su segundo sencillo I Get Along, se vio envuelta en una controversia debido a que hacia una alusión a una conversación “ficticia”, en la cual, Tony Blair debió dejar fuera a su hombre fuerte y amigo, Peter Mandelson. Por lo mismo, Mandelson se reunió con el grupo para hablar sobre este asunto y evitar ir a la corte. En el video, en los instantes finales, aparecen imágenes de lo que sería el nuevo vídeo del dúo y próximo single: E-Mail, cosa que nunca sucedió. El tercer sencillo, London, solo fue editado en Alemania donde rotó con relativo éxito, y por si esto fuera poco, The Night I Fell in Love, tema que también está incluido en el álbum, recrea una relación homosexual en la cual un chico se enamora de su estrella pop favorita. Aquí son nombrados dos tipos: Stan (nombre con el cual se identifica al rapero estadounidense Eminem) y Dre (alusivo a Dr. Dre, afamado productor musical del género hip-hop y además mentor y maestro de Eminem). El asunto no cayó muy bien a ambos artistas y dedicaron parte de la canción Can I Bitch?, en la cual se vengaron del dúo inglés.

A finales del 2003 combaten la frialdad generada con Release con una doble antología de éxitos, PopArt, que les lleva a realizar, en el verano del 2004, una mini-gira basada en sus canciones más conocidas. El ‘tour’ les lleva al festival de Benicàssim y a las fiestas grandes de Bilbao. En el álbum fueron consideradas solo las canciones que llegaron al Top #20 del Reino Unido, estrenando dos nuevas canciones que también cumplieron esos requisitos: Miracles y Flamboyant. Este lanzamiento fue acompañado con la edición limitada PopArtMix [Vendida en países como Japón], en la cual, la dupla integrada por Tennant y Lowe escogió los 10 mejores mixes de sus temas, realizados por prestigiosos Djs a nivel global. En otoño del 2004 continúan la mini gira In Concert en Portugal, República Dominicana, México, Argentina y Brasil.

En 2004 trabajan en la banda sonora del filme ruso El Acorazado Potemkin de Eisenstein (1925), puesto en escena por primera vez en un concierto multitudinario en la plaza de Trafalgar, de Londres, el 12 de septiembre de 2004, en colaboración con la Orquesta Sinfónica de Dresde a cargo del director Torsten Rach. La realización del evento se debió a las conversaciones que tuvieron encargados del gobierno británico con el dúo, ya que necesitaban buscar imperiosamente un grupo pop capaz de realizar un evento de tales magnitudes. Un motivo de trasfondo en este show según la dupla, fue una manera de protestar contra la invasión de Iraq de 2003 ya que la cinta contiene tintes bélicos que fueron bastante impactantes para su época (1923). El disco consiguiente sale a la venta en septiembre de 2005, bajo la autoría de “Tennant – Lowe” ya que comercialmente no pudieron utilizar el nombre de “Pet Shop Boys” en el mercado de música clásica.

 

Fundamental y Yes (2006 – 2010)

La edición de su nuevo disco de estudio, Fundamental, producido por Trevor Horn, fue lanzado el 22 de mayo de 2006, tras postergarlo por un año debido a motivos laborales, en conjunto con su nuevo éxito “I’m with Stupid”, editado el 8 de mayo del mismo año y que alcanzó el número 8 en las listas británicas. En el video, la dupla humorística integrada por Matt Lucas y David Walliams, populares por la serie Little Britain, interpretan a Chris Lowe y a Neil Tennant en una parodia, donde hacen un resumen cómico de su carrera.

El segundo single, “Minimal”, sólo llegó al 19, a pesar de ser considerado superior a su predecesor. Esta mala posición se atribuye en parte a problemas de distribución durante la semana de lanzamiento. En verano de ese año actuaron en varios festivales, contabilizándose hasta seis conciertos en España, uno de ellos en La Granja de San Ildefonso de Segovia donde realizaron un magnífico concierto con gran asistencia de público del El Acorazado Potemkin, lanzando posteriormente en otoño un tour mundial que comenzó en Estados Unidos. En octubre se publicó el tercer sencillo de Fundamental, “Numb”, junto con el primer disco en directo del grupo, Concrete, que recoge la actuación que dieron en mayo en el Mermaid Theatre de Londres junto con la BBC Concert Orchestra y con invitados especiales como Rufus Wainwright, Frances Barber y Robbie Williams.

Numb, el tercer sencillo de Fundamental, es el segundo sencillo en toda la historia de la dupla que no alcanzó el top #20 en el UK Chart y nuevamente se atribuyó a la no distribución del single por parte de la discográfica. Una molestia que se evidenciaba en el propio sitio web de Pet Shop Boys, donde llamaban a denunciar si es que el single no llegaba a su destino. Casi al mismo tiempo de estos dos lanzamientos (Concrete y Numb) han publicado Catalogue, un libro que recoge todo el material gráfico publicado por el grupo, en su mayoría diseñado por Mark Farrow y A Life in Pop, un documental de dos horas sobre la historia del grupo que incluye los últimos vídeos de la banda.

Una vez finalizada la gira en Sudamérica y Australia realizada en los meses de marzo y abril de 2007 (cuya primera parada curiosamente fue el día 5 de enero en Madrid) se embarcaron en una nueva gira europea que pasó por Alemania, Francia, Reino Unido entre otros países y evidentemente por España. Al inicio de la gira europea publicaron el DVD Cubism grabación del concierto ofrecido el 14 de noviembre de 2006 en el Auditorio Nacional de México D.F.

En octubre de este mismo año (2007) se publicó Disco 4, el cuarto álbum de la serie Disco que iniciaron en 1986, seguido de Disco 2 en 1994 y Disco 3 en 2003. Se trata de álbumes dedicados básicamente a nuevas remezclas de sus propios temas, aunque en Disco 4 dan preferencia a las remezclas realizadas para otros artistas, como Madonna, David Bowie, Yoko Ono o Rammstein entre otros. De este disco lanzaron el remix de Integral para promocionar el disco, eso si, la cantidad de ejemplares fue limitada a unas cuantas copias para la venta y para ser distribuidas en las discotecas de Europa y Norteamérica. El video de esta canción, cuya temática es la protesta a los IQ card, una nueva ley que identificará a los ciudadanos británicos a través de números, marca una verdadera vanguardia en tecnología ya que incorpora un sistema similar a los IQ card en la cual, al tomar fotos al video clip con teléfonos móviles adaptados a esta tecnología, se pueden descifrar más de 150 páginas relacionadas con el tema.

Yes, el décimo álbum de estudio de Pet Shop Boys, se publica el año 2009. Su grabación se llevó a cabo durante el 2008 bajo la producción de los propios Pet Shop Boys en conjunto con Brian Higgins y el equipo de producción Xenomania. El dúo británico escogió a este equipo en las grabaciones del tema “The Loving Kind” de Girls Aloud en donde comenzaron las primeras conversaciones para delimitar lo que sería el nuevo álbum de estudio.

Xenomanía es coautor de tres de las canciones de esta nueva grabación (“Love etc.”, “The Way it used to be” y “More than a dream”), mientras que el resto es composición absoluta de Pet Shop Boys. El tema “All over the world” posee un sampler de Cascanueces del compositor ruso Piotr I. Tchaikowsky.

El guitarrista Johnny Marr (The Smiths, Electronic) quien colaboró en álbumes anteriores como Release y Behaviour, reaparece en los créditos. Owen Pallett y sus arreglos orquestales,(The Last Shadow Puppets, Final Fantasy) también aparecen en la producción, destacándose en “Beautiful People” y “Legacy”. Su lanzamiento en el Reino Unido fue programado para el próximo 23 de marzo de 2009. El primer sencillo «Love etc.» se dio a conocer el 16 de marzo de 2009 “(como es posible que se haya dado a conocer en esa fecha, siendo que un mes antes el video se sube a Youtube el 23/02/2009. link de video: https://www.youtube.com/watch?v=InBiaRBUjUs)” y alcanzó el Nº14 en el Reino Unido y Nº1 en el Billboard’s Hot Dance Club Play Chart de Estados Unidos.

 

Pandemonium Tour

Gira mundial promocionando este álbum de estudio que los llevó a recorrer Europa, Asia, Oceanía y América en toda su extensión. En esta gira han incluido una nueva versión de “Viva la Vida”, original del grupo inglés, Coldplay.

En el concierto realizado en diciembre de 2009 en el O2 Arena de Londres, donde promocionan su último disco Yes y también cuenta con las mejores canciones de su carrera. Cuenta con CD y DVD, donde el CD trae 17 canciones del concierto y el DVD los 22 temas, donde también hay nuevas versiones como “West End Girls”. El DVD cuenta con extras, con 3 videos musicales (Love etc., All Over The World, Did You See Me Coming?), 2 presentaciones en vivo en el O2 (My Girl, It Doesn’t Often Snow At Christmas), también incluye la presentación en vivo en los BRIT Awards 2009 con Lady Gaga y Brandon Flowers de The Killers, y un comentario en Audio de la banda y Es Devlin.

Para celebrar los 25 años del primer éxito del grupo, el 1 de noviembre de 2010, se lanzó bajo el sello EMI un recopilatorio denominado Ultimate, en el cual recoge los 18 éxitos más representativos del dúo desde West End Girls lanzado a fines de 1985 cuando el grupo la incluyó en su primer álbum Please” bajo el sello EMI, hasta Love etc. incluida en el álbum Yes y lanzada en la primavera de 2009. Esta recopilación incluye un sencillo inédito, “Together”.

 

Treinta años de carrera, Elysium y el cambio de sello (2011 – 2015)

El 28 de septiembre de 2011, Pet Shop Boys anunció que tenía escritas 16 nuevas canciones para su siguiente álbum de estudio (Sucesor de “Yes”), y esperan comenzar a grabar los nuevos temas en noviembre de 2011 para lanzar el álbum en el 2012. Mientras tanto, Format, un álbum recopilatorio de caras B desde 1996 a 2009 se publicó en febrero de 2012, como una continuación del álbum Alternative.

En enero de 2012, Pet Shop Boys anunció en su web oficial que habían comenzado a grabar su nuevo álbum en Los Ángeles con el productor Andrew Dawson. El 11 de junio del mismo año se anuncia en su página web el título del nuevo álbum, Elysium y se publica una canción del mismo llamada Invisible. El 2 de julio de 2012 se estrenó Winner, el primer single del nuevo álbum. El disco sale a la venta por todo el mundo en septiembre de 2012. El 15 de octubre de 2012 se lanzó el segundo sencillo de este nuevo álbum: Leaving. El 31 de diciembre de 2012 se publicó el tercer y último single del undécimo álbum de Pet Shop Boys, Memory of the Future, una versión mezclada por Stuart Price.

Tras 28 años de relación con la fonográfica Parlophone, el 14 de marzo de 2013, los Pet Shop Boys anunciaron en un comunicado en su web oficial que dejaban su casa discográfica de toda la vida para cambiarse a Kobalt Label Services. 8​ , quienes alojan a artistas como Björk, Jake Bugg, Beck, Eddie Vedder entre otros. Este mismo día, también sorprendieron a todo el mundo anunciando un nuevo álbum que se llamará Electric y fue lanzado el 15 de julio de 2013. El disco está producido por Stuart Price, quién ha colaborado con Madonna, Kylie Minogue, The Killers o Scissor Sisters, etcétera. Este nuevo álbum está compuesto de 9 pistas, una de ellas, titulada “The last to die” es un cover de Bruce Springsteen; Además, el tema “Thursday” está cantado junto al rapero británico Example. El 30 de abril en su página oficial, el dúo publicó su primer single: Axis. Según la crítica es su mejor disco de los últimos 20 años y el que más ha vendido en este periodo, llegando al Top 3 en las listas de UK y Top 5 en España. En mayo de 2013 iniciaron una gira por todo el mundo llamada Electric Tour donde visitaron Chile, Argentina, Paraguay, Brasil, Colombia, Asia (el dúo se presentó por primera vez en Filipinas, Indonesia, China y Tailandia), Líbano, Israel, Turquía, Europa y América del Norte.

 

Super (2016 – Presente)

El 15 de enero de 2016 se lanzó una curiosa campaña viral por todo el mundo con una web llamada whatissuper.co 9​sin datos mostrando una cuenta atrás para ser lanzado el día 21 de enero a la 1 GMT, con un teaser musical y la palabra Super cambiando de color, también se han podido ver carteles en ciudades como Londres, Roma, Berlín o París. Todo apunta a que se trata de la presentación del nuevo disco de Pet Shop Boys, ya que el sonido de ese teaser que se puede escuchar en la web posee muchas características del dúo británico. Finalmente se confirma que el nuevo álbum se llama Super10​ y se publicará el 1 de abril de 2016 por todo el mundo.11​ También han anunciado una serie de conciertos del 20 al 23 de julio en el Royal Opera House bajo el nombre de Inner Sanctum.

 

Influencia en el medio musical

El dúo tuvo gran éxito en Estados Unidos en la segunda mitad de los 80s, con éxitos como “West End Girls” que alcanzó el número uno en los charts. Su último sencillo que entró en el Top 40, “Domino Dancing”, alcanzó el número 18 en los charts norteamericanos en 1988. Desde entonces, el grupo ha gozado de culto y éxito en los clubes estadounidenses con ocho números uno en el “Billboard Dance charts”. Además, el dúo británico ha realizado numerosas giras mundiales, en 1989, 1991, 1994, 1999-2000, 2002, 2006-2007, 2009-2010, 2013-2014 y 2016-2017. Durante cada gira, presentan un gran número de conciertos en Estados Unidos principalmente, además de múltiples presentaciones en el resto del mundo.

Su álbum de estudio, Fundamental, fue lanzado bajo el sello discográfico Parlophone el 22 de mayo de 2006. Este alcanzó el puesto número 5 en Reino Unido y en el resto de Europa el segundo lugar. El primer sencillo del álbum, “I’m With Stupid” fue lanzado en Reino Unido el 8 de mayo de 2006, alcanzado el puesto número 8 en los charts británicos de sencillos. En diciembre, el dúo fue nominado para dos premios Grammy en las categorías “Mejor Grabación Dance” (“I’m With Stupid”) y “Mejor Álbum Dance/Electrónico” (Fundamental).

En 2003, el libro Billboard’s Hot Dance/Disco 1974-2003 aparecían como el cuarto grupo con más éxito en las listas de éxitos de música disco y de baile de Estados Unidos, tras Madonna, Janet Jackson y Donna Summer. En octubre de 2005, una banda tributo sueca llamada West End Girls obtuvo el número tres en las listas de éxitos de su país con una versión de “Domino Dancing”. En enero de 2006 publicaron su versión de “West End Girls”, y su disco se publicó en junio. Pet Shop Boys también tienen una banda tributo en Birmingham, llamada Pet Shop Noise, que actúan en el Reino Unido desde hace varios años.

El disco de Madonna Confessions on a Dance Floor, publicado en noviembre de 2005, incluye una canción llamada “Jump”, que tiene muchos parecidos con “West End Girls”. En una entrevista en Popjustice con Stuart Price, el productor del disco de Madonna, dijo que “Jump” está totalmente inspirada por Chris Lowe. Parece ser que durante la grabación del disco, Madonna dijo “Pet Shop Boys! I fucking love them!” (“¡Pet Shop Boys! ¡Me encantan!”). Pet Shop Boys remezclaron “Sorry”, el segundo single del disco. Este remix se ha convertido en uno de los preferidos por los fans de Madonna, ya que en su última gira ha estado usando esta versión en lugar de la que aparece en su disco. La historia entre Madonna y Pet Shop Boys se remonta a 1988 con la canción “Heart”. Fue compuesta por el dúo con la idea de ofrecérsela a Madonna para que la cantara ella, pero no se atrevieron a llamarla para proponérselo y la grabaron ellos mismos, en dicho video del éxito interviene el famoso actor Ian Mckellen (X-Men, El Señor De Los Anillos, entre otros), como “vampiro enamorado”. La canción fue número uno en las listas británicas. Más tarde, en 1991, incluyeron una referencia irónica a Madonna en la canción “DJ Culture”, tras el divorcio de Madonna y Sean Penn. Tennant escribe, “Like Liz before Betty / She after Sean / suddenly you’re missing / then you’re reborn” (“Como Liz antes de Betty / Ella después de Sean / de repente estás perdido / y entonces renaces”). Tennant se refiere a la ‘reinvención’ por la que Madonna estaba pasando en esa época. Madonna también homenajeó a Pet Shop Boys en la gala de los Brit Awards de 2006, al nombrarlos como uno de los artistas británicos que influyeron en su música durante su discurso tras haberle sido entregado el premio a la mejor artista internacional por Neil Tennant.

El dibujante de cómics americano Thomas K. Dye, conocido por crear el web-cómic satírico Newshounds, comenzó intentando hacer un libro de cómics llamado The Boy Shop Pets, al que le puso este nombre porque los protagonistas eran animales. Fue escrito entre noviembre de 1991 y enero de 1992.

El artista Robbie Williams, el grupo británico Keane, Scissor Sisters, The Killers y la cantante Kylie Minogue, también han mencionado a Pet Shop Boys frecuentemente como influencias. La canción del grupo americano Guns N’Roses “November Rain” está inspirada en “My october symphony”, según Axl Rose, líder del grupo. Los cantantes George Michael y Elton John también han declarado su admiración por la dupla inglesa, en especial este último, quien ha grabado en conjunto In Private, del disco Fundamentalism y anteriormente ya había hecho duplas para la TV inglesa con el tema Believe/Song for a Guy.

Recientemente, el periódico inglés The Telegraph colocó, en el lugar número 18, a Pet Shop Boys en un conteo de los mejores compositores ingleses.

 

Caras B

Otra de las características destacables de este dúo inglés son la gran factura y calidad de las caras B que acompañan a sus singles promocionales. Si bien, los Pet Shop Boys han declarado que estas canciones son sus favoritas entre todas las demás, podemos encontrar aquí, la verdadera esencia musical de estos británicos, que en reiteradas oportunidades para muchos críticos de música, no pueden explicarse cómo dejan fuera de los álbumes de estudio a canciones que superan en cuanto a ritmo y calidad a sus caras A. El primer compilado de lados B fue editado en 1995, se tituló Alternative y reunía a todos los temas entre los años 1985-1995. Paradójicamente, una gran cantidad de estos temas ya habían sonado bastante en las radioemisoras en su primera edición como caras B, entre las que destacan In The Night, Paninaro, Shameless, Miserablism, We all feel better in the dark, e incluso, algunas llegaron a tener una muy alta ubicación en charts de algunos países. Hasta el momento, la dupla no ha anunciado planes de un “Alternative 2”, que reúna las canciones editadas después del último compilado que nuevamente reuniría canciones de gran nivel que podrían haber integrado algún álbum de estudio como es el caso de I didn’t get where I’m today donde colabora el ex Smith, Johnny Marr. En la última gira de Pet Shop Boys, Fundamental Tour, específicamente en su paso por Sudamérica y Oceanía, el dúo utilizó dos caras B en su tracklist: Paninaro y We’re the Pet Shop Boys. Y en Electric Tour, se utilizó “I Get Excited (You Get Excited Too)”.

En febrero de 2012, Pet Shop Boys lanza el álbum Format que es un recopilatorio de caras B desde 1996 a 2009, presentado como una secuela del álbum Alternative.

 

Colaboraciones

Desde los primeros años en los cuales, Pet Shop Boys, adquirió notoriedad mundial, comenzaron a colaborar con prestigiosos artistas ya consagrados como es el caso de Liza Minnelli, a quien le produjeron 7 de sus canciones de su álbum “Results” y también a su amiga, la ya fallecida Dusty Springfield. Más tarde vendría el turno de Boy George con la conocida canción que iría en el Soundtrack de la Película “The Crying Game”, tema del mismo nombre. Electronic, Pete Burns, Eighth Wonder, Blur, Suede, Cicero, Kylie Minogue, Fat Les 2000, Robbie Williams, Myu, David Bowie, Peter Rauhofer, The Killers, Yoko Ono, Superchumbo, DJ Fresh, Rufus Wainwright, Rammstein, Madonna, Atomizer, Alcazar, Bloodhound Gang, Kiki Kokova, Girls Aloud, Tina Turner, Lady GaGa y el ex futbolista del Arsenal de Inglaterra Ian Wright son algunos de los artistas a los cuales la dupla ha aportando tanto como compositores, producción, vocalización o remezclando, trabajo que últimamente le ha traído bastantes y buenos dividendos, llegando al #1 de los charts más prestigiosos de música bailable.

Pet Shop Boys

ÁLBUMES
1986 Please
1987 Actually
1988 Introspective
1990 Behaviour
1993 Very
1996 Bilingual
1999 Nightlife
2002 Release
2006 Fundamental
2009 Yes
2012 Elysium
2013 Electric
2016 Super

 

Créditos

El MiniPodcast

con Alex Cardona

es presentado por:

LaBuona.it, Italian Brand.
Sun Energy Lights, SEL-Colombia.com, ¡La Energía Que Se Renueva!
LaBuonaPiada.com, ¡La Tradizione Che Si Evolve!
GeralCN.com, ¡Joyería Contemporánea!
AlexandrosQuiro.com, ¡Tus Masajes A Domicilio!
MarianDValencia.es, ¡La Voz De Oro!
RapidoYEconomico.com, multimedia/graphic/web
AlexanderCardonaNieto.com, ACN FreeLancer.

Este MiniPodcast

Es grabado y producido en los estudios de
ACN Medios en España con el respaldo de:
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Pet Shop Boys es un dúo de pop electrónico originario del Reino Unido en el que sus integrantes son Neil Tennant y Chris Lowe. Hasta ahora Pet Shop Boys han vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo. Desde 1986, 40 de sus singles han.... Escuchar el MiniPodcast


Pet Shop Boys







FICHA GENERAL







Origen


1981
Londres, Inglaterra | Reino Unido







Géneros


Synth Pop
Dance-Pop
Electronic
Pop







Período de actividad


1981 – Presente







Sellos discográficos


Parlaphone Records
EMI Records
Kobalt Label Services







Sitio web


PetShopBoys.co.uk







Miembros


Neil Tennant
Chris Lowe





Pet Shop Boys es un dúo de pop electrónico originario del Reino Unido en el que sus integrantes son Neil Tennant (vocalista, tecladista y ocasional guitarrista) y Chris Lowe (tecladista y en ocasiones vocalista).



Éxito comercial
Hasta ahora Pet Shop Boys han vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo. Desde 1986, 40 de sus singles han alcanzado el Top 20 y 22 en Top 10 en Reino Unido, además de cuatro número uno: “West End Girls”, “It’s a Sin”, “Always on My Mind” y “Heart”.
Cabe destacar que Pet Shop Boys no solamente componen para sí mismos sino que colaboran frecuentemente con otros artistas tanto en la producción, composición y remezcla de temas. Hasta el momento, el dúo ha editado 2 bandas sonoras y 13 discos de estudio, siendo el último, Super, lanzado en 2016. Éste ha recibido elogios por su estilo dance en colaboración con Stuart Price, lo que le ha valido que varios críticos y la audiencia lo consideren su mejor álbum desde Very en 1993, alcanzando en #3 en las listas de los discos más vendidos de 2013 en Reino Unido, con lo cual dejan en claro que la esencia que los caracteriza y el “toque inglés” de sus canciones sigue aún vigente, a pesar de que el estilo de sus últimos álbumes se ha alejado de aquel que hicieron de sus primeros álbumes un éxito.
 
Nacimiento del grupo
Neil Tennant y Chris Lowe se conocieron en una tienda de artículos electrónicos en King’s Road, en Chelsea, Londres el 19 de agosto de 1981. Esto sucedió debido a que Neil, después de la compra de un piano electrónico, no sabía cómo enchufarlo a una fuente de potencia,]]>
Alexander Cardona Nieto clean 25:24
0026 - Giorgio Moroder https://www.lamaquinadelamusica.com/0026-minipodcast-con-alex-cardona-la-maquina-de-la-musica/ Sat, 28 Jul 2018 11:03:56 +0000 https://www.lamaquinadelamusica.com/?p=1302 Giovanni Giorgio Moroder es un productor, cantante, compositor y DJ italiano que innovó en la llamada música disco, con el uso de sintetizadores y secuenciadores en la década de 1970 convirtiéndose en una gran influencia para la música de baile...... Escuchar el MiniPodcast

Giorgio Moroder

Giorgio Moroder

FICHA GENERAL
Origen 1940
Ortisei, Bolzano | Italia
Géneros Disco
Synth Pop
Electronic
Italo Disco
Pop
Rock
Período de actividad 1965 – Presente
Sellos discográficos London Records
Oasis Records
Casablanca Records
Hansa Records
RCA Records
Virgin Records
Sitio web GiorgioMoroder.com
Artistas relacionados Donna Summer
Harold Faltermeyer
Freddie Mercury
Blondie
Daft Punk
Sia
Sistar

Giovanni Giorgio Moroder (Ortisei, Trentino-Alto Adige, 26 de abril de 1940) es un productor, cantante, compositor y DJ italiano que innovó en la llamada música disco, con el uso de sintetizadores y secuenciadores en la década de 1970 convirtiéndose en una gran influencia para la música de baile posteriormente conocida como música techno. Ganador tres veces del premio Oscar como compositor, es particularmente conocido como productor musical de Donna Summer. Canciones como Love to Love You Baby y I Feel Love (con su poderosa secuencia de sintetizador bajo) son célebres y muy reproducida por grupos incluso en estos días.


Carrera

Moroder nacido como Giovanni Giorgio Moroder el 26 de abril de 1940 en Ortisei, Bolzano, Italia. La madre de Moroder lo llamaba «Hans-Jörg» (en alemán: [‘hansjœʀk mɔ’ʀoːdɐ]), la versión alemana de su primer y segundo nombre, ya que en su infancia vivía en un entorno donde dominaban una mezcla de habla germana, italiana y Ladina, situados en el norte de Italia, cerca de la frontera con Austria.

A principios de la década de los 70 del siglo XX trabajaba en Alemania con Pete Bellotte, y allí conocieron a una joven cantante estadounidense: Donna Gaines, quien subsistía con trabajos como corista y actriz de musicales. La futura gran estrella Donna Summer inició, con la canción de corte erótico Love to Love You Baby, una fructífera colaboración con Moroder que la convertiría en reina de la música disco y cuya influencia es reconocida en el género dance actual.

En 1978 Moroder grabó The Chase, tema de la película El Expreso De Medianoche por la cual obtuvo el Óscar a la mejor banda sonora.

Entre 1977 y 1979 lanzó el álbum From Here to Eternity. En 1979 produjo su álbum E=MC². Este disco sentó un ilustre precedente en tecnología: fue el primero en grabarse en forma digital utilizando samplers, sequencers, teclados modulares, Vocoders, marcando un antes y un después en la música Techno. Si Kraftwerk experimentaba con sonidos electrónicos sintéticos, Moroder lo hacía para producir música bailable.

Fue el fundador de Musicland Studios (1970-1990) en Múnich, que fue la casa editora de cantantes en el rango de Led Zeppelin, Electric Light Orchestra, Queen y Elton John durante gran parte de las décadas de 1980 y 1990.

También produjo melodías disco para el grupo femenino The Three Degrees, además ejerció de productor y/o compositor para artistas como Madleen Kane, Olivia Newton-John, Melissa Manchester, Debbie Harry, Nina Hagen, Sigue Sigue Sputnik, David Bowie, etc.

En la década de 1980 se le adjudicó un romance homosexual con Don Johnson, episodio que le trajo muchos problemas con su esposa y por el cual perdió un contrato millonario con la compañía Warner Brothers. Por esos años, sin embargo produjo música para las bandas sonoras de muchas películas, como The Never Ending Story, Cat People (con el tema central cantado por David Bowie), American Gigolo (su tema central Call Me, compuesto por Moroder y Debbie Harry fue un éxito para el grupo de ésta, Blondie), y Scarface, entre otras.

En 1983 la película Flashdance recibió el Óscar a la mejor canción interpretada por la cantante estadounidense Irene Cara por su canción What a Feeling.

En 1984 compuso la banda sonora del filme Electric Dreams, cuyo tema homónimo, cantado por Philip Oakey (líder de The Human League) tuvo cierto éxito comercial.

El mismo año, produjo la restauración del clásico de cine mudo Metrópolis. Esta versión editada y modificada, incluía el coloreado de escenas y por supuesto una moderna banda sonora que además de efectos electrónicos y pasajes instrumentales y sintéticos creados por Moroder, contaba con canciones originales interpretadas por Jon Anderson, Bonnie Tyler, Freddie Mercury, Pat Benatar, Adam Ant, Billy Squier y Loverboy.

En 1986 su canción Take My Breath Away tema principal del filme Top Gun e interpretada por la banda new wave Berlín también recibió el Óscar a la mejor canción.

También compuso el tema The Fight para la película interpretada por Sylvester Stallone Yo el Halcón (Over the Top).

Escribió los temas oficiales para los Juegos Olímpicos de Los Angeles 1984, los Juegos Olímpicos de Seúl 1988 y la Copa Mundial de Fútbol de 1990.

En el año 2004, Moroder fue homenajeado en el Dance Music Hall of Fame, en Nueva York, por su sobresaliente trabajo como productor.

En el año 2005 fue condecorado por el presidente de Italia con el grado honorífico de Commendatore.

En 2012 mediante una entrevista confirmó su participación en el nuevo álbum de estudio del grupo francés Daft Punk, titulado Random Access Memories.

El 3 de abril de 2013 se revela la primera entrevista en el episodio 1 de «The Collaborators» en el sitio web del nuevo trabajo del dúo francés Daft Punk, donde da a conocer anécdotas sobre sus inicios y su admiración por el grupo anfitrión.

El 13 de mayo del mismo año se publica mediante iTunes íntegramente en escucha gratuita por tiempo limitado el nuevo álbum Random Access Memories de Daft Punk, 8 días antes de salir a la venta, en la que la letra de la tercera pista titulada Giorgio by Moroder corresponde a fragmentos de la entrevista anteriormente mencionada brindada por el propio Moroder, en el episodio 1 de “The Collaborators”, juntamente con la música elaborada con sintetizadores propia del dúo francés y el compositor italiano.

En noviembre de 2014, se anunció que Moroder lanzaría un nuevo álbum en la primavera de 2015 en el hemisferio norte, llamado «Déjà Vu» con la participación de artistas como Britney Spears, Kylie Minogue, Sia, Charli XCX, Mikky Ekko, Foxes, entre otros. El mismo día fue lanzada la canción que da título al álbum. El 16 de enero 2015 llegó a la internet la canción con Minogue llamada Right Here, Right Now, y fue lanzada cuatro días más tarde, con su clip siendo estrenado el 2 de febrero.

En la actualidad vive en la ciudad de Beverly Hills, en Los Ángeles, junto a su esposa Francesca y su hijo Alex.

Giorgio Moroder

ÁLBUMES
1969 That’s Bubble Gum – That’s Giorgio
1970 Giorgio
1972 Son Of My Father
1973 Giorgio’s Music
1973 Spinach 1 (con Michael Holm)
1975 Einzelgänger
1976 Knights In White Satin
1977 From Here To Eternity
1978 Love’s In You, Love’s In Me
1979 E=MC2
1983 Solitare Men (con Joe Esposito)
1985 Innovisions
1985 Philip Oakey & Giorgio Moroder
1990 To Be Number One
1992 Forever Dancing
2015 Déjà Vu

 

Créditos

El MiniPodcast

con Alex Cardona

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Es grabado y producido en los estudios de
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Giovanni Giorgio Moroder es un productor, cantante, compositor y DJ italiano que innovó en la llamada música disco, con el uso de sintetizadores y secuenciadores en la década de 1970 convirtiéndose en una gran influencia para la música de baile...... Escuchar el MiniPodcast


Giorgio Moroder







FICHA GENERAL







Origen


1940
Ortisei, Bolzano | Italia







Géneros


Disco
Synth Pop
Electronic
Italo Disco
Pop
Rock







Período de actividad


1965 – Presente







Sellos discográficos


London Records
Oasis Records
Casablanca Records
Hansa Records
RCA Records
Virgin Records







Sitio web


GiorgioMoroder.com







Artistas relacionados


Donna Summer
Harold Faltermeyer
Freddie Mercury
Blondie
Daft Punk
Sia
Sistar





Giovanni Giorgio Moroder (Ortisei, Trentino-Alto Adige, 26 de abril de 1940) es un productor, cantante, compositor y DJ italiano que innovó en la llamada música disco, con el uso de sintetizadores y secuenciadores en la década de 1970 convirtiéndose en una gran influencia para la música de baile posteriormente conocida como música techno. Ganador tres veces del premio Oscar como compositor, es particularmente conocido como productor musical de Donna Summer. Canciones como Love to Love You Baby y I Feel Love (con su poderosa secuencia de sintetizador bajo) son célebres y muy reproducida por grupos incluso en estos días.



Carrera
Moroder nacido como Giovanni Giorgio Moroder el 26 de abril de 1940 en Ortisei, Bolzano, Italia. La madre de Moroder lo llamaba «Hans-Jörg» (en alemán: [‘hansjœʀk mɔ’ʀoːdɐ]), la versión alemana de su primer y segundo nombre, ya que en su infancia vivía en un entorno donde dominaban una mezcla de habla germana, italiana y Ladina, situados en el norte de Italia, cerca de la frontera con Austria.
A principios de la década de los 70 del siglo XX trabajaba en Alemania con Pete Bellotte, y allí conocieron a una joven cantante estadounidense: Donna Gaines, quien subsistía con trabajos como corista y actriz de musicales. La futura gran estrella Donna Summer inició, con la canción de corte erótico Love to Love You Baby, una fructífera colaboración con Moroder que la convertiría en reina de la música disco y cuya influencia es reconocida en el género dance actual.
En 1978 Moroder grabó The Chase,]]>
Alexander Cardona Nieto clean 25:24
0025 - Modern Talking https://www.lamaquinadelamusica.com/0025-minipodcast-con-alex-cardona-la-maquina-de-la-musica/ Sat, 21 Jul 2018 07:26:45 +0000 https://www.lamaquinadelamusica.com/?p=1294 Modern Talking es un dúo alemán de música eurodisco. Estuvo formado por el cantante Thomas Anders y el productor Dieter Bohlen, contando también con la participación de los coristas y músicos Rolf Köhler, Michael Scholz, Detlef Wiedeke y Birger...... Escuchar el MiniPodcast

Modern Talking

Modern Talking

FICHA GENERAL
Origen 1984
Alemania | Europa
Géneros Eurodisco
Eurodance
Tecno-Pop
Europop
Synthpop
Período de actividad 1984 – 1987
1998 – 2003
Sellos discográficos Hansa Records
RCA Records
Sony BMG Records
Ariola Records
Sony Music Catalog
Sitio web ModernTalking.com
Miembros Dieter Bohlen
Thomas Anders

Modern Talking es un dúo alemán de música eurodisco. Estuvo formado por el cantante Thomas Anders y el productor Dieter Bohlen, contando también con la participación de los coristas y músicos Rolf Köhler, Michael Scholz, Detlef Wiedeke y Birger Corleis, en los arreglos de Luis Rodríguez junto con Ralf Stemmann y en las letras Geff Harrison. Por ventas, es el segundo grupo más exitoso en Alemania, con más de 120 millones de discos vendidos, después de Scorpions.


Carrera
El comienzo de Modern Talking

En 1979 el productor y compositor Dieter Bohlen empezó a trabajar para la compañía discográfica Hansa. Bohlen consiguió más fracasos que éxitos hasta que empezó a actuar con un joven cantante llamado Bernd Weidung, de nombre artístico Thomas Anders. Así fue como Bohlen conoció a Thomas, aunque no tuvieron mucho éxito. Su siguiente proyecto era la esperanza de Bohlen para no ser despedido, por lo que requirió de la ayuda y colaboración de los músicos de sesión Rolf Köhler, Michael Scholz, Detlef Wiedeke y Birger Corleis, quienes después de trabajar durante muchas horas, lograron el sonido que caracterizaría desde entonces a Modern Talking. Dieter Bohlen aún no había conseguido un compañero para Thomas en el nuevo dúo, así que finalmente, por una cuestión de tiempo y exigencias de la discográfica, se incluyó él mismo para iniciar las presentaciones oficiales de la banda, formándose de esa manera el dúo Modern Talking. Su éxito vino cuando el videoclip fue emitido por la TV alemana.

Se volvieron rápidamente populares con su single hit Europop “You’re My Heart, You’re My Soul” con el que ocuparon el número uno en 35 países incluyendo su país de origen, donde estuvo en la cima durante seis semanas; el single vendió ocho millones de copias en todo el mundo. El vídeo musical filmado en los estudios del recién lanzado RTL Plus en Luxemburgo contribuyó al éxito.

“You’re My Heart, You’re My Soul” fue seguido por otro hit número uno “You Can Win If You Want” a mediados de 1985 del álbum The First Album. El disco fue certificado platino en Alemania.

 

1985 – 1987: discos en cadena

El segundo álbum se llamó Let’s Talk About Love y su sencillo “Cheri Cheri Lady” también alcanzó el número 1 por toda Europa. Con el tercer álbum Ready for Romance sucedió lo mismo, disco que incluye el popular éxito “Brother Louie” que también alcanzó el número 1 y número 4 en el Reino Unido; el disco fue el segundo del dúo en llegar al número 1 en Alemania. “Atlantis Is Calling (S.O.S. for Love)” fue el quinto sencillo consecutivo del grupo en llegar al número 1 en Alemania.

De acuerdo a una férrea planificación, Modern Talking emitía dos álbumes al año y de cada uno se promocionaban dos sencillos. La fama comenzaba a hacer estragos en el joven cantante Thomas Anders, que llevaba a la grabaciones en los estudios a su novia Nora Balling. Surgieron conflictos personales con Dieter Bohlen y todo el equipo de músicos, porque su carácter dominante perjudicaba las grabaciones y salidas en escena del grupo.

El cuarto álbum del grupo fue In the Middle of Nowhere que incluye los sencillos “Geronimo’s Cadillac”, número 3 en Alemania y número 1 en España, y “Give Me Peace On Earth”, su primera balada editada como sencillo que solo consiguió un modesto puesto n.º 29 en Alemania; sin embargo, el álbum llegó también al número 1.

El quinto álbum Romantic Warriors, pese a entrar al Top #5 en Alemania, no tuvo mucho éxito en comparación a sus antecesores. Los problemas entre Thomas y Dieter eran ya insostenibles, puesto que Thomas se negaba a viajar y a conceder entrevistas a la prensa. Es así como se trunca el tour a Estados Unidos. El sencillo “Jet Airliner” llegó al Top #7 en Alemania.

El contrato con Hansa los haría grabar un último álbum llamado In the Garden of Venus con ventas inferiores a los anteriores y el sencillo “In 100 Years” solo logró un pobre puesto #30 en los charts alemanes.

Finalmente, tras la salida de este álbum, Modern Talking anunciaba su separación para desdicha de sus fans, y toda la prensa acusó a Nora Balling de culpable de la separación del dúo. En realidad, el ritmo demasiado intenso de producción provocó cierta saturación entre los fans y un agotamiento de ideas. En apenas tres años el grupo había emitido seis álbumes siguiendo una fórmula fija, sin darse tiempo a evolucionar. El sonido típico de Modern Talking, a pesar de ir cargándose con más instrumentos, no evolucionaba según las modas, y a finales de la década perdía interés.

 

Entre 1987 – 1998

Después de que el dúo se separó en 1987, Bohlen continuó con otros proyectos con sus mismos músicos y arreglistas: Blue System, Rolf Köhler, Michael Scholz y Detlef Wiedeke, que tuvieron más participación en la producción, aunque continuaron trabajando en “la sombra”. El temor de Dieter era que se descubriera que realmente él nunca había cantando en Modern Talking, ya que los falsetes eran hechos por estos cantantes profesionales quienes continuaban cantando en todas sus demás producciones. Blue System obtuvo muy buenas posiciones en las listas con canciones como Sorry Little Sarah, My Bed is Too Big, Under My Skin, Love Suite y Déjà Vu. Anders se volvió solista y grabó su nuevo material parecido al pop en Los Ángeles y Londres, y también en su país nativo. Como artista solista, Anders hizo conciertos en lugares como Moscú, Sun City, Hong Kong y Viña del Mar en los que cantaba canciones de sus discos solistas, y mientras tanto dejaba a sus leales fans con su material de Modern Talking. Anders grabó cinco discos en inglés: Different, Whispers, Down on Sunset, When Will I See You Again y Souled y uno en castellano: Barcos De Cristal. Sin embargo, encontró más éxito en países extranjeros que en el suyo. Dejando todos los mal entendidos y riñas que tuvieron entre ellos en el pasado, Dieter y Thomas comenzaron a ponerse en contacto después de que Anders volviera a Coblenza, Alemania en 1994.

 

La Reunión: 1998 – 2003

La compañía discográfica Sony BMG quería publicar más música de Modern Talking, que era un “mejor plato”. Dieter Bohlen durante años se opuso a ella. En 1997 se le ocurrió una idea: en lugar de publicar un nuevo disco de Blue System, prefirió producir un disco completamente nuevo de Modern Talking y revivir de nuevo. Contactó con Thomas Anders y se pusieron de acuerdo.

A comienzos de 1998 el dúo se reunió por segunda vez, y tuvieron su primera interpretación juntos en marzo en el más grande programa de TV alemana: Wetten, dass..?. Su primer disco de regreso, “Back for Good”, que incluyó cuatro nuevas canciones además de todos sus anteriores hits remezclados con modernas técnicas, no sólo se quedó en la posición número uno en Alemania por cinco semanas consecutivas sino que llegó al número uno en otros 15 países, eventualmente vendiendo seis millones de unidades mundialmente. Ganaron el premio en los World Music Awards por ser la Banda Alemana Con Mejores Ventas ese año.

Tras el regreso, se produjeron videoclips, conciertos y actuaciones más sofisticadas.

El disco siguiente, “Alone”, en contraste con “Back for Good”, sólo tenía temas nuevos. También escaló al número uno en Alemania y fue muy exitoso. Se lanzaron los sencillos “You Are Not Alone” y “Sexy, Sexy Lover”, llegando ambos al top 20.

Bohlen siguió el patrón de Modern Talking de los años 1980 de lanzar dos singles de cada disco de nuevo como en el pasado.

En 2000, el año del dragón en el calendario chino, fue lanzado el disco “Year of the Dragon”. El primer sencillo del disco fue “China in Her Eyes”, que alcanzó el Top 10. El segundo fue “Don’t Take Away My Heart”, que alcanzó sólo el Top 50.

En 2001 lanzaron “America”, el décimo disco de Modern Talking. El primer sencillo lanzado fue “Win the Race”, usado como música de fondo de la temporada de Fórmula 1, llevando el título apropiado, ganar la carrera. Llegó al quinto lugar en las listas. La segunda extracción, “Last Exit to Brooklyn”, llegó al #37.

“Victory” fue publicado en 2002 y contenía el sencillo “Ready for the Victory”, música de fondo para la Fórmula 1. El segundo sencillo, “Juliet”, fue inspirado por la música disco de la década de 1970.

A principios de 2003 se lanzó el sencillo “TV Makes the Superstar”, del disco “Universe”. En las letras, Bohlen se refirió a su experiencia en el programa Deutschland sucht den Superstar, donde trabajó como miembro del jurado.

En junio de 2003, antes del lanzamiento de otro disco, Modern Talking se separó de nuevo. Ya en el comienzo del Universe-Tournee, Bohlen anunció el 7 de junio de 2003 durante el concierto de Rostocker frente a 25.000 personas, que Modern Talking terminaba.

El involucramiento de Bohlen en Deutschland sucht den Superstar, la edición alemana de Pop Idol, fue una de las mayores razones y dijo que sabía que era lo mejor parar que seguir en la cima.

El 23 de junio de 2003 apareció “The Final Album: The Ultimate Best of…”. Esta separación fue acompañada de una nueva controversia, por las declaraciones que Bohlen hizo sobre el cantante Thomas Anders en su autobiografía, Hinter der Kulissen (Detrás de escenas). Entre otras cosas, Anders fue acusado de haber tomado ilegalmente el dinero del fondo de la banda. Después de un proceso en un tribunal apropiado, desde mediados de 2004 esta afirmación no puede repetirse.

En general, en los 10 años de existencia del grupo se vendieron cerca de 120 millones de discos, lo que hace de Modern Talking la banda más exitosa comercialmente de Alemania.

En la banda sonora de “Dieter – Der Film”, lanzada el 3 de marzo de 2006, apareció “Shooting Star”, una canción inédita de Modern Talking. En ella se rumorea que se utilizó trozos de la voz de Anders junto a una melodía similar. Según especulaciones, la mayor parte de la voz de Anders fue extraída de “Don’t Take Away My Heart”. Debido a que ya había pasado mucho tiempo de la separación de la banda, sólo aparecieron los típicos coros altos, ya que Anders no estaba disponible para esta producción.

 

Éxito y críticas

Modern Talking tuvo éxito especialmente en Europa, Asia, América del Sur, Australia y algunos países africanos. En Estados Unidos nunca aparecieron en las listas ya que nunca editaron un disco en ese país, aunque a veces hacían apariciones para inmigrantes europeos.

A los críticos de música no les entretenía Modern Talking, y dio a la banda, por su música y su aspecto, casi sólo críticas negativas. Aunque en algunas fueron reconocidos la producción profesional y el catchiness, fue la originalidad lo más representativo, siendo, según la crítica, mejor que las bandas británicas Pet Shop Boys y Erasure quienes se acercaban al sonido de Modern Talking. Hay una variedad de remixes diferentes y versiones cover de las canciones de Modern Talking en diferentes idiomas y estilos musicales. Así pues, existe una versión orquestal de James Last de “You’re My Heart, You’re My Soul”.

 

Música

Dieter Bohlen siempre contó con la ayuda de Luis Rodriguez y Ralf Stemmann para la composición de las canciones de Modern Talking. La primera inspiración de Bohlen fue un éxito “disco funk” del grupo “Fox The Fox”. Luis Rodriguez se encargó por inspiración propia de volver esta versión única al añadirle un intro que caracterizaría el resto de canciones de Modern Talking. Las canciones también recibieron influencias del Italodisco que empezaba a ser popular en Europa. Después de la reunión de 1998, Bohlen produjo algunas canciones de estilo eurodance en sus álbumes partiendo del álbum Alone de 1999, canciones basadas en éxitos pop contemporáneos, copiando la métrica y el ritmo y en algunos casos hasta la melodía y también recibiendo influencias del Schlager-fox que es la versión disco folclórica alemana, música muy popular dentro de Alemania.

La mayoría de las canciones, como por ejemplo “Brother Louie”, se basan en una constante de tambor en un mismo patrón y bajo. Existen también interjecciones de piano o teclado, y ritmos de sintetizador. En “You’re My Heart, You’re My Soul”, por ejemplo, se registran acordes cambiantes rápidamente en 16 tiempos y 8 tiempos. Añadido a esto, “Geronimo’s Cadillac”, muestra guitarra eléctrica y riff de sintetizador.

A menudo, se le debe a Dieter Bohlen el usar en canciones de Modern Talking siempre un sonido de un pop convencional así como también el uso del modelo Punk rock “de tres acordes”. La mayoría de las canciones se basan en un mínimo de seis cuerdas, y especialmente en los primeros éxitos de Modern Talking que, en su mayoría, se usaban menos acordes en primer plano. La mayoría de las canciones están compuestas en 4/3 de ciclo, sin embargo, algunas canciones se basan en 3/4 o 6/8, como en “Win the Race”, donde ritmos shuffle fueron usados.

Para su regreso, adaptaron su sonido de acuerdo a la moda pop de la época, motivados principalmente por el eurodance, estilo muy popular en los años 1990.

En 1986, la única balada lanzada como single, “Give Me Peace on Earth”, no resultó exitosa, por lo que se decidió no lanzar más una balada como single.

 

Vocal

Para las voces, aparte del talentoso Thomas Anders quien sería la voz principal, Bohlen contrató al famoso coro de Hamburgo encabezado por Rolf Köhler junto a sus amigos y colegas Detlef Wiedeke, Michael Scholz y Birger Corleis, famosos por haber trabajado en diferentes bandas nacionales e internacionales, incluyendo algunos comerciales de televisión. Fue Rolf quien luego de ensayar otras posibilidades, tuvo la idea de incluir en Modern Talking unos coros a lo Bee Gees. Dichos coros acompañarían la voz en la estrofa de Thomas Anders. Y juntos lograrían hacer perfectas armonías vocales en cada canción. El falsete desarrollado por Rolf Köhler llegaría a convertirse en el sello característico que diferencia a Modern Talking de otras bandas del mismo género.

Dieter Bohlen no cantaba en Modern Talking, sin embargo su voz puede escucharse en las estrofas de “There’s Too Much Blue in Missing You”, donde como segunda voz se tuvo al cantante Birger Corleis. La voz de Bohlen también se escucha en la canción “Who Will Save the World”, en la cual susurra a las partes de Thomas Anders.

 

Textos

Bohlen contó su versión personal de como creó “You’re My Heart, You’re My Soul” en su autobiografía: “Admito que no sabía que sería un éxito en todo el mundo, pero sólo me tomó medio minuto escribir la letra. El pop toma más tiempo. Fijar a Thomas como cantante fue similar”. Se sabe también que las canciones no fueron realmente escritas por Bohlen, sino que recibió la ayuda de varias personas, principalmente de Geff Harrison, quien también lo ayudó en la tarea de adaptar los textos al inglés debido a que Dieter no se manejaba muy bien con el idioma.

Algunas veces, contienen pequeñas historias (como “Brother Louie”), en las que colaboraba el co-productor Luis Rodríguez. La letra de las canciones resaltaba por un “amor en gran medida” (“Cheri, Cheri Lady”, “Querida, Querida Dama”) o “los beneficios” (“Win the Race”: “Ganar la carrera”; “You Can Win if You Want”: “Puedes triunfar si quieres”).

 

Vídeos musicales

Los vídeos musicales de Modern Talking en la década de 1980 estuvieron dominados por la niebla, luces de colores y formas geométricas claras, tales como esferas, cuboides, pirámides, etc. Una característica especial del vídeo musical de “Brother Louie” es que fueron tomadas escenas de la película “Érase una vez en América” para rellenar el video, debido a que los extras contratados no acudieron a la grabación del mismo.

Los vídeos musicales producidos después de la segunda reunión de la banda, mostraron bailarines, escenas animadas por computador, y fueron significativamente más caros y difíciles.

 

Medios de comunicación

Modern Talking aparecía con frecuencia en los medios de comunicación. En parte, por esto tuvieron el gran éxito, pero en parte también a la cobertura de los medios de comunicación de los dos miembros. Así, Dieter Bohlen recientemente alcanzó una gran popularidad a través de su asiento en el jurado del exitoso programa de televisión Deutschland sucht den Superstar y Thomas Anders como presentador del programa de música Best of Formel Eins.

Modern Talking estaban constantemente expuestos a los ataques por su música, que derivaron en numerosas parodias. Una popular parodia fue por la cadena de Thomas Anders que decía NORA (un regalo de amor y testimonio de su ex-esposa Nora Balling), que en realidad era muy grande y muy visible, por lo que fue caricaturizado con parodias de gran tamaño. Dieter Bohlen respondió a las bromas de la siguiente manera: “Estas personas sólo pueden hacer bromas sobre alguien que conocen bien, todo el mundo sabe lo mismo sobre Modern Talking”.

En “Unsere Besten zum Thema Die größten Musikstars” (Lo mejor de las mayores estrellas de la música de todos los tiempos), transmitido por ZDF, fueron ubicados en la posición 13.

 

Carreras solistas

Dieter Bohlen también trabajó con otros artistas mientras Modern Talking existía, algunos de ellos como Chris Norman de Smokie cuya canción Midnight Lady (1986) permanece como la composición más popular de Bohlen. Escribió un gran número de canciones disco para C.C.Catch (House of Mystic Lights) usando un acelerado y menos romántico sonido. Algunas de las canciones en inglés de Bohlen como You’re My Heart, You’re My Soul fueron también grabadas con letra en alemán por Mary Roos usando las mismas pistas instrumentales. Cuando Modern Talking se separó en 1987, un número de canciones escritas para el último disco fueron movidas al primer disco solista de Dieter Bohlen, el que apareció casi al mismo tiempo, junto a su primer single solista Sorry Little Sarah. El proyecto solista de Bohlen fue llamado Blue System, en el que estaba él, el co-productor de Modern Talking Luis Rodríguez y los cantantes, Rolf Köhler (su segunda voz), y también Michael Scholz y Detlef Wiedeke.

En 2006, Bohlen incluyó un mensaje secreto en su canción Bizarre Bizarre la que tocada invertida decía: “Es gibt Nie ein ende von Modern Talking” (“Nunca habrá un fin a Modern Talking”). Sin embargo, Bohlen dijo: “Quería decir que la música de Modern Talking vivirá por siempre”. Anders dejó las canciones de Modern Talking en su repertorio y produjo canciones en ritmo similar para sus canciones solistas, como Independent Girl. En 2006 produjo el disco Songs Forever con versiones swing y jazz de canciones populares (incluyendo el primer éxito de Modern Talking). Bohlen escribió dos libros autobiográficos, uno de los cuales detallo la historia de Modern Talking desde su perspectiva, y vendió un millón de copias en Alemania. La secuela fue altamente criticada por descalificaciones a las personas que trabajaron con él. Como resultado, se alejó del público por un año hasta 2006, cuando dijo que lanzaría un segundo libro. Anders no fue el único en poner cargos en contra de Bohlen y demandando que secciones del libro deberían ser modificadas. Frank Farian su rival de años, lanzó un libro en el que trató de exponer a Bohlen como un fraude, pero no fue tomado en serio a pesar de contar con varias verdades. Los cantantes Rolf Köhler, Michael Scholz y Detlef Wiedeke por su parte también iniciaron su carrera independiente conformando la banda Systems In Blue, la cual es la única que continua siguiendo el sonido original de Modern Talking y Blue System, una producción con el cantante Mark Ashley, “Heartbreak Boulevard” fue considerada el Modern Talking del 2008 y su trabajo junto al productor holandes Karel Post y el israelí Itamar Moraz, recrean perfectamente los sonidos de Modern Talking. Luis Rodriguez continuó produciendo independientemente, teniendo varios hits de éxito para otros artistas. Ralf Stemmann migró a Estados Unidos y también cosechó numerosos éxitos ganando incluso el premio Grammy de la música latina en varias oportunidades.

Modern Talking

ÁLBUMES
1985 The 1st Album
1985 Let’s Talk About Love
1986 Ready For Romance
1986 In The Middle Of Nowhere
1987 Romantic Warriors
1987 In The Garden Of Venus
1998 Back For Good
1999 Alone
2000 Year Of The Dragon
2001 America
2002 Victory
2003 Universe
2017 Back For Gold

 

Créditos

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AIR | AlianzaInternacionalDeRadio.com

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Modern Talking







FICHA GENERAL







Origen


1984
Alemania | Europa







Géneros


Eurodisco
Eurodance
Tecno-Pop
Europop
Synthpop







Período de actividad


1984 – 1987
1998 – 2003







Sellos discográficos


Hansa Records
RCA Records
Sony BMG Records
Ariola Records
Sony Music Catalog







Sitio web


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Miembros


Dieter Bohlen
Thomas Anders





Modern Talking es un dúo alemán de música eurodisco. Estuvo formado por el cantante Thomas Anders y el productor Dieter Bohlen, contando también con la participación de los coristas y músicos Rolf Köhler, Michael Scholz, Detlef Wiedeke y Birger Corleis, en los arreglos de Luis Rodríguez junto con Ralf Stemmann y en las letras Geff Harrison. Por ventas, es el segundo grupo más exitoso en Alemania, con más de 120 millones de discos vendidos, después de Scorpions.



Carrera
El comienzo de Modern Talking
En 1979 el productor y compositor Dieter Bohlen empezó a trabajar para la compañía discográfica Hansa. Bohlen consiguió más fracasos que éxitos hasta que empezó a actuar con un joven cantante llamado Bernd Weidung, de nombre artístico Thomas Anders. Así fue como Bohlen conoció a Thomas, aunque no tuvieron mucho éxito. Su siguiente proyecto era la esperanza de Bohlen para no ser despedido, por lo que requirió de la ayuda y colaboración de los músicos de sesión Rolf Köhler, Michael Scholz, Detlef Wiedeke y Birger Corleis, quienes después de trabajar durante muchas horas, lograron el sonido que caracterizaría desde entonces a Modern Talking. Dieter Bohlen aún no había conseguido un compañero para Thomas en el nuevo dúo, así que finalmente, por una cuestión de tiempo y exigencias de la discográfica, se incluyó él mismo para iniciar las presentaciones oficiales de la banda, formándose de esa manera el dúo Modern Talking. Su éxito vino cuando el videoclip fue emitido por la TV alemana.
Se volvieron rápidamente populares con su single hit Europop “You’re My Heart, You’re My Soul” con el que ocuparon el número uno en 35 países incl...]]>
Alexander Cardona Nieto clean 25:24
0024 - Kylie Minogue https://www.lamaquinadelamusica.com/0024-minipodcast-con-alex-cardona-la-maquina-de-la-musica/ Sun, 08 Jul 2018 10:41:01 +0000 https://www.lamaquinadelamusica.com/?p=1286 Kylie Ann Minogue es una cantante australiana de música pop, compositora y actriz, conocida notablemente por su álbum Fever y su exitoso sencillo «Can't Get You Out Of My Head», el cual le valió dos distinciones de los premios Brit en 2002. La....... Escuchar el MiniPodcast

Kylie Minogue

Kylie Minogue

FICHA GENERAL
Origen 1968
Melbourne, VictoriaAustralia
Géneros Pop
Dance
Nu-Disco
Synth Pop
Euro Dance
Electro Pop
Período de actividad 1979 – Presente
Sellos discográficos Mushroom Records
PWL Records
Deconstruction Records
Parlaphone Records
Geffen Records
Capitol Records
EMI Group
Roc Nation Records
Warner Bros. Records
Sitio web Kylie.com
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Laura Pausini
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Kylie Ann Minogue (/ˈkaɪliː mɨˈnoʊɡ/; Melbourne, 28 de mayo de 1968) es una cantante australiana de música pop, compositora y actriz, conocida notablemente por su álbum Fever (2001) y su exitoso sencillo «Can’t Get You Out Of My Head», el cual le valió dos distinciones de los premios Brit en 2002. La cantante ha vendido un total de 80 millones de producciones musicales en el mundo.

Después de empezar su carrera como una actriz infantil en la televisión australiana, obtuvo reconocimiento a través de su papel en la serie de televisión Neighbours, antes de comenzar su carrera como cantante en 1987. Su primer sencillo, «The Loco-Motion», estuvo siete semanas en el número uno en la lista de sencillos australiana y se convirtió en el sencillo más vendido de la década. Esto logró que tuviera contactos con compositores y los productores Stock, Aitken & Waterman. Su primer álbum, Kylie (1988), y el sencillo «I Should Be So Lucky», cada uno alcanzando el número uno en Reino Unido, y en los próximos dos años, sus primeros trece sencillos alcanzaron la lista de los diez destacados en Gran Bretaña. Su primera película, The Delinquents (1989) fue un éxito de taquilla en Australia y Reino Unido y recibió reseñas generalmente positivas.

Inicialmente presentada como una “girl next door”, Minogue trató de transmitir un estilo más maduro en su música y su imagen pública. Sus singles fueron bien recibidos, pero después de cuatro álbumes sus récords de ventas fueron disminuyendo, y dejó a Stock, Aitken & Waterman en 1992 para establecerse como una intérprete más madura e independiente. Su siguiente sencillo, “Confide in Me”, alcanzó el número uno en Australia y fue un éxito en varios países europeos en el año 1994. Además hizo un dueto con Nick Cave, llamado “Where the Wild Roses Grow”, que logró que Minogue reuniera más credibilidad artística. Con la inspiración de una amplia gama de estilos musicales y artistas, Minogue tomó el control creativo sobre la composición de su siguiente álbum, Impossible Princess (1997), el cual no logró atraer buenas críticas y tuvo bajas ventas en el Reino Unido, pero fue un éxito en Australia.

Minogue volvió a la fama en 2000 con el sencillo “Spinning Around” y su álbum dance Light Years, y actuó durante la clausura de los Juegos Olímpicos de Sydney y y dos semanas después en la ceremonia de apertura de los Juegos Paralímpicos. En sus vídeos musicales Minogue mostró una personalidad más sexualmente provocativa y coqueta. Luego lanzó su sencillo “Can’t Get You Out Of My Head”, el cual alcanzó el número uno en más de 40 países, y su álbum Fever (2001) que fue un éxito en todo el mundo, incluso en Estados Unidos, un mercado en el que Minogue había recibido poco reconocimiento. Minogue se embarcó en una gira de conciertos, pero la canceló cuando fue diagnosticada de cáncer de mama en 2005. Después de la cirugía y el tratamiento de quimioterapia, reanudó su carrera en 2006 con Showgirl: Homecoming Tour. Su décimo álbum, X, fue lanzado en 2008 y fue seguido de la gira internacional KylieX2008. En 2009, se embarcó en For You, For Me Tour, su primera gira de conciertos en los EE. UU. y Canadá. En 2010 lanzó al mercado su undécimo álbum de estudio titulado Aphrodite, inspirado en la diosa griega “Afrodita”, del cual se desprendió en exitoso sencillo “All The Lovers”, con un vídeo musical muy polémico, el cual elevó las ventas del álbum.

A pesar de que fue desestimada por algunos críticos, especialmente durante los primeros años de su carrera, Minogue ha conseguido un récord de ventas en todo el mundo, convirtiéndose en una de las artistas más vendidas de todos los tiempos y en uno de los grandes iconos pop más influyentes de la historia. Ha recibido premios notables en la industria de la música, entre ellos múltiples ARIA, varios BRITs y un Premio Grammy, también numerosos premios internacionales como un Mo Award, nombrándola “Artista Australiana del Año”, por sus elevadas ventas de discos, en 2008, la reina Isabel II de Inglaterra le concedió un OBE por sus “servicios a la música”, además recibió un MIT (Music Industry Trust), siendo la primera y única mujer en recibirlo y una medalla de la Orden de las Artes y las Letras en el mismo año. Kylie Minogue es la única artista musical en alcanzar puestos #1 en los gráficos británicos, durante las décadas de los 80, los 90, los 2000 y los 2010. En 2011, «I Should Be So Lucky» fue añadido al National Film and Sound Archive del registro de Sounds of Australia. El 27 de noviembre de 2011, en el vigésimo quinto aniversario de los premios ARIA, Kylie Minogue fue honorificada por la Australian Recording Industry Association en el ARIA Hall of Fame. Minogue es la artista australiana más vendida de todos los tiempos.


Vida y carrera
1968 – 1986: Primeros años e inicio de su carrera

Kylie Minogue nació el 28 de mayo de 1968, en Melbourne, Australia. Es la hija mayor de Ronald Charles Minogue, contable de ascendencia irlandesa, y Carol Ann (Jones de soltera), una antigua bailarina de Maesteg, Gales. La hermana de Kylie, Dannii Minogue, es también cantante pop y anteriormente jurado de Australia’s Got Talent, mientras su hermano, Brendan, es camarógrafo en programas de noticias en Australia. Los hermanos Minogue se criaron en Surrey Hills, un barrio de las afueras de Victoria, donde Kylie asistió a la Escuela Preparatoria Camberwell de Melbourne, Australia.

Las hermanas Minogue empezaron su carrera como actrices de niñas en la televisión australiana. Desde los once años, Kylie apareció en pequeños papeles en telenovelas como The Sullivans y Skyways, y en 1985 fue elegida para uno de los papeles principales en The Henderson Kids. Interesada en hacer carrera en la música, hizo una demo para los productores del programa semanal Young Talent Times, donde Dannii era cantante fija. Kylie hizo su primera aparición pública en televisión en ese programa en 1985, pero no fue invitada a unirse al elenco. El éxito de Dannii eclipsó a Kylie como actriz,1​ hasta que participó en un casting para la telenovela Neighbours en 1986, haciendo el papel de Charlene Mitchell, una colegiala convertida en mecánica de garaje. Neighbours logró gran popularidad en el Reino Unido, y el guion incluía un romance entre su personaje y el interpretado por Jason Donovan que acababa en boda en 1987, obteniendo una audiencia de 20 millones de espectadores británicos.

Su popularidad en Australia se evidenció al conseguir ser la primera persona en ganar cuatro premios Logie en la misma convocatoria, y también la más joven en recibir el Gold Logie como «actriz de televisión más popular» del país, por votación pública.

 

1987 – 1992: Carrera musical en Stock, Aitken & Waterman

Durante un concierto de caridad del Fitzroy Football Club junto con otros miembros del elenco de Neighbours, Minogue interpretó «I Got You Babe» a dúo con el actor John Waters, y «The Loco-Motion» como bis. Esto trajo consigo que acabara firmando un contrato con Mushroom Records en 1987. Su primer sencillo, «The Loco-Motion», estuvo siete semanas en el número uno las listas en Australia. Vendió 200.000 copias, convirtiéndose así en el sencillo más vendido de los ochenta, y Minogue recibió por ello el premio ARIA. Este éxito hizo que Minogue viajara a Inglaterra junto al ejecutivo de Mushroom Records Gray Ashley para trabajar con Stock, Aitken & Waterman. La canción alcanzó el número uno en Reino Unido, Australia, Alemania, Finlandia, Suiza, Israel y Hong Kong. y Minogue ganó por segunda vez consecutiva el premio ARIA por vender el sencillo con más éxito, y también recibió el «Premio de Logro Especial». Su álbum de debut, Kylie, una colección de canciones dance-pop, estuvo más de un año en las listas de Gran Bretaña, incluso varias semanas como número uno. El álbum obtuvo un oro en Estados Unidos, y el sencillo, «The Loco-Motion», alcanzó el número tres en los Billboard Hot 100, y un número uno en las listas canadiense. «It’s No Secret», que fue lanzado sólo en Estado Unidos, alcanzó el número 37 a inicios de 1989, y «Turn It Into Love» se lanzó como sencillo en Japón y alcanzó allí el número uno.

En julio de 1988, «Got to Be Certain» se convirtió en el tercer sencillo número uno consecutivo en las listas de Australia y, después de aquel año, dejó Neighbours para dedicarse de lleno a su carrera musical. Jason Donovan comentó: «Cuando los espectadores la veían en la serie ya no veían a la mecánica Charlene, sino a una estrella del pop». Un dúo con Donovan, titulado «Especially for You», vendió casi un millón de copias en Reino Unido a inicios de 1989, pero el crítico Kevin Killian escribió que la canción era «majestuosamente espantosa… lo que hace que la canción “Endless Love” de Diana Ross y Lionel Richie suene como un Mahler». A menudo ha sido tildada de «la Cantante Periquita» por su detractores en los años siguientes; sin embargo, una crítica de Chris True sobre el álbum Kylie Allmusic sugería que el atractivo de Minogue trascendía los límites de la música, aunque también dijo que «su ternura hacía que los cortes fueran bastantes insulsas y difíciles de soportar».

Su siguiente álbum, Enjoy Yourself (1989) fue un éxito en Reino Unido, Europa, Nueva Zelanda, Asia y Australia, y consiguió el éxito de varios sencillos, por ejemplo la canción número uno en Gran Bretaña «Hand on Your Heart», pero “pinchó” en Norte América, y Minogue fue suprimida de la discográfica estadounidense Geffen Records. Hizo su primera gira, Enjoy Yourself Tour, por Reino Unido, Europa, Asia y Australia, donde el Herald Sun de Melbourne escribió que era ya «el momento de abandonar la presuntuosidad ― porque la niña era ya una estrella». En diciembre de 1989, Minogue fue una de las vocalista incluidas en el remake de «Do They Know It’s Christmas», y estrenó su primera película Los delincuentes en Londres. Fue recibida fríamente por los críticos, y el Daily Mirror analizó la interpretación de Minogue señalando que tenía demasiado carisma como para actuar “como harina de avena fría”, pero tuvo gran éxito de audiencia; en Reino Unido recaudó más de 200.000 libras, y en Australia fue la cuarta película con más recaudación de 1989 y también 1990.

Rhythm Of Love (1990) exhibía un estilo más adulto y sofisticado de música dance, y también los primeros esbozos de la rebelión de la Minogue contra su equipo de producción y la imagen de «girl next door». Decidida a conquistar una audiencia más madura, Minogue tomó el control de sus videos musicales, comenzando por «Better the Devil You Know», y se mostró a si misma como una mujer adulta y sexualmente consciente. Su relación con Michael Hutchence fue vista, en parte, como un alejamiento de su primera personalidad; Hutchence fue acusado de «corromper a Kylie», y de que la canción «Suicide Blonde» de INXS se había inspirado en ella. Los sencillos de Rhythm of Love se vendieron bien en Europa y Australia y fueron muy populares en los club nocturnos de Gran Bretaña. Peter Waterman señaló más tarde que «Better the Devil You Know» fue un hito en su carrera y que esto la convirtió en «el más caliente y conocido baile de la escena, y nadie la podía alcanzar, fue el mejor récord dance del momento». «Shocked» se convirtió en su treceavo sencillo destacado en la lista de los diez mejores canciones en Gran Bretaña.

En mayo de 1990, Minogue interpretó su arreglo para banda de «Help!» de The Beatles ante 25.000 personas en John Lennon: The Tribute Concert a las orillas del río Mersey en Liverpool. Yoko Ono y Sean Lennon agradecieron a Minogue su apoyo en la Fundación de John Lennon, mientras los medios de comunicación hablaron positivamente de su interpretación. The Sun escribió: «La estrella de telenovela sorprendió a los de Liverpool— Kylie Minogue merece sus aplausos». Originalmente, el contrato con Stock, Aitken & Waterman era sólo para tres álbumes, pero Minogue les convenció de lanzar un cuarto álbum, Let’s Get To It (1991), que alcanzó el número 15 en las listas británicas y el primero de sus álbumes en no entrar en el Top 10.35​ Su decimocuarto sencillo «Word Is Out» fue también el primero que no figuró en la lista Top 10 de sencillos, aunque los siguientes «If You Were with Me Now» y «Give Me Just a Little More Time» llegaron al cuatro y dos respectivamente.35​ Minogue consiguió los objetivos de su contrato y eligió no renovarlo. Opinaba que había estado presionada por Stock, Aitken and Waterman, y dijo: «Fui un títere al comienzo, manejada por mi discográfica, no era capaz de distinguir la derecha de la izquierda». Señaló en varias entrevistas que, desde su punto de vista, Stock, Aitken & Waterman la agobiaban demasiado, y comparó su trabajo con su época de Neighbours, subrayando que lo que sus productores querían era que se «aprendiera sus letras, que las cantara sin preguntas, y que además promocionara el producto». Entre sus fans aumentó la oposición contra la fórmula de los productores, y Minogue dejó a Stock, Aitken & Waterman en 1992, y tomó la decisión de separarse también del sello PWL.

Se lanzó un álbum de Greatest Hits en el 1992, alcanzando el número uno en el Reino Unido y el número tres en Australia, y los sencillos «What Kind of Fool (Heard All That Before)» y su cover de «Celebration» de Kool & The Gang ambos alcanzaron el Top 20 en Gran Bretaña.

 

1993 – 1998: Firma con Deconstruction Records, Kylie Minogue e Impossible Princess

El contrato de Minogue con Deconstruction Records fue ampliamente apoyado en la industria musical como el comienzo de una nueva fase en su carrera, pero su álbum epónimo Kylie Minogue (1994) recibió reseñas mixtas. Vendió bien en Europa y Australia, donde el sencillo «Confide in Me» estuvo por cuatro semanas en el número uno. Este álbum se vio como el primero cuyas canciones grabadas en las sesiones, que no aparecieron en el disco, se introdujeron en Internet. Sorprendió por su sonido tecnológico y su temática, que parecía aludir a los teléfonos eróticos; algunos quisieron detectar influencias de Erotica de Madonna. Apareció como una striptease en el video para su próximo sencillo, «Put Yourself in My Place», inspirado por Jane Fonda en la película Barbarella. Este sencillo y el próximo, «Where Is the Feeling», cada uno alcanzó los Top 20 en Gran Bretaña, y el álbum alcanzó el número cuatro, finalmente vendiendo 250,000 copias. Durante este período, ella hizo una aparición especial como ella misma, en un episodio de la comedia The Vicar of Dibley. El director Steven E. de Souza estuvo intrigado por la portada de Minogue en Who como uno de «The 30 Most Beautiful People in the World», y le ofreció su papel en la película Street Fighter junto a Jean-Claude Van Damme.55​ La película fue un moderado éxito, recaudando 70 millones de dólares en Estados Unidos, pero recibió pobres reseñas con Richard Harrington de The Washington Post llamándo a Minogue «la peor actriz en el mundo de habla inglesa». Ella actuó junto a Pauly Shore y Stephen Baldwin en Bio-Dome (1996), pero fue un fracaso, descartado por Movie Magazine International como el «más grande desperdicio de celuloide». Minogue retornó a Australia donde apareció en un cortometraje Hayride to Hell (1995), y más tarde hizo un cameo de ella misma en Diana & Me (1997).

El cantante australiano Nick Cave se mostró muy interesado por trabajar con Minogue desde el lanzamiento de “Better the Devil You Know”, diciendo que contiene «una de las letras más angustiantes y violentas en la música pop», y «cuando Kylie Minogue canta estas palabras, hay una inocencia a ella que hace que el horror de esta letra escalofriante sea aún más convincente». Ella colaboró en «Where the Wild Roses Grow» (1995), una tortuosa balada que sus letras narra el asesinato desde los puntos de vistas del asesino (Cave) y su víctima (Minogue). El video estuvo inspirado por la pintura Ofelia de John Everett Millais, y mostró a Minogue como la víctima asesinada, flotando en un estanque mientras una serpiente nada sobre su cuerpo. El sencillo recibió una extensa atención en Europa, donde alcanzó el top 10 en varios países, y aclamación en Australia donde alcanzó el número dos en los gráficos de sencillo, y ganó un premio ARIA por «canción del año» y «mejor lanzamiento pop». En las siguientes apariciones de concierto con Cave, Minogue recitó la letra de «I Should Be So Lucky» como una poesía en el «Poetry Jam» en el Royal Abert Hall, Londres por sugerencia de Cave, y más tarde lo describió como el «momento más catártico». Ella acreditó a Cave con darle la confianza para expresarse artísticamente, diciendo: «Él me enseñó a no desviarse demasiado de lo que soy, sino ir más allá, probar cosas diferentes, y nunca perder de vista a mí fuero interno, la parte más difícil fue desatar mi verdadero yo y ser totalmente sincera en mi música». Por 1997, Minogue estuvo en una relación con el fotógrafo Stéphane Sednaoui, quien la animo a desarrollar su creatividad. Inspirado por la cultura japonesa, ellos crearon una combinación visual de una «superheroína geisha y manga» para las fotografías del álbum Impossible Princess y el video para «German Bold Italic», la colaboración de Minogue con Towa Tei. Minogue dibujó su inspiración desde la música de artistas como Shirley Manson, Garbage, Björk, Tricky y U2, y músicos japoneses como Pizzicato Five y Towa Tei.

Imposible Princess incluye colaboraciones con músicos como James Dean Bradfield y Sean Moore de Maniac Street Preachers. Totalmente un álbum dance, su estilo no fue representado por su primer sencillo «Some Kind of Bliss», y Minogue encontró consejos que ella estuvo intentando convertirla en una artista indie. Ella habló con Music Week: «Tuve que mantener diciendo a la gente que esto no es un álbum de guitarra indie. No se trata de coger una guitarra y roquear». Reconociendo que ella había tratado de escapar de sus percepciones que se había desarrollado durante su carrera temprana, Minogue comentó que ella estaba dispuesta a «olvidar las críticas dolorosas» y «aceptar el pasado, abrazándolo, utilizándolo». Su video para «Did It Again» hizo un homenaje a sus primeras encarnaciones, como notó en su libro autobiográfico La la la: «Dance Kylie, Cute Kylie, Sex Kylie e Indie Kylie todo estuvieron luchando por la supremacía cuando ellas se enfrentaron violentamente uno con otra». Billboard describió al álbum como «asombroso» y concluyó que «es una oportunidad comercial dorada para una discográfica con la visión y la energía [para lanzarlo en Estados Unidos]. Un buen oído detectaría una relación entre Impossible Princess y el mayor éxito de Madonna, Ray of Light». En Reino Unido, Music Week entregó una evaluación negativa, comentando que «la voz de Kylie toma una limite temperamental… pero no lo suficiente fuerte para hacerlo demasiado». El mismo año, debido a la muerte de Diana de Gales, Minogue decidió retrasar el lanzamiento mundial del álbum, renombrando el álbum “Kylie Minogue ’98”. Se convirtió en el álbum menos vendido de su carrera. Al final del año, una campaña de Virgin Radio declaró: «Hicimos algo para mejorar el catálogo de Kylie: la censuramos». Una encuesta conducida por Smash Hits votó por ella como la «peor persona vestida, peor cantante, y la segunda cosa más horrible —después de las arañas».

En Australia, Imposible Princess estuvo 35 semanas en los gráficos de álbumes de estudio en el número cuatro, para convertirse en álbum más exitoso desde Kylie en 1988, y su gira Intimate and Live fue ampliado debido a la demanda. El Premier Victoriano, Jeff Kennettm, dio una cívica recepción para Minogue en Melbourne, y ella mantuvo un alto perfil en Australia con interpretaciones en vivo, incluyendo el festival LGBT Mardi Grass, la ceremonia de apertura en Crow Casino de Melbourne, y los estudios 20th Century Fox en Sídney en 1999, donde ella interpretó a «Diamonds Are a Girl’s Best Friend» de Marilyn Monroe, y un concierto navideño en Dili, en asociación con la Fuerzas de Paz de las Naciones Unidas. Durante este tiempo, ella filmó un pequeño papel para la película hecha en Australia Cut.

 

1999 – 2005: Trabajo en Parlophone, Light Years, Fever y Body Language

La firma Deconstruction Records fue comprada por el sello BMG en 1993 mientras Minogue negociaba renovar su contrato, y en 1998 cesó en su actividad, por lo que Minogue se vio obligada a firmar por otro sello.

En un hiato, ella interpreta un dueto con los Pet Shop Boys en su álbum Nightlife y pasa muchos meses en Barbados interpretando La tempestad de Shakespeare. Retornando a Australia, ella aparece en la película Sample People y graba una versión de «The Real Thing» de Russell Morris para la banda sonora.

En abril de 1999, firma con Parlophone. Según Miles Leonard, su nuevo A&R en Parlophone, fue la discográfica y no Minogue la responsable que su carrera tuviera un bajón, creyendo que su talento no había sido encubierto por Deconstruction. Más tarde, Leonard habló con HitQuarters: «Yo creía que ella era todavía muy fuerte vocalmente, y aun así definitivamente una estrella… y yo sabía que con un buen proyecto, los compositores adecuados, los productores adecuados, un buen equipo, todavía tendría una base de fans por ahí». Parlophone deseó restablecer a Minogue como una artista pop que ellos sentían como esencialmente era, pero que lo ha perdido. Leonard dijo: «Pero no quise hacer una lanzada pop; lo quería para tener un límite y algo de profundidad».

Su álbum Light Years (2000) fue una colección de canciones dance, influenciado por la música disco. Minogue dijo que su intención fue presentar música dance-pop en una «forma más exagerada» y hacerla «divertida». Generó fuertes reseñas y fue un éxito por toda Asia, Australia, Nueva Zelanda y Europa, vendiendo más de un millón de copias en Reino Unido. El sencillo «Spinning Around» se volvió el primer número uno en Gran Bretaña en diez años, y su video incluyó en reveladores pantaloncillos dorados, que se convirtieron como una «marca». En un artículo 2009 de The Times, El sencillo fue descrito como un gran estandarte para la nueva era en el synthpop que estuvo continuando. Su segundo sencillo, «On a Night Like This» alcanzó el número uno en Australia, y el número dos en Reino Unido. «Kids», un dueto con Robbie Williams, estuvo también incluido en el álbum Sing When You’re Winning de Williams, y alcanzó el número dos en Reino Unido.

Minogue se presentó a la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Sydney 2000, donde realizó una presentación musical cantando su éxito “On a Night Like This” y una versión de la canción de ABBA, “Dancing Queen”, en un evento visto por aproximadamente 2.100 millones de personas en 220 países. A finales del 2000, Minogue lanza su compilación Hits+, incluyendo lo mejor de sus álbumes con Deconstruction Records y nueve canciones previamente sin lanzar. Luego se embarcó en el On A Night Like This Tour, el tour por Australia y Reino Unido donde vendió más de 200.000 entradas, imponiendo el récord de una artista mujer. Minogue estuvo inspirada por la gira mundial 1993 The Girlie Show de Madonna que incorpora arte burlesque y teatro. William Baker también citó el estilo de los espectáculos de Broadway como La calle 42, películas como Levando anclas, Pácifico sur, los musicales de los treinta de Fred Astaire y Ginger Rogers y las interpretaciones en vivo de Bette Midler.84​ Minogue fue aclamada por su nuevo material y sus reinterpretaciones de algunos de sus grandes éxitos, convirtiendo «I Should Be So Lucky» en una canción romántica, y «Better the Devil You Know» en un número Big Band de los cuarenta. Ella ganó un premio Mo para entretenimiento en vivo australiano como «Intérprete del año». Después de la gira se le preguntó por un periodista de Seattle Post-Intelligencer de lo que ella pensaba era su mayor fortaleza, y respondió: «Soy un todo terreno. Si tuviera que elegir un solo elemento de lo que hago, no sé si lo haría sobresalir en cualquiera de ellos. Pero lo pongo todos juntos, y sé lo que estoy haciendo».

Ella apareció como «The Green Fairy» en Moulin Rouge!, poco antes del lanzamiento de Fever, un álbum que contiene elementos disco combinado con electropop ochentero y synthpop., Fever alcanzó el número uno en Australia, el Reino Unido, y a través de Europa, finalmente logrando vendas mundiales de más de ocho millones. El primer sencillo del álbum, “Can’t Get You Out of My Head”, se convierte en nº 1 en las listas de más de 20 países, y su disco sencillo vendió 5.000.000 de copias estimadas. En 2002, al calor de su repunte comercial, firma para Estados Unidos con el sello Capitol Records, y se embarca en la gira KylieFeverTour 2002. Esta gira tenía que traer a la estrella el 20 de junio de 2002 al Palau Olímpic de Badalona (Barcelona) en el que sería su primer concierto en España, pero la actuación se suspendió en el último momento por coincidir la fecha con una huelga general.

Kylie Minogue hace la presentación en vivo de “Can’t Get Blue Monday Out of My Head” en los Brit Awards de ese año, y gana 2 premios, por Álbum Internacional, como Fever, y Artista Internacional. En el año 2003, Minogue gana un Premios Grammy por Mejor Grabación de Dance con el tema “Come Into My World”, después lanza “Love at First Sight” y en noviembre, la revista Music Week publicó: «Kylie se prepara para lanzar el álbum que muchas de las divas del pop quisieran haber hecho».

El estilista y el director creativo de Minogue, William Baker explico que los videos musicales para Fever estuvieron inspirados por películas de ciencia ficción ―especialmente aquellas de Stanley Kubrick― y resaltó los elementos electropop de la música usando bailarines en el estilo de Kraftwerk. Alan MacDonald, el diseñador de la gira 2002 KylieFever, llevó esos elementos al escenario encarnando las antiguas personificaciones de Minogue. El show abrió con Minogue como una seductora mujer espacial, que ella misma lo describió como «la Reina de Metrópolis con sus zumbidos», a través de escenas inspirada por La naranja mecánica de Kubrick, seguido por varias personificaciones de la carrera de Minogue. Minogue dijo que finalmente fue capaz de expresarse de la manera que quería, y que siempre ha sido una «showgirl en el corazón». Durante el 2002, trabajó en la película animada The Magic Roundabout, estrenada en Europa en 2005, y en 2006 en los Estados Unidos; dio la voz a una de los protagonistas, Florence.

Minogue empezó una relación con el actor francés, Olivier Martínez, después de conocerlo en la ceremonia 2002 de los premios Grammy. Su próximo álbum, Body Language (2003), fue lanzado junto a un concierto de sólo invitación, titulado Money Can’t Buy, en el Hammersmith Apollo en Londres. El evento marcó la presentación de un nuevo estilo visual, diseñado por Minogue y Baker, inspirado en parte por Brigitte Bardot, que Minogue comentó: «Tendí a pensar en BB [Bardot] como, bueno, ella es una sexpot, ¿no? Ella es una de los grandes pin-ups. Pero ella era bastante radical en su manera en ese momento. Y hemos elegido para hacer referencia a la época, que era… una mezcla perfecta de coqueta y rock and roll». El álbum quitó la importancia del estilo del disco y Minogue dijo que estuvo inspirada por artistas de 1980 como Scritti Politti, The Human League, Adam and the Ants y Prince, combinando sus estilos con elementos de hip hop. Recibió críticas positivas con Billboard escribiendo que Minogue tiene la «habilidad de escoger grandes canciones y productores». Allmusic lo describió como «un casi álbum pop perfecto… Body Language is lo que pasa cuando una diva dance-pop toma el control y enfoca en lo que es importante en lugar de tratar de sorprenderse a sí misma en relevancia continua». Las ventas de Body Language fueron muy bajas que lo anticipado luego del éxito de Fever,88​100​ aunque su primer sencillo, «Slow» fue una número uno en Reino Unido y Australia. Después de alcanzar uno en los gráficos club de Estados Unidos, «Slow» recibió una nominación para los Grammy en la categoría de mejor álbum dance.

Body Language logró su primer semana de ventas de 43.000 copias en los Estados Unidos, y declinó significantemente en la segunda semana. The Wall Street Journal describió a Minogue como «una superestrella internacional que parece incapaz de conquistar el mercado estadounidense». Minogue comentó que habló con su discográfica estadounidense que no estaba dispuesta a invertir el tiempo necesario para establecerse en los Estados Unidos y que prefiere mejorar el éxito que había logrado ya en otras partes del mundo, un actitud endosada por el analista Geoff Mayfield de Billboard como una «decisión de negocio… Si fuera su contador, no podía echarle la culpa por hacer esa llamada». Minogue más tarde comentó que no estaba preocupada de su suceso limitado en los Estados Unidos, y estuvo más frustrada por las suposiciones que consideró a su carrera incompleto sin esto.

Minogue jugó un papel de invitada especial en la temporada final de la serie cómica Kath & Kim, en donde referencia su primer rol como Charlene en Neighbours, durante una secuencia de boda. El episodio logró la audiencia más alta del año de la Australian Broadcasting Corporation.

Para celebrar sus 17 años de carrera musical, lanzó su segundo álbum de grandes éxitos en noviembre de 2004, titulado Ultimate Kylie, añadido con sus videos musicales en un compilatorio de DVD del mismo. El álbum sobrepasó la cantidad de los compilados de Greatest Hits y Hits+, coleccionando canciones de su carrera de dos décadas. Ultimate Kylie introdujo sus sencillos «I Believe in You», co-escrita con Jake Shears y Babydaddy de los Scissor Sisters, y «Giving You Up». «I Believe in You» alcanzó el top trece del gráfico Dance/Club Play Songs, y Minogue fue nominada para los premios Grammy por cuarto año consecutivo cuando la canción fue nominada en la categoría de «mejor grabación dance».

A inicios de 2005, Kylie: The Exhibition abrió en Melbourne. La exposición gratuita incluyó vestuario y fotografías de la carrera de Minogue, y fue en gira a capitales australianos recibiendo más de 300.000 visitantes. Fue exhibido en el Museo de Victoria y Alberto en Londres en febrero de 2007. Minogue comenzó su gira Showgirl: The Greatest Hits, interpretando en Europa, y luego viajó a Melbourne, donde fue diagnosticada con cáncer de mama.

 

2006 – 2009: Regreso, Showgirl: The Homecoming Tour, X y dos grandes giras

En noviembre de 2006, Minogue resumió su gira Showgirl: The Homecoming con una interpretación en Sídney. Ella habló con los periodistas antes del concierto que iba a ser muy emotivo, y ella lloró antes dedicar la canción «Especially for You» a su padre, un superviviente de cáncer de próstata. Sus rutinas de baile fueron retrabajadas para acomodarse a su condición médica, y cambios más lentos de vestuarios y largos descansos fueron introducidos entre las secciones del espectáculo para conservar su fuerza. Los medios de comunicación reportó que Minogue interpretó enérgicamente, con Sydney Morning Herald describiendo el show como una «extravagancia» y «nada menos que un triunfo». La siguiente noche, Minogue se unió con Bono, quién estuvo en Australia como parte de su gira Vertigo de U2 para hacer un dueto de «Kids», pero Minogue fue forzada a cancelar sus próximas apariciones planeadas en el espectáculo de U2 debido al agotamiento. Los shows de Minogue por toda Australia continuaron recibiendo reseñas positivas, y después de pasar una navidad con su familia, ella resumió la manga europea de su gira con seis show con entradas completamente agotadas en Wembley Arena, antes de llevar su gira a Manchester por seis shows adicionales.

En febrero de 2007, Minogue y Olivier Martínez anunciaron que pusieron fin a su relación, pero se mantuvo en términos amistosos. Minogue fue reportada por haber sido «defraudada por falsas acusaciones [mediáticas] de la deslealtad de Martinez». Ella defendió a Martínez, y reconoció su apoyo entregado durante su tratamiento de cáncer de mama, comentando: «Él siempre estuvo ahí, ayudando con cosas prácticas y siendo protector. Fue increíble. No dudó en cancelar el trabajo y poniendo en práctica proyectos en espera para poder estar conmigo. Él es el hombre más honorable que he conocido».

En noviembre de 2007, Minogue lanza X, su décimo álbum y, por muy discutido, como su regreso. El álbum de estilo electro incluye contribuciones de Guy Chambers, Cathy Dennis, Bloodshy & Avant y Calvin Harris. Para el estilo visual completo de X, incluyendo el vídeo musical para su primer sencillo «2 Hearts», Minogue y William Baker desarrollaron una combinación del estilo del teatro Kabuki y las estéticas originado de los club de bailes de Londres incluyendo Boombox. El álbum recibió algunas críticas por la trivialidad de su experiencias leves de Minogue con el cáncer de mama; ella respondió explicando la naturaleza personal de algunas canciones del álbum y dijo: «Mi conclusión es que si hice un álbum de canciones personales que sería visto como Impossible Princess 2 y ser objeto de crítica por igual». El crítico de Rolling Stone describió a Minogue como «la accionista más importante de la fiesta de una diva pop»., y dijo que su cáncer de mama, «afortunadamente, la experiencia no hizo de su música perceptiblemente profunda». Más tarde, Minogue dijo: «En retrospectiva, sin duda podría haber mejorado [el álbum], diría sin añadir otra cosa. Teniendo en cuenta el tiempo que tuvimos, es lo que es. Yo tenía un montón de cosas divertidas en marcha».

X y «2 Hearts» entraron en el álbum en los gráficos de álbumes y sencillos de Australia respectivamente. En Reino Unido, X inicialmente atrajo ventas favorables, aunque su rendimiento comercial finalmente mejoró, y Minogue ganó un premio Brit en la categoría «solista femenina internacional». X fue lanzado en los Estados Unidos en abril de 2008, y debutó fuera del top 100 en los gráficos de álbumes a pesar de alguna promoción. Minogue llamó el mercado de Estados Unidos «notoriamente dificultoso… Tiene muchas denominaciones en la radio. Para saber dónde encajo yo en ese mercado es a veces difícil». X fue nominada para los premios Grammy 2009 para mejor álbum de electrónica/dance, su quinta nominación en los premios Grammy.

En diciembre de 2007, Minogue partició en el concierto del Premio Nobel de la Paz en Oslo, Noruega, y más tarde interpretó en la final del programa de talento con el ganador eventual, Leon Jackson, quien su mentor fue Dannii Minogue. Desde mayo de 2008, Minogue promocionó X con una gira europea, KylieX2008, siendo su gira más cara hasta la fecha con una producción de 10 millones de libras esterlinas. A pesar que ella describió los ensayos como «lugúbre» y su repertorio yendo por varias revisiones, la gira fue generalmente aclamada y vendió bien.

Minogue estuvo incluida en White Diamond, un documental filmado durante 2006 y 2007 cuando resumía su gira Showgirl: The Homecoming. Apareció en The Kylie Show, que contenía interpretaciones de canciones con piezas de escenas muy estilizadas, así como, sketches cómicos con Mathew Horne, Dannii Minogue, Jason Donovan y Simon Cowell. Ella coprotagonizó el episodio especial de Doctor Who, «El viaje de los condenados», como Astrid Peth, una camarera en una nave espacial Titanic. El episodio se transmitió el 25 de diciembre de 2007 con 13,31 millones de espectadores, la audiencia más alta de la serie desde 1979 y la más alta de la serie moderna.

A finales de diciembre de 2007, Minogue fue nombrada para un OBE en la lista de Nuevo Honores del Año de la reina Isabel II, por su servicio a la música. Minogue comentó: «Estoy casi sorprendido como estoy honorificada. Me siento profundamente conmovida por ser reconocida por Reino Unido, mi segunda casa, de esta manera». Ella recibió el OBE oficialmente del Príncipe de Gales en julio de 2008. En mayo de 2008, fue premiada con premiada a la Orden Francesa de Artes y Letras, el honor cultural más alto en Francia. La Ministra de Cultura Christine Albanel describió a Minogue como una «Midas de la escena musical internacional que todo lo que toca se transforma en oro», y saludó a discutir públicamente su cáncer de mama. En julio, Minogue fue nombrada «Celebridad más amada» en Reino unido por un tabloide, quien comentó que ella «se ganó el corazón de la nación como ella valientemente luchó contra el cáncer de mama», y ganó el premio de «mejor solista femenina internacional» en los premios BRIT 2008.

En septiembre de 2008, Minogue hizo su aparición debut como acto principal en la apertura de Atlantis, un hotel exclusivo en Dubái. Desde noviembre, ella continuó su giral KylieX2008 llevándolo por toda América del Sur, Asia y Australia. La gira visitó 21 países y fue considerada un éxito, con ventas de entradas que estiman 70,000,000 de dólares. El 18 de febrero de 2009, Ella presentó los premios BRIT 2009 con James Corden y Mathew Horne.

En septiembre y octubre de 2009, Minogue se embarcó en gira For You, for Me, su primera gira de conciertos en América del Norte, que incluía espectáculos en Estados Unidos y Canadá. También participó en una película bollywoodense, Blue, interpretando una canción de A.R. Rahman, y ha confirmado estar trabajando en su undécimo álbum, comentando que podría ser un álbum pop y dance. El 13 de septiembre de 2009, Minogue cantó «Super Trouper» y «When All Is Said and Done» con Benny Andersson en un concierto tributo a ABBA “Thank You for the Music… a Celebration of the Music of ABBA”, Hyde Park de Londres, su única interpretación en vivo en Reino Unido en 2009. El 14 de diciembre de 2009, Minogue lanzó un álbum digital titulada Kylie Live in New York. El álbum fue grabado en el Hammerstein Ballroom de Nueva York y contiene 25 canciones en vivo.

 

2010 – 2012: Aphrodite, Aniversario K25 y The Abbey Road Sessions

El undécimo álbum de estudio de Minogue, Aphrodite, fue lanzado en Japón el 30 de junio de 2010, y en el mundo en julio de 2010. El álbum combina, tal como lo anunció, el pop y dance. Los productores y compositores que trabajaron junto a ella son Biffco, Nerina Pallot y Andy Chatterley, Xenomania, Calvin Harris, Jake Shears y Babydaddy de Scissor Sisters, Joe Echo, Greg Kurstin, RedOne, Stuart Price, Deadmau5, Evan Bogart, Diane Warren, Taio Cruz y Fernando Garibay. La única canción oída hasta ahora es Better Than Today, escrito por Nerina Pallot y Andy Chatterley, que Minogue interpretó en la gira For You, For Me Tour 2009. Minogue la referencia como “una canción que se incluirá en mi próximo álbum”. Desde agosto de 2009, existe una afirmación no muy concreta de que el grupo hip hop N-Dubz está trabajando con Minogue, debido a que quedó soprendida con su álbum de estudio Uncle B.

El 24 de febrero de 2010 reveló que está trabajando con Cutfather, Lucas Secon, Damon Sharpe, Starsmith y la banda electrónica Nervo. Stuart Price se encargó principalmente de la producción ejecutiva del álbum. El título Aphrodite es el nombre oficial del álbum, anunciado el 20 de abril de 2010 por la misma Kylie Minogue. Junto a éste, se menciona su lanzamiento oficial el 5 de julio de 2010 y del sencillo, en 28 de junio de 2010. La carátula también fue mostrada en el anuncio.

El primer sencillo «All the Lovers» se estrenó en las principales radios en mayo de 2010 y fue puesto en venta en junio de 2010. Durante, el estreno del primer sencillo, se inició una gran cantidad de promociones de Aphrodite. El video musical de «All the Lovers» se estrenó el 1 de junio de 2010, mostrando a Minogue como una Afrodita moderna. Aprhodite fue lanzada a nivel mundial en Japón el 30 de junio, prosiguiendo con un conjunto de presentaciones todo el mes de julio, incluyendo la del Orgullo Gay en Madrid el 3 de julio de 2010 ante casi 2 millones de personas.

Kylie anunció el viernes 13 de agosto, a través de su página oficial, que el nombre del segundo sencillo a desprenderse de Aphrodite se titula «Get Outta My Way». En el mes de agosto, Kylie anuncio que su álbum de estudio Aphrodite, debutó en el número 19 del Billboard 200, su mejor entrada a los charts desde Fever¨. El 3 de septiembre, develó el video de su segundo sencillo de Aphrodite, “Get Outta My Way”, un video que incorpora un juego de sillas y luces que magnifican su estilizada figura. El sencillo, posteriormente, se lanzó el 27 de septiembre en sus formatos correspondientes.

El 6 de septiembre de 2010, Minogue colaboró con su voz para la canción “Devotion” del dúo inglés de música synthpop Hurts para su primer álbum de estudio Happiness. Ese mismo día, la página web de la cantante anunció la fecha oficiales de las presentaciones para su siguiente gira mundial Aphrodite World Tour de Kylie Minogue, en apoyo de su undécimo álbum Aphrodite. El 5 de diciembre de 2010 se estrena su tercer sencillo Better Than Today, que en EE.UU es elogiado por el sonido Country y su vídeo. Posteriormente el 31 de mayo de 2011 larga su cuarto y último sencillo de Aphrodite Put Your Hands Up (If You Feel Love) pero no tuvo vídeo musical.

Minogue está actualemente trabajando en su nuevo álbum compilatorio re-trabajando versiones de sus éxitos que celebraría su vigésimo quinto aniversario del lanzamiento de su sencillo debut «Locomotion».

Para celebrar sus 25 años en la industria musical, Minogue empezó una celebración de un año en 2012. Conocido como K25, la cantante planea lanzar un colección de grandes éxitos, incluidas como versiones acústicas y orquestales de ellos. En su canal de YouTube, Minogue lanzó un de sus grabaciones en enero y febrero en los históricos Estudios Abbey Road. Además, la cantante interpretó en varios festivales incluyendo el Mardi Grass de Sídney. El 5 de marzo de 2012, Minogue anunció las primeras fechas de su The K25 Anti Tour. El show íntimo incluirá lados B, demos y rarezas de su catálogo musical. El 20 de abril de 2012, la película Jack and Diane de Minogue se estrenó en el Festival de cine de Tribeca 2012. En mayo de 2012, Minogue estrenará en otra película, Holy Motors, en el Festival de Cannes 2012.

El 4 de mayo de 2012, Billboard anunció que Minogue lanzará un nuevo álbum de grandes éxitos titulado The Best of Kylie Minogue. 20 días después del anuncio, Kylie lanzó el vídeo clip de Timebomb el sencillo logró posicionarse en la máxima posición de la billboard club music, hot dance, club songs, logrando con eso romper su propio récord de más sencillos seguidos en número uno en esa lista. Además lograría suprimer número en las listas radiales mexicanas en muchos años, con el número uno en los 40 Principales.

The Abbey Road Sessions es un álbum recopilatorio orquestal que Kylie lanzará por la celebración de sus 25 años en la industria musical. Será lanzado en Japón el 24 de octubre de 2012 y en Reino Unido el 29 de octubre de 2012 por Parlophone Records. El álbum contiene dieciséis temas, todos “radicalmente retrabajados”, según se reveló, que abarcan 25 años de Kylie en la industria de la música, así como una nueva canción titulada “Flower (canción de Kylie Minogue)”, que fue lanzada como single para promocionar el álbum. El álbum fue grabado en los Abbey Road Studios de Londres con la banda de Kylie y una orquesta completa a lo largo de noviembre de 2011. Como parte de la promoción para el álbum, Minogue encabezó BBC Proms in the Park en septiembre de 2012.

 

2013 – 2017: contrato con Roc Nation, The Voice y Kiss Me Once

A principios de 2013, se divulgaron noticias acerca del posible retiro temporal de Kylie Minogue de la música para centrarse en su carrera como actriz, sin embargo, esto fue luego desmentido por la misma Kylie Minogue quien desde su cuenta de Twitter envió que no solo no dejaba la música, sino también obtenía un nuevo sello discográfico junto a Roc Nation, la discografía del rapero Jay-Z en la cual están unidas otras celebridades como Rihanna, Shakira y Rita Ora. En el transcurso del año, Kylie Minogue ha subido a su cuenta de Instagram, fotos donde se le ve en el estudio de grabación y con Fernando Garibay, afirmando así, las posibles noticias de un nuevo material discográfico, que según ella ha dicho será “más personal”. Se desconoce todavía el lanzamiento y nombre de éste.

Kylie Minogue pretende cambiar su estilo para su duodécimo álbum de estudio. “Siento una nueva y enorme energía trabajando con el sello Roc Nation. Es excitante, y me aporta cosas diferentes, lo que es genial para mí. Necesito saber lo que supone hacer cosas distintas, con otros estilos, ritmos y temas”, explicó la artista a la revista Rolling Stone. “Mantendré la esencia de las canciones de Kylie, porque esa es mi identidad. Pero me gustaría experimentar con otro tipo de sonidos. No puedo explicar exactamente de qué se trata, y tampoco podría describirlo bien aún. Pero te puedo decir que me estoy divirtiendo muchísimo en el proceso”, añadió Minogue.165​ Para este duodécimo álbum, Kylie está trabajando con productpres como Fernando Garibay, Pharrell Williams, Darkchild, Sia, Nervo y Jay-Z.

Con motivo del cumpleaños número 45 de la cantante, el DJ y productor Chris Lake, mediante su cuenta de Twitter dio a conocer una versión alterna de un nuevo posible tema del recorte final. La canción se llama «Skirt» y en cuestión de horas alcanzó las 100.000 reproducciones en SoundCloud. El primer sencillo del álbum está programado para ser lanzado en agosto de 2013 con una colaboración de la rapera Brooke Candy.

El 10 de septiembre de 2013, se publicó el primer sencillo del nuevo álbum recopilatorio de Laura Pausini, 20 – The Greatest Hits, titulado «Limpido/Limpio», junto a Kylie Minogue, A tan solo unas horas del lanzamiento de «Limpido» en forma digital, en los sitios digitales, iTunes y Amazon lograron rápidamente llegar a la posición n°1 en Italia. La versión en solitario de Pausini también fue publicada y alcanzó la posición n°3 en el portal de iTunes, la versión publicada en el portal de Amazon se posicionó en la posición n°2. En cuanto en España, se posicionó en el número uno entre las canciones más vendidas en dicho país, en los sitos de ventas digitales tales como, Amazon e iTunes.​ El sencillo debutó n°1 en la lista de los sencillos más vendidos en Italia, en la lista oficial semanal de la Federación de la Industria Musical Italiana. Posteriormente «Limpido», logra ser disco de oro en Italia, por más de 15.000 copias vendidas.

«Limpido» actualmente está “pre-nominado” a los World Music Awards en la categoría World’s best song (mejor canción del mundo). A finales de diciembre de 2013, anuncio el nombre de su nuevo sencillo, el cual es Into the Blue.

Durante todo el mes de agosto, y principio de septiembre, surgieron fuertes rumores donde aseguraban que Kylie Minogue participaría en el famoso reality show «The Voice» de Inglaterra. No fue sino hasta que la BBC News publicó el 11 de septiembre de 2013 un artículo, en donde se confirmó su participación en el preograma, remplazando a la cantante australiana Delta Goodrem. “Estoy muy emocionada.”, dijo la cantante australiana. “Amo el concepto del show, y he sido una espectadora ávida de ambas series ¿Seré competitiva? Probablemente más de lo que nunca he imaginado.” El programa le pagará a la cantante la cantidad de 1 millón de libras por ser coach del programa.

 

Cincuenta años (2018)

Tras las bajas ventas de Kiss me once, Minogue termina el contrato con su sello discográfico Parlophone y se asocia con BMG. El año 2018 lanza su disco Golden, cuyo simple de difusión Dancing marca su giro hacia el country pop.

 

Estilo y voz
Rango vocal

Su voz se caracteriza por tener agilidad, dulzura y un timbre muy agudo, debido a esto, en la mayoría de sus canciones resalta un ánimo sensual, fino y lleno de susurros. Minogue comienza en sus primeros álbumes de estudio con un rango vocal más grave que el actual. El primer rango vocal registrado fue en “I Should Be So Lucky”, donde llega a abarcar desde D4 a C5 y el último rango vocal registrado en “Wow” y “The One” llega a abarcar desde F#3 a E5 El rango vocal de Minogue varió entre Impossible Princess y Light Years. En Fever, la voz de Minogue se volvió muy aguda, debido a que en la mayoría de las canciones del álbum había un tono sensual, suave y susurrante.

 

Desarrollo musical

Los dos primeros álbumes, Kylie (1988) y Enjoy Yourself (1989), fueron totalmente influenciados por el estilo del grupo británico Stock, Aitken & Waterman. En sus dos siguientes, Rhythm of Love (1990) y Let’s Get To It (1991), trata de aportar en las composiciones, como sucede en “Count the Days” de Rhythm of Love, que compuso junto a Stephen Bray. Estos álbumes se caracterizan por su estilo pop, freestyle y new jack swing. Lentamente, su estilo varia y se convierte en melodías pop cargados de sinfonías, donde se nota en las canciones “Dangerous Game”, “Surrender” y “Confide in Me” de su quinto álbum de estudio Kylie Minogue (1994), trabajo realizado cuando se cambia a la discográfica Desconstruction Records. Cuando se publica su sexto Impossible Princess (1997), el estilo de Minogue cambia a sonidos enteramente sinfónicos e instrumentales, e integrándose a nuevos géneros musicales: el indie y el trip hop.

En 1999, Minogue firma para Parlophone. Su álbum Light Years (2000) es publicado con un género musical muy dance, marcando su regreso a sus raíces en la músicas de las pistas de baile. El álbum está muy influenciado por la músicas de los años 70, manteniendo un ritmo sinfónico vívido, estribillos pegadizos y más bailables, como ocurre en “Spinning Around”, “On a Night Like This”, “Under the Influence of Love92​”. Junto a estos, son acompañados por canciones dance y electrónicos (“Butterfly”, “Disco Down” y “Light Years”). En este álbum, Minogue canta con Robbie Williams en “Kids”, una canción pop sensual. Con su octavo álbum Fever (2001), su estilo musical se convirtió en canciones electropop, synthpop, house y disco (“More More More”, “Love at First Sight”, “Can’t Get You Out of My Head”). El álbum está influenciado por la música de los años 80. Body Language (2003) refleja un estilo más R&B, con un carácter más sensual, manteniendo el electropop y el synthpop (“Slow”, “Still Standing”, “Sweet Music”, “Obsession”).

X (2007), más bien, usa un carácter más heterogéneo, influenciada por la música retro y con un ritmo enteramente electropop y synthpop (“Speakerphone”, “Like A Drug”, “In My Arms”), y con un canción urban pop (“All I See”). La canción “Like A Drug” usa el sample de “Fade to Grey” de Visage, mientras que “Sensitized” es una adaptación de “Bonnie and Clyde” de Serge Gainsbourg.

 

Presentación visual

Además de su rendimiento musical, Minogue es notable por su llamativo y matizado despliegue visual y sus presentaciones en vivo. Cerca al inicio de su carrera, sus interpretaciones en vivos fueron referidos por la crítica como «la segunda versión de Madonna», estableciéndose más tarde en Intimate and Live (1998) como la artista del concierto, finalmente con éxito. Minogue regresó con sus giras y esta fueron más complejas y extravagantes, iniciando con KylieFever2002. Entre los diseñadores de su vestuario para las giras se encuentran Dolce & Gabbana, Karl Lagerfeld, John Galliano y Jean-Paul Gaultier.

 

Marca comercial
Moda y diseño

Además de numerosas actuaciones de promoción en la moda internacional, tales como etiquetas de H & M o Agent Provocateur, Kylie Minogue desde su infancia estuvo inmersa en la moda y el diseño, desde 2001 con varias líneas de productos en el mercado. Inicialmente, se trata de la marca Love Kylie, desde el 2001 con su venta de lencería. La gama incluye ropa de cama, mantas, cortinas, cojines, de organza, tafetán o seda, y fueron elaborados estéticamente, pertenecido a Kylie At Home, sin embargo, sólo está disponible en los grandes almacenes británicos.

 

Perfumería

En el campo de la perfumería, Kylie Minogue, como hicieron las cantantes Jennifer López o Céline Dion, tiene una gama de perfume exitosos. Con la colaboración del fabricante australiano de cosméticos Coty, desde el 2006 se pusieron en el mercado una línea de perfumes:

  • 2006 Darling
  • 2007 Sweet Darling
  • 2008 Showtime
  • 2008 Sexy Darling
  • 2009 Couture
  • 2009 Inverse
  • 2010 Pink Sparkle
  • 2011 Dizzy Darling
  • 2012 Music Box

Desde 2008 sale en los anuncios de Tous, una empresa española de joyería que está vigente desde 1920, con tiendas a nivel mundial, entre ellas en Argentina, Chile, Colombia, Costa Rica, Ecuador, Guatemala, México, Panamá, Perú, República Dominicana y Venezuela.

 

Imagen y celebridad

El esfuerzo de Minogue para iniciar en su carrera de cantante fueron, inicialmente, obstaculizado con la percepción de que “no había pagado su deuda” y que sólo era una estrella del pop que había nacido a partir de su permanencia en Neighbours. Minogue admitió este punto de vista, diciendo: “Si usted es parte de una compañía de discos, creo que hasta cierto punto, es justo decir, que usted es un producto manufacturado. Eres un producto, que a su vez, vendes un producto. Pero eso no significa que no eres talentoso y que no se toma decisiones creativas en lo que una empresa debe hacer, no hacer o a dónde ir”. En 1993, Baz Luhrmann presentó a Minogue al fotógrafo Bert Stern, reconocido por su trabajo con Marilyn Monroe. Stern la fotografió en Los Ángeles y, comparándola con Monroe, comentó que Minogue tenía una mezcla similar de vulnerabilidad y erotismo. Durante su carrera, Minogue ha optado por fotógrafos que intentan crear un nuevo “look” para ella, y las fotografías resultantes han aparecido en una variedad de revistas, desde la portada de The Face hasta la más tradicional sofisticada Vogue y Vanity Fair, haciendo que el rostro y nombre de Minogue sea reconocido por un amplio grupo de personas. El estilista William Baker sugirió que esto es parte de la razón por la que ha entrado en la cultura pop de Europa con más éxito que muchos otros cantantes pop que se concentran exclusivamente en la venta de discos.

En 2000, cuando Minogue volvió a la prominencia, se consideró que había alcanzado un grado de credibilidad musical por haber mantenido su carrera más larga que sus críticos habían previsto. Ese mismo año, el diario Birmingham Post señaló que “existió una época, mucho antes de que nadie había oído hablar de Christina Aguilera, Nelly Furtado o Britney Spears la cantante australiana Kylie Minogue gobernó los gráficos como la princesa del pop. En 1988, su primer sencillo, I Should Be So Lucky, pasó cinco semanas en el número uno, convirtiéndola en la artista femenina con más éxito en los charts británicos con 13 entradas sucesivas en el Top 10”. El vídeo musical de Spinning Around fue opinado por algunos medios de comunicación refiriéndose a ella como SexKylie, donde la sensualidad se convirtió en un elemento más fuerte en sus videos posteriores. William Baker describió su estado como un símbolo sexual, como un “cuchillo de doble filo”, observando que “siempre hemos intentado utilizar su sex appeal como una mejora de su música y para vender un disco. Pero ahora se ha convertido un peligro eclipsar lo que realmente es: una cantante de pop”. Después de 20 años como artista, Minogue fue descrito como una moda “creadora de tendencias” y un “icono de estilo que constantemente se reinventa a sí misma”.196​ Ella ha sido reconocida por exitosas giras de montaje, y por ventas de discos en todo el mundo de más de 100 millones de dólares.

Minogue es considerada como un icono gay, que ella anima con comentarios como: “Yo no soy un icono gay tradicional. No ha habido una tragedia en mi vida, sólo trajes trágicos…” y “Mi público gay ha estado conmigo desde el principio… de diferentes maneras”. Minogue ha explicado que tuvo conocimiento sobre su público gay en 1988, cuando unos drag queens hacían una interpretación de su música en un pub de Sydney y que más tarde vio un espectáculo similar en Melbourne. Ella dijo que se sentía “muy emocionada” en tener un “público muy agradecido”, y esto la había animado a tocar en locales gais de todo el mundo, así como encabezar la marcha del orgullo LGBT de Sídney en 1994.

Minogue ha sido inspirada por y en comparación con Madonna en toda su carrera, sus videos y presentaciones en vivo a las obras que Madonna ha producido antes de ella. Su ex productor, Pete Waterman recordó que Minogue durante los primeros años de su éxito, con una observación: “Ella se estaba poniendo la mira en convertirse en el nuevo Prince o Madonna. Lo que me sorprendió fue que estaba superando a Madonna cuatro a uno, pero aún quería ser ella”. Minogue recibió comentarios negativos sobre su Rhythm of Love tour en 1991 comparándola visualmente al Blond Ambition Tour de Madonna, del año previo, donde los críticos la etiquetaron una aspirante a Madonna. Kathy McCabe, para las notas de The Telegraph, refirió que Minogue y Madonna siguían estilos similares en música y moda, y concluye: “En caso de que verdaderamente sus estilos sean divergentes en el valor de impacto visual, los videos de Minogue dibujan gritos de asombros en algunos, pero Madonna enciende el debate religioso y político a diferencia de cualquier otro artista en el planeta. Simplemente, Madonna es la fuerza de la oscuridad, mientras que Kylie es la fuerza de la luz”. Los comentarios de Rolling Stone, con la excepción de los EE. UU., Minogue se considera en todo el mundo como “un icono para rivalizar con Madonna”, y dice, “como Madonna, Minogue no es un cantante virtuoso, pero es una gran fuente visual de tendencia”. Minogue ha dicho de Madonna: “Su gran influencia en el mundo, en el pop y la moda, significaba que yo no era inmune a las tendencias que ella creó. Admiro a Madonna, mucho, pero al principio se hizo difícil para los artistas como yo, pero intentando logré avanzar…” y Kylie también ha indicado que en muchas ocasiones “Madonna es La Reina del Pop, yo soy La Princesa. Estoy bastante contenta con eso”.

En enero de 2007, Marie Tussaud’s en Londres reveló el cuarto trabajo de cera de Minogue; sólo la Reina Isabel II ha tenido más modelos creados. Durante la misma semana, un molde de bronce fue colocada en sus manos en la Plaza de la Fama de Wembley Arena. El 23 de noviembre de 2007, una estatua de bronce de Minogue fue presentado en Melbourne Docklands para su exposición permanente.

Durante el apogeo musical de “Can’t Get You Out Of My Head”, Minogue obtuvo muchísimo más reconocimiento de lo que ella se pudo imaginar, durante 2 años el mundo estuvo centrado absolutamente en Kylie Minogue. Las giras musicales de Minogue son un verdadero espectáculo, y han recorrido lugares como Norteamérica, Europa, Asia, África, Sudamérica y Oceanía.

En marzo de 2010, Minogue fue declarada por los investigadores como la «celebridad más poderosa en Gran Bretaña». El estudio examinó como los publicistas identifican celebridades y patrocinadores de marca, Mark Husak, jefe de prácticas de los medios de comunicación de Reino Unido, dijo: «Kylie es ampliamente aceptada como una británica adoptada. La gente la conoce, le gusta y ella está rodeada por una energía positiva». Ella fue nombrada como una de las «cien mujeres más atractivas de todos los tiempos» por Men’s Health.

 

Filmografía

En 1989, Minogue protagonizó en The Delinquents, la historia de una joven creciendo en la Australia de finales de los años 50. El estreno coincidió con su popularidad en Neighbours y, a pesar de comentarios burlones sobre la película y la actuación de Minogue por parte de la crítica, fue un éxito de taquilla. Apareció como Cammy en la película de acción Street Fighter: Ultimate Battle186​ (1994) basada en la serie de videojuegos de lucha del mismo nombre (de hecho, el personaje de Cammy está basado en ella) y donde se le ligó sentimentalmente al actor belga Jean Claude Van Damme, cosa que ella negó. El filme no ayudó a su carrera y su actuación recibió duras críticas. Siguientes películas como Bio-Dome (1996), Sample People y Cut (ambas de 2000) no lograron atraer a la audiencia.

El director australiano Baz Luhrmann, impresionado por su gira Intimate and Live, escogió a Kylie para la película Moulin Rouge (2001) donde interpretó a Absinthe, el Hada Verde, cantando una línea de The Sound of Music.

 

Vida personal

Minogue siempre ha mantenido su vida personal lejos de la prensa, quienes la describen como una artista cándida y sin problemas.

En 2009, Minogue admitió que utilizó inyecciones de botox, en un esfuerzo para retrasar el proceso de envejecimiento. Comentó que hay menos estigma asociado con los procedimientos cosméticos que en el pasado, y que las mujeres podían elegir entre “tomar ventaja de ella”.

En 2010, Minogue, a través de su cuenta Twitter, desaprobó la entrevista que apareció en la revista mexicana Max, diciendo que nunca se realizó. En la supuesta entrevista, ella contaba que le gustan las mujeres y era exhibicionista. Debido que la noticia era controvertida, muchos medios lo transmitieron.

 

Cáncer de mama

El 17 de mayo de 2005, Minogue anunció que padecía cáncer de mama en fase temprana, lo que la obligó a suspender su gira mundial mientras recibía un tratamiento médico en Melbourne, Australia. Aun así, llegó al récord de 27 noches de lleno total sólo en el Reino Unido y la mujer con más noches totalmente vendidas en las arenas Earls Court de Londres y N.E.C.C. de Birmingham.

Minogue entró en el quirófano el 21 de mayo en el Hospital Católico Cabrini en Malvern, Victoria. El Primer Ministro de Australia, John Howard, entregó un informe de su estado de salud. Varios fans de la cantante se amontonaron en los alrededores de la residencia de los Minogue, y el Premier de Victoria, Steve Bracks, señalo que cualquier violación de los derechos de privacidad de la cantante y su familia no serían tolerados, además de criticar duramente a los paparazzi. Varios amigos de la cantante, entre ellos, Olivia Newton-John (que en particular también tuvo su propia batalla contra el cáncer de mama), hicieron un llamado a la comunidad para respetar la privacidad de Minogue.

Tras la operación, Minogue agradeció a sus fans su preocupación, e hizo su primera aparición pública tras la cirugía el 8 de junio, en el Hospital Infantil Real de Melbourne, visitando a niños con cáncer. Hasta entonces, Minogue comenzó una quimioterapia y viajó a Francia, donde se alojó en el Instituto Gustave Roussy, en Villejuif, donde completó su tratamiento. En diciembre, Minogue lanzó su sencillo “Over The Rainbow”, un lanzamiento digital, de su gira.

El 7 abril del año 2008, Minogue fue invitada a The Ellen DeGeneres Show donde declaró que dos semanas antes de reconocer su cáncer de mama hacia el año 2005, ella fue mal diagnosticada. Esto es, se realizó una mamografía en la que los médicos no encontraron nada malo y le dijeron que ella estaba sana. Pero dos semanas después, se encontró un bulto en un pecho mientras se bañaba, por lo que buscó una segunda opinión en la cual le confirmaron que efectivamente se trataba de un tumor cancerígeno.

 

Relaciones

En 1986, a los 18 años, Minogue habría iniciado una relación con el cantante Jason Donovan, luego que hicieran su casting para la serie Neighbours para intrepetar a Charlene Mitchell-Robinson y Scott Robinson. Sin embargo, la relación había sido interpretado como una «inocente amistad». A lo largo de su carrera, Minogue habría estado con Rupert Penry-Jones, Mark Gerber, Zane O’Donnell, Stéphane Sednaoui, Lenny Kravitz, Michael Hutchence, James Gooding y Olivier Martínez.

Según Minogue, el vocalista de INXS, Michael Hutchence y el fotógrafo Stephane Sednaoui fueron las relaciones más significativas. En 1989, su peculiar relación con Hutchence fue descrita como la más sorprendente y tumultuosa, debido que el vocalista era temperamental y estaba relacionado con el consumo de alcohol y drogas. En 1996, Sednaoui había colaborado con Minogue en el diseño de la portada tridimensional de Impossible Princess, luego que habían iniciado una larga relación de dos años. El actor francés Olivier Martínez estuvo con Minogue cuando ella fue diagnosticada con cáncer de mamá, y a causa de su larga relación de cuatros años, estaban proponiendo casarse.

En agosto de 2012, la estrella del cine de acción de Hollywood Jean-Claude Van Damme admitió haber tenido un breve romance con Kylie en Tailandia en 1994 durante la filmación de la cinta Street Fighter: La última batalla.

Desde otoño de 2008, Minogue inició una relación con el modelo español Andrés Velencoso Segura, quienes se conocieron cuando el mencionado modelo estuvo filmando el anuncio publicitario de su perfume para hombres Inverse. Poco tiempo después fueron públicamente vistos por primera vez en la fiesta de cumpleaños de Dita Von Teese, en París.

Kylie Minogue

ÁLBUMES
1988 Kylie
1989 Enjoy Yourself
1990 Rhythm Of Love
1991 Let’s Get To It
1994 Kylie Minogue
1997 Impossible Princess
2000 Light Years
2001 Fever
2003 Body Language
2007 X
2010 Aphrodite
2014 Kiss Me Once
2015 Kylie Christmas
2018 Golden

 

Créditos

El MiniPodcast

con Alex Cardona

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Sun Energy Lights, SEL-Colombia.com, ¡La Energía Que Se Renueva!
LaBuonaPiada.com, ¡La Tradizione Che Si Evolve!
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Kylie Ann Minogue es una cantante australiana de música pop, compositora y actriz, conocida notablemente por su álbum Fever y su exitoso sencillo «Can't Get You Out Of My Head», el cual le valió dos distinciones de los premios Brit en 2002. La....... Escuchar el MiniPodcast


Kylie Minogue







FICHA GENERAL







Origen


1968
Melbourne, VictoriaAustralia







Géneros


Pop
Dance
Nu-Disco
Synth Pop
Euro Dance
Electro Pop







Período de actividad


1979 – Presente







Sellos discográficos


Mushroom Records
PWL Records
Deconstruction Records
Parlaphone Records
Geffen Records
Capitol Records
EMI Group
Roc Nation Records
Warner Bros. Records







Sitio web


Kylie.com







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Kylie Ann Minogue (/ˈkaɪliː mɨˈnoʊɡ/; Melbourne, 28 de mayo de 1968) es una cantante australiana de música pop, compositora y actriz, conocida notablemente por su álbum Fever (2001) y su exitoso sencillo «Can’t Get You Out Of My Head», el cual le valió dos distinciones de los premios Brit en 2002. La cantante ha vendido un total de 80 millones de producciones musicales en el mundo.


Después de empezar su carrera como una actriz infantil en la televisión australiana, obtuvo reconocimiento a través de su papel en la serie de televisión Neighbours, antes de comenzar su carrera como cantante en 1987. Su primer sencillo, «The Loco-Motion», estuvo siete semanas en el número uno en la lista de sencillos australiana y se convirtió en el sencillo más vendido de la década. Esto logró que tuviera contactos con compositores y los productores Stock, Aitken & Waterman. Su primer álbum, Kylie (1988), y el sencillo «I Should Be So Lucky», cada uno alcanzando el número uno en Reino Unido, y en los próximos dos años, sus primeros trece sencillos alcanzaron la lista de los diez destacados en Gran Bretaña. Su primera película, The Delinquents (1989) fue un éxito de taquilla en Australia y Reino Unido y recibió reseñas generalmente positivas.


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Alexander Cardona Nieto clean 25:24
0023 - George Michael https://www.lamaquinadelamusica.com/0023-minipodcast-con-alex-cardona-la-maquina-de-la-musica/ Sat, 23 Jun 2018 12:13:38 +0000 https://www.lamaquinadelamusica.com/?p=1276 Georgios Kyriacos Panayiotou, conocido artísticamente como George Michael, fue un cantante, compositor y productor inglés de música pop. Michael ganó numerosos premios musicales a lo largo de su carrera, incluyendo tres Premios Brit, cuatro MTV...... Escuchar el MiniPodcast

George Michael

George Michael

FICHA GENERAL
Origen 1963
East Finchley, Londres, Inglaterra | Reino Unido
Géneros Pop
Dance Pop
New Wave
Blue-Eyed Soul
Chillout
Período de actividad 1981 – 2016
Sellos discográficos Epic Records
Sony Music Records
Virgin Records
DreamWorks Records
Columbia Records
Polydor Records
Virgin Group
Sitio web GeorgeMichael.com
Artistas relacionados Wham!
Band Aid
Mutya Buena
Robbie Williams
Elton John

Georgios Kyriacos Panayiotou (en griego, Γεώργιος Κυριάκος Παναγιώτου; East Finchley, Londres, Reino Unido, 25 de junio de 1963-Goring-on-Thames, Oxfordshire, Reino Unido, 25 de diciembre de 2016), conocido artísticamente como George Michael, fue un cantante, compositor y productor inglés de música pop. Michael ganó numerosos premios musicales a lo largo de su carrera, incluyendo tres Premios Brit, cuatro MTV Video Music Awards, cuatro premios Ivor Novello, tres American Music Awards, y dos veces el Premio Grammy.

Era conocido además por su polémica imagen pública: sex symbol rodeado de escándalos relacionados con sexo y drogas, quien saltó a la fama en la década de 1980, cuando formó el dúo pop Wham! junto con su amigo de la escuela Andrew Ridgeley. Su primer sencillo en solitario, “Careless Whisper” fue lanzado cuando aún estaba en el dúo y vendió cerca de seis millones de copias en todo el mundo.

Como solista, vendió más de 80 millones de discos en todo el mundo, abarcando 7 sencillos nº1 y 7 álbumes nº1 en Reino Unido, 10 sencillos nº1 y un álbum nº1 en los Estados Unidos. Su álbum debut como solista de 1987, Faith ha vendido más de 20 millones de copias en todo el mundo y realizó varias grabaciones y alcanzó distintos logros en los Estados Unidos. En el 2004, Radio Academy nombró a Michael como el artista más emitido en la radio británica entre el periodo 1984-2004.

El documental A Different Story (2005) cubrió su vida personal y carrera profesional. En el 2006, George Michael anunció su primera gira en 15 años. La gira 25 Live fue una enorme empresa mundial por parte de Michael que se extendió por tres giras individuales a lo largo de tres años (2006, 2007 y 2008).


Primeros años

Su verdadero nombre era Georgios Kyriacos Panayiotou. Su padre era Kyriacos Panayiotou, un grecochipriota que se mudó a Inglaterra en la década de 1950, cambió su nombre a Jack Panos y se convirtió en propietario de un restaurante. La madre de Michael, Lesley Angold Harrison, era una bailarina inglesa que murió de cáncer en 1997. Michael pasó la mayor parte de su infancia en el norte de Londres, un lugar típico para los grecochipriotas hasta la década de 1980, viviendo en la casa que sus padres compraron poco después de su nacimiento. Durante su adolescencia, la familia se trasladó a Radlett y Michael asistió a la Bushey Meads School, donde conoció a Andrew Ridgeley. Ambos tenían la misma ambición de ser músicos.

Comenzó su participación en el negocio de la música tocando en los clubes de jóvenes como DJ y las escuelas locales de todo Bushey, Stanmore y Watford, lo que fue seguido por la formación de una banda de ska de corta vida llamada The Executive – una banda que pasó desapercibida – con Ridgeley, el hermano de Ridgeley, Paul, Andrew Leaver, y David Mortimer (alias David Austin).

 

Carrera artística
Wham!

El primer éxito de George Michael llegó después de formar el dúo Wham! con Andrew Ridgeley en 1981. El primer álbum de la banda, Fantastic, apareció en 1983 en el Reino Unido y fue un éxito a los pocos días de su lanzamiento, alcanzando el puesto nº1 y produjo una serie de sencillos en el top 10, incluyendo el primer corte del disco, “Wham Rap! (Enjoy What You Do)” y “Club Tropicana”. El segundo fue “Young Guns (Go For It!)”; también estaba en ese disco un tema de igual éxito como “Bad Boys”.

Su segundo álbum, Make It Big fue el avance que hizo del dúo superestrellas internacionales, llegando al número 1 en las listas de éxitos en los Estados Unidos. En los últimos meses de 1984, empezó a sonar en las radios de Inglaterra, la canción “Wake Me Up Before You Go Go”, el primer corte de este álbum, al igual que “Freedom”, “Everything She Wants” y “Careless Whisper”, el último de los cuales también se convirtió en el primer trabajo como solista de Michael.

Michael se volcó a la participación del proyecto de Bob Geldof, Band Aid, poniendo la voz para la canción “Do They Know It’s Christmas?” en 1984, algo así como la versión europea de “We Are the World” en 1985, y donó las ganancias de “Last Christmas/Everything She Wants” a la caridad. Además, contribuyeron con los coros a David Cassidy en el éxito de 1985, “The Last Kiss”, así como los éxitos de 1985 de Elton John, “Nikita” and “Wrap Her Up”. En una incursión en exclusiva al periodismo popular, en 1985, Michael también entrevistó a David Cassidy para el legendario Ritz Newspaper de David Litchfield.

Un año más tarde, en 1985, se estrenaba en Estados Unidos el single “Careless Whisper”. Fue número uno del ranking de la revista Billboard, sacando de ese lugar al megahit de la agrupación Foreigner, “I Want to Know What Love Is”. A raíz del éxito, comenzaron su primera gira mundial que los llevaría a lugares como China.

La gira de Wham! por China en abril de 1985, la primera visita al país de una actuación de música popular occidental, generó una enorme cobertura de los medios de comunicación en todo el mundo, muchos de ellos centrados en Michael. El viaje fue documentado por el célebre director de cine Lindsay Anderson y el productor Martin Lewis en su película Foreign Skies: Wham! In China y contribuyó a la fama cada vez mayor de Michael.

Quedaba claro que como compositor y cantante principal, George Michael era el alma y el cerebro, mientras Ridgeley estaba simplemente para acompañar en las fotos, lo que dio pie a insistentes rumores de una cercana separación. La que no tardó en confirmarse, ya que a finales de ese año Wham! presentaba lo que sería su álbum de despedida: Music from the Edge of Heaven, del cual se escuchó “I’m Your Man” que fue directo al Nº 1 del Billboard. Este álbum contenía una nueva versión de “Last Christmas”, canción que George Michael produjo en 1984 justo para esas festividades navideñas. La ruptura era tan inminente, que hasta la misma portada del álbum para Hispanoamérica presentaba a George Michael dando casi la espalda a Ridgeley y “visiblemente” serio. Eso no interrumpió el desfile de las canciones “The Edge of Heaven”, “A Different Corner” y “Where Did Your Heart Go?” durante 1986, si bien ninguna lograría llegar al primer puesto estadounidense.

Con el éxito de sencillos en solitario de Michael, “Careless Whisper” (1984) y “A Different Corner” (1986), los rumores de un inminente cese de Wham! continuaban. El público ya no tuvo más noticias del dúo, con lo que se intensificaron los rumores de una separación, hasta que en el verano de 1986 ésta finalmente se produjo oficialmente, después de lanzar un single de despedida, “The Edge of Heaven” y una compilación de sencillos, The Final, además de un concierto de lleno total en el estadio de Wembley que incluyó el estreno mundial de la película en China. El dúo que hace con Elton John en la canción “Don’t Let the Sun Go Down on Me” en un concierto en vivo se incluye en el disco Ladies and Gentlemen… The Best of George Michael y en el álbum recopilatorio Love Songs de Elton John.

Wham! terminó oficialmente con el éxito comercial del sencillo “Where Did Your Heart Go?”, que alcanzó el puesto nº1 en las listas del Reino Unido en noviembre de 1986.

 

Carrera como solista

George Michael deseaba crear música para un público más sofisticado que el grupo de fans adolescentes seguidoras principales del dúo. El comienzo de su carrera en solitario, a principios de 1987, fue un dueto con la icono de la música soul Aretha Franklin. “I Knew You Were Waiting (For Me)” fue un proyecto extraordinario que ayudó a lograr la ambición de Michael de cantar con uno de sus artistas favoritos, y obtuvo el número uno tanto en la lista UK Singles Chart como en el Billboard Hot 100 en su lanzamiento.

Para Michael, se convirtió en su tercer año consecutivo de números uno en solitario en el Reino Unido a partir de tres lanzamientos, “Careless Whisper” (aunque el sencillo era en realidad del álbum de Wham!, Make It Big) después de 1984 y “A Different Corner” de 1986. El sencillo fue también el primero que Michael había grabado como solista y que no había escrito él mismo. El co-autor, Simon Climie, era desconocido en aquel momento, aunque tuviera éxito como intérprete con la banda Climie Fisher en 1988. Con esta canción, Michael ganó un premio Grammy en 1988 a la Mejor Interpretación R&B – Dúo o Grupo con Vocal.

 

Faith (1987 – 1990)

Durante el otoño de 1987 Michael publicó su primer álbum en solitario, Faith. Además de tocar un gran número de instrumentos en el álbum, él escribió y produjo todas las canciones en la grabación, a excepción de una, que él coescribió. Se convirtió en un éxito de ventas en ambos lados del Atlántico norte, tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos. Parte del éxito se debió a un hábil cambio de imagen: George optó por un look más agresivo, con barba de varios días, pendientes, gafas de sol y pantalones prietos.

El primer sencillo del álbum fue “I Want Your Sex”, durante el verano de 1987. A pesar de la censura y los problemas para tocarse en la radio, llegó al nº2 a la lista de sencillos del Billboard Hot 100, en la semana del 8 de agosto de 1987, acompañado de un polémico video musical en el que proponía «explorar la monogamia». Este vídeo fue prohibido por varias cadenas de televisión, en la radio fue prohibida su difusión en Estados Unidos y Reino Unido debido a su letra sexualmente sugestiva; MTV transmitió el vídeo, con la celebridad Kathy Jeung en body y liguero, solo en horario nocturno, aunque esto no impidió que llegue hasta lo más alto de los charts. Michael sostuvo que el acto era hermoso si el sexo era monógamo. Michael llegó a grabar un breve prólogo para el vídeo en el que dijo: “Esta canción no trata de sexo casual”. Una de las escenas más subida de tono en la que participa Michael es la de escribir las palabras “explora la monogamia” en la espalda de su compañera con un lápiz labial. Algunas emisoras de radio interpretaron una versión moderada de la canción, “I Want Your Love”, que consistió principalmente en cambiar la palabra “sexo” por “amor”. Cuando la melodía llegó a las listas de Estados Unidos, American Top 40 con Casey Kasem se negó a decir la canción del título, refiriéndose a este como “el nuevo sencillo de George Michael”. En los EE. UU., la canción fue también a veces mencionada como “I Want Your Sex (from Beverly Hills Cop II)”, ya que la canción fue incluida en la banda sonora de la película.

Por otra parte, el sencillo se mantuvo en el Top 10 durante seis semanas, y el Top 40 por un total de catorce semanas. La canción llegó al nº3 en Gran Bretaña. En 2002, muchos años después de la gran controversia sobre el lanzamiento de la canción, el vídeo musical llegó al nº 3 en la cuenta regresiva de MTV de los vídeos más polémicos en la historia del canal.

El segundo single fue “Faith”, lanzado en octubre de 1987, tan sólo unas semanas antes del lanzamiento del álbum. “Faith” pasaría a convertirse en una de sus canciones más populares, un tema con ligeros toques de Rockabilly que alcanzó el nº1 en el Billboard Hot 100 en Estados Unidos, y nº2 en el UK Singles Chart en febrero de 1988. El famoso video proporciona algunas imágenes definitivas de la industria de la música de los 80: Michael en matices, chaqueta de cuero, botas de vaquero y jeans de Levi’s, tocando una guitarra cerca de una clásica rockola. “Faith” llegó al nº1 el 12 de diciembre, y manteniéndose cuatro semanas consecutivas.

El álbum alcanzó el nº1 en el Reino Unido y en varios mercados de todo el mundo. En los Estados Unidos, el álbum contaba con 51 semanas no consecutivas del Billboard 200 Top 10, incluyendo 12 semanas en el nº1. Faith tuvo muchos éxitos, cuatro de los cuales (“Faith”, “Father Figure”, “One More Try”, y “Monkey”) alcanzaron el nº1.

Con el tiempo, “Faith” obtuvo la certificación diamante por la RIAA por ventas de 10 millones de copias en los Estados Unidos. Hasta la fecha, las ventas globales de Faith son de más de 20 millones de unidades.

Luego George Michael se embarcó en una gira mundial masiva en 1988. En la lista de conjunto del espectáculo había un par de canciones de la época de Wham! (“Everything She Wants” y “I’m Your Man”) y algunas canciones tradicionales como “Lady Marmalade” o “Play That Funky Music”. En Los Ángeles, George se unió al escenario de Aretha Franklin para cantar el dueto de “I Knew You Were Waiting (For Me)”.

Ese mismo año, cantó los coros con su gran amigo y bajista de Wham!, Deon Estus, el tema “Heaven Help Me”. La canción, escrita por ambos artistas, solo perdió puntuación en el top 40 británico, pero obtuvo el nº5 en los Estados Unidos.

De acuerdo con Michael en su documental, A Different Story, el éxito no le hizo feliz, y empezó a pensar que había algo malo en ser un ídolo para millones de niñas adolescentes. Todo el proceso de Faith (promoción, videos, tour, premios) lo dejó agotado, solitario y frustrado, y lejos de sus amigos y familiares. Durante 1990, le dijo a su compañía discográfica, Sony, que no quería hacer más ese tipo de promociones.

 

Listen without prejudice y proyectos benéficos (1990 – 1995)

A pesar de los éxitos, George no estaba cómodo con la maquinaria comercial que le rodeaba y que condicionaba su creatividad. Listen Without Prejudice Vol. 1 se publicó en septiembre de 1990. Un producto mucho menos comercial que a diferencia de Faith, no fue muy apoyado en términos de publicidad. Algunas voces culparon de la falta de promoción a las negativas del cantante, mientras otros opinan que la compañía discográfica, disconforme con el disco, prefirió no gastar muchos recursos en apoyarlo. Michael se negó a hacer ningún tipo de promoción para este álbum, incluyendo la falta de videos musicales de los sencillos. Esto produjo que sus ventas no fuesen tan buenas como las del disco anterior y la suspensión del lanzamiento del Vol. 2 que George tenía pensado. Debido a esta medida se produjo la conocida disputa con Sony, la cual dio como resultado que George no pudiese editar un álbum en los siguientes cinco años. Para este álbum, Michael trató de crear una nueva reputación para sí mismo como un artista serio -el título es un indicio de su deseo de ser tomado más en serio como compositor-. El primer sencillo, “Praying for Time”, fue lanzado en agosto de 1990. Se refería a los males sociales y la injusticia, la canción fue aclamada por la crítica, y alcanzó el nº6 en el Reino Unido y al nº1 en los US Billboard Hot 100 a pesar de la ausencia de un vídeo. Un vídeo se lanzó poco después, consistía en la letra de la canción sobre un fondo oscuro. Michael no apareció en este vídeo ni en los vídeos posteriores para el álbum.

El segundo sencillo “Waiting For That Day” fue un sencillo acústico, lanzado como un seguimiento inmediato a “Praying for Time”. Alcanzó el puesto nº 27 en los Estados Unidos y 23 en el Reino Unido en octubre de 1990. Para el resto de 1990, el álbum permaneció en el Top 10, y permaneció un total de 42 semanas en la lista completa.

El álbum alcanzó el puesto nº2 en la lista Billboard 200, lo que le impidió llegar al primer puesto fue que éste lo ocupaba el álbum de MC Hammer, Please Hammer Don’t Hurt ‘Em. En el Reino Unido, el álbum alcanzó el puesto nº 1 durante una semana. Se llevó un total de 88 semanas en las listas de álbumes del Reino Unido, y fue certificado 4 veces platino por la BPI. El álbum produjo 5 sencillos en el Reino Unido, que fueron lanzados rápidamente, dentro de un período de ocho meses: “Praying For Time”, “Waiting For That Day”, “Freedom! ’90”, “Heal the Pain”, y “Cowboys and Angels” (siendo este último el único sencillo que no estuvo en las listas del UK top 40).

“Freedom ’90” fue el único sencillo con el apoyo de un video musical. La canción también hace alusión a las luchas de ser un hombre homosexual en el armario, y actuó como un catalizador para su intento de poner fin a su contrato editorial con Sony Music. Como para demostrar el sentimiento de la canción, Michael se negó a aparecer en el video, dirigido por David Fincher, y en su lugar se contrataron a los supermodelos Naomi Campbell, Linda Evangelista, Christy Turlington, Tatjana Patitz y Cindy Crawford para sincronización de labios. También se recoge la reducción de su imagen de símbolo sexual. La canción tiene una duración de seis minutos y medio. La adición del año para el título fue para distinguirla del tema “Freedom”, un éxito nº1 de Wham! en 1984. Tuvo una fortuna diferente a cada lado del Atlántico – un éxito nº8 en el Billboard Hot 100 en los Estados Unidos (impulsado por la gran rotación del video en MTV), pero sólo el nº28 en la lista UK Singles Chart.

“Mother’s Pride” ganó importancia en la radio de los Estados Unidos durante la primera Guerra del Golfo Pérsico en 1991, pues muchas de las emisoras de radio mezclaron los tributos de los comunicantes a los soldados con esta canción. Alcanzó el puesto nº 46 en Billboard Hot 100 solamente por radiodifusión.

En 1991 George Michael se embarcó en la gira Cover to Cover Tour en Japón, Inglaterra, Estados Unidos, y Brasil, donde tocó en los eventos de Rock in Río. En la presentación en Río, vio y posteriormente se reunió con Anselmo Feleppa, el hombre que se convertiría en su pareja.

La gira no fue una promoción propia para Listen Without Prejudice Vol. 1. Más bien, era sobre Michael cantando versiones de sus canciones favoritas. Entre sus favoritas fueron, “Don’t Let the Sun Go Down on Me”, una canción de 1974 de Elton John; Michael y John tocaron la canción juntos en el concierto Live Aid en 1985, y de nuevo en el concierto de Michael en el Wembley Arena de Londres el 25 de marzo de 1991, donde el dúo fue grabado. El sencillo fue lanzado a finales de 1991 y se convirtió en un éxito en ambos lados del Atlántico.

Tan exitoso como la grabación hecha en 1974, fue como un dúo que “Don’t Let The Sun Go Down On Me” tuvo su mayor éxito y alcanzó el número 1 en el UK singles chart y en el Billboard Hot 100. La canción fue el único número 1 como sencillo de la era moderna en ser grabado en un lugar al aire libre. Las ganancias del sencillo se repartieron entre 10 organizaciones benéficas diferentes para los niños, el SIDA y la educación.

Mientras tanto, el esperado siguiente álbum, Listen Without Prejudice Vol. 2, fue desechado por razones desconocidas, aunque posiblemente debido a la frustración de Michael con Sony. Entre las quejas de Michael fue que Sony no había apoyado por completo el lanzamiento de su álbum anterior, dando lugar a su bajo rendimiento en los Estados Unidos en comparación con Faith. Sony respondió que la negativa de Michael a aparecer en los vídeos promocionales había causado la mala respuesta.

Michael puso fin a la idea de Listen Without Prejudice Vol. 2 y donó tres canciones para el proyecto solidario Red Hot + Dance, que ganó dinero para la sensibilización sobre el SIDA, mientras que una cuarta pista, “Crazyman Dance”, fue el lado B del sencillo de 1992 “Too Funky”. Michael donó las regalías de “Too Funky” a la misma causa.

En 1992, George participó en el concierto Tributo a Freddie Mercury eL 20 de abril de 1992 en el Estadio Wembley de Londres. El concierto fue un tributo a la vida del fallecido cantante de Queen, Freddie Mercury, con todas las ganancias destinadas a la investigación del SIDA. Michael cantó “Somebody to Love”, ya que él mismo confesó en una entrevista posterior que fue el momento más increíble de su carrera musical, ya que cumplió uno de los sueños de su vida. Junto con celebridades como Elton John y David Bowie, entre otros. De este concierto salió el Five Live EP.

Five Live, lanzado en 1993 por Parlophone en el Reino Unido y Hollywood Records en los Estados Unidos, cuenta con cinco – y en algunos países, seis – canciones interpretadas por George Michael, Queen, y Lisa Stansfield.

“These Are The Days Of Our Lives”, “’39” y “Somebody To Love” fueron grabadas en el concierto Tributo a Freddie Mercury. “Killer”, “Papa Was a Rollin ‘Stone”, y “Calling You” fueron todas las actuaciones en vivo grabadas durante su “Cover to Cover Tour” de 1991.

Todas las ganancias de la venta del EP fueron a beneficio del Mercury Phoenix Trust. Las ventas del EP eran muy fuertes a través de Europa, donde debutó en el número 1 en el Reino Unido y varios países europeos.

En las listas de éxito en los Estados Unidos fue menos espectacular, donde llegó al número 40 en el Billboard 200 (“Somebody to Love” alcanzó el puesto nº30 en el US Billboard Hot 100).

 

Older y Songs from the century (1996 – 2001)

Durante noviembre de 1994, en la primera edición de los MTV Europe Music Awards, George Michael apareció después de una larga reclusión, dando una emotiva actuación de una canción completamente nueva, “Jesus To A Child”. La canción fue un homenaje melancólico a su novio Anselmo Feleppa, quien murió en marzo de 1993.

La canción fue el primer éxito de Michael auto-escrito en su país por casi cuatro años y entró en el UK Singles Chart directamente en el nº 1 y nº 7 en The Billboard en el mismo mes del lanzamiento. Se convirtió en su primer single en solitario en entrar en las listas británicas a lo más alto, y el nº 7 en el Billboard Hot 100 en los Estados Unidos. Fue también el sencillo de larga duración de Michael en el UK Top 40, de casi siete minutos de duración. La identidad exacta del objeto de la canción – y la naturaleza de la relación de Michael con Feleppa – fue envuelto en insinuaciones en ese momento, ya que Michael no había confirmado que él era homosexual, y no lo hizo hasta 1998. El video de “Jesus To A Child” fue un hermoso cuadro de imágenes que recuerdan la pérdida, el dolor y el sufrimiento. Desde entonces, Michael constantemente dedicaba la canción a Feleppa antes de tocarla en directo.

El segundo sencillo, lanzado en abril de 1996, fue Fastlove, una canción comercial con una melodía enérgica sobre el deseo de gratificación y satisfacción sin compromiso. La canción fue un tanto inusual ya que no tenía definido un coro y las únicas versiones eran sobre los cinco minutos de duración. Fastlove fue apoyado por un vídeo futurista sobre la realidad virtual. Fastlove obtuvo el nº 1 en la lista UK Singles Chart y pasó tres semanas en el primer lugar; en los Estados Unidos alcanzó el nº 8 y fue su último sencillo en alcanzar el top 10 en las listas americanas. Fastlove se inspira en el breve romance de Michael con el banquero Brett Charles, a quien conoció en Kazajistán mientras escribía la canción.

Tras Fastlove, con su contrato comprado por la compañía DreamWorks, Michael finalmente lanza Older, su primer álbum de estudio en seis años y sólo el tercero de su carrera en solitario, a pesar de que había pasado una década desde Wham!. Los lanzamientos del álbum en Estados Unidos y Canadá fue particularmente importante, ya que fue el primer álbum lanzado por David Geffen de DreamWorks Records.

En octubre de 1996, Michael realizó un concierto en Three Mills Studios de Londres para MTV Unplugged. Era su primera actuación larga en años, y entre la audiencia estaba la madre de Michael, que al año siguiente murió de cáncer.

Ladies & Gentlemen: The Best of George Michael es una colección de grandes éxitos lanzado en 1998. La colección de 28 canciones (29 en el lanzamiento de Europa y Australia) están separados en dos partes, cada uno con un estado de ánimo en particular. El primer CD, titulado For the heart, predominantemente contiene baladas de éxito de Michael, mientras que el segundo CD, For the feet, reúne los temas más bailables. Esta recopilación es notable por contener un gran número de pistas de compilación y dúos que no habían aparecido anteriormente en sus discos, incluyendo su dúo con Aretha Franklin I Knew You Were Waiting (For Me), Desafinado (un dueto con la legendaria cantante brasileña en portugués Astrud Gilberto) y el dúo con Elton John Don’t Let The Sun Go Down On Me.

Ladies & Gentlemen fue lanzado a través de Sony Music Entertainment como condición para la ruptura de los vínculos contractuales con la discográfica. Más tarde volvería a Sony para lanzar su álbum de 2004 Patience.

El sencillo inédito Outside es una canción humorística sobre su arresto por solicitar sus favores a un policía en un baño público. El segundo sencillo inédito As, a dueto con Mary J. Blige, fue lanzado como el segundo sencillo en muchos territorios alrededor del mundo. Obtuvo el nº 4 en las listas británicas. Hasta la fecha, Ladies & Gentlemen ha vendido más de 10 millones de copias en todo el mundo.

En diciembre de 1999 Michael lanzó Songs from the last century, un disco armado por antiguos éxitos e interpretaciones de canciones populares más recientes, como Roxanne de The Police y el clásico de Frank Sinatra Where or when. El disco fue producido por Phil Ramone y Michael.

 

Patience (2002 – 2006)

En 2004 lanzó su álbum Patience, que debutó como n° 1 en el Reino Unido y n° 2 en Australia el 22 de marzo de 2004, nombrado por muchos como «el regreso del año». Patience fue el primer álbum de George Michael compuesto de material original desde 1996; si bien incluyó dos canciones ya dadas a conocer en 2002. La primera de ellas fue Freeek!, un tema bailable pero más bien oscuro, tanto en letra como en música, que fue promocionado con un vídeoclip ambientado en una ciudad futurista que consume sexo virtual. Este vídeo dirigido por Joseph Kahn es uno de los más sofisticados del cantante, por sus bizarras caracterizaciones y efectos especiales.

El polémico sencillo Shoot the Dog, que sucedió a Freeek!, fue una canción crítica sobre la relación amistosa entre los gobiernos del Reino Unido y Estados Unidos en relación con la guerra de Irak. En el vídeo musical animado para la canción, el Primer Ministro británico de la época, Tony Blair, era representado como un “perro” que sigue a su “dueño”, el presidente de Estados Unidos George W. Bush a todas partes.

Michael apareció en el programa de Oprah Winfrey el 26 de mayo de 2004 para promover el álbum. En el programa Michael habló de su detención, de la revelación de su homosexualidad, y su reanudación de presentaciones públicas. Permitió al equipo de Oprah entrar a su casa en las afueras de Londres, donde interpretó para el programa tres canciones.

 

Twenty five (2006 – 20012)

Twenty five fue el segundo álbum de grandes éxitos de George Michael, celebrando el vigésimo quinto aniversario de su carrera musical. Lanzado en noviembre de 2006 por Sony BMG, debutó en el nº 1 en el Reino Unido. El álbum contiene canciones principalmente de la carrera como solista de George Michael, pero también desde sus primeros días en Wham! y viene en dos formatos: dos CD o una edición limitada de 3 CD. El juego de 2 CD contiene 26 canciones, incluyendo 4 grabaciones con Wham! y 3 canciones nuevas: “An Easier Affair”, “This Is Not Real Love” (un dúo con Mutya Buena, ex integrante de Sugababes, que alcanzó el puesto nº 15 en las listas de Reino Unido), y una nueva versión de “Heal the Pain” grabada con Paul McCartney. La edición limitada de la versión de 3 CD contiene 14 pistas adicionales menos conocidas, entre ellas una de Wham! y otra canción completamente nueva, “Understand”.

La versión en DVD de Twenty Five contiene 40 videos en dos discos, incluyendo 7 con Wham!

Para conmemorar su álbum “Twenty Five”, George Michael hizo una gira por Estados Unidos por primera vez en 17 años, tocando en grandes escenarios en las principales ciudades, incluyendo Nueva York, Los Ángeles, St. Paul / Minneapolis, Chicago y Dallas.

Durante el concierto global Live 8 en 2005, George se unió a Paul McCartney en el escenario para interpretar el tema “Drive My Car”.

Michael fue uno de varios remezcladores comisionados en 1990 para trabajar en la mezcla bailable para “Tripping on Your Love” de Bananarama. Bananarama hizo el cover de la canción “Careless Whisper” para su álbum Exótica en el año 2001, y la pista también fue lanzada como sencillo en Francia.

En 2006, George Michael comenzó su primera gira en 15 años, 25 Live. La gira comenzó en Barcelona, España, en el Palau Sant Jordi el 23 de septiembre y finalizó en diciembre en el Wembley Arena en Inglaterra. Los 80 conciertos fueron vistos por 1,3 millones de fans.

En mayo de 2007, y debido al enorme éxito de su anterior tour, el cantante inició una nueva gira en grandes estadios llamada 25 Live Stadium Tour que le llevó a gran parte de las capitales europeas, incluyendo Londres y Atenas. El 12 de mayo de 2007 se inicia en Coimbra, Portugal, y finaliza el 4 de agosto de 2007 en Belfast, Reino Unido. Fueron 29 fechas de la gira (al 21 de abril de 2007) en toda Europa.

El 9 de junio de 2007, Michael se convirtió en el primer artista en cantar en vivo en el recientemente renovado estadio de Wembley en Londres, donde recibió una multa de 130 000 £ después de rebasar el programa durante 13 minutos. También, el mismo día, la televisión inglesa retransmitió en directo el concierto que George ofrecía en el nuevo Wembley Stadium.

El 25 de marzo de 2008 una tercera parte del 25 Live Tour se anunció para América del Norte. Esta parte incluye 21 fechas en Estados Unidos y Canadá. Esta fue la primera gira de Michael en América del Norte en 17 años.

El álbum Twenty Five, fue lanzado en Norteamérica el 1 de abril de 2008 con 29 canciones, dos CD con varias canciones nuevas (incluyendo duetos con Paul McCartney y Mary J. Blige y una canción de la serie de televisión de breve duración, Eli Stone), además de muchas de las canciones de éxito de Michael, en solitario y en su carrera con Wham! Además, acompañado de dos discos DVD con 40 vídeos también disponibles.

Posteriormente, George trabajó en el estudio de grabación para dar forma a los nuevos temas que se incluirían en su próximo álbum. El cantante confirmó que había grabado dos nuevas canciones con Andrew Ridgeley. En los temas, George puso la voz y Andrew toca la guitarra. La publicación de dicho disco estaba prevista para finales del 2007, pero no llegó a ver la luz.

George Michael hizo su debut como actor en Estados Unidos interpretando al ángel guardián del personaje Jonny Lee Miller en Eli Stone, una serie de televisión que se emitió en los Estados Unidos. Además de su interpretación en el programa como él mismo y como “visiones”, cada episodio de la primera temporada de la serie lleva el nombre de una canción suya.

George Michael apareció en el programa de la final de 2008 de American Idol el 21 de mayo para cantar “Praying for Time”. Cuando se le preguntó qué pensaba Simon lo que diría de su actuación, respondió: “Creo que probablemente me dicen que no debería haber hecho una canción de George Michael. Él le dijo a un montón de gente que en el pasado, así que creo que había ser muy divertido”.

El 1 de diciembre, Michael tocó un último concierto en Abu Dhabi en los Emiratos Árabes Unidos, como parte de la celebración del 37.º Día Nacional.

El 25 de diciembre de 2008, George Michael lanzó una nueva pista, December Song en su página web de forma gratuita. Se esperaba que los fans descargaran la canción para que pudieran donar dinero a la caridad. Aunque la canción ya no está disponible en su página web, sigue estando disponible en redes para compartir archivos y publicaciones,19​ y el 29 de octubre de 2009, la BBC dijo que George Michael se uniría a la carrera por el número uno UK Christmas como una versión remasterizada de December Song que saldría a la venta el 13 de diciembre.

En la primavera de 2008, George Michael sorprendió al anunciar su intención de retirarse de la profesión, o al menos de la rutina de giras, alegando circunstancias de edad y un deseo de mayor estabilidad en su vida privada.

El 9 de junio de 2009, Michael se unió a Beyoncé Knowles en el escenario durante la interpretación de “If I Were a Boy” en el último show del Reino Unido de su gira mundial I Am… Tour.

Después de meses de especulaciones, Michael anunció que podría realizar actuaciones en las ciudades australianas de Melbourne, Perth y Sídney, sus primeros conciertos en Australia desde 1988. Así, el 20 de febrero de 2010 Michael realizó su primer concierto en Perth en el Burswood Dome con una audiencia de 15.000 personas.

El 5 de marzo de 2010, George Michael confirmó que iba a ser artista invitado en el Sydney Gay and Lesbian Mardi Gras After Party, donde se presentó a la 1 am, seguido de Kelly Rowland a las 3 am.

El 2 de marzo de 2011, Michael anunció el lanzamiento de su versión cover del hit de 1987 de New Order True Faith en ayuda a Comic Relief.

 

Últimos sencillos y álbum en vivo (2012 – 2016)

“Symphonica” fue el sexto disco en solitario de George Michael. Grabado durante la gira del mismo nombre entre los años 2011 y 2012 y producido por Phil Ramone junto al propio George.

Al igual que el tour Symphonica, el disco comprende una selección cuidada de los temas más clásicos del artista, además de interpretaciones de canciones de algunos de los artistas preferidos de George.

Se incluyen canciones propias como “A different corner”, “Praying for time” y “Cowboys and angels” con nuevos arreglos orquestales. Revisita “John and Elvis are dead” y “Through”.

La versión del tema de Ewan MacColl “The first time ever I saw your face” muestra el George más tierno, pero hay un pavoneo en “My baby just cares for me” en el cover del tema original de Nina Simone. George insufla nueva vida al clásico “Wild is the wind”, antes interpretado por artistas como David Bowie. La versión de la canción de Terence Trent D’Arby, “Let her down easy”, como primer single, con un vídeo dirigido por Vaughan Arnell. El tema “Idol”, del álbum de Elton John de 1976 “Blue Moves”.

Phil Ramone era la opción perfecta para coproducir el disco junto con George. La pareja trabajó conjuntamente en “Songs from the last century”, el álbum de George de 1999 que reinterpretaba algunas de las mejores canciones del siglo XX. Ambos disfrutaron de una relación mágica durante este trabajo pero desgraciadamente Phil falleció de un aneurisma cerebral en marzo del 2013, a los 79 años. Durante una carrera que se inició en 1959, el 14 veces ganador de Premios Grammy había producido literalmente a cientos de artistas entre los que se incluyen Bob Dylan, Frank Sinatra, Ray Charles, Billy Joel, Luciano Pavarotti, Stevie Wonder, Rod Stewart, Paul Simon, Paul McCartney, Aretha Franklin, Barbra Streisand y Karen Carpenter. “Symphonica” fue el último trabajo de ambos.

Con David Austin en la producción ejecutiva, al llevar su Symphonica a París a la legendaria Ópera Garnier, George se convirtió en el primer artista contemporáneo que actuaba en este lugar. Este concierto se filmó para un documental.

Con más de 100 millones de discos vendidos desde sus inicios con los amados Wham! en los 80, a lo largo de una carrera en solitario que le transformó de ídolo juvenil a icono adulto, a través de una sucesión de álbumes superlativos y de giras rompedoras, George Michael se mantuvo entre los grandes de la música durante más de 30 años.

 

Aporte al Pop

“Careless Whisper” (que George escribió cuando tenía 14 años) se convirtió en una de las canciones más reproducidas de la década de los 80. Algunos otros éxitos son “Father Figure”, “One More Try”, “Freedom 90”, “Fastlove”, “Jesus To a Child” y su interpretación de un clásico, “Don’t Let the Sun Go Down on Me” (dueto con Elton John).

Su trabajo cubre variedades de la música pop, desde baladas hasta canciones funky y dance. En más de 20 años de trayectoria George Michael vendió alrededor de 80 millones de copias en todo el mundo.

 

Vida personal
Orientación sexual

Con diecinueve años, George Michael estuvo a punto de declararse bisexual, pero no lo tenía claro. La prensa rosa se hizo eco de los rumores de supuestas relaciones con mujeres importantes y bailarinas de su espectáculo mientras era miembro del dúo Wham!. No fue hasta que tuvo veinticuatro años, hacia 1987, cuando estuvo convencido de que le gustaban los hombres. Sin embargo, Michael mantuvo en secreto su orientación sexual debido al efecto que podría tener la noticia sobre su madre.

Michael poseía una voz muy versátil como cantante y tenia la habilidad de alcanzar agudos fuera de su rango habitual, en los 80 hasta finales de los 90 utilizaba un característico falsete en la mayoría de sus canciones, en los 2000 perdió esta habilidad aunque su proyección de voz aumento considerablemente, Michael poseía una voz de tenor.Durante el tour “Rock in Río” de 1991, Michael conoció al brasileño Anselmo Feleppa, con quien inició una relación. Pero Feleppa fue diagnosticado de SIDA, y Michael empezó a sentirse deprimido. Feleppa falleció en 1993 de una hemorragia cerebral causada por el sida. El single “Jesus to a Child” es un tributo a Anselmo (Michael se lo dedicaba siempre antes de interpretarla en directo), así como su álbum de 1996 Older. Ese año de 1996, fallecía su madre debido al cáncer, lo que agravó la depresión que tenía. Para empeorar las cosas en 1997 muere la princesa Lady Di Diana con la que Michael tenía un buen vínculo amistoso.

El 7 de abril de 1998, un policía de incógnito llamado Marcelo Rodríguez lo arrestó por “actos lascivos” en un urinario público en un parque de Beverly Hills (California). Era parte de una redada policial, que Michael explicó para MTV de la siguiente manera: “En fin, me siguió al baño, y entonces el policía -bueno, yo no sabía que era policía en aquel momento, obviamente- comenzó a jugar a un juego. Creo que se llama ‘Yo te enseño el mío, tú me enseñas el tuyo, y cuando me lo enseñes, te arresto'”. Tras presentar un alegato de no impugnación a los cargos, Michael fue multado con 810 dólares y sentenciado a cumplir 80 horas de servicios a la comunidad. Poco tiempo después, Michael hizo un video musical para su single “Outside” que estaba claramente basado en el incidente en el baño público, y en el que podía verse a hombres vestidos de policía besándose. Marcelo Rodríguez, el agente de policía, lo denunció ante el Tribunal de California en 1999 alegando que el video se mofaba de él y que Michael le había difamado en varias entrevistas. Le reclamaba 10 millones de dólares al cantante, que poseía una fortuna estimada en 120 millones de dólares, pero el Tribunal no admitió la denuncia basándose en que el oficial de policía era un oficial público, pero una apelación volvió a admitir la demanda el 3 de diciembre de 2002. La corte dictaminó entonces a Rodríguez, como funcionario público, no podía legalmente pedir daños ni perjuicios por angustia emocional.

Tras este incidente, George Michael hizo pública su homosexualidad y que sostenía una relación romántica con Kenny Goss, un antiguo entrenador de animadores y en el momento ejecutivo de ropa deportiva y con quien rompió en 2009 pero no lo hizo público hasta 2011. Goss abrió la Goss Gallery en mayo de 2005, en la que se mostraban trabajos de arte contemporáneo incluyendo algunos de la colección personal de la pareja. Tenían residencias tanto en Londres como en Dallas. A finales de noviembre de 2005 se informó de que Michael y su novio registrarían su relación como una unión civil en el Reino Unido. Pero debido a la publicidad negativa y una inminente gira, Goss y Michael aplazaron el evento. Hubo informes de que terminó su relación en secreto en diciembre de 2008, aunque esto fue negado por Michael. Michael dijo a la prensa británica que el hecho de ser un hombre gay presentaba ventajas en su vida y que era feliz con su novio. Goss estuvo presente durante la sentencia de Michael por conducir ebrio el 14 de septiembre de 2010.

El 23 de julio de 2006 George fue nuevamente acusado de mantener relaciones sexuales públicas anónimas, esta vez en el West Hampstead Heath Park de Londres. Más tarde se descubrió que su pareja anónima era Norman Kirtland, de 58 años, un conductor de furgoneta desempleado. A pesar de afirmar que tenía la intención de demandar a News of the World por fotografiar el incidente y a Norman Kirtland por difamarle, Michael dijo que él hacia una cruzada abierta por el sexo anónimo y que esto no era un problema en su relación con su pareja Kenny Goss.

El 17 de junio de 2008, George Michael dijo que estaba emocionado por la legalización del matrimonio entre personas del mismo sexo en California, opinando que ha sido aprobada “con retraso”.

 

Drogas

George Michael admitió tener problemas de depresión, enfermedad que intentó superar tomando Prozac, fumando cannabis e incluso comprándose un perro por ese motivo (un Labrador Retriever, el cual murió ahogado en el Támesis).

A lo largo de 2006 tuvieron lugar varios incidentes al respecto. El 26 de febrero de 2006, Michael fue arrestado por posesión de drogas blandas, un incidente que él mismo describió como «mi estúpida culpa, como siempre». Fue amonestado por la policía y después puesto en libertad.

El 15 de mayo de 2006, Michael fue descubierto dormido al volante de su Range Rover en Londres. Se despertó, después de que un espectador estuviera cinco minutos golpeando la ventana, quien manifestó: «estaba sudando copiosamente y con su iPod conectado». Se alejó conduciendo de allí, haciendo eses por la carretera, hasta impactar con un bolardo. Días después en el mismo mes, fue interrogado por la policía por dañar tres coches de la calle donde vivía.

En la madrugada del 1 de octubre de 2006, Michael fue hallado inconsciente en su Mercedes-Benz Clase S, bloqueando el cruce de Cricklewood Lane con Hendon Way, en el noroeste de Londres. La Policía encontró a Michael desplomado en su asiento en un estado semi-inconsciente. Le llevaron al Royal Free Hospital en Hampstead para un reconocimiento, y después le tomaron los datos en la comisaría de policía de Colindale donde fue detenido por posesión de cannabis, y puesto en libertad bajo fianza con un interrogatorio pendiente sobre su capacidad para conducir.

El novio de George Michael, Kenny Goss, también fue tratado por alcoholismo, registrándose en una clínica de Arizona durante dos meses en junio de 2004, animado por Michael.

Michael fue arrestado en Cricklewood, el noroeste de Londres, después de que unos automovilistas informaran de un coche que obstruía un semáforo. Se declaró culpable el 8 de mayo de 2007 y no apto por conducir bajo los efectos de las drogas. Se le prohibió conducir durante dos años, y sentenciado a servicio comunitario. Durante septiembre de 2007, en Desert Island Discs, dijo que su consumo de cannabis era un problema, le gustaría poder fumar menos y que estaba constantemente tratando de hacerlo.

El 19 de septiembre de 2008 George Michael sumó otro arresto a la lista, al demorarse en un baño público y ser encontrado drogándose en el Hampstead Heath de Londres, por posesión de drogas de clase A y C. Fue trasladado a la comisaría y amonestado por posesión de sustancia controlada; lo cual provocó que se le retirase una nominación de los Brit Awards.

El 5 de diciembre de 2009, en una entrevista con The Guardian, Michael explicó que se estaba controlando con el cannabis y ahora fumaba sólo “siete u ocho” porros por día en vez de los 25 que fumaba antes. El 4 de julio de 2010 empotró su coche contra una tienda de fotografía e ingresó el 14 de septiembre en prisión condenado a cumplir en ella ocho semanas.

En las primeras horas del domingo 4 de julio de 2010, cuando regresaba de la marcha del Orgullo Gay, el cantante fue visto por circuito cerrado de televisión conduciendo contra la parte frontal de una tienda de Snappy Snaps en Hampstead, al norte de Londres y fue arrestado bajo sospecha de no estar en condiciones para conducir, tras informes de que un coche se había estrellado contra el edificio. El 12 de agosto, la Policía Metropolitana de Londres dijo que estaba “acusado de posesión de cannabis y de no apto por conducir bajo los efectos de la bebida o las drogas”.

El 24 de agosto de 2010, el cantante se declaró culpable en la Corte de Magistrados de Square Highbury en Londres después de admitir la conducción bajo la influencia de drogas y el 14 de septiembre de 2010 en el mismo tribunal, fue condenado a ocho semanas en prisión y multa, más una prohibición de conducción de cinco años.

El 15 de septiembre de 2010, George Michael fue condenado a 2 meses de reclusión penitenciaria en la cárcel de Pentoville de Londres y la prohibición de no conducir por 5 años, debido a cometer una infracción grave al conducir bajo los efectos de la marihuana. Michael tuvo que pagar una multa de 1,250 libras y fue liberado de la prisión Highpoint en Suffolk, el 11 de octubre de 2010, después de cumplir cuatro semanas.

 

Posición política

Durante sus años con Wham!, George Michael fue muy crítico con el gobierno conservador de Margaret Thatcher y de su alianza militar de misiles con los Estados Unidos. George dijo que él se sentía mal, puesto que con sus impuestos pagaba estas armas, y a pesar de todo fue obligado a que nunca esquivara sus obligaciones con el fisco en su país de origen.

En una línea similar, Michael escribió el tema “Shoot the Dog”, una canción crítica que parodia la relación amistosa entre los gobiernos de los Estados Unidos y del Reino Unido y su implicación en la guerra de Irak. Su video de dibujos animados resultó tan polémico, que fue censurado en los Estados Unidos para ese año 2002, aunque originalmente fue lanzado sólo en su país por las consecuencias o implicaciones que le podría causar.

En 2000, George Michael realizó un concierto que llamó “La igualdad mola” (“Equality Rocks”) para beneficiar una campaña por los derechos humanos, con la presencia de Melissa Etheridge, Garth Brooks, Queen Latifah, y los Pet Shop Boys, entre otros.

En 2007, viajó los Estados Unidos con el piano valorado en 1,45 millones de libras que usó John Lennon para escribir su éxito “Imagine”.

Dedicó su concierto en Sofía, Bulgaria, de su “Tour Veinticinco” (“Twenty Five Tour”) a las enfermeras búlgaras injustamente condenadas a muerte en Libia por el escándalo del uso de sangre contaminada con VIH con la que acabaron contagiados cientos de niños.

 

Caridad

Michael tomó a menudo una postura social consciente. En 1984 cantó como parte de la Band Aid en el tema “Do They Know It’s Christmas?”, para donar dinero e intentar paliar la hambruna en Etiopía.

Este sencillo llegó a la posición nº1 en las listas británicas de música en la Navidad de 1984. En esa misma fecha su tema “Last Christmas” como parte de Wham! llegó al nº 2 y donó todas sus ganancias a la misma causa.

En 2003 hizo pareja con Ronan Keating en la versión británica de ¿Quién quiere ser millonario? y ganó 32.000 £ (esto después de que sus ganancias originales de 64.000 £ fueran reducidas a la mitad por perder los £ 125.000 por los que jugaban).

George Michael fue parte del concierto de caridad Live Aid en 1985, y cantó en esa ocasión junto a Elton John. Los ingresos del sencillo “Don’t Let The Sun Go Down On Me” fueron divididos entre 10 organizaciones de caridad para niños con SIDA y para la educación.

Michael apoyó una campaña para ayudar a conseguir 32 millones de dólares (15 millones de libras) para los niños con enfermedades terminales.

 

Bienes

Sus residencias

El artista estaba considerado entre los 10 músicos más ricos del Reino Unido, con una fortuna estimada, según dijo, de 70 a 100 millones de libras esterlinas en activos, propiedades inmobiliarias, y dinero en efectivo.

George poseía varios hogares por todo el mundo, incluyendo uno en Highgate ( Londres), uno en Dallas (Texas) y una casa en Goring-on-Thames, en Oxfordshire, en la campiña y su residencia habitual en Inglaterra, donde falleció en diciembre de 2016.

Según los informes con la gira 25 Live, solo en dos años, entre 2006 y 2008, se dice que ganó 48,5 millones de libras (97 millones de dólares) así como que ganaba más millones en conciertos privados que hacía periódicamente, como por ejemplo el del multimillonario Vladimir Potanin y propietario de la tienda de moda propiedad de Sir Philip Green. Según la lista de “ricos” de la Timesonline.co.uk.com, a partir de 2009 el valor de George Michael era de 90 millones de libras, en una sola moneda.

Además de poseer varias casas de varios millones de dólares en todo el mundo, Michael y su pareja, Kenny Goss, reunieron una enorme colección de arte, cotizada en 100 millones de libras esterlinas.

 

Muerte

Falleció el 25 de diciembre de 2016, a los 53 años de edad en su residencia en Goring-on-Thames, Oxfordshire, Inglaterra, por causas en principio desconocidas. El 27 de diciembre su mánager informó que murió mientras dormía por un fallo cardíaco. Pero el reporte del médico forense Darren Salter del 7 de marzo de 2017, informó la causa final del fallecimiento: cardiopatía dilatada con miocarditis y esteatosis hepática (hígado graso), con lo cual se concluye la serie de polémicas iniciadas posterior a su muerte, en donde incluso se mencionó negligencia médica. Sus restos fueron enterrados, 3 meses después de su muerte, en el cementerio de Highgate de Londres.

 

Memorias

En 1991 Michael lanzó una autobiografía titulada Bare (Penguin Books) que él coescribió con el escritor Tony Parsons. El libro repasa diversos aspectos de su vida. El 16 de enero de 2008, firmó un contrato con HarperCollins para una autobiografía.

George Michael

ÁLBUMES
1987 Faith
1990 Listen Without Prejudice, Vol. 1
1996 Older
1999 Songs From The Last Century
2004 Patience
2014 Symphonica

 

Créditos

El MiniPodcast

con Alex Cardona

es presentado por:

LaBuona.it, Italian Brand.
Sun Energy Lights, SEL-Colombia.com, ¡La Energía Que Se Renueva!
LaBuonaPiada.com, ¡La Tradizione Che Si Evolve!
GeralCN.com, ¡Joyería Contemporánea!
AlexandrosQuiro.com, ¡Tus Masajes A Domicilio!
MarianDValencia.es, ¡La Voz De Oro!
RapidoYEconomico.com, multimedia/graphic/web
AlexanderCardonaNieto.com, ACN FreeLancer.

Este MiniPodcast

Es grabado y producido en los estudios de
ACN Medios en España con el respaldo de:
Spreaker.com | La aplicación líder para creadores de audio para radiodifusión
AIR | AlianzaInternacionalDeRadio.com

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Georgios Kyriacos Panayiotou, conocido artísticamente como George Michael, fue un cantante, compositor y productor inglés de música pop. Michael ganó numerosos premios musicales a lo largo de su carrera, incluyendo tres Premios Brit, cuatro MTV...... Escuchar el MiniPodcast


George Michael







FICHA GENERAL







Origen


1963
East Finchley, Londres, Inglaterra | Reino Unido







Géneros


Pop
Dance Pop
New Wave
Blue-Eyed Soul
Chillout







Período de actividad


1981 – 2016







Sellos discográficos


Epic Records
Sony Music Records
Virgin Records
DreamWorks Records
Columbia Records
Polydor Records
Virgin Group







Sitio web


GeorgeMichael.com







Artistas relacionados


Wham!
Band Aid
Mutya Buena
Robbie Williams
Elton John





Georgios Kyriacos Panayiotou (en griego, Γεώργιος Κυριάκος Παναγιώτου; East Finchley, Londres, Reino Unido, 25 de junio de 1963-Goring-on-Thames, Oxfordshire, Reino Unido, 25 de diciembre de 2016), conocido artísticamente como George Michael, fue un cantante, compositor y productor inglés de música pop. Michael ganó numerosos premios musicales a lo largo de su carrera, incluyendo tres Premios Brit, cuatro MTV Video Music Awards, cuatro premios Ivor Novello, tres American Music Awards, y dos veces el Premio Grammy.


Era conocido además por su polémica imagen pública: sex symbol rodeado de escándalos relacionados con sexo y drogas, quien saltó a la fama en la década de 1980, cuando formó el dúo pop Wham! junto con su amigo de la escuela Andrew Ridgeley. Su primer sencillo en solitario, “Careless Whisper” fue lanzado cuando aún estaba en el dúo y vendió cerca de seis millones de copias en todo el mundo.


Como solista, vendió más de 80 millones de discos en todo el mundo, abarcando 7 sencillos nº1 y 7 álbumes nº1 en Reino Unido, 10 sencillos nº1 y un álbum nº1 en los Estados Unidos. Su álbum debut como solista de 1987, Faith ha vendido más de 20 millones de copias en todo el mundo y realizó varias grabaciones y alcanzó distintos logros en los Estados Unidos. En el 2004, Radio Academy nombró a Michael como el artista más emitido en la radio británica entre el periodo 1984-2004.


El documental A Different Story (2005) cubrió su vida personal y carrera p...]]>
Alexander Cardona Nieto clean 25:24
0022 - Madonna https://www.lamaquinadelamusica.com/0022-minipodcast-con-alex-cardona-la-maquina-de-la-musica/ Sat, 16 Jun 2018 10:09:51 +0000 https://www.lamaquinadelamusica.com/?p=1268 Madonna Louise Veronica Ciccone, conocida simplemente como Madonna, es una cantante, compositora, actriz y empresaria estadounidense. Pasó sus primeros años en Bay City y en 1977 se mudó a la ciudad de Nueva York para realizar una carrera de danza... Escuchar el MiniPodcast

Madonna

Madonna

FICHA GENERAL
Origen 1958
Bay City, Michigan | Estados Unidos
Géneros Pop
Dance
Electronic
Rock
House
Período de actividad 1979 – Presente
Sellos discográficos Sire Records
Warner Bros. Records
Maverick Records
Live Nation Records
Interscope Records
Sitio web Madonna.com
Otros nombres La Reina del Pop
La Chica Material
La Ambición Rubia
Dita
M-dolla
Madge

Madonna Louise Veronica Ciccone, conocida simplemente como Madonna, es una cantante, compositora, actriz y empresaria estadounidense. Pasó sus primeros años en Bay City y en 1977 se mudó a la ciudad de Nueva York para realizar una carrera de danza contemporánea. Después de participar en dos grupos musicales, Breakfast Club y Emmy, en 1982 firmó con Sire Records (filial de Warner Bros. Records) y lanzó su álbum debut Madonna al año siguiente. Siguió lanzando una serie de álbumes en los que encontró una inmensa popularidad, superando los límites de contenido de las letras de sus canciones y explotando las imágenes en sus vídeos musicales, que a lo largo de su carrera se han convertido en piezas de arte. Muchas de sus canciones han alcanzado el número uno en las listas musicales de varios países alrededor del mundo; sus mayores éxitos incluyen temas como «Like a Virgin», «Material Girl», «Papa Don’t Preach», «La isla bonita», «Like a Prayer», «Express Yourself», «Vogue», «Frozen», «Music», «Hung Up» y «4 Minutes». Madonna ha sido elogiada por los críticos por sus producciones musicales y puestas en escena, dándole el título de «La Reina del Pop».

Su carrera se vio reforzada por sus papeles en diversas películas por las que ha recibido comentarios variados. Su protagónico más elogiado es el de Eva Perón para la película Evita de 1996, por el que incluso ganó un Premio Globo de Oro por mejor actriz de comedia o musical; pero ha recibido críticas negativas por otros papeles. Otras ocupaciones de Madonna incluyen ser diseñadora de moda, escritora de libros infantiles, directora de cine y productora discográfica, además de que es dueña del sello discográfico Maverick. También es una aclamada empresaria, y en el 2007, firmó un contrato de 120 millones de dólares con Live Nation.

Madonna ha vendido más de 300 millones de producciones musicales, con lo que establece el récord mundial de «la solista más exitosa y de mayores ventas musicales de todos los tiempos», incluido en el Libro Guinness de los récords. Según la Recording Industry Association of America (RIAA) es la solista con mayores ventas del siglo XX, y la segunda con mayores ventas en los Estados Unidos (detrás de Barbra Streisand) con 64 millones de álbumes certificados. En el Reino Unido es la solista femenina con mayores ventas de sencillos en la historia, con 17,6 millones.

En el 2008, la revista Billboard clasificó a Madonna en el número dos, detrás de The Beatles, en el Billboard Hot 100 All-Time Top Artists, convirtiéndola en la solista más exitosa en la historia musical, además de ser incluida en el Salón de la Fama del Rock en el mismo año. De manera general, diversos biógrafos, escritores, periodistas y demás medios de comunicación la consideran como la mujer más influyente y exitosa de la historia musical. Considerada como una de las figuras más influyentes en la música contemporánea, Madonna es conocida por reinventar continuamente tanto su música e imagen. Además es reconocida como una fuente de inspiración por varios artistas y por su gran legado a la cultura pop.


Vida y carrera
1958 – 1981: Niñez e inicios artísticos

Madonna Louise Ciccone nació en Bay City, Míchigan el 16 de agosto de 1958. Su madre, Madonna Louise Fortin, era de ascendencia franco-canadiense, y su padre, Silvio Anthony Ciccone, es italo-americano. La familia Ciccone es originaria de Pacentro, Italia; su padre emigró desde Europa para conseguir trabajo en América como ingeniero de diseño en Chrysler y General Motors. Madonna fue apodada «Little Nonni» para distinguirla de su madre. Es la cuarta de seis hijos, sus hermanos mayores son Martin, Anthony y Paula y sus hermanos menores, Christopher, Melanie y Jennifer. Madonna fue criada en los suburbios de Detroit, Pontiac y Avon (ahora parte de Rochester Hills).

Su madre falleció de cáncer mamario a los 30 años en 1963, cuando Madonna tenía cinco años de edad. Meses antes de su muerte, Madonna notó cambios en el comportamiento y personalidad de su madre, aunque no entendía la razón. Al momento de intentar explicarle la condición médica que padecía a su pequeña hija, la señora Ciccone comenzaba a llorar, a lo cual Madonna respondía con un abrazo. «Recuerdo que me sentía más fuerte que ella», dijo Madonna, «yo era tan pequeña y aun así sentía como si ella fuese la niña». Posteriormente, Madonna reconoció que no había comprendido la idea de que su madre estaba muriendo. «Hubo mucho que no se dijo, tantas emociones reprimidas y sin resolverse, el remordimiento, la culpa, la pérdida, la ira, la confusión. Vi a mi madre, se veía tan hermosa simplemente recostada como si estuviera dormida en el ataúd abierto. Luego me di cuenta que su boca se veía rara. Me tomó un rato darme cuenta de que estaba cosida. En ese horrible momento entendí que la había perdido para siempre. La última imagen de mi madre, a la vez pacífica y a la vez grotesca, aún me asusta hoy».

Madonna finalmente aprendió a cuidar de sí misma y de sus hermanos, y volvió con su abuela con la esperanza de encontrar algún consuelo y alguna clase de figura materna en ella. Los hermanos Ciccone mantenían la casa en orden y se rebelaron invariablemente contra cualquiera que llegara a su hogar para ocupar el lugar de su querida madre. En una entrevista con la revista Vanity Fair, Madonna comentó que en su juventud se vio a sí misma como una «chica solitaria que estaba buscando algo. Yo no era rebelde en cierta manera. Me preocupaba por ser buena en algo. No me afeitaba mis axilas y no usaba maquillaje como las otras niñas. Pero estudié y obtuve buenas notas, quería ser alguien». Asustada por la idea de que su padre también se fuera, a menudo no podía dormir a menos que él estuviera cerca de ella. Su padre se casó con el ama de llaves de la familia, Joan Gustafson, y tuvieron dos hijos: Jennifer y Mario Ciccone. En este punto, Madonna comenzó a expresar sentimientos de ira hacia su padre, los cuales duraron décadas y desarrolló una actitud rebelde. Asistió a las escuelas primarias de St. Frederick y St. Andrew, y al concluir, a la West Middle School. En la escuela fue conocida por su promedio alto y alcanzó notoriedad por su comportamiento poco convencional: hacía volteretas y piruetas en los pasillos entre las clases, se colgaba de sus rodillas en las barras de mono durante el receso y se levantaba la falda durante la clase, todo para que los chicos pudieran ver su ropa interior.

Más tarde, asistió a la Rochester Adams High School y fue una estudiante modelo, además de ser miembro del equipo de animadoras. Después de graduarse, recibió una beca de danza en la Universidad de Míchigan. Convenció a su padre para permitirle tomar clases de ballet y fue persuadida por su profesor, Christopher Flynn, para seguir una carrera en el mundo de la danza. A finales de 1977, Madonna dejó la escuela y se trasladó a la ciudad de Nueva York. Tenía poco dinero, por lo que consiguió un trabajó como mesera en Dunkin’ Donuts y con grupos de danza contemporánea. Madonna dijo de su traslado a Nueva York: «fue la primera vez que viajé en avión y la primera vez que viajé en taxi. Vine aquí con 35 dólares en el bolsillo. Fue lo más valiente que he hecho».

Comenzó a trabajar como bailarina sustituta para otros artistas. Durante una noche, mientras regresaba de un ensayo, fue arrastrada hasta un callejón por un par de hombres y obligada a realizar una felación. Madonna comentó que «el episodio fue una prueba de mi debilidad, me demostró que todavía no podía salvarme a pesar de todo el look de chica fuerte. Nunca podré olvidarlo». Mientras actuaba como bailarina para el cantante francés Patrick Hernandez en su gira mundial de 1979, Madonna se implicó románticamente con el músico Dan Gilroy. Juntos formaron su primera banda de rock, Breakfast Club, en donde Madonna cantaba y tocaba la guitarra y la batería. En 1980 dejó a Breakfast Club y, con su ex novio Stephen Bray como batería, formaron la banda Emmy. Su música impresionó al DJ y productor Mark Kamins, quien arregló un encuentro entre Madonna y Seymour Stein, fundador de la discográfica Sire Records.

 

1982 – 1985: Madonna, Like a Virgin y primer matrimonio

En 1982, Madonna firmó un contrato con Sire Records, un sello discográfico perteneciente a Warner Bros. Records. Su primer sencillo, «Everybody», fue lanzado el 6 de octubre de ese año y el segundo, «Burning Up» se lanzó en marzo de 1983. Ambos se convirtieron en un éxito en Estados Unidos, alcanzando el número tres en la lista Hot Dance Club Play de Billboard. Después de este éxito, comenzó a trabajar en su álbum debut Madonna, producido principalmente por Reggie Lucas. Sin embargo, la cantante no estaba contenta con las pistas terminadas y tuvo varios desacuerdos con las técnicas de producción de Lucas, por lo que decidió buscar ayuda adicional. Madonna acudió en busca de ayuda con su nuevo novio, John «Jellybean» Benitez, para terminar la producción del álbum. Benitez mezcló la mayoría de las pistas y produjo el tema «Holiday», que fue el tercer sencillo y su primer éxito internacional. En general, el sonido de Madonna es «disonante», cuyo estilo se asemeja a la música disco combinada con el sintetizador, utilizando algunas de las tecnologías recientes de la época, como la caja de ritmos LinnDrum, el bajo Moog y el sintetizador OB-X. El álbum fue lanzado en julio de 1983 y alcanzó el número ocho en la lista Billboard 200 seis meses después, en 1984. También se lanzaron dos sencillos más, «Borderline» y «Lucky Star».

Gradualmente, el aspecto de Madonna, su forma de vestir, sus actuaciones y sus videos musicales comenzaron a influir en mujeres y niñas. Su estilo se convirtió en una moda femenina de la década de 1980, el cual fue creado por la diseñadora de joyería y estilista, Maripol. Este look, mezcla de estética punk y new romantic, consistía de tops con encaje, faldas encima de pantalones capri, medias de rejilla, joyería (que incluía un crucifijo y brazaletes) y el cabello aclarado. Madonna logró el reconocimiento mundial después del lanzamiento de su segundo álbum de estudio, Like a Virgin en noviembre de 1984. Encabezó las listas de popularidad en varios países y se convirtió en su primer álbum que llegó al número uno en el Billboard 200. La canción homónima, «Like a Virgin», encabezó la lista Billboard Hot 100 durante seis semanas consecutivas, y atrajo la atención de las organizaciones familiares, quienes se quejaron de que la canción y su video promovían las relaciones sexuales prematrimoniales y socavaban los valores familiares, razón por la cual intentaron censurarlos. Madonna alimentó la polémica cuando interpretó la canción en la primera entrega de los MTV Video Music Awards, donde apareció en el escenario encima de un pastel de boda gigante, con un vestido de novia y un velo, adornado con su característica hebilla de cinturón «Boy Toy». Sorprendiendo a los técnicos que movían las cámaras, Madonna improvisó parte de su coreografía echándose al suelo y moviéndose sensualmente. Esta actuación es reconocida como una presentación icónica en la historia de MTV. En años posteriores, Madonna comentó que estaba realmente aterrorizada por la actuación. Dijo, «recuerdo a mi mánager Freddy gritándome, ‘¡Oh, Dios mío! ¿Qué estabas haciendo? Llevabas un vestido de novia. ¡Dios mío! ¡Estabas rodando por el suelo!’ Fue lo más valiente y lo más sexual que había hecho en la televisión». El siguiente éxito fue «Material Girl», promovido por el video musical icónico, que era una imitación de la interpretación de Marilyn Monroe de la canción «Diamonds Are a Girl’s Best Friend» de la película de 1953, Los caballeros las prefieren rubias. Mientras filmaba este video, Madonna comenzó a salir con el actor Sean Penn, con quien contrajo matrimonio en su cumpleaños número 27 en 1985. Like a Virgin fue certificado con disco de diamante por la Recording Industry Association of America (RIAA) y vendió más de 25 millones de copias en todo el mundo. En 1998, la Academia Nacional de Grabación de Artes y Ciencias y el Salón de la Fama del Rock lo clasificaron como uno de los mejores 200 álbumes de todos los tiempos.

Madonna entró al mundo del cine en 1985, comenzando con una breve aparición como cantante de un club en la película Vision Quest, una comedia romántica. La banda sonora de la película contenía dos nuevos sencillos, el éxito número uno en Estados Unidos, «Crazy for You» y también «Gambler». Pero su despegue como figura cinematográfica fue gracias a la comedia Desperately Seeking Susan de 1985, una película donde sobresalía la canción «Into the Groove», el primer número uno de la cantante en el Reino Unido. Aunque no era la actriz principal de la cinta, su participación fue tal que la película fue ampliamente vista (y comercializada) como un proyecto de Madonna. La película recibió una nominación para un Premio César a la mejor película extranjera y el crítico de cine Vincent Canby, de The New York Times, la consideró como una de las diez mejores películas de 1985.

En abril de 1985, Madonna emprendió su primera gira musical por América del Norte, The Virgin Tour, con los Beastie Boys como su acto de apertura. Madonna comentó: «Toda la gira fue una locura, porque fui de cantar en locales pequeños como CBGB y el Mudd Club a presentarme en estadios deportivos. Actué en un pequeño teatro en Seattle y las chicas usaban faldas con solapas, medias que llegaban por debajo de sus rodillas, guantes de encaje, rosarios, moños y aretes de aros grandes. Después de Seattle, todos los espectáculos fueron trasladados a estadios». En ese momento, lanzó dos sencillos más del álbum, «Angel» y «Dress You Up». En julio, las revistas Penthouse y Playboy publicaron una serie de fotografías en las que se mostraba a Madonna desnuda, las cuales habían sido tomadas en Nueva York en 1978 como fotografías artísticas, no destinadas a ninguna revista. Había posado para ellas porque necesitaba dinero en aquella época, aunque recibió sólo 25 dólares por la sesión. La publicación de las fotos causó un alboroto en los medios de comunicación, pero Madonna permaneció desafiante y sin remordimientos. Las fotografías se vendieron por más de 100.000 USD. En el concierto benéfico Live Aid de 1985, Madonna se refirió a esta experiencia cuando dijo que no se quitaría su chamarra porque «[los medios de comunicación] podrían reclamármelo dentro de diez años».

 

1986 – 1991: True Blue, ¿Quién es esa chica?, Like a Prayer y Dick Tracy

En junio de 1986, se lanzó True Blue, el tercer álbum de estudio de Madonna, el cual estuvo inspirado por y dedicado a Sean Penn. De este se deprendieron tres sencillos que alcanzaron el número uno del Billboard Hot 100: «Live to Tell», «Papa Don’t Preach» y «Open Your Heart»; además de dos sencillos que se colocaron dentro de las primeras cinco posiciones de la misma lista: «True Blue» y «La isla bonita». El álbum encabezó las listas de popularidad de más de 28 países del mundo, un logro sin precedentes en aquel tiempo y es el álbum de estudio más vendido de su carrera, con ventas mundiales de 25 millones de copias. Los críticos de la revista Rolling Stone quedaron impresionados con esta producción, al escribir que el álbum «suena como si saliera del corazón». Ese mismo año, Madonna también protagonizó la película Shanghai Surprise, que recibió varias críticas negativas, al mismo tiempo que hizo su debut teatral en una producción de David Rabe, Goose and Tom-Tom, ambas coprotagonizadas con Penn. Al año siguiente, se publicó el segundo largometraje de Madonna, ¿Quién es esa chica?. Aunque la película no fue bien recibida, la intérprete contribuyó con cuatro canciones a su banda sonora, destacando «Who’s That Girl» y «Causing a Commotion».

En junio de 1987, se embarcó en la gira Who’s That Girl World Tour, que continuó hasta septiembre. Con respecto a la gira, Madonna comentó: «me di cuenta que podría dejar de ser arcilla sin moldear, y con el tiempo y con la ayuda de los demás, me podría convertir en algo más. Esta gira es el reflejo de esa creencia y es como si me dijera ‘¿Quién eres tú, chica? De ahí el nombre, algo nuevo para mí». Más tarde ese año, lanzó un álbum de remezclas de éxitos pasados, titulado You Can Dance, que alcanzó el puesto 14 en el Billboard 200. Luego de una solicitud de divorcio anulada en diciembre de 1987, Madonna y Penn solicitaron el divorcio en enero de 1989, citando diferencias irreconciliables. El abogado de Madonna apuntó hacia el problema de alcoholismo de Penn y su carácter agresivo. De su matrimonio con Penn, Madonna dijo más tarde, «estaba completamente obsesionada con mi carrera y de ninguna manera estaba lista para ser generosa».

En enero de 1989, Madonna firmó un acuerdo de respaldo con el fabricante de refrescos Pepsi. Su canción «Like a Prayer» debutó en uno de los comerciales de la empresa. El video musical correspondiente contó con muchos símbolos católicos, como los estigmas y cruces en llamas, así como un sueño sobre hacer el amor a un santo, lo que llevó al Vaticano a condenar el video. Varios grupos religiosos trataron de prohibir el comercial y boicotear los productos de Pepsi, quien retiró el comercial y canceló su contrato de patrocinio. Sin embargo, se le permitió a Madonna mantener su cuota de cinco millones de dólares por el comercial. La canción fue incluida en su cuarto álbum de estudio, Like a Prayer, que fue coescrito y coproducido por Patrick Leonard y Stephen Bray. El álbum recibió buenas críticas y Rolling Stone lo aclamó diciendo que era «…lo más cerca que la música pop puede estar del arte». Like a Prayer alcanzó el número uno en el Billboard 200 y vendió más de 15 millones de copias en todo el mundo, con cuatro millones de copias vendidas únicamente en Estados Unidos. Seis sencillos fueron lanzados del álbum, destacando la canción homónima, que alcanzó el número uno en varios países; «Express Yourself» y «Cherish», que llegaron al número dos del Hot 100. A finales de la década de 1980, Madonna fue nombrada como la «artista de la década» por varios medios de comunicación, tales como MTV, Billboard y Musician. Además, durante los primeros siete años de su carrera, a finales de la década de 1980, Madonna había vendido alrededor de 75 millones de discos en todo el mundo.

En 1990, Madonna actuó como Breathless Mahoney en la película Dick Tracy, al lado de Warren Beatty como protagonista. Para acompañar la película, lanzó la banda sonora I’m Breathless, que incluía canciones inspiradas por la temática de la película ambientada durante la década de 1930. También incluía el éxito «Vogue», que llegó al número uno en Estados Unidos y «Sooner or Later», este último le brindó al compositor Stephen Sondheim un Óscar a la mejor canción original en 1991. Mientras filmaba la película, Madonna comenzó una relación amorosa con Beatty, que se disolvió a finales de 1990.

En abril de 1990, comenzó su gira Blond Ambition World Tour, que continuó hasta agosto. Respecto a la gira, Madonna dijo «sé que no soy la mejor cantante y sé que no soy la mejor bailarina. Pero, puedo joder a la gente y ser tan provocativa como yo quiera. El objetivo de la gira es romper los tabúes inútiles». Rolling Stone le llamó una «extravagancia con coreografía elaborada y sexualmente provocativa» y lo proclamó «el mejor tour de 1990». La gira se encontró con la fuerte oposición de grupos religiosos por la interpretación de «Like a Virgin», durante la cual dos bailarines acariciaban su cuerpo antes de que ella simulara masturbarse. El Papa pidió al público en general y a la comunidad cristiana no asistir al concierto. Una asociación privada de católicos autodenominada Famiglia Domani también boicoteó la gira por su erotismo, mientras que el Vaticano la calificó como «uno de los espectáculos más satánicos en la historia de la humanidad». En respuesta, Madonna comentó: «soy italo-estadounidense y estoy orgullosa de ello. La gira de ninguna manera hiere los sentimientos de nadie. Es para gente de mente abierta y que le hace percibir la sexualidad de manera diferente»; también declaró que la Iglesia «prohibió completamente el sexo… excepto para la procreación». Se grabó un concierto para ser lanzado en formato Laserdisc, el cual le brindó a Madonna un Premio Grammy en 1992 para el mejor vídeo musical de formato largo.

En noviembre de 1990, se publicó el primer álbum de grandes éxitos de Madonna, titulado The Immaculate Collection. Este incluía dos canciones nuevas, «Justify My Love» y «Rescue Me». El álbum fue certificado con disco de diamante por la RIAA y vendió más de 30 millones de copias en todo el mundo, convirtiéndose en el álbum recopilatorio más vendido por un solista en la historia. «Justify My Love» alcanzó el número uno en Estados Unidos y los diez primeros lugares en otros países alrededor del mundo. El video musical realizado para su promoción contaba con escenas de sadomasoquismo, bondage, besos entre personas del mismo sexo y desnudez parcial. El video fue considerado demasiado explícito sexualmente por MTV y su distribución fue prohibida. Madonna respondió a la censura: «¿Por qué será que la gente está dispuesta a ir a ver una película sobre alguien siendo golpeando sin razón aparente, y nadie quiere ver dos chicas besándose y dos hombres acariciándose? MTV ha sido bueno conmigo y conocen a su audiencia. Si es demasiado fuerte para ellos, entiendo. Aunque parte de mi pensaba que iba a llegar lejos con esto». En ese momento, el segundo sencillo «Rescue Me», se convirtió en el sencillo de una solista con el debut más alto en la historia del Billboard Hot 100, entrando en el número 15 y llegando hasta el número nueve.

En diciembre de 1990, Madonna decidió dejar la película Boxing Helena de Jennifer Lynch, que previamente había firmado para protagonizar, sin ninguna explicación a los productores. Desde finales de 1990 hasta principios de 1991, Madonna salió con Tony Ward, un modelo y actor porno que apareció en los videos musicales para «Cherish» y «Justify My Love». También tuvo una relación de ocho meses con el rapero Vanilla Ice. Su primer documental, Madonna: Truth or Dare (conocido como En la cama con Madonna fuera de Norteamérica), fue lanzado a mediados de 1991. El documental narra su gira Blond Ambition World Tour y deja entrever la vida personal de la cantante.

 

1992 – 1997: Maverick, Erotica, Sex, Bedtime Stories, Evita y maternidad

En 1992, Madonna obtuvo un papel en la película A League of Their Own como Mae Mordabito, una jugadora de béisbol. Además, grabó el tema principal de la película, «This Used to Be My Playground», que se convirtió en un éxito número uno en el Hot 100. Ese mismo año fundó su propia compañía de entretenimiento, Maverick, conformada por una compañía discográfica (Maverick Records), una productora de cine (Maverick Films) y varias divisiones asociadas a publicaciones musicales, televisión, libros y merchandising. El acuerdo fue una empresa conjunta con Time Warner, quien ya había pagado a Madonna un adelanto de 60 millones de dólares. La cantante recibía el 20% de las regalías provenientes de la venta y promoción de su música, uno de los porcentajes más altos en la industria, que igualó en ese momento la tasa de regalías de Michael Jackson, establecida un año antes con Sony. El primer lanzamiento de la empresa fue el primer libro escrito por ella misma, titulado Sex, el cual consistía en su mayor parte de imágenes sexualmente explícitas y provocativas, fotografiadas por Steven Meisel. El libro causó una fuerte reacción negativa en los medios de comunicación y el público en general, pero vendió 1,5 millones de ejemplares en cuestión de días. Al mismo tiempo, Madonna lanzó su quinto álbum de estudio, Erotica, que debutó en el número dos en el Billboard 200. La canción homónima alcanzó el número tres en el Billboard Hot 100. Erotica también produjo cinco sencillos más: «Deeper and Deeper», «Bad Girl», «Fever», «Rain» y «Bye Bye Baby».

La imagen provocativa se convirtió en su sello personal, el cual continuó en la década de 1990 con Body of Evidence, una película que contenía escenas de sadomasoquismo y bondage, que recibió críticas negativas. También protagonizó la película Dangerous Games (Juegos peligrosos), dirigida por Abel Ferrara, que en Norteamérica salió a la venta directamente en video. The New York Times describió la película como «furiosa y dolorosa, y el dolor se siente real». En septiembre de 1993, Madonna se embarcó en The Girlie Show World Tour, en el que se vistió como una dominatrix rodeada de bailarines en topless. El espectáculo enfrentó reacciones negativas, específicamente en Puerto Rico, donde Madonna frotó la bandera de la isla entre sus piernas. En marzo de 1994, apareció como invitada en el programa Late Show with David Letterman, donde utilizó palabras soeces que debían ser censuradas en la televisión y entregó a Letterman un par de ropa interior pidiéndole que la oliera. Sus películas, discos y el libro de temática sexual, aunado con la polémica aparición agresiva en el programa de Letterman, llevaron a identificar a Madonna como una renegada sexual. Se enfrentó a una intensa recepción negativa de críticos y aficionados, quienes comentaron que «había ido demasiado lejos» y que había terminado con su carrera.

Según el biógrafo J. Randy Taraborrelli, la balada «I’ll Remember» (1994), fue un intento de suavizar su imagen provocativa. La canción fue grabada para la película With Honors de Alek Keshishian. Hizo una aparición discreta junto a Letterman en un programa de premios y apareció en The Tonight Show con Jay Leno después de darse cuenta de que necesitaba cambiar su dirección musical para mantener su popularidad. Con su sexto álbum de estudio, Bedtime Stories (1994), Madonna utilizó una imagen más suave para volver a conectarse con el público en general. El álbum debutó en el número tres del Billboard 200 y produjo cuatro sencillos, incluyendo «Secret» y «Take a Bow», este último encabezó el Hot 100 por siete semanas consecutivas, el período más largo de un sencillo de Madonna. Al mismo tiempo, inició una relación amorosa con el entrenador personal, Carlos Leon. Something to Remember, una colección de baladas, fue publicado en noviembre de 1995. El álbum incluyó tres canciones inéditas: «You’ll See», «One More Chance» y una versión del tema de Marvin Gaye, «I Want You». En años posteriores, Madonna comentó que era muy aficionada a los álbumes lanzados entre Like a Prayer y Something to Remember, «aunque estoy de acuerdo en que todos estos álbumes fueron momentos clave para mí».

En 1996 tuvo lugar el estreno de la película Evita, en la que Madonna interpretó el papel de Eva Perón. Durante mucho tiempo, Madonna había deseado personificar a Perón, e incluso escribió una carta al director Alan Parker, explicando el porqué era perfecta para el papel. Después de asegurarlo, asistió a clases de música para mejorar su voz y aprendió sobre de la historia de Argentina y Perón. Durante el rodaje cayó enferma muchas veces, comentando que «la intensidad de las escenas que hemos estado grabando, la cantidad de trabajo emocional y la concentración necesaria para terminar el día son tan agotadoras física y mentalmente, que estoy segura que tendré que ser hospitalizada cuando termine». Evita es un film histórico donde fueron necesarios casi 6.000 atuendos para las escenas. Madonna usó 370 trajes diferentes, fijando un récord Guinness por el mayor número de cambios de vestuario en una película. Después de su lanzamiento, Evita obtuvo el reconocimiento de la crítica. Zach Conner de la revista Time, comentó «es un alivio decir que Evita es realmente buena, un buen reparto y visualmente atractiva. Madonna confunde una vez más nuestras expectativas. Interpreta a Evita con un esfuerzo conmovedor y tiene algo más que un poco de calidad de una estrella. Ames u odies a Madonna-Eva, es un imán para los ojos». Madonna ganó un Globo de Oro a la mejor actriz en un musical o comedia por su papel como Eva Perón. De la banda sonora de Evita se lanzaron varios sencillos, destacando «You Must Love Me» (que ganó un Óscar a la mejor canción original en 1997) y su versión de «Don’t Cry for Me Argentina». El 14 de octubre de 1996, Madonna dio a luz a Lourdes Maria Ciccone Leon, su hija con Leon. Después del nacimiento de Lourdes, Madonna se involucró en el misticismo oriental y la Cábala, introducida a esta corriente por la actriz Sandra Bernhard en 1997.

 

1998 – 2002: Ray of Light, Music y segundo matrimonio

El séptimo álbum de estudio de Madonna, Ray of Light (1998) reflejó un cambio en su percepción y su imagen. Comentó: «este disco, más que cualquier otro, cubre todas las áreas de la vida. Me había unido recientemente a la Cábala y había dejado a un lado la fiesta, además de que recién había tenido un bebé, por lo que mi alegría estaba completa, y me encontraba increíblemente reflexiva, pensando en retrospectiva e intrigada por los aspectos místicos de la vida». El álbum recibió buenas críticas y Slant Magazine lo describió como «una de las grandes obras maestras del pop de los años 1990». Ray of Light fue galardonado con cuatro premios Grammy y apareció como uno de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos según la revista Rolling Stone. Llegó a la cima de las listas en Australia, Canadá, Reino Unido y Europa continental, el álbum también debutó en el número dos del Billboard 200 y vendió más de 20 millones de copias en todo el mundo. El primer sencillo, «Frozen», se convirtió en el primer sencillo de Madonna que debutó en el número uno en la lista UK Singles Chart, mientras que en Estados Unidos se convirtió en su sexto sencillo número dos, dándole otro récord a Madonna como la artista con más éxitos que llegaron al número dos del Billboard Hot 100. Sin embargo, la canción fue prohibida en Bélgica, por considerarse un plagio del tema de 1993, «Ma Vie fout L’camp», compuesto por el belga Salvatore Acquaviva. El segundo sencillo, «Ray of Light», debutó en el número cinco en el Billboard Hot 100. En diciembre de 1998, la relación de Madonna con Leon terminó; más tarde declaró que estaban «mejor como buenos amigos». Tras su ruptura, Madonna aceptó un papel como profesora de violín en la película Music of the Heart, pero abandonó el proyecto, alegando «diferencias creativas» con el director Wes Craven. El éxito de Ray of Light fue sucedido con el sencillo «Beautiful Stranger», grabada para la película de 1999, Austin Powers: The Spy Who Shagged Me. Alcanzó el número 19 en el Hot 100 y ganó un Grammy a la mejor canción escrita para una película, televisión u otro medio visual.

En el 2000, Madonna protagonizó la película The Next Best Thing y contribuyó con dos canciones para la banda sonora: «Time Stood Still» y el éxito internacional «American Pie». En septiembre del 2000, lanzó su octavo álbum de estudio, Music, el cual contenía elementos de la época de Ray of Light, inspirado en la música electrónica y temáticas sobre su vida personal. Sobre su colaboración con el productor francés Mirwais Ahmadzaï, Madonna comentó: «me encanta trabajar con excéntricos que nadie conoce, las personas que tienen un talento crudo y que están haciendo música a diferencia de cualquier otro por ahí. Music es el futuro del sonido». Stephen Thomas Erlewine de Allmusic consideró que Music «es como un caleidoscopio de color, técnica, estilo y sustancia. Tiene tanta profundidad y tantos niveles que fácilmente puede ser considerado tan detallado y serio como Ray of Light». El álbum tomó la posición número uno en más de veinte países en todo el mundo y vendió cuatro millones de copias en los primeros diez días que estuvo a la venta. En Estados Unidos, Music debutó en el primer lugar y se convirtió en su primer álbum número uno en once años desde Like a Prayer. El álbum produjo tres sencillos: el éxito número uno «Music», «Don’t Tell Me» y «What It Feels Like for a Girl». El video musical de «What it Feels Like for a Girl» mostraba a Madonna como una violenta asaltante anarquista que causaba choques y explosiones, por lo que fue prohibido por las cadenas MTV y VH1.

Junto con el lanzamiento del álbum Music, Madonna se involucró en una relación sentimental con Guy Ritchie, a quien había conocido en 1999 a través de Sting y su esposa, Trudie Styler. El 11 de agosto del 2000, dio a luz a su hijo, Rocco Ritchie. En diciembre, Madonna y Guy Ritchie se casaron en una ceremonia privada en Escocia. Su quinta gira, titulada Drowned World Tour, comenzó en junio del 2001. La gira visitó ciudades en Europa y América del Norte y fue una de las giras más taquilleras del año, ganando 75 millones de dólares en 47 espectáculos. También lanzó su segunda colección de grandes éxitos, titulada GHV2, coincidiendo con el lanzamiento del DVD de la gira. GHV2 debutó en el número siete en el Billboard 200. En el 2002, Madonna protagonizó la película Swept Away, dirigida por Ritchie. En el Reino Unido la película fue lanzada directamente en formato DVD, pero se convirtió en un fracaso comercial y crítico. Ese mismo año, se publicó el sencillo «Die Another Day», banda sonora de la película de James Bond, Die Another Day, en el que Madonna hizo un cameo. La canción suscitó reacciones dispares: alcanzó el número ocho en el Billboard Hot 100 y fue nominada para un Globo de Oro a la mejor canción original, pero también fue candidata a un Golden Raspberry en la categoría de peor canción.

 

2003 – 2006: American Life, libros infantiles y Confessions on a Dance Floor

En el 2003, tras el lanzamiento de «Die Another Day», Madonna colaboró con el fotógrafo de moda Steven Klein para realizar una instalación llamada «X-STaTIC Pro = CeSS». Esta incluía imágenes de una sesión de fotografías de la revista W y siete segmentos de vídeo. La instalación duró desde marzo hasta mayo en la galería Deitch Projects de Nueva York, aunque después realizó una gira mundial en una forma editada. Ese mismo año, Madonna lanzó su noveno álbum de estudio, American Life, que se basa en sus observaciones hacia la sociedad estadounidense y recibió críticas mixtas. La intérprete comentó: «[American Life] era como un viaje al baúl de los recuerdos, volteando hacia todo lo que he logrado, todo lo que alguna vez he valorado y todas las cosas que son importantes para mí». Larry Flick de The Advocate consideró que «American Life es un álbum que se encuentra entre los más aventureros y líricamente inteligentes. Es como la cara B de Music y resulta ser un esfuerzo a medias para sonar y ser tomada en serio». La canción homónima alcanzó el número 37 en el Hot 100. La emisión del vídeo musical original de «American Life» fue cancelada debido a que Madonna creyó que el vídeo, que incluía violencia e imágenes de guerra, se consideraría antipatriota dado que Estados Unidos acababa de iniciar la guerra con Irak. Con sólo cuatro millones de copias vendidas en todo el mundo, American Life es el disco menos vendido de su carrera. Más tarde en ese año, Madonna dio una presentación provocativa en los MTV Video Music Awards, interpretando el segundo sencillo de su nuevo álbum, «Hollywood», al lado de Britney Spears, Christina Aguilera y Missy Elliott. Madonna besó en los labios a Spears y Aguilera durante la canción, desencadenando un frenesí en los tabloides. En octubre del 2003, Madonna colaboró con Spears en el sencillo «Me Against the Music». A esto le siguió el lanzamiento de Remixed & Revisited, un EP que contiene versiones remezcladas de las canciones de American Life, además de incluir «Your Honesty», un tema inédito de las sesiones de grabación de Bedtime Stories. Madonna también firmó un contrato con Callaway Arts & Entertainment para ser la autora de cinco libros infantiles. El primero de estos libros, titulado The English Roses, fue publicado en septiembre del 2003. El libro narra la historia de cuatro colegialas inglesas y la envidia y celos que sienten entre sí. Kate Kellway de The Guardian comentó «[Madonna] es una actriz interpretando algo que nunca podrá ser: una J. K. Rowling, una rosa inglesa». El libro debutó en la cima de la lista de los libros más vendidos de The New York Times y se convirtió en uno de los libros para niños más vendidos de todos los tiempos.

Al año siguiente, Madonna y Maverick demandaron a Warner Music Group y su anterior casa matriz Time Warner, alegando una mala gestión de los recursos y una contabilidad pobre, que costó a la empresa millones de dólares. A cambio, Warner presentó una contra demanda argumentando que Maverick había perdido decenas de millones de dólares por cuenta propia. La disputa se resolvió cuando las acciones de Maverick, propiedad de Madonna y Ronnie Dashev, fueron compradas por Warner. La compañía de Madonna y Dashev se convirtió en una subsidiaria de Warner Music, pero Madonna aún se encontraba bajo el sello de Warner, en virtud de un contrato de grabación independiente. A mediados del 2004, Madonna comenzó la gira Re-Invention World Tour, presentándose en Estados Unidos, Canadá y Europa. Se convirtió en la gira más taquillera del 2004, ganando 125 millones de dólares. Con las grabaciones de los conciertos de la gira, se realizó un documental denominado I’m Going to Tell You a Secret. Ese mismo año, Rolling Stone clasificó a la cantante en el número 36 en su lista de los «100 mejores artistas de todos los tiempos». En enero del 2005, Madonna realizó una versión de la canción de John Lennon, «Imagine», en la ayuda por el tsunami del océano Índico, además de presentarse en el concierto benéfico Live 8 en Londres.

Su décimo álbum de estudio, Confessions on a Dance Floor, fue lanzado en noviembre del 2005 y debutó en el número uno en todos los mercados musicales más importantes. Las canciones en el álbum comenzaban con un ambiente feliz, y mientras avanzaba se volvían más intensas, con letras que hablaban más sobre sentimientos personales, por lo tanto «confesiones». Keith Caulfield de Billboard comentó que el álbum era «el regreso de la Reina del Pop». El álbum ganó un premio Grammy por mejor álbum de dance/electrónica. El primer sencillo del álbum, «Hung Up», llegó al número uno en un récord de 41 países, ganando un lugar en el Libro Guinness de los récords. «Sorry», el segundo sencillo, se convirtió en el duodécimo número uno de Madonna en el Reino Unido.

De esta manera, en mayo del 2006 se embarcó en la gira Confessions Tour, que tuvo una audiencia global de 1,2 millones de personas y recaudó más de 193,7 millones de dólares. Madonna utilizó símbolos religiosos, como el crucifijo y la corona de espinas, en la presentación de «Live to Tell», causando que la Iglesia ortodoxa rusa y la Federación de comunidades judías de Rusia instaran a todos sus miembros a boicotear su concierto. El Vaticano también protestó por el concierto, como hicieron los obispos de Düsseldorf. Madonna respondió: «mi presentación no es ni anticristiana, ni sacrílega ni blasfema. Por el contrario, es mi forma de pedir a la humanidad a ayudarnos unos a otros y ver el mundo como un todo». En el mismo año, la Federación Internacional de la Industria Fonográfica anunció que Madonna había vendido oficialmente más de 200 millones de copias de sus álbumes en todo el mundo.

Mientras estaba de gira, Madonna participó en la iniciativa Raising Malawi, al financiar parcialmente un orfanato y viajar a ese país. El 10 de octubre del 2006, presentó los documentos para la adopción de un niño del orfanato, David Banda Mwale, más tarde renombrado David Banda Mwale Ciccone Ritchie. La adopción ocasionó una fuerte reacción del público, porque la ley malauí señala que las parejas aspirantes deben residir por lo menos un año en Malaui antes de adoptar, requisito que Madonna no cumplió. La cantante se defendió en The Oprah Winfrey Show, diciendo que no existían leyes de adopción en Malaui que regularan la adopción por parte de extranjeros. Además, describió cómo Banda había sufrido de neumonía después de sobrevivir a la malaria y a la tuberculosis cuando lo conoció. El padre biológico de Banda, Yohane, comentó: «Los llamados ‘activistas por los derechos humanos’ me están hostigando a diario, amenazándome y diciendo que no soy consciente de lo que estoy haciendo. Me solicitan para defender su caso en la corte, una cosa que no puedo hacer porque sé lo que acordé con Madonna y su marido». La adopción finalizó el 28 de mayo del 2008. En el 2006, la cantante lanzó a nivel internacional una línea de ropa titulada M by Madonna, en colaboración con la empresa sueca H&M. La colección constaba de abrigos de piel, vestidos con lentejuelas, pantalones capri color crema y chaquetas con parches. H&M expresó que la colección refleja «el estilo atemporal y siempre glamoroso de Madonna».

 

2007 – 2009: Live Nation y Hard Candy

En el 2007, Madonna lanzó la canción «Hey You» para la serie de conciertos de Live Earth, presentándose en Londres. La canción estuvo disponible como una descarga gratuita durante su primera semana de lanzamiento. Madonna anunció su salida de Warner Bros. Records, al firmar un nuevo contrato con Live Nation de 120 millones de dólares por diez años. También produjo y escribió I Am Because We Are, un documental sobre los problemas que enfrenta la población malauí. El documental fue dirigido por Nathan Rissman, que previamente trabajó como jardinero de la cantante. Poco después, Madonna dirigió su primera película Filth y Wisdom. La película narra la historia de tres amigos y sus aspiraciones. Madonna comentó que fue Ritchie quien la inspiró a desarrollar el guion de la película. «Lo que importa es que todo el trabajo que hago es muy autobiográfico, directa o indirectamente, ya que ¿quién me conoce mejor que yo misma?» The Times dijo que se había puesto «orgullosa de sí misma», mientras que The Daily Telegraph describió la película como «un primer esfuerzo poco prometedor [pero que] Madonna haría bien en aferrarse a su trabajo». En diciembre del 2007, el Salón de la Fama del Rock anunció a Madonna como una de los cinco inducidos del 2008. En la ceremonia de inducción el 10 de marzo del 2008, Madonna no cantó, pero pidió a The Stooges interpretar los temas «Burning Up» y «Ray of Light». En su discurso, agradeció a Christopher Flynn, su profesor de danza de 35 años atrás, por darle el ánimo para perseguir sus sueños.

En abril del 2008, Madonna lanzó su undécimo álbum de estudio, Hard Candy. El disco contenía influencias de géneros como R&B y pop urbano y las letras eran de naturaleza más autobiográfica, además de que Madonna colaboró con Justin Timberlake, Timbaland, Pharrell Williams y Nate «Danja» Hills. Rolling Stone lo elogió como una «muestra impresionante de su próxima gira». El álbum debutó en el número uno en las listas de 37 países y en el Billboard 200. Recibió buenas críticas en todo el mundo, aunque algunos críticos lo señalaron como «un intento de alcanzar el mercado urbano». Su primer sencillo, «4 Minutes», alcanzó el número tres en el Billboard Hot 100. La canción fue el 37° éxito top ten de Madonna en el Hot 100, superando el récord de más éxitos en el top ten establecido por Elvis Presley. En el Reino Unido, Madonna obtuvo el récord de más sencillos número uno para una solista cuando «4 Minutes» se convirtió en su 13er sencillo en llegar a la cima de la lista UK Singles Chart. Después de lanzar el segundo sencillo del disco, «Give it 2 Me», Madonna se embarcó en el Sticky & Sweet Tour, su primera gira emprendida con Live Nation. Con una recaudación neta de 280 millones de dólares, se convirtió en la gira con mayores ingresos para un solista, superando el récord anterior impuesto por ella misma con el Confessions Tour. La gira se extendió hasta el año siguiente, después de agregar nuevas fechas europeas, sumando un total de 408 millones de dólares.

Life with my Sister Madonna, un libro escrito por el hermano de Madonna, Christopher Ciccone, debutó en el número dos en la lista de los más vendidos de The New York Times. La publicación no fue autorizada por Madonna y condujo a un distanciamiento entre los hermanos. También surgieron problemas entre Madonna y Ritchie y los medios de comunicación comenzaron a difundir la noticia de que estaban a punto de separarse. En última instancia, Madonna pidió el divorcio de Ritchie, citando diferencias irreconciliables, en un proceso que finalizó en diciembre del 2008. Madonna fue honrada con el Premio de oro para la artista internacional del año, en los Gold Disc Awards entregados por la Recording Industry Association of Japan, por su álbum Hard Candy. En el 2009, decidió adoptar otro niño de Malaui. Inicialmente, la Corte Suprema aprobó la adopción de Chifundo «Mercy» James; sin embargo, la solicitud fue rechazada porque Madonna no residía en Malaui. Tras la apelación hecha por sus abogados, el 12 de junio del 2009 el Tribunal Supremo de Malaui le otorgó el derecho de adoptar a Mercy James. Ese mismo año se publicó Celebration, su tercer álbum de grandes éxitos y la liberación de su contrato con Warner Music. La recopilación incluyó dos nuevas canciones «Celebration» y «Revolver», junto con 34 éxitos que abarcaban toda su carrera. Una remezcla de «Revolver» realizada por David Guetta ganó un premio Grammy a la mejor remezcla. Celebration alcanzó el número uno en el Reino Unido, empatando con Elvis Presley como el solista con más álbumes número uno en la historia británica. También apareció en los MTV Video Music Awards 2009, para hablar en homenaje a la recién fallecida estrella del pop Michael Jackson. Madonna terminó la década del 2000 como la artista con más sencillos vendidos en los Estados Unidos. También fue nombrada como la artista más escuchada de la década en el Reino Unido.

 

2010 – 2013: W.E., Super Bowl y MDNA

En enero del 2010, Madonna interpretó «Like a Prayer» en el concierto Hope for Haiti Now: A Global Benefit for Earthquake Relief. En abril lanzó su tercer álbum en vivo, Sticky & Sweet Tour; aunque fue su primer lanzamiento bajo Live Nation, fue distribuido internacionalmente por Warner Music. Ese mismo año anunció sus planes para dirigir su segunda película, W.E.. Tras la conclusión del rodaje, Madonna lanzó la línea de ropa Material Girl, que diseñó con su hija Lourdes. Esta la línea de ropa estaba inspirada por la moda de la década de 1980 y fue lanzada bajo la marca Macy’s; meses más tarde, la marca se extendió para incluir un juego de cosméticos y otros productos femeninos. Asimismo, Madonna concedió los derechos de su catálogo musical al programa de la televisión estadounidense Glee, que se utilizaron para un episodio en el que se incluyeron únicamente canciones de Madonna. Titulado «The Power of Madonna», el episodio fue aprobado por la propia cantante, diciendo en la revista US Weekly que encontró el episodio «brillante en todos los niveles», alabando las coreografías y el mensaje de igualdad que transmitía. En noviembre del 2010, Madonna también inauguró el primer gimnasio de la franquicia Hard Candy Fitness, una asociación entre Madonna, su administrador Guy Oseary y Mark Mastrov, el fundador y director ejecutivo de 24 Hours Fitness. Madonna comentó que «si alguno de ustedes ha visto mis espectáculos, sabe que no escatimo en gastos, y lo mismo se aplica al gimnasio. Gastamos lo que se necesita para hacer un gimnasio de primera clase a nivel mundial».

En el 2011 W.E., una película biográfica sobre el romance entre el rey Eduardo VIII y Wallis Simpson, se estrenó durente el Festival de Venecia y recibió críticas mixtas. Madonna contribuyó con una nueva canción titulada «Masterpiece» para la banda sonora de W.E., compuesta por ella misma, Julie Frost y Jimmy Harry, por la que recibió un Globo de Oro a mejor canción original. En diciembre del 2011, se reveló que la cantante había firmado un contrato por tres discos con Interscope Records, el cual actuaría como distribuidor.

El 5 de febrero del 2012 Madonna se presentó durante el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl XLVI, dirigido y producido por el Cirque Du Soleil y Jamie King, con LMFAO, Nicki Minaj, M.I.A. y Cee Lo Green como artistas invitados. En ese entonces se convirtió el espectáculo de medio tiempo más visto en la historia con más de 114 millones de televidentes, más que el mismo partido. Su décimo segundo álbum de estudio, MDNA, se publicó en marzo del 2012. Para su producción, Madonna se reunió con William Orbit, además de una variedad de productores como Martin Solveig, The Demolition Crew, Benny Benassi, Alle Benassi, Indiigo y Michael Malih. El álbum recibió críticas en su mayoría positivas. Priya Elan de NME lo calificó como «un juego ridículamente disfrutable», pues citó sus «cosas psicóticas e iluminadoras» como «algo de lo más visceral que ha hecho en su carera».

MDNA debutó en la primera posición del Billboard 200 y en muchos otros países. Madonna rompió el récord de Elvis Presley por ser el solista con más álbumes en la primera posición en el Reino Unido. El primer sencillo fue «Give Me All Your Luvin’», con Nicki Minaj y M.I.A. como artistas invitadas, que extendió el récord de Madonna a 38 sencillos dentro de las diez primeras posiciones en el Billboard Hot 100. Más tarde, Madonna fue criticada por su presentación en el Ultra Music Festival en Miami, Florida por su referencia al uso de drogas mientras saludaba a la audiencia. The MDNA Tour, que sirvió para promocionar el álbum, comenzó en mayo del 2012 en Tel Aviv, Israel. Madonna lo describió como «un viaje de la oscuridad a la luz». La gira fue bien recibida, pero tocaba muchos temas polémicos como la violencia, las armas, los derechos humanos, desnudez y política. Incluso la intérprete recibió demandas. La gira fue un éxito comercial y varias fechas se agotaron en cuanto los boletos salieron a la venta. Billboard lo nombró el tour más exitoso del 2012. The MDNA Tour recaudó US$ 305,2 millones de 88 conciertos totalmente vendidos, la novena gira de conciertos más recaudadora de la historia, y superó a Taking Chances Tour de Celine Dion como el segundo tour más exitoso para una solista, sólo detrás de Sticky & Sweet Tour. Gracias a esto, ganó los premios de «Mejor artista de gira», «Mejor artista dance» y «Mejor álbum dance» en los Billboard Music Awards del 2013. Además, en agosto del 2013, Forbes nombró a Madonna la celebridad con más ingresos del año, luego de ganar más de US$ 125 millones por la gira.

En conjunto con el fotógrafo Steven Klein, Madonna grabó un cortometraje de 17 minutos llamado secretprojectrevolution. La compañía BitTorrent lo publicó en septiembre del 2013, junto con la opción de realizar una donación para adquirir las versiones HD y 2K del filme, una entrevista que concedió a la revista VICE y un mensaje grabado por Madonna. Junto con el corto, Madonna también lanzó la iniciativa Art for Freedom, la cual ayuda a promover «el arte y la libertad de expresión como un medio para hacer frente a la persecución y la injusticia en todo el mundo». Como parte de la iniciativa, eligió a la cantante Katy Perry y al ilusionista David Blaine como curadores. Desde su lanzamiento en septiembre del 2013, Art For Freedom ha recibido más de 3.000 presentaciones en el mundo a través de su página oficial y sus plataformas de medios sociales. Para el 2013, se reportó que la fundación Raising Malawi había construido diez escuelas para educar a 4.000 niños del país, con un valor estimado de USD 400.000. Cuando la cantante visitó las escuelas en abril del 2013, la entonces presidenta de Malaui, Joyce Banda, la criticó y acusó de exagerar sus contribuciones al país. Banda se refirió a la cantante como abusiva y la acusó de exigir un trato especial durante su visita. Los representantes de Madonna negaron estas acusaciones y alegaron un «resentimiento» contra ella y la fundación. Madonna emitió un comunicado manifestando su tristeza sobre los comentarios «falsos» de Banda. Luego, se confirmó que Banda no había aprobado la declaración emitida por parte de su equipo de prensa −donde se acusaba a Madonna de abusiva− y que estaba «incandescente de ira» sobre la confusión.

 

2014 – Presente: Rebel Heart y otros proyectos

A principios del 2014, la intérprete realizó varias apariciones mediáticas: hizo una aparición sorpresa en la 56ª entrega de los premios Grammy el 26 de enero e interpretó «Open Your Heart» al lado de Macklemore, Ryan Lewis y Mary Lambert, quien interpretó el sencillo «Same Love», mientras 33 parejas contraían matrimonio en el escenario, que fue oficiado por Queen Latifah. Días después, acompañó a la cantante Miley Cyrus en su MTV Unplugged, donde Madonna cantó su tema «Don’t Tell Me» en un mash up con la canción de Cyrus, «We Can’t Stop». En febrero del 2014, extendió sus proyectos empresariales y presentó MDNA Skin, una gama de productos para el cuidado de la piel, en Tokio, Japón. En mayo, tras visitar su ciudad natal de Detroit, hizo donaciones a tres organizaciones benéficas dedicadas a erradicar la pobreza. Según su publicista, las mismas representaron «la primera fase de un compromiso a largo plazo con la ciudad». La propia Madonna dijo que «era obvio que tenía que involucrarme y ser parte de la solución para ayudar a Detroit a recuperarse».

Madonna también comenzó a trabajar en su decimotercer álbum de estudio con colaboradores como Avicii, Diplo y Natalia Kills. En diciembre, The New York Times informó que había sido elegida como el rostro de Versace para su campaña de primavera/verano 2015. Ese mismo mes, trece maquetas de canciones de su nuevo álbum se filtraron en Internet; la artista respondió que la mitad de los temas no serían utilizados en la versión final. Su decimotercer disco de estudio, Rebel Heart, salió al mercado el 10 de marzo del 2015. Según la propia cantante, la introspección fue uno de los temas predominantes durante el desarrollo del álbum. Tras su lanzamiento, recibió reseñas positivas por parte de los críticos musicales; muchos de ellos lo llamaron su «mejor esfuerzo en una década». Rebel Heart se convirtió en el primer álbum de Madonna en no alcanzar la primera posición del Billboard 200 desde 1998, pero alcanzó el número uno en otros mercados musicales importantes, entre ellos Australia, Canadá, Alemania e Italia. Del álbum se desprendieron los sencillos «Living for Love», «Ghosttown» y «Bitch I’m Madonna». Con Rebel Heart, estableció varios récords mundiales, entre ellos ser el acto musical con la mayor cantidad de números uno acumulados en la lista Hot Dance Club Songs de Billboard, con «Bitch I’m Madonna» convirtiéndose en su 46º número 1.

En septiembre de ese mismo año, dio inicio a la gira Rebel Heart Tour en la ciudad de Montreal, Canadá. La gira duró hasta marzo del 2016 y viajó por toda América del Norte, Europa y Asia, y fue la primera visita de la cantante a Australia en 23 años. El espectáculo contó con la apreciación crítica, quienes elogiaron a la artista por tener un «humor feliz» en los conciertos, así como la incorporación de sus primeros éxitos. Con 82 conciertos, Rebel Heart Tour recaudó 169,8 millones USD con más de un millón de entradas vendidas, por lo que Madonna extendió su récord como el solista en gira con mayores ingresos de todos los tiempos. Durante la gira, Madonna se vio envuelta en una batalla legal con su exesposo Guy Ritchie, por la custodia de su hijo Rocco. La disputa comenzó cuando el Rebel Heart Tour visitó Londres, donde Rocco decidió quedarse en la ciudad viviendo con su padre, mientras que Madonna quería que regresara con ella. Las audiencias tuvieron lugar en Nueva York y Londres; después de varias deliberaciones, la artista decidió retirar su solicitud de custodia y llegar a un acuerdo con Ritchie.

En octubre del 2016, Billboard condecoró a Madonna como «Mujer del Año» en su gala anual Women in Music. Su discurso en la ceremonia, que fue descrito como «emotivo» y «contundente [y] brutalmente honesto», recibió amplia cobertura en los medios de comunicación. Un mes después, Madonna fue una de las artistas que se opusieron a la candidatura de Donald Trump y apoyaron abiertamente a Hillary Clinton en su campaña por la presidencia de los Estados Unidos. El 7 de noviembre, la cantante realizó una presentación al aire libre en el Washington Square Park de Nueva York para demostrar su apoyo a Clinton. En dicha ocasión, interpretó sus temas «Like a Prayer», «Express Yourself», «Don’t Tell Me» y «Rebel Heart», así como versiones de «Imagine» e «If I Had a Hammer». Un día después de que Trump fuese electo como presidente, Madonna publicó en su cuenta de Instagram un video con las leyendas «¡No pierdan la esperanza!. ¡Nos levantaremos!». El 21 de enero del 2017, hizo una aparición sorpresa en la marcha de las mujeres en Washington donde, tras interpretar «Express Yourself» y «Human Nature», ofreció un discurso en el que reveló que había «pensado en hacer explotar la Casa Blanca». Dicho discurso creó gran controversia en los medios de comunicación, con algunas personalidades como Cindy Lauper criticándola y muchos simpatizantes republicanos pidiendo que fuese investigada por el FBI. Newt Gingrich, vocero en la Casa Blanca, pidió arresto contra la cantante llamándola parte de un «fascismo emergente de izquierda». El mismo Trump la calificó como «repugnante». La cantante se defendió diciendo que sus palabras habían sido «ferozmente sacadas de contexto. No soy una persona violenta, no promuevo la violencia y es importante que la gente escuche y comprenda mi discurso en su totalidad».

En febrero del 2017, Madonna obtuvo el permiso por parte de una corte de Lilongüe para adoptar a dos niñas, las gemelas de 4 años Esther y Stella. En el verano del mismo año se mudó a Lisboa, Portugal con sus hijos adoptivos y reveló que sus próximos proyectos incluían una adaptación cinematográfica de la novela de Andrew Sean Greer, The Impossible Lives of Greta Wells; tentativamente titulada Loved, la cinta retrataría la relación del protagonista y su hermano homosexual. El 8 de diciembre, se presentó en el programa estadounidense Live with Kelly and Ryan para promocionar su línea MDNA Skin. Durante esta aparición, los entrevistadores Ryan Seacrest y Kelly Ripa le preguntaron cuando volvería a lanzar nueva música, a lo que la cantante contestó que tenía «novedades» preparadas para después del 2018. Cuestionada por el periodista Anderson Cooper sobre una posible nueva gira, respondió que «en el 2017 fui madre, pero en el 2018 volveré».

Madonna

ÁLBUMES
1983 Madonna
1984 Like A Virgin
1986 True Blue
1989 Like A Player
1992 Erotica
1994 Bedtime Stories
1998 Ray Of Light
2000 Music
2003 American Life
2005 Confessions On A Dance Floor
2008 Hard Candy
2012 MDNA
2015 Rebel Heart

 

Créditos

El MiniPodcast

con Alex Cardona

es presentado por:

LaBuona.it, Italian Brand.
Sun Energy Lights, SEL-Colombia.com, ¡La Energía Que Se Renueva!
LaBuonaPiada.com, ¡La Tradizione Che Si Evolve!
GeralCN.com, ¡Joyería Contemporánea!
AlexandrosQuiro.com, ¡Tus Masajes A Domicilio!
MarianDValencia.es, ¡La Voz De Oro!
RapidoYEconomico.com, multimedia/graphic/web
AlexanderCardonaNieto.com, ACN FreeLancer.

Este MiniPodcast

Es grabado y producido en los estudios de
ACN Medios en España con el respaldo de:
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Madonna Louise Veronica Ciccone, conocida simplemente como Madonna, es una cantante, compositora, actriz y empresaria estadounidense. Pasó sus primeros años en Bay City y en 1977 se mudó a la ciudad de Nueva York para realizar una carrera de danza... Escuchar el MiniPodcast


Madonna







FICHA GENERAL







Origen


1958
Bay City, Michigan | Estados Unidos







Géneros


Pop
Dance
Electronic
Rock
House







Período de actividad


1979 – Presente







Sellos discográficos


Sire Records
Warner Bros. Records
Maverick Records
Live Nation Records
Interscope Records







Sitio web


Madonna.com







Otros nombres


La Reina del Pop
La Chica Material
La Ambición Rubia
Dita
M-dolla
Madge





Madonna Louise Veronica Ciccone, conocida simplemente como Madonna, es una cantante, compositora, actriz y empresaria estadounidense. Pasó sus primeros años en Bay City y en 1977 se mudó a la ciudad de Nueva York para realizar una carrera de danza contemporánea. Después de participar en dos grupos musicales, Breakfast Club y Emmy, en 1982 firmó con Sire Records (filial de Warner Bros. Records) y lanzó su álbum debut Madonna al año siguiente. Siguió lanzando una serie de álbumes en los que encontró una inmensa popularidad, superando los límites de contenido de las letras de sus canciones y explotando las imágenes en sus vídeos musicales, que a lo largo de su carrera se han convertido en piezas de arte. Muchas de sus canciones han alcanzado el número uno en las listas musicales de varios países alrededor del mundo; sus mayores éxitos incluyen temas como «Like a Virgin», «Material Girl», «Papa Don’t Preach», «La isla bonita», «Like a Prayer», «Express Yourself», «Vogue», «Frozen», «Music», «Hung Up» y «4 Minutes». Madonna ha sido elogiada por los críticos por sus producciones musicales y puestas en escena, dándole el título de «La Reina del Pop».


Su carrera se vio reforzada por sus papeles en diversas películas por las que ha recibido comentarios variados. Su protagónico más elogiado es el de Eva Perón para la película Evita de 1996, por el que incluso ganó un Premio Globo de Oro por mejor actriz de comedia o musical; pero ha recibido críticas negativas por otros papeles. Otras ocupaciones de Madonna incluyen ser diseñadora de moda, escritora de libros infantiles, directora de cine y productora discográfica,]]>
Alexander Cardona Nieto clean 25:24
0021 - Jamiroquai https://www.lamaquinadelamusica.com/0021-minipodcast-con-alex-cardona-la-maquina-de-la-musica/ Sun, 10 Jun 2018 18:21:04 +0000 https://www.lamaquinadelamusica.com/?p=1251 Jamiroquai es un grupo británico de funk y acid jazz que incluye matices de música disco y sonoridades de electrónica. Fue formado en 1992 por su líder, el cantante Jason "Jay" Kay, junto a Toby Smith, Stuart Zender, Nick Van Gelder y Wallis......... Escuchar el MiniPodcast

Jamiroquai

Jamiroquai

FICHA GENERAL
Origen 1992
Londres, Inglaterra | Reino Unido
Géneros Funk
Acid Jazz
Jazz-Funk
Pop
Disco
Período de actividad 1992 – Presente
Sellos discográficos Virgin Records
EMI Records
Columbia Records
Epic Records
Universal Records
Mercury Records
Acid Jazz Records
Sony Soho Square Records
Work Records
Sitio web Jamiroquai.com
Miembros Jay Kay
Derrick McKenzie
Sola Akingbola
Rob Harris
Matt Johnson
Paul Turner
Nate Williams

Jamiroquai es un grupo británico de funk y acid jazz que incluye matices de música disco y sonoridades de electrónica. Fue formado en 1992 por su líder, el cantante Jason “Jay” Kay, junto a Toby Smith (teclados), Stuart Zender (bajo), Nick Van Gelder (batería) y Wallis Buchanan (didgeridoo). Con el tiempo, la banda ha sufrido numerosos cambios, tanto es así que con la excepción de Jason Kay ninguno de los integrantes originales permanece en el grupo en la actualidad.

Desde su primer disco grabado en 1992 Jamiroquai fue uno de los principales grupos de referencia en el panorama funk internacional, a la cabeza del movimiento denominado acid jazz, en el que militaban bandas como Brand New Heavies, Incognito, Galliano y Corduroy. Nacido en Londres, Jamiroquai supuso una actualización y puesta al día del funk en los años noventa del siglo XX.

El nombre “Jamiroquai” surge de la unión del nombre de la tribu indígena norteamericana de los iroqueses, con la cual Kay dice identificarse mentalmente, y el término Jam, proveniente de la palabra jamming, improvisación musical. Hasta el momento la banda ha logrado vender más de cuarenta millones de álbumes en todo el mundo y ha ganado numerosos premios como el Grammy, Brit award y MTV Video Music Award.


Historia
Inicios: Emergency on Planet Earth y The Return of the Space Cowboy

Habiendo sido rechazado en una audición como cantante de la banda Brand New Heavies, Jay Kay decidía formar su propia banda, ya con el nombre de Jamiroquai. Su primer sencillo, «When You Gonna Learn?», fue grabado en 1989 y salió al mercado en 1992 con el sello Acid Jazz, propiedad de Eddie Piller.

A partir del éxito de este sencillo, la banda firmó un contrato con la discográfica Sony BMG Music Entertainment para grabar ocho álbumes por un millón de libras esterlinas. Al poco tiempo lanzaban su primer disco, Emergency on Planet Earth, grabado en 1993. Las letras de contenido social combinadas con los ritmos pop, funk, samba y acid jazz generaron un éxito inmediato, llegando al primer lugar de las listas de ventas en el Reino Unido durante tres semanas seguidas. Incluía canciones como la antes mencionada «When You Gonna Learn?», «Emergency on Planet Earth», «Blow Your Mind» y «Too Young To Die». Este último fue el primer sencillo en llegar al top 10 de los más vendidos en el Reino Unido.

Después del éxito del primer disco, en 1994 sale al mercado The Return of the Space Cowboy, con un sonido más funk y acid jazz, abandonando un tanto la música instrumental, y con letras del mismo estilo de su disco anterior. Contiene temas como «Space Cowboy», canción polémica que fue censurada en Inglaterra por, supuestamente, hacer apología del consumo de cannabis. Otros temas incluidos eran «Stillness in Time» y «Half The Man», con un videoclip muy sencillo, «Scam», de contenido social, o «Just Another Story». El disco obtuvo tanto éxito como el anterior, pero no llegó al primer lugar en ventas en el Reino Unido, quedándose en el segundo.

 

La era dorada: Travelling Without Moving y Synkronized

La llegada al gran público y la fama mundial la obtienen con su tercer álbum Travelling Without Moving (1996), el disco más vendido de la banda, y el disco de funk más vendido en la historia de la música según el Guinness World Records con doce millones de copias en todo el mundo. También es el último disco grabado con el bajista Stuart Zender.

El álbum generó dos éxitos : «Virtual Insanity», canción que abre el disco y «Cosmic Girl», una de las cumbres del acid Jazz. También contiene otros temas como Travelling Without Moving, o «Alright», que la banda utilizó en su presentación en el programa humorístico norteamericano Saturday Night Live, o «High Times», cuyo videoclip fue grabado en São Paulo, Río de Janeiro y Santiago de Chile. El disco les abrió las puertas del mercado norteamericano, lo que se vio confirmado en 1997, cuando el single «Virtual Insanity» obtuvo cuatro premios en los MTV Video Music Awards, entre ellos Mejor Video del Año y Mejor Cinematografía. El video también entró entre los 100 mejores videoclips de la historia de la cadena MTV. Travelling Without Moving es quizá el disco que ha dado mayor difusión al acid jazz.

Ese toque de acid jazz de los tres discos publicados era menos evidente en Synkronized de 1999, con una cierta orientación a sonidos similares a los ofrecidos por artistas como Stevie Wonder. Entra al bajo Nick Fyffe, lo que acentúa el lado funk del grupo. La banda empezó a usar la música electrónica, y sus letras abandonan, al menos en parte, la temática social, centrándose Jay Kay en sus recuerdos de juventud. Ello queda patente en letras como las de «Black Capricorn Day» y «Soul Education».

Synkronized incluía uno de los temas más conocidos de la banda, «Canned Heat», que ocupó el cuarto puesto entre los más vendidos del Reino Unido, y fue utilizado en las películas Center Stage (2000) y Napoleon Dynamite (2004). Otras canciones fueron «King for a day», con un estilo musical diferente al habitual de la banda, o «Falling» una melodía pop con un toque de jazz. Otro tema de este álbum utilizado en la banda sonora de una película fue «Deeper Underground», concretamente en la versión de 1998 de Godzilla; la canción llegó al número uno entre los singles británicos.

 

Influencia funk: A Funk Odyssey, Dynamite y Greatest Hits

El interés de Jay Kay en el funk y en la música disco hizo que la banda cambiara un tanto su estilo inicial. La influencia de la música disco en su quinto álbum A Funk Odyssey (2001), es ya evidente. El álbum generó el sencillo «Little L» número uno en las listas mundiales, junto con otros temas que alcanzaron asimismo el reconocimiento, como «Love Foolosophy» o «You Give Me Something». El disco se abre con una canción electrónica, «Feels so Good». Durante este periodo, después de más de 10 años, Toby Smith, deja la banda para estar más tiempo con su familia y buscar otras experiencias musicales.

Tras este período de éxito ininterrumpido, se produce el lanzamiento del su sexto álbum, Dynamite, en junio del 2005. Alcanzó el puesto 34º en las listas británicas, obteniendo un moderado éxito a nivel mundial. El disco se caracteriza por su diversidad de ritmos, desde temas bailables como «(Don’t) Give Hate A Chance», cortes con más toque de jazz como «Talullah». También en el disco, «Feels Just Like It Should» formó parte de la banda sonora del videojuego «FIFA 06» de EA Sports, una versión remix fue utilizada en la banda sonora de otro juego, «Need For Speed: Most Wanted». El disco tiene dos versiones, una normal (CD) y otra en DVD (DualDisc); la edición para Latinoamérica, Estados Unidos y algunos países de Europa contenía sólo once temas; las de Reino Unido y Japón contaban con una décimosegunda canción «(Time Won’t Wait)». La edición japonesa incluye hasta una décimotercera canción, un remix de «Feels So Good» del disco A Funk Odyssey.

Jamiroquai editó su primer disco recopilatorio High Times: Singles 1992-2006 Greatest Hits, recogiendo los mejores temas de la banda desde su puesta en escena en 1993 más dos temas nuevos («Runaway» y «Radio»). El álbum incluye remixes además de todos los videoclips de la banda y logró vender más de un millón de copias en el mundo, lo que sumado a sus otros álbumes la banda, totalizaba más de veinticinco millones de unidades en todo el mundo hasta ese momento, sin contar la venta de DVD y sencillos.

En marzo del 2006, la banda anunció que dejaba su casa disquera Sony Music y firmaba un nuevo contrato con Columbia Records, una subsidiaria de Sony-BMG.

 

Jay Kay vs. Sony

Jay Kay expresó su molestia hacia la casa discográfica Sony BMG Music Entertainment en el 2006, en una entrevista en el Sydney Morning Herald. “Hoy en día el 18% es música y el 82% es publicidad de mierda”. También afirmó que si volvía a hacer un nuevo álbum lo vendería vía internet por cinco dólares, y que el recopilatorio «High Times: Singles 1992-2006» había sido puesto a la venta por obligación contractual con la casa discográfica; él se había limitado a prestar su consentimiento y su imagen al lanzamiento. Se llegó a especular con la separación de Jay de Jamiroquai, desmentida por el propio cantante: el líder de la banda culpó a la prensa de malinterpretar sus palabras. Kay declaró: “Como siempre (los periodistas) lo tomaron de la forma equivocada para tener un titular barato. Todo lo que dije fue que nos tomaremos un tiempo para reacondicionar el estudio y que volveremos a hacer música en un par de meses. No hay ninguna posibilidad de que yo renuncie al negocio de la música. Ahora que finalicé el contrato con Sony/BMG, contamos con varias opciones a nuestra disposición; simplemente nos tomaremos tiempo para ver cuál es la correcta”.

 

(2006 – Actualidad) Rock Dust Light Star, gira mundial (2010-2014),y Automaton

Jay Kay anunció en el 2009 la firma de un nuevo contrato con Universal Records, filial de Universal Music. Crecían los rumores acerca del nuevo álbum de Jamiroquai; Jason Kay declaró en abril del 2010 que tenían para el album cuarenta canciones inéditas. Después de numerosos rumores, en julio del 2010 se hizo público el nombre del disco Rock Dust Light Star, que saldría el 1 de noviembre del 2010, con el sencillo promocional «White Knuckle Ride», lanzado el 31 de agosto del 2010 en el programa de la BBC Radio 1. El primer single oficial del disco, «Blue Skies» fue lanzado el 1 de noviembre. Los videos musicales de ambas canciones se estrenaron en el canal oficial de Youtube de la banda el 25 de septiembre del 2010.

El 1 de octubre del 2010, con el rediseño de la página web oficial de la banda se mostró un nuevo video de la banda grabando en el estudio. Se desvelaron varios títulos de sus canciones: “All Mixed Up In You”, “I’ve Been Working” y “Super Highway”, que hasta ahora son inéditas. Se grabaron un total de cuarenta canciones para el disco, quince de ellas serían lanzadas al mercado en diferentes formatos (CD, vinilo, versión japonesa, edición deluxe). El disco en líneas generales es variado en generos , pero con una predominancia del soul jazz, con temas como Blue Skies, Never Gonna Be Another, Two Completely Different Things o el tema que el da nombre al álbum.

La promoción oficial del disco empezó el 7 de octubre del 2010 en México durante una conferencia de prensa donde Jay Kay, Derrick McKenzie, Sola Akingbola, Matt Johnson, Paul Turner y Rob Harris hicieron su aparición antes de los conciertos de Brasil y Colombia. También se trató el tema de una posible gira mundial en el 2011, que se realizó desde ese año hasta mediados del 2014. En el 2011 se lanzó un single llamado Smile, con una fuerte influencia funk y jazz.

Tras 7 años de silencio discográfico de la banda, a finales de enero del 2017 la banda anuncio el lanzamiento del álbum “Automaton”, con el lanzamiento de single homónimo, que tiene una marcada influencia de electro funk, que a muchos fans recordó los primeros trabajos de Daft Punk, también anunciaron después de mucho tiempo el fixture de conciertos que darían en Europa y Asia durante el 2017. El 10 de febrero lanzaron en youtube y todas las plataformas de música streaming, el segundo sencillo del álbum titulado “Cloud 9”, que recuerda a muchos de los éxitos de la banda en los 90, con un acento marcado en la música disco y el funk. El álbum salió a la venta el 31 de marzo del 2017, llegando al número 1 en la lista de Billboard’s Dance/Electronic.

Toby Smith, miembro fundador y ex tecladista de la banda quién participó en los primeros cinco álbumes de estudio, falleció el 11 de abril del 2017 a los 46 años.

Jamiroquai

ÁLBUMES
1993 Emergency On Planet Earth
1994 The Return Of The Space Cowboy
1996 Travelling Without Moving
1999 Synkronized
2001 A Funk Odyssey
2005 Dynamite
2010 Rock Dust Light Star
2017 Automaton

 

Créditos

El MiniPodcast

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Sun Energy Lights, SEL-Colombia.com, ¡La Energía Que Se Renueva!
LaBuonaPiada.com, ¡La Tradizione Che Si Evolve!
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Jamiroquai es un grupo británico de funk y acid jazz que incluye matices de música disco y sonoridades de electrónica. Fue formado en 1992 por su líder, el cantante Jason "Jay" Kay, junto a Toby Smith, Stuart Zender, Nick Van Gelder y Wallis......... Escuchar el MiniPodcast


Jamiroquai







FICHA GENERAL







Origen


1992
Londres, Inglaterra | Reino Unido







Géneros


Funk
Acid Jazz
Jazz-Funk
Pop
Disco







Período de actividad


1992 – Presente







Sellos discográficos


Virgin Records
EMI Records
Columbia Records
Epic Records
Universal Records
Mercury Records
Acid Jazz Records
Sony Soho Square Records
Work Records







Sitio web


Jamiroquai.com







Miembros


Jay Kay
Derrick McKenzie
Sola Akingbola
Rob Harris
Matt Johnson
Paul Turner
Nate Williams





Jamiroquai es un grupo británico de funk y acid jazz que incluye matices de música disco y sonoridades de electrónica. Fue formado en 1992 por su líder, el cantante Jason “Jay” Kay, junto a Toby Smith (teclados), Stuart Zender (bajo), Nick Van Gelder (batería) y Wallis Buchanan (didgeridoo). Con el tiempo, la banda ha sufrido numerosos cambios, tanto es así que con la excepción de Jason Kay ninguno de los integrantes originales permanece en el grupo en la actualidad.


Desde su primer disco grabado en 1992 Jamiroquai fue uno de los principales grupos de referencia en el panorama funk internacional, a la cabeza del movimiento denominado acid jazz, en el que militaban bandas como Brand New Heavies, Incognito, Galliano y Corduroy. Nacido en Londres, Jamiroquai supuso una actualización y puesta al día del funk en los años noventa del siglo XX.


El nombre “Jamiroquai” surge de la unión del nombre de la tribu indígena norteamericana de los iroqueses, con la cual Kay dice identificarse mentalmente, y el término Jam, proveniente de la palabra jamming, improvisación musical. Hasta el momento la banda ha logrado vender más de cuarenta millones de álbumes en todo el mundo y ha ganado numerosos premios como el Grammy, Brit award y MTV Video Music Award.



Historia
Inicios: Emergency on Planet Earth y The Return of the Space Cowboy
Habiendo sido rechazado en una audición como cantante de la banda Br...]]>
Alexander Cardona Nieto clean 25:24
0020 - Michael Jackson https://www.lamaquinadelamusica.com/0020-minipodcast-con-alex-cardona-la-maquina-de-la-musica/ Sun, 03 Jun 2018 10:40:25 +0000 https://www.lamaquinadelamusica.com/?p=1244 Michael Joseph Jackson fue un cantante, compositor, productor discográfico, bailarín, actor y filántropo estadounidense. Conocido como el «Rey del Pop», sus contribuciones y reconocimiento en la historia de la música y el baile, así como su.......... Escuchar el MiniPodcast

Michael Jackson

Michael Jackson

FICHA GENERAL
Origen 1958
Gary, Indiana | Estados Unidos
Géneros Pop
Soul
Rhythm And Blues
Funk
Rock
Disco
Post-Disco
Dance Pop
New Jack Swing
Período de actividad 1964 – 2009
Sellos discográficos Steeltown Records
Motown Records
Epic Records
Legacy Records
Sony Records
MJJ Productions
Sitio web MichaelJackson.com
Artistas Relacionados The Jackson 5
Quincy Jones

Michael Joseph Jackson (Gary, Indiana, 29 de agosto de 1958 – Los Ángeles, California, 25 de junio del 2009) fue un cantante, compositor, productor discográfico, bailarín, actor y filántropo estadounidense. Conocido como el «Rey del Pop», sus contribuciones y reconocimiento en la historia de la música y el baile, así como su publicitada vida personal, lo convirtieron en una figura internacional en la cultura popular durante más de cuatro décadas. Es reconocido como la estrella de música pop más exitosa en el mundo. Sin embargo, su música incluyó una amplia acepción de subgéneros como el rhythm and blues (soul y funk), rock, disco y dance.

Comenzó su carrera artística a mediados de los años 60 en la agrupación musical The Jackson 5, en la cual publicó, junto con algunos de sus hermanos, diez álbumes hasta 1975. En 1971 inició su carrera como solista, aunque siguió perteneciendo al grupo. A principios de los 80, Jackson se convirtió en una figura dominante en la música popular. Sus videos musicales, incluyendo los de «Beat It», «Billie Jean» y «Thriller» de su álbum de 1982 Thriller, son acreditados como una ruptura de las barreras raciales y la transformación del medio en una forma de arte y herramienta promocional. La popularidad de éstos ayudó a llevar a la cadena televisiva MTV a la fama. El álbum Bad de Jackson de 1987 produjo el número uno de los sencillos “I Just Can’t Stop Loving You”, “Bad”, “The Way You Make Me Feel”, “Man in the Mirror” y “Dirty Diana” en el Billboard Hot 100, convirtiéndose en el primer álbum en tener cinco sencillos número uno en el Billboard Hot 100. Continuó innovando con videos como Black or White y Scream a lo largo de la década de 1990, y forjó una reputación como artista solista en varias giras. A través de sus presentaciones en escena y en video, Jackson popularizó una serie de técnicas de danza complicadas, como el robot y el moonwalk, a las que dio el nombre. Su sonido y estilo distintivos han influido en numerosos artistas de diversos géneros musicales.

Thriller es el álbum más vendido de todos los tiempos, con ventas estimadas de 65 millones de copias en todo el mundo. Los otros álbumes de Jackson, incluyendo Off the Wall (1979), Bad (1987), Dangerous (1991) y HIStory (1995), también figuran entre los álbumes más vendidos de la historia. Con Off the Wall, Jackson se convirtió en el primer artista en solitario en tener cuatro sencillos del mismo álbum dentro del top 10 del Billboard Hot 100. Es reconocido como el artista más exitoso de todos los tiempos por El libro Guinness de los récords. Jackson es uno de los pocos artistas que han sido introducidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll dos veces, y también fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores y el Salón de la Fama de la Danza como el único bailarín de música pop y rock. Sus otros logros incluyen varios récords mundiales Guinness, 13 premios Grammy, el premio Grammy Leyenda, el premio Grammy a la carrera artística, 26 premios American Music —más que cualquier otro artista— incluyendo el «Artista del Siglo» y «Artista de los años 80», 13 sencillos número uno en Estados Unidos durante su carrera en solitario —más que cualquier otro artista masculino en la era Hot 100— y ventas estimadas de más de 350 millones de discos en todo el mundo. Jackson ganó cientos de premios, convirtiéndolo en el artista más premiado en la historia de la música popular. Se convirtió en el primer artista en la historia en tener un top diez en el Billboard Hot 100 en cinco décadas diferentes cuando “Love Never Felt So Good” alcanzó el número nueve el 21 de mayo del 2014. Jackson viajó por todo el mundo asistiendo a eventos en honor a su solidaridad, y en el 2000, Guinness World Records lo reconoció por apoyar a 39 organizaciones benéficas, más que cualquier otro artista.

Aspectos de la vida personal de Jackson, incluyendo su apariencia cambiante, relaciones personales y comportamiento, generaron controversia. En 1993, fue acusado de abuso sexual infantil, pero el caso civil fue resuelto fuera de la corte por un monto no revelado y no se presentaron cargos formales. En el 2005, fue juzgado y absuelto de nuevas acusaciones de abuso sexual infantil y varios otros cargos después de que el jurado lo declaró inocente en todos los cargos. Mientras se preparaba para su serie de conciertos de regreso, This Is It, Jackson murió de intoxicación aguda de propofol y benzodiazepina el 25 de junio del 2009, después de sufrir un paro cardiaco. El forense del condado de Los Ángeles dictaminó que su muerte era un homicidio, y su médico personal, Conrad Murray, fue declarado culpable de homicidio involuntario. La muerte de Jackson provocó conmoción general, y la transmisión en directo de su funeral fue vista en todo el mundo. En el 2010, Sony firmó un contrato con su familia por 250 millones de dólares para retener los derechos de distribución de sus discos y publicar siete álbumes póstumos hasta el 2017. Forbes clasifica a Jackson como una de las celebridades fallecidas con más ingresos, con ganancias de 825 millones de dólares hasta el 2016, la cantidad anual más alta jamás registrada por la publicación.


Biografía
1958 – 1975: Vida temprana y los Jackson 5

Michael Joseph Jackson nació el 29 de agosto de 1958. Era el octavo de los diez hijos de la familia Jackson, una familia afroamericana de clase trabajadora que vivía en una casa de dos dormitorios en Jackson Street, en Gary, Indiana, una ciudad industrial en el área metropolitana de Chicago. Su madre, Katherine Esther Scruse, era una devota testigo de Jehová. Ella tocaba clarinete y piano y una vez aspiró a ser una artista country & western, pero trabajó a tiempo parcial en Sears para apoyar a la familia. El padre de Michael, Joseph Walter “Joe” Jackson, un ex boxeador, era un trabajador del acero en U.S. Steel. Joe actuaba como guitarrista en una banda local de rhythm and blues, los Falcons, para complementar los ingresos de la familia. Michael creció con tres hermanas (Rebbie, La Toya y Janet) y cinco hermanos (Jackie, Tito, Jermaine, Marlon y Randy). Un sexto hermano, el gemelo de Marlon, Brandon, murió poco después del nacimiento.

Jackson tenía una relación problemática con su padre. En el 2003, Joe reconoció que él regularmente lo azotaba siendo niño. También se dijo que Joe había abusado verbalmente de su hijo, a menudo diciendo que tenía una “nariz gorda”. Jackson declaró que en su niñez fue abusado física y emocionalmente durante los ensayos incesantes, aunque acreditó que la disciplina terminante de su padre jugó un papel importante en su éxito. En una entrevista con Martin Bashir para el documental del 2003, Living with Michael Jackson, Jackson recordó que Joe a menudo se sentaba en una silla con un cinturón en la mano mientras él y sus hermanos ensayaban, y que «si no lo hacías de la manera correcta, te daba una paliza, realmente te azotaba». Los padres de Jackson han disputado las alegaciones de abuso durante mucho tiempo, con Katherine afirmando que mientras azotar es considerado abuso hoy en día, era una forma todavía común de disciplinar a los niños en esa época. Jackie, Tito, Jermaine y Marlon también han dicho que su padre no era abusivo y que los azotes, más difíciles de afrontar para Michael porque era más joven, los mantuvieron disciplinados y fuera de problemas. Hablando abiertamente sobre su infancia en una entrevista con Oprah Winfrey transmitida en febrero de 1993, Jackson reconoció que su juventud había sido solitaria y aislada. Su profunda insatisfacción con su apariencia, sus pesadillas y sus problemas crónicos de sueño, su tendencia a permanecer hiperobediente, especialmente con su padre, y a permanecer infantil en la edad adulta, son consistentes como efectos del maltrato que sufrió cuando era niño. Su padre cometió adulterio varias veces, y fruto de una de estas relaciones extramatrimoniales tuvo una hija. Ese tipo de relación hizo que la pareja no se sintiese a gusto con su relación nupcial, por lo que desde el 2005 la pareja decidió dejar de vivir junta y en agosto del 2010 anunciaron su separación después de 60 años de matrimonio.

Desde temprana edad Michael demostró interés por la música cuando cantaba en las celebraciones navideñas del jardín de infancia al que asistía. En 1964, Michael y Marlon se unieron a los Jackson Brothers —la banda formada por su padre, que incluía a los hermanos Jackie, Tito y Jermaine— como músicos de reserva tocando congas y pandereta.

En 1965, Michael comenzó a compartir la voz principal con su hermano mayor Jermaine, y el nombre del grupo fue cambiado a los Jackson 5. Al año siguiente, el grupo ganó un importante show de talentos locales con Jackson interpretando el baile del éxito de 1965 de Robert Parker “Barefootin’”. De 1966 a 1968 realizaron una gira por el Medio Oeste, actuando frecuentemente en una cadena de clubes negros conocidos como el “Chitlin’ Circuit” como teloneros de artistas como Sam & Dave, The O’Jays, Gladys Knight y Etta James. Los Jackson 5 también actuaban en clubes nocturnos y salas de fiesta, donde espectáculos de striptease y otros actos de adultos se realizaban, y en auditorios locales y bailes de la escuela secundaria. En agosto de 1967, mientras viajaban por la costa Este, el grupo ganó un concierto semanal de noche para amateurs en el Teatro Apollo en Harlem.

Los Jackson 5 grabaron luego varias canciones, incluyendo su primer sencillo «Big Boy» (1968), para Steeltown Records, una discográfica de Gary, antes de firmar con Motown en 1969. La revista Rolling Stone describió más tarde al joven Michael como un “prodigio” con “abrumadores regalos musicales” que “rápidamente surgía como la principal atracción y cantante principal.” El grupo fijó un récord en las listas cuando sus primeros cuatro sencillos —“I Want You Back” (1969), “ABC” (1970), “The Love You Save” (1970) y “I’ll Be There” (1970)— llegaron al número uno en el Billboard Hot 100. Con lo obtenido por las ventas, en mayo de 1971, la familia Jackson se pudo mudar a una gran casa en un terreno de dos acres en Encino, California. Durante este período, Michael evolucionó de niño intérprete a ídolo adolescente. Mientras Jackson comenzaba a emerger como solista en los tempranos años 70, él mantuvo lazos con los Jackson 5 y la Motown. Entre 1972 y 1975, Michael lanzó cuatro álbumes en solitario con Motown: Got to Be There (1972), Ben (1972), Music & Me (1973) y Forever, Michael (1975). “Got to Be There” y “Ben”, las canciones del título de sus dos primeros álbumes en solitario, se convirtieron en sencillos exitosos, al igual que una versión de “Rockin’ Robin” de Bobby Day.

Los Jackson 5 se describieron más adelante como “un ejemplo de vanguardia de artistas crossover negros”. Aunque las ventas del grupo comenzaron a declinar en 1973, y los miembros se irritaron ante la negativa de Motown en permitirles mayor creatividad, alcanzaron varios éxitos top 40, incluyendo el sencillo top cinco “Dancing Machine” (1974), antes de dejar Motown en 1975.

 

1975 – 1981: Traslado a Epic y Off the Wall

En junio de 1975, The Jackson 5 firmaron con Epic Records, una filial de CBS Records, y cambiaron su nombre por el de «The Jacksons». El hermano menor Randy se unió formalmente a la banda en esta época, mientras que Jermaine decidió quedarse con Motown y seguir una carrera en solitario. The Jacksons continuaron sus giras musicales, y lanzaron seis álbumes más entre 1976 y 1984. Michael, compositor principal del grupo durante este tiempo, escribió éxitos como «Shake Your Body (Down to the Ground)» (1979), «This Place Hotel» (1980) y «Can You Feel It» (1980).

En 1978, el cantante interpretó el papel de Espantapájaros en la película El Mago, nueva versión del musical El Mago de Oz (1939) realizada esta vez por actores de origen afroamericano. La película —dirigida por Sidney Lumet y coprotagonizada por Diana Ross, Nipsey Russell y Ted Ross— fue un fracaso en taquilla. Su score fue arreglado por Quincy Jones, a quien Jackson había conocido previamente cuando tenía 12 años en la casa de Sammy Davis Jr. Jones acordó producir el próximo álbum en solitario de Jackson. Durante su estancia en Nueva York, Jackson frecuentó la discoteca Studio 54 y fue expuesto al hip hop temprano, influenciando su beatboxing en futuras canciones como “Workin’ Day and Night”. En 1979, Jackson se rompió la nariz durante una compleja rutina de baile. Su posterior rinoplastia no fue un éxito completo; se quejaba de dificultades respiratorias que afectarían su carrera. Fue enviado al Dr. Steven Hoefflin, quien realizó la segunda rinoplastia de Jackson y operaciones posteriores.

El quinto álbum en solitario de Jackson, Off the Wall (1979), coproducido por Jackson y Jones, estableció a Jackson como intérprete en solitario. El álbum ayudó a Jackson a pasar del bubblegum pop de su juventud a los sonidos más complejos que crearía como adulto. Los compositores del álbum incluían a Jackson, Rod Temperton, Stevie Wonder y Paul McCartney. Off the Wall fue el primer álbum en solitario que generó cuatro éxitos en los 10 mejores en Estados Unidos: “Off the Wall”, “She’s Out of My Life” y los sencillos “Don’t Stop ‘Til You Get Enough” y “Rock with You”. El álbum alcanzó el número tres en el Billboard 200 y finalmente vendió más de 20 millones de copias en todo el mundo. En 1980, Jackson ganó tres Premios American Music por sus esfuerzos en solitario: Álbum Soul/R&B Favorito, Mejor Artista Masculino Soul/R&B y Sencillo Soul/R&B Favorito para “Don’t Stop ‘Til You Get Enough”. También ganó premios Billboard Year-End por Top Black Artist y Top Black Album, y un premio Grammy por Mejor Interpretación Vocal de R&B Masculina en 1979 con “Don’t Stop ‘Til You Get Enough”. En 1981 Jackson fue el ganador de los Premios American Music por Álbum Soul/R&B Favorito y Mejor Artista Masculino Soul/R&B. A pesar de su éxito comercial, Jackson sentía que Off the Wall debería haber tenido un mayor impacto, y estaba decidido a superar las expectativas con su próximo lanzamiento. En 1980, obtuvo la tasa de regalías más alta en la industria de la música: el 37 por ciento de los beneficios del álbum al por mayor.

Jackson grabó con el cantante de Queen Freddie Mercury desde 1981 a 1983, incluyendo una maqueta de “State of Shock”, “Victory” y “There Must Be More to Life Than This”. Las grabaciones estaban destinadas a un álbum de duetos, pero, según el entonces manager de Queen, Jim Beach, la relación entre los cantantes se agrió cuando Jackson insistió en traer una llama al estudio de grabación. Las colaboraciones no fueron lanzadas oficialmente hasta el 2014. Jackson pasó a grabar el sencillo “State of Shock” con Mick Jagger para el álbum de los Jacksons Victory (1984). Mercury incluyó la versión en solitario de “There Must Be More To Life Than This” en su álbum Mr. Bad Guy (1985). En 1982, Jackson combinó sus intereses en la composición y el cine cuando contribuyó con la canción “Someone in the Dark” al audiolibro para la película E. T., El Extraterrestre. La canción, con Jones como su productor, ganó un Grammy al Mejor Álbum para Niños en 1983.

 

1982 – 1983: Thriller y Motown

Un éxito aún mayor vino con el sexto álbum de Jackson, Thriller, lanzado a finales de 1982. El álbum le valió a Jackson siete Grammys más y ocho premios American Music, entre ellos el Premio al Mérito, el artista más joven en ganarlo. Fue el álbum más vendido en todo el mundo en 1983, y se convirtió en el álbum más vendido de todos los tiempos en los Estados Unidos y el álbum más vendido de todos los tiempos en todo el mundo, vendiendo un estimado de 65 millones de copias. Encabezó la lista Billboard 200 durante 37 semanas y estuvo entre los 10 primeros de los 200 álbumes más importantes durante 80 semanas consecutivas. Fue el primer álbum en tener siete sencillos top 10 en el Billboard Hot 100, incluyendo “Billie Jean”, “Beat It” y “Wanna Be Startin’ Somethin’”. En diciembre del 2015, Thriller fue certificado por 30 millones de copias equivalentes por la RIAA, convirtiéndolo en el único álbum en lograr esa hazaña en Estados Unidos. Según los herederos de Jackson, el álbum ha vendido más de 105 millones de copias, aunque es difícil calcular las cifras a nivel mundial. Thriller le valió a Jackson y Quincy Jones el premio Grammy para Productor del Año en 1984. También ganó el Álbum del Año, con Jackson como el artista del álbum y Jones como su co-productor, y un premio a la Mejor Interpretación Vocal Pop Masculina, para Jackson. “Beat It” ganó la Mejor Grabación del Año, con Jackson como artista y Jones como co-productor, y un premio Mejor Interpretación Vocal de Rock Masculina, para Jackson. “Billie Jean” le valió a Jackson dos premios Grammy, Mejor Canción R&B, con Jackson como su compositor y Mejor Interpretación Vocal de R&B Masculina, como su artista. Thriller también ganó otro Grammy por Mejor Arreglo para Álbum en 1984, otorgando a Bruce Swedien por su trabajo en el álbum. Los Premios American Music de 1984 proporcionaron a Jackson un Premio al Mérito y el premio American Music al Mejor Artista Masculino Soul/R&B y Artista Pop/Rock Masculino Favorito. “Beat It” le valió a Jackson el premio American Music por Video Favorito de Soul/R&B, Video Favorito – Pop/Rock y Sencillo Pop/Rock Favorito. Thriller le valió el premio American Music para Álbum Soul/R&B Favorito y Mejor Álbum Pop/Rock.

Además del álbum, Jackson lanzó Thriller, un video musical de 14 minutos dirigido por John Landis, en 1983. El video con temas de zombis «redefinió los vídeos musicales y rompió las barreras raciales» en Music Television Channel (MTV), un canal de televisión de entretenimiento en ciernes en ese momento. En diciembre del 2009, la Biblioteca del Congreso seleccionó el video musical Thriller para su inclusión en el Registro Nacional de Cine. Fue una de las 25 películas nombradas ese año como «obras de gran importancia para la cultura estadounidense» que se «conservarían para siempre». A partir del 2009, Thriller es el único video musical que ha sido incluido en el registro.

Jackson tenía la tasa de regalías más alta en la industria de la música en ese momento, aproximadamente 2 dólares por cada álbum vendido, y estaba haciendo ganancias récord de las ventas de sus grabaciones. La cinta de video del documental The Making of Michael Jackson’s Thriller vendió más de 350.000 copias en pocos meses. Se vio la llegada de novedades tales como muñecos modelados según el estilo de Jackson, que aparecieron en almacenes en mayo de 1984 a un precio de 12 dólares. El biógrafo J. Randy Taraborrelli escribió que «Thriller dejó de venderse como un artículo de ocio —como una revista, un juguete, boletos para una exitosa película— y comenzó a vender como un producto básico para el hogar». En 1985, The Making of Michael Jackson’s Thriller ganó un Grammy por Mejor Video Musical de Formato Largo. Time describió la influencia de Jackson en ese momento como «estrella de discos, radio, video de rock, un equipo de rescate de un hombre para el negocio de la música. Un compositor que marca el ritmo durante una década. Cantante que atraviesa todos los límites del gusto y el estilo y el color también». The New York Times escribió que «en el mundo de la música pop, está Michael Jackson y están todos los demás».

El 25 de marzo de 1983, Jackson se reunió con sus hermanos para una actuación grabada en el Pasadena Civic Auditorium para Motown 25: Yesterday, Today, Forever, un especial del canal de televisión NBC. El espectáculo se transmitió el 16 de mayo de 1983, con una audiencia estimada de 47 millones de televidentes, y presentó a los Jacksons y otras estrellas de Motown. Es mejor recordado por la actuación en solitario de Jackson con “Billie Jean”, que le valió a Jackson su primera nominación al Emmy. Llevando una chaqueta de lentejuelas negras y un guante de golf decorado con diamantes de imitación, debutó su movimiento de baile insignia, el moonwalk, que el exbailarín de Soul Train y miembro de Shalamar Jeffrey Daniel, le había enseñado tres años antes. Jackson había rechazado originalmente la invitación para actuar en el espectáculo, creyendo que había estado haciendo demasiada televisión en ese momento; A petición del fundador de Motown, Berry Gordy, aceptó actuar a cambio de tiempo para hacer una actuación en solitario. Según el reportero de Rolling Stone, Mikal Gilmore, «Hay momentos en los que sabes que estás oyendo o viendo algo extraordinario… aquello vino esa noche». La actuación de Jackson causó comparaciones con las apariciones de Elvis Presley y los Beatles en The Ed Sullivan Show. Anna Kisselgoff, de The New York Times, escribió en 1988: «El moonwalk que lo hizo famoso es una metáfora apta para su estilo de baile, ¿cómo lo hace? Como técnico, es un gran ilusionista, un auténtico mimo. Mantener una pierna recta mientras se desliza mientras que la otra se dobla y parece caminar requiere sincronización perfecta». Gordy dijo de la actuación: «Desde el primer compás de ‘Billie Jean’, estaba hipnotizado, y cuando hizo su icónico moonwalk, me sorprendió, fue mágico, Michael Jackson entró en órbita, y nunca bajó».

 

1984 – 1985: Pepsi, “We Are the World” y otros emprendimientos

En noviembre de 1983, Jackson y sus hermanos se asociaron con PepsiCo en un acuerdo promocional de 5 millones de dólares que rompió todos los récords anteriores de una publicidad respaldada por celebridades. La primera campaña de Pepsi Cola, que se desarrolló en los Estados Unidos entre 1983 y 1984 y lanzó su icónico tema “Nueva Generación”, incluyó el patrocinio de giras, eventos de relaciones públicas y exhibiciones comerciales. Jackson, quien estuvo involucrado en crear el anuncio, sugirió usar su canción “Billie Jean” como su jingle con letras revisadas. Según un informe de Billboard en el 2009, Brian J. Murphy, vicepresidente ejecutivo de gestión de marca de TBA Global, dijo: «No se podía separar la gira de la aprobación de la licencia de la música, y luego la integración de la música en la fábrica de Pepsi».

El 27 de enero de 1984, Michael y otros miembros de los Jacksons filmaron un comercial de Pepsi supervisado por el ejecutivo Phil Dusenberry, ejecutivo de una agencia de publicidad de BBDO, y Alan Pottasch, Director Creativo Mundial de Pepsi, en el Shrine Auditorium de Los Ángeles. Durante un concierto simulado ante un pabellón lleno de aficionados, la pirotecnia accidentalmente prendió el pelo de Jackson en llamas, causándole quemaduras de segundo grado en el cuero cabelludo. Jackson fue sometido a tratamiento para ocultar las cicatrices y a una tercera rinoplastia poco después. Pepsi llegó a un arreglo extrajudicial, y Jackson donó el acuerdo de 1.5 millones de dólares al Brotman Medical Center en Culver City, California; el Michael Jackson Burn Center se nombra en su honor. Dusenberry contó el episodio en autobiografía, Then We Set His Hair on Fire: Insights and Accidents from a Hall of Fame Career in Advertising. Jackson firmó un segundo acuerdo con Pepsi a finales de los ochenta por unos 10 millones de dólares reportados. La segunda campaña tenía un alcance global de más de 20 países y proporcionaría apoyo financiero para el álbum Bad de Jackson y la gira mundial de 1987-88. Aunque Jackson tenía promociones y acuerdos publicitarios con otras compañías, como LA Gear, Suzuki y Sony, ninguno fue tan importante como sus acuerdos con Pepsi, que más tarde firmaron otras estrellas de la música como Britney Spears y Beyoncé para promover sus productos.

El trabajo humanitario de Jackson fue reconocido el 14 de mayo de 1984, cuando fue invitado a la Casa Blanca para recibir un premio del presidente Ronald Reagan por su apoyo a organizaciones benéficas que ayudaban a las personas a superar el abuso de alcohol y drogas y en reconocimiento a su apoyo a la campaña de prevención de conducción en estado de ebriedad de Ad Council y la NHTSA. Jackson donó el uso de “Beat It” para los anuncios de servicio público de la campaña.

A diferencia de los últimos álbumes, Thriller no tuvo una gira oficial, pero el Victory Tour de 1984 encabezó a los Jacksons y mostró gran parte del nuevo material en solitario de Jackson a más de dos millones de estadounidenses. Fue la última gira que haría con sus hermanos. Jackson llevó a cabo una conferencia de prensa y anunció que él donaría su porción de los ingresos, un estimado 3 a 5 millones de dólares, a la caridad.

En 1985, escrita junto a Lionel Richie y en colaboración con un extenso número de cantantes, entre los que se hallan Stevie Wonder, Diana Ross, Tina Turner, Bob Dylan y Bruce Springsteen, entre otros, lanzó USA for Africa, una producción musical que contenía el sencillo «We Are the World», que fue grabado el 28 de enero de 1985 y fue lanzado mundialmente en marzo de ese mismo año. La canción logró ganancias de 63 millones de dólares, las cuales fueron donadas para el alivio del hambre en Etiopía, y se convirtió en uno de los sencillos más vendidos de todos los tiempos, con más 20 millones de copias vendidas. «We Are the World» ganó cuatro Grammys en 1985, incluyendo Canción del Año. Aunque los directores de los American Music Awards eliminaron la canción benéfica de la competencia porque consideraron que sería inapropiado, el programa AMA en 1986 concluyó con un tributo a la canción en honor a su primer aniversario. Los creadores del proyecto recibieron dos honores especiales de AMA: uno por la creación de la canción y otro por la idea de USA for Africa. Jackson, Quincy Jones y el promotor de entretenimiento Ken Kragan recibieron premios especiales por sus papeles en la creación de la canción. En ese año, ATV Music puso a la venta los derechos de autor sobre las canciones más representativas del grupo The Beatles, compuestas en su mayoría por el dúo de compositores Lennon/McCartney. Jackson se interesó en comprar este catálogo de canciones después de haber trabajado con Paul McCartney, a comienzos de los años 80. Finalmente, después de diez meses de negociaciones, Michael adquirió el catálogo, luego de pagar 47 millones de dólares. Más tarde, esto terminó en una enemistad con McCartney, ya que él también tenía intenciones de comprarlo.

 

1986 – 1990: Cambio de apariencia, tabloides, Bad, películas, autobiografía y Neverland

En 1986, a Jackson se le diagnosticó vitíligo, por lo que su piel fue perdiendo pigmentación. Esta enfermedad hizo que tuviera que evitar la exposición ante la luz solar. Para poder darle un tono más homogéneo a su piel, recurrió al maquillaje.

A principios de los años 80, Jackson comenzó a realizar una estricta dieta vegetariana. En esa década, varios periódicos publicaron una foto en la que el artista estaba recostado dentro de una cámara de oxígeno y que según ellos dormía allí para evitar envejecer, rumor que luego fue desmentido por él mismo. También en esos años surgieron otros rumores que fueron negados por él, como por ejemplo que tenía intenciones de comprar los huesos del llamado hombre elefante.

Más tarde, protagonizó el cortometraje en 3D, Captain EO, bajo la dirección de Francis Ford Coppola y George Lucas. Este filme contó con un gran presupuesto aproximadamente de 30 millones de dólares y fue distribuido de manera exclusiva en los parques temáticos de Disney, debutó en septiembre de 1986 tanto en el parque Magic Kingdom como en Epcot Center en Florida. Después lanzó Bad (1987), su primer álbum de estudio en cinco años. Esta producción fue un gran triunfo comercial, aunque no alcanzó las ventas logradas por su anterior trabajo discográfico, Thriller. De este disco se desprendieron siete exitosos sencillos, de los cuales cinco de ellos («I Just Can’t Stop Loving You», «Bad», «The Way You Make Me Feel», «Man in the Mirror» y «Dirty Diana») alcanzaron el primer puesto del Billboard Hot 100 estableciendo así el récord de más sencillos en el número uno de un mismo álbum, el cual aún no ha sido superado. Desde su publicación, Bad ha vendido más de treinta y cuatro millones de copias en todo el mundo.

El 12 de septiembre de 1987 comenzó el Bad World Tour, gira que culminó el 27 de enero de 1989. Solo en Japón, la gira vendió la totalidad de entradas en 14 ocasiones y congregó a 570.000 personas, casi triplicando el récord anterior de 200.000 en una sola gira. Jackson ingresó al Libro Guinness de los Récords cuando llenó por completo siete veces el estadio de Wembley, congregando a más de medio millón de espectadores. La gira constó de 123 conciertos y obtuvo una recaudación de 125 millones de dólares, con una audiencia de 4.4 millones de personas convirtiéndose así en una de las giras musicales más exitosas de la historia. Parte de las ganancias fueron donadas a hospitales, orfanatos y a entidades de beneficencia.

En 1988, publicó su primera autobiografía, titulada Moonwalk, donde describió su infancia, The Jackson 5, y el abuso que había sufrido. También escribió sobre los cambios en su aspecto facial, atribuyéndolo a la pubertad, pérdida de peso, una dieta vegetariana estricta, un cambio en el estilo de pelo, y la iluminación en el escenario, el libro llegó a ser un éxito y vendió quinientos mil ejemplares, además llegó a ser el libro más vendido en los EE. UU. en ese año según el periódico The New York Times. También en ese año, se presentó la película Moonwalker, que contiene los videos musicales que acompañaron el lanzamiento de sus sencillos «Bad», «Smooth Criminal», «Speed Demon» y «Leave Me Alone». Esta videocinta llegó a la cima de la lista Billboard Top Music Video Cassette, que agrupaba los videos más vendidos, permaneciendo allí durante veintidós semanas consecutivas. Finalmente fue eliminado de la primera posición por su predecesor Michael Jackson: La leyenda continúa.

En marzo de 1988, compró una finca en Santa Ynez, California, por 17 millones de dólares para construir allí su rancho Neverland. En esta propiedad hizo que se construyera un parque de atracciones, un zoológico y un cine. Además, contrató a cuarenta personas para que se ocupasen de la seguridad del lugar. En el 2003 Neverland se valoró en 100 millones de dólares. En 1989, gracias a las ventas de sus álbumes y sus conciertos, obtuvo ganancias estimadas en 125 millones de dólares, convirtiéndose así en uno de los artistas mejor pagados del mundo.

Gracias a la enorme popularidad que cosechó fue apodado «el Rey del Pop». Este sobrenombre lo popularizó su amiga Elizabeth Taylor, cuando en una entrega de premios lo presentó como «el auténtico Rey del Pop». El entonces presidente estadounidense George H. W. Bush lo nombró el «artista de la década». Más tarde, interpretó la canción «You Were There» en el festejo del cumpleaños número sesenta del comediante y cantante Sammy Davis, Jr., actuación que le valió una nominación al premio Emmy.

 

1991 – 1993: Dangerous, la fundación Heal the World y Super Bowl XXVII

En marzo de 1991, renovó su contrato con Sony por 65 millones de dólares. En ese año publicó Dangerous, su octavo álbum de estudio. Dangerous vendió 7 millones de copias en Estados Unidos y 32 millones de copias a nivel mundial. El primer sencillo del álbum fue «Black or White», el cual alcanzó el puesto número uno del Billboard Hot 100 y permaneció allí durante siete semanas consecutivas, con un éxito similar en otras partes del mundo. El segundo sencillo fue «Remember the Time» el cual llegó al puesto número 3 de la misma lista, su videoclip es reconocido por su baile, vestuario y escenografía ambientados en el Antiguo Egipto. «Heal the World», el tercer sencillo de Dangerous, contó con un videoclip en el que Jackson no aparece en ningún momento.

En 1992, el cantante creó la Heal the World Foundation para poder ayudar a través de ella a los niños más desamparados del mundo, víctimas de la violencia, la pobreza y las enfermedades terminales. El 27 de junio de 1992 comenzó el Dangerous World Tour, gira que finalizó el 11 de noviembre de 1993, recaudó un total de 100 millones de dólares y congregó a tres millones y medio de personas en 69 conciertos. Todas las ganancias de la gira fueron donadas a la fundación Heal the World.

Una de las actuaciones más aclamadas del artista fue su espectáculo de medio tiempo del Super Bowl XXVII. Cuando se presentó en el escenario, lo hizo vestido con una chaqueta militar de color dorado y negro y gafas oscuras; en la introducción del espectáculo, en cada una de las cuatro pantallas del estadio bailarines disfrazados de Michael Jackson salieron por encima de estas, creando así el efecto de que salían directamente del vídeo reproducido, luego Jackson permaneció inmóvil durante varios minutos ante la ovación del público presente. Después se quitó lentamente las gafas, para luego comenzar a cantar y bailar. El espectáculo contó con la participación del público, en las graderías con papeles de colores creando una imagen de muchos niños de diferentes partes del mundo cogidos de la mano, para finalizar en la mitad del campo fue colocado un globo terráqueo gigante, en la parte inferior Jackson cantó junto a decenas de niños en el escenario. En este espectáculo interpretó las canciones «Jam», «Billie Jean», «Black or White» y «Heal the World».

Este segmento fue seguido en vivo por más de 133,4 millones de espectadores solo en EE. UU. El espectáculo de medio tiempo de Michael Jackson provocó una tendencia en la contratación de artistas y personajes famosos por parte de la NFL para la diversión en los intermedios del Super Bowl. En el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl 50, la cantante Beyoncé rindió homenaje a Jackson utilizando una versión femenina del traje con el que él había aparecido anteriormente en el mismo show.

En la entrega de los premios Grammy de 1993, Michael Jackson recibió el premio especial Living Legend por su contribución a la música. Por su sencillo «Black or White» fue nominado como mejor vocalista de pop, mientras que por «Jam» fue nominado como mejor vocalista de R&B y mejor canción de R&B. En ese mismo año la canción llamada «Will You Be There» de su álbum Dangerous fue lanzada como sencillo y banda sonora de la película Liberen A Willy, la canción llegó a posicionarse en el séptimo puesto del Hot 100, además fue uno de los sencillos más vendidos de 1993.

Jackson acordó producir la banda sonora para el videojuego de 1994 de Sega, Sonic the Hedgehog 3, con los colaboradores Brad Buxer, Bobby Brooks, Darryl Ross, Geoff Grace, Doug Grigsby y Cirocco Jones. Jackson dejó el proyecto antes de la terminación y nunca fue oficialmente acreditado, supuestamente debido a su insatisfacción con el chip de audio de la consola Sega Génesis.

 

1993 – 1994: Primera acusación de abusos y primer matrimonio

En febrero de 1993, Jackson accedió a ser entrevistado por Oprah Winfrey, en un reportaje que fue seguido en directo por aproximadamente 62 millones de televidentes. Allí habló acerca de su infancia, su adolescencia, la relación con sus padres y hermanos y su carrera profesional. También desmintió los rumores que señalaban que quería comprar los huesos del Hombre elefante, y que dormía en una cámara hiperbárica. Así mismo, ante los rumores y acusaciones de que había decidido despigmentarse las partes de su piel no afectadas por el vitíligo con uso de cremas blanqueantes, contestó que desconocía la existencia de cremas blanqueantes de piel y que disimulaba su apariencia con maquillaje en las zonas aún pigmentadas. Habló también de la serie de cirugías estéticas en su rostro (las cuales según él fueron tres: una para colocarse un hoyuelo y otras dos en su nariz).

En la entrevista Jackson afirmó que el vitíligo era genético, pues su abuelo también lo padecía. Después de su muerte, la autopsia corroboró que padecía la enfermedad, y se ha comprobado que su hijo mayor, Prince Michael, padece también vitíligo.

En el verano de 1993, el cantante fue acusado de haber abusado sexualmente de Jordan Chandler, uno de los muchos niños que solía acoger en su mansión de Neverland, por parte del niño y de su padre, Evan Chandler. Jordan, quien entonces tenía trece años de edad, lo acusó de haberlo besado, masturbado y de haberlo sometido a sexo oral; El consiguiente escándalo repercutió gravemente en el estado de ánimo y la imagen pública del cantante, y por tanto en su carrera.

Por petición de la justicia, su rancho de Neverland fue inspeccionado y varios niños y familias acusaron al cantante de ser un pedófilo. Su hermana mayor, La Toya, también insinuó creer en la veracidad de las acusaciones de que el artista molestó sexualmente a varios niños, aunque tiempo después se retractó de lo dicho. Entonces, Michael Jackson tuvo que someterse a una revisión para poder corroborar las descripciones que Jordan había hecho de los genitales del artista. A pesar de que se hallaron ciertas similitudes en las descripciones hechas por el acusador, esto no fue suficiente para que Jackson fuera declarado culpable. Pese a toda la repercusión mediática del caso, Jackson siguió sosteniendo su inocencia.

Para evitar llegar a juicio, el cantante llegó a un acuerdo extrajudicial con la familia de Jordan, pagándole veintidós millones de dólares para que los cargos fuesen retirados. El 30 de junio del 2009, cinco días después de su muerte y dieciséis años después de los supuestos sucesos delictivos, Jordan Chandler —el niño implicado, ya adulto— declaró públicamente que el cantante nunca lo había tocado y que había mentido obligado por su padre para salir de la pobreza con el dinero que la compañía aseguradora de la gira de Dangerous entregó mediante el acuerdo extrajudicial a la familia del niño para evitar el juicio.

En mayo de 1994, Jackson se casó con la cantautora Lisa Marie Presley, hija de Elvis Presley. La pareja se había conocido en 1975, cuando Michael y su familia residían en el MGM Grand Hotel and Casino, donde la agrupación The Jackson Five realizaba conciertos, y a comienzos de 1993 retomaron su relación. Jackson y Presley contrajeron matrimonio en República Dominicana y lo mantuvieron en secreto durante dos meses. Algunos periódicos y revistas especularon con que la boda de ambos cantantes era solo una estrategia publicitaria. La pareja terminó por divorciarse veinte meses después.

 

1995 – 1999: HIStory, segundo matrimonio y paternidad

En 1995 publicó el álbum doble HIStory: Past, Present and Future, Book I. El primer disco, HIStory Begins, contenía los temas más exitosos de su carrera y luego fue reeditado con el nombre de Greatest Hits: HIStory, Volume I, en el 2001; mientras que el segundo compacto, HIStory Continues, contenía quince nuevas canciones. Esta producción llegó al puesto número uno del Billboard 200. Vendió más de veinte millones de copias en todo el mundo y se convirtió así en el disco doble más vendido de todos los tiempos, Ha sido certificado por siete millones de ventas en Estados Unidos, y además HIStory recibió una nominación al Grammy por Álbum del Año.

Jackson fusionó su catálogo de ATV Music con la división de edición musical de Sony, la creación de Sony / ATV Music Publishing. Se conservó la propiedad de la mitad de la compañía, ganando $95 millones de la delantera, así como los derechos de las canciones.

El primer sencillo del disco, «Scream», grabado a dúo con su hermana Janet, alcanzó la posición número cinco del Billboard Hot 100 y fue nominado al Grammy como mejor colaboración pop. El segundo sencillo fue «You Are Not Alone», el cual ingresó al Libro Guinness de los Récords como la primera canción que debutó en el primer puesto de la lista Billboard Hot 100. Este tema tuvo un gran éxito comercial y de crítica, recibiendo una nominación al Grammy como mejor actuación vocal pop. A finales de 1995, Jackson fue hospitalizado debido a que sufrió un ataque de pánico durante un ensayo. El tercer sencillo de HIStory fue «Earth Song», el cual consiguió gran éxito en el Reino Unido donde permaneció en la cima de las listas de popularidad en ese año. Luego de esto, Jackson lanzó como sencillo la canción «They Don’t Care About Us» que consiguió el primer puesto en países como Alemania, Italia, México, Turquía e Islandia; la canción sucitó polémicas por su fuerte lírica antisemitista, el video contó con dos versiones, una en la que jackson actúa de preso y otra que se sitúa en una favela de Río de Janeiro en Brasil.

En septiembre de 1996 se embarcó en el exitoso HIStory World Tour, gira que culminó en octubre de 1997. En este tour, Jackson realizó 82 conciertos en los cinco continentes, 35 países y 58 ciudades con una asistencia de más de 4,5 millones de personas, y recaudó un total de 165 millones de dólares convirtiéndose en su gira más exitosa en términos de índices de audiencia, y en una de las giras musicales más exitosas de la historia y la más exitosa por parte de un artista solista masculino hasta el 2013.

En noviembre de 1996, cuando su gira HIStory World Tour pasaba por Australia, Jackson sorprendió nuevamente a la opinión pública al contraer matrimonio con una enfermera ayudante de su dermatólogo habitual: Debbie Rowe, a quien conocía desde la década anterior. La conoció cuando trabajaba como enfermera en el consultorio de dermatología del doctor Arnold Klein, donde Jackson recibía tratamiento para el vitiligo. Tras el divorcio de Jackson y Lisa Marie Presley en 1996, Jackson se sentía molesto por la posibilidad de que nunca pudiera llegar a ser padre.

Tres meses después del matrimonio, Rowe dio a luz a su hijo, Michael Joseph Jackson Jr. (febrero de 1997), que fue conocido posteriormente como Prince. Al año siguiente dio a luz a una hija, Paris Michael Katherine Jackson (abril de 1998). Jackson asumió toda la responsabilidad de criar a los hijos.

La pareja se divorció en 1999 y ella le otorgó la custodia de ambos niños al cantante, por su parte Rowe recibió un acuerdo de ocho millones de dólares, y una casa en Beverly Hills. Documentos judiciales indican que había firmado un acuerdo prenupcial, por lo que no pudo conseguir un reparto equitativo de los bienes comunes bajo la ley de California.

En 1997, Jackson lanzó Blood on the Dance Floor: HIStory in the Mix, un álbum compuesto por cinco canciones nuevas y ocho remezclas procedentes del disco HIStory. Mundialmente vendió siete millones de copias y se convirtió en el álbum de remezclas más vendido de la historia. El disco, al igual que el sencillo del mismo nombre, llegó al número uno de las listas británicas. En los Estados Unidos, Blood on the Dance Floor fue certificado disco de platino por la RIAA y alcanzó el puesto 24 del Billboard 200. En ese momento, la revista Forbes publicó un artículo en el que calculaba sus ingresos de 1996 y 1997 en 35 y 20 millones de dólares, respectivamente.

En junio de 1999, Jackson participó en varios eventos caritativos. Participó en un concierto benéfico organizado por Luciano Pavarotti en Modena, Italia, cuya recaudación fue destinada para ayudar a los refugiados de Yugoslavia y a los niños más necesitados de Guatemala. A finales de ese mes realizó dos conciertos benéficos titulados «Michael Jackson & Friends» en Alemania y Corea del Sur.

Entre los artistas que participaron en estos espectáculos se hallan Slash, Scorpions, Boyz II Men, Luther Vandross, Mariah Carey, A. R. Rahman, Prabhu Deva Sundaram, Andrea Bocelli y Luciano Pavarotti entre otros. La recaudación fue donada a la Cruz Roja y la UNESCO.

 

2000 – 2003: Disputa con Sony, Invincible y tercer hijo

En octubre del 2001 Jackson publicó el álbum Invincible, su primer trabajo discográfico en estudio en seis años. Antes del lanzamiento de este disco, en el año 2000, había ocurrido una disputa entre el cantante y su compañía discográfica: Jackson estaba a la espera del vencimiento del contrato que daba derecho a la distribución de su material a Sony para no depender de la discográfica y hacerse cargo personalmente de promover el material como quisiese y de los beneficios que traería en consecuencia, lo que vendría a ocurrir a comienzos de los años 2000.

El cantante buscó una salida anticipada a su contrato: Justo antes de la publicación del álbum, anunció al presidente de Sony, Tommy Mottola que dejaba la discográfica. En consecuencia, dos meses antes de su publicación, la promoción de los sencillos, vídeos musicales y todo lo relacionado con el álbum fue cancelado.

En septiembre del 2001, el cantante presentó el «Michael Jackson: Especial 30 Aniversario», una serie de conciertos en el Madison Square Garden para celebrar su trigésimo aniversario como solista, pocos días antes de los actos terroristas del 11 de septiembre, en esta ocasión apareció por primera vez desde 1984 junto a sus hermanos. El recital también contó con la participación de otros intérpretes como Mýa, Usher, Whitney Houston, ‘N Sync, Destiny’s Child, Monica, Luther Vandross y Slash, entre muchos otros.

En octubre de ese mismo año, Jackson completó su trabajo con el nuevo sencillo para fines benéficos, titulado «What More Can I Give», una respuesta a los ataques del 11 de septiembre. Al igual que había hecho años atrás con «We are the world», grabó la canción con la participación de varios artistas y con las expectativas de alcanzar una recaudación de cincuenta millones de dólares para las familias de las víctimas de los ataques; sin embargo, el sencillo no salió a la venta, debido al futuro abandono de Sony por parte del cantante. En la grabación, de la que también hubo una versión en español, participaron entre otros Mariah Carey, Céline Dion, Ricky Martin, Carlos Santana, Beyoncé Knowles (Destiny’s Child), Nick Carter (Backstreet Boys), Aaron Carter, Mýa, Luis Miguel, Gloria Estefan, Shakira, Usher, Julio Iglesias, Luther Vandross, John Secada, Alejandro Sanz, Cristian Castro, Olga Tañón, Anastacia, Juan Gabriel, Thalía, entre otros.

Invincible debutó en la cima de las listas de éxitos de trece países y vendió aproximadamente trece millones de copias en todo el mundo. En los Estados Unidos fue certificado con “doble platino”. De esta producción se desprendieron tres sencillos: «You Rock My World», cuyo vídeo musical contó con la presencia del actor Marlon Brando y del cómico Chris Tucker, «Cry» y «Butterflies».

Jackson acusó al entonces presidente de Sony Music, Tommy Mottola, de racista y mafioso, porque no «quería apoyar a los artistas afroamericanos», usando como argumento el hecho de que Tommy Mottola había llamado «negro gordo» a su colega Irv Gotti. Sony decidió no renovar el contrato de Michael y además reclamó los veinticinco millones de dólares perdidos en la promoción del disco, porque el cantante se había negado a realizar una gira de conciertos en Estados Unidos prevista para el 2002.

En el 2002 nació el tercer hijo de Jackson, Prince Michael Jackson II. Según el cantante, el niño fue concebido mediante inseminación artificial, utilizando su esperma y un vientre de alquiler. En noviembre de ese año el artista volvió a ser noticia cuando mostró a su hijo recién nacido a través del balcón del Hotel Adlon, en Berlín, cubriéndolo totalmente con una manta, actitud que resultó ser muy criticada en los medios de comunicación. Después dijo a la prensa que este episodio fue un terrible error de su parte y pidió perdón por lo acontecido. Sony, todavía con los derechos de la distribución de material del cantante, publicó un álbum recopilatorio titulado Number Ones, en formato de CD y DVD. El mismo fue certificado como «disco de platino» en Estados Unidos, mientras que en el Reino Unido vendió más de un millón de copias.

 

2003 – 2005: Segunda acusación de abusos

Desde enero del 2002 hasta mayo del 2003, Jackson accedió grabar un documental en el cual narraban su vida cotidiana, costumbres, vida pasada, etc. Se publicó bajo el nombre de Living With Michael Jackson y fue presentado por el periodista británico Martin Bashir quien entrevistó y acompañó a Jackson durante el reportaje, sin embargo antes de ser publicado el documental fue modificado por Bashir, tergiversando así la imagen verdadera de Jackson. El estreno fue seguido por más de 27 millones de televidentes. En uno de estos reportajes, el cantante apareció de la mano de un adolescente de trece años llamado Gavin Arvizo, uno de los tantos niños enfermos que visitaban con frecuencia su mansión, quien dijo que solía quedarse a dormir en la habitación del cantante sin que a él le molestara. Esto despertó una gran polémica y más tarde, la familia del joven acusó a Jackson de haber emborrachado y violado al adolescente.

El juicio se inició el 31 de enero del 2005 en Santa María, California, y finalizó en el mes de mayo. El 13 de junio del mismo año fue declarado inocente de todos los cargos. Después del veredicto, el cantante y sus hijos permanecieron temporalmente en Baréin como invitados de la familia real de ese país.

 

2006 – 2009: Últimos años y This is It

En marzo del 2006, las autoridades estadounidenses ordenaron el cierre de su rancho Neverland. Oficialmente fue debido a atrasos en el pago de salarios debido a problemas burocráticos ya solucionados, aunque también en este caso se difundió la idea de que la policía buscaba pruebas de sus supuestas relaciones con menores.

Posteriormente Michael Jackson ayudó en la composición de la canción «Don’t Stop The Music» hecha para la cantante barbadense Rihanna, el tema contiene el estribillo «Mama-say, mama-sa, ma-ma-ko-ssa» que proviene de la canción de Jackson «Wanna Be Startin’ Somethin’» la cual pertenece al disco Thriller (1982).

El 15 de noviembre del mismo año recibió el premio Diamante en los World Music Awards, en Londres, donde interpretó la canción «We are the World» junto a un coro de jóvenes. Después participó en el homenaje y funeral público de James Brown, en Estados Unidos, celebrado el 30 de diciembre del 2006. A finales de ese año, el cantante accedió a compartir la custodia de sus dos primeros hijos con su ex esposa Debbie Rowe. Después, él y Sony establecieron un acuerdo para comprar el derecho de varias canciones de artistas como Eminem, Shakira y Beck, entre otros.

Con motivo del 25 aniversario de la publicación de Thriller, el disco más vendido de la historia, el 11 de febrero del 2008 Michael lanzó Thriller 25. Contenía las nueve canciones del álbum original y seis temas inéditos: «The Girl Is Mine 2008» y «P.Y.T. (Pretty Young Thing) 2008» con Will.I.am, «Wanna Be Startin’ Somethin’ 2008» con Akon, «Beat It 2008» con Fergie de Black Eyed Peas, “Billie Jean 2008”, una remezcla realizada por Kanye West, y una balada llamada «For All Time», no editada en la versión original del álbum y mezclada nuevamente y masterizada por él mismo. El DVD adicional incluyó los videoclips de «Thriller», «Beat It» y «Billie Jean»; además de actuaciones en directo durante el especial Motown 25: Yesterday, Today, Forever de la NBC en 1983. La nueva edición vendió en todo el mundo más de 3 millones de copias. Como conmemoración de su 50º cumpleaños, publicó el álbum recopilatorio King of Pop, que llegó a la cima de las listas de éxitos en varios países donde fue lanzado.

El 5 de marzo del 2009, en un auditorio en Londres, ante 20.000 espectadores, Michael Jackson anunció su regreso a los escenarios con la gira This Is It. Inicialmente, contaría con diez conciertos a celebrarse en dicha ciudad en el O2 Arena en el mes de julio. Según lo que él mismo dijo, estos conciertos serían los últimos que daría en la capital inglesa. En ellos, según el promotor de la gira Randy Philips, el artista interpretaría canciones inéditas, ya que él había compuesto y grabado nuevas canciones, tal como se afirmó tras su muerte. La expectativa aumentó la demanda del público, por lo que se agregaron cuarenta presentaciones más a las establecidas en un comienzo.

 

Muerte y funeral

En la mañana del 25 de junio del 2009, Michael Jackson sufrió un paro cardiorrespiratorio en su mansión alquilada de Holmby Hills. Los miembros del servicio llamaron al teléfono de emergencia 911 para solicitar auxilio a las 12:21 PDT (UTC-7). Los paramédicos, quienes llegaron nueve minutos después, lo encontraron sin pulso ni respiración, por lo que le aplicaron reanimación cardiopulmonar y lo trasladaron al Ronald Reagan UCLA Medical Center, ubicado en Los Ángeles a la 1:14 p.m. Pero a pesar de los esfuerzos de los médicos fue declarado muerto a las 2:26 p.m.

El primer informe oficial calificó su muerte como «provocada por la combinación de calmantes», en el que el principal sospechoso era Conrad Murray, el que según una carta de despedida temporal a sus pacientes en Las Vegas, por «una oportunidad de las que solo se presenta una vez en la vida», los dejaba para acompañar a Michael Jackson a su serie de conciertos como médico personal, por el cual iba a recibir 150.000 dólares al mes. Después de realizar su autopsia, los forenses del Instituto Forense de Los Ángeles aseguraron que la muerte de Jackson había sido provocada por una intoxicación de propofol, suministrado por Murray. Finalmente el informe oficial calificó su muerte como «intoxicación aguda de propofol».

El funeral público de Jackson se celebró el 7 de julio del 2009 en el Staples Center de la ciudad de Los Ángeles, antes de que se realizara un servicio memorial para familiares y allegados al artista. La ceremonia pública fue seguida en directo por cerca de 2.500 millones de personas en todo el mundo. En el evento participaron los cantantes Stevie Wonder, Lionel Richie, Mariah Carey, John Mayer, Jennifer Hudson, Usher, Jermaine Jackson y Shaheen Jafargholi. Berry Gordy y Smokey Robinson dieron un discurso, mientras que Queen Latifah leyó el poema «We had him», el cual fue escrito para la ocasión por Maya Angelou.

Su funeral privado se celebró el 3 de septiembre del 2009 en el Gran Mausoleo (Holly Terrace) situado en el cementerio Forest Lawn de Los Ángeles, donde fue enterrado.

El 8 de febrero del 2010, el tribunal acusó de «homicidio involuntario» a Murray, utilizando como prueba el informe oficial de su muerte (que se dio a conocer en internet el mismo día del juicio). El acusado, quien se declaró «no culpable», pagó una fianza de 75.000 dólares para no ingresar en prisión. En el 2011, Murray fue condenado a cumplir cuatro años de cárcel, por el homicidio involuntario de Jackson. El médico solo cumplió la mitad de los cuatro años de presidio que se le otorgaron, siendo puesto en libertad en el 2013 en el marco de un plan del estado para reducir el hacinamiento en los centros de detención.

Por otra parte, en el 2015 Katherine Jackson, la madre del artista, perdió su batalla judicial contra AEG Live a la que responsabilizaba de la muerte de su hijo. La demandante había acusado a dicha empresa por negligencia al contratar a Murray. Sin embargo, la Corte de Apelaciones de California sentenció que el doctor estaba cuidando a Jackson como un contratista independiente.

 

Trabajos póstumos

Después de su muerte, Michael Jackson se convirtió en el artista que más ventas registró en el 2009 en los EE. UU., con más de 8,2 millones de álbumes, mientras que en el resto del mundo se vendieron más de 35 millones de álbumes en los doce meses posteriores a su muerte. Mientras tanto, la revista Forbes lo calificó en la lista anual del 2010 como la tercera de las celebridades fallecidas que ganan más dinero, con 90 millones de dólares.

Puesto que la demanda del público respecto a Jackson era inmensa, Epic Records (de Sony Music Entertainment) publicó el 12 de octubre un sencillo inédito titulado «This Is It», que fue acompañado el mismo mes por el lanzamiento de un nuevo álbum doble póstumo del artista el 26 de octubre, llamado, otra vez This Is It, que reúne los ensayos musicales para la gira homónima; donde la primera parte contiene los ensayos de la gira y la segunda contiene temas inéditos, incluido un poema redactado por Michael, llamado «Planet Earth».

Añadido a eso, Kenny Ortega estrenó mundialmente la película llamada Michael Jackson’s This Is It dos días después del estreno del álbum, el 28 de octubre del 2009. La cual, de igual modo, trata sobre los últimos ensayos musicales para la gira homónima antes de su muerte, a través de una recopilación de vídeos que filmó el equipo técnico de la gira. El álbum y la película tuvieron conjuntamente una recaudación de más de 250 millones de dólares.

Durante el auge de las ventas del artista, Sony, que tenía intenciones de llegar a acuerdos para extender y continuar con el uso de su material generado, puesto que los derechos de la distribución de estos tenían que expirar en el 2015. Sin embargo, el 16 de marzo del 2010 un movimiento encabezado por la Columbia/Epic Label Group (de Sony Music Entertainment) firmó el mayor contrato en la industria musical con los herederos del cantante por 250 millones de dólares por los derechos de explotación de diez proyectos musicales (entre ellos los ya publicados cómo las ediciones especiales de Bad y Thriller, y los álbumes Michael en el 2010 y Xscape en el 2014 junto con algunos trabajos inéditos) por lo menos hasta el 2017, que sería la fecha de lanzamiento del último álbum póstumo. El acuerdo, como dijo Rob Stringer, presidente de Columbia/Epic Label Group: «No es solo un acuerdo musical basado en cuántas copias de CD se venden o sobre cuántas canciones se descargan en línea», sino que «comprende también los derechos de audio para teatro, cine y videojuegos».

 

Repercusión artística

Llegó a ser mundialmente conocido como el «Rey del Pop», y la presentadora de televisión Oprah Winfrey, durante la entrevista que le hiciera en febrero de 1993, lo llamó el «Rey del Entretenimiento». Michael Jackson es el tercer artista con más ventas en la historia de la música. Además, es reconocido por la gran marca y legado que ha dejado en el mundo musical, así como en ámbitos sociales y culturales. Incluso después de su muerte, su imagen sigue estando presente y vigente en la industria de la música. La Enciclopedia Británica lo incluyó como una notable estrella del rock, en su sección «Rock music», junto a Madonna y Prince.

Por otro lado, muchos autores reconocen que Jackson reformó la cultura pop en formas que son difíciles de comprender debido al impacto y amplitud de su influencia. En 1984, el crítico pop de la revista Time, Jay Cocks, escribió que «Jackson es el artista más grande desde los Beatles. Él es el único fenómeno más popular desde Elvis Presley. Él es el cantante negro más popular de la historia». En 1990, Vanity Fair citó a Jackson como el artista más popular en la historia del mundo del espectáculo. En el 2003, el escritor Tom Utley de The Daily Telegraph describió a Jackson como «extremadamente importante» y un «genio». Por otro lado otros medios han asegurado que era «la estrella que mejor resumía un género al margen de lo académico». En el 2007, Michael Jackson dijo: «..La música ha sido mi salida, mi regalo para todos los amantes de este mundo. A través de ella, sé que voy a vivir para siempre..».

En honor a Jackson el Cirque Du Soleil dio inicio a una gira llamada Michael Jackson: The Immortal World Tour el 2 de octubre del 2011 en Montreal, posteriormente de estar en Norte América pasó por Europa, Asia y Oceanía. Finalizó en el año 2014 y se convirtió en una de las giras musicales más recaudadoras de la historia, la gira tributo más recaudadora de la historia y la que ha tenido mayores ganancias hecha por el Cirque Du Solei hasta la fecha.

En los Billboard Music Awards del año 2014 por medio de hologramas recrearon en el espectáculo a Jackson vestido con su chaqueta dorada y pantalón rojo, el holograma interpretó junto a algunos bailarines tanto reales como recreados su tema «Slave to the Rhythm», uno de los ocho incluidos en su segundo álbum de estudio póstumo Xscape, la presentación generó nostalgia e impacto en los asistentes, cómo dato adicional el acto duró un año en producirse.

 

Influencias

Jackson fue un intérprete de música pop, en una amplia acepción que incluye subgéneros como el rhythm & blues, disco, dance y rock. Según sus declaraciones, fue influenciado por artistas contemporáneos tales como Little Richard, James Brown, Jackie Wilson, Diana Ross, Gene Kelly, Fred Astaire, Sammy Davis, Jr. y los Bee Gees. También manifestó sentir gran admiración por intérpretes del music hall inglés, como Benny Hill y Charles Chaplin. Por otro lado la última entrevista que el artista concedió fue a la revista Ebony, y en esta oportunidad comentó que el compositor de música clásica Piotr Ilich Chaikovsky también fue una gran influencia para él, allí mencionó opiniones acerca de la música en general y acerca de su inspiración en este artista: «..fue el compositor que más me influyó. Si coges un álbum como El Cascanueces, cada pieza es magnífica por lo que me dije por qué no hago un disco pop donde cada canción sea magnífica, la melodía de una canción es lo más importante. Si la melodía suena bien en tu cabeza, generalmente es buena cuando la escribes. Para que una melodía logre éxito mundial tiene que ser capaz de cantarla desde el granjero en Irlanda hasta quien limpia los baños en Harlem..».

 

Vídeos musicales y coreografías

Steve Huey, de Allmusic, aseguró que Jackson transformó la manera de realizar vídeos musicales, ya que estos poseen desde entonces una trama argumental, rutinas de baile, efectos especiales o apariciones a modo de cameo de personajes famosos; algunos otros medios de comunicación como la revista Rolling Stone lo consideran como el artista visual más importante de la historia de la música.

The Baltimore Sun asegura que fue Jackson quien convirtió el vídeo musical en una forma de arte y fortificó el crecimiento de la cadena televisiva MTV.

Del álbum Thriller destacan los vídeos del tema «Beat It» el cual mostró tomas de Jackson junto con pandilleros logrando evitar una pelea entre ellos, estos fueron reales contratados por él mismo y, por supuesto, el de la canción homónima «Thriller» considerado como el videoclip más importante de la historia y de la cultura pop, precursor de los vídeos musicales actuales y reconocido por la innovación del argumento, escrito por él y John Landis, conocido por sus revolucionarios pasos de baile, coreografiados por sí mismo y Michael Peters, así como por la ambientación vanguardista y la caracterización de maquillajes.

El argumento del vídeo gira entorno a una escena de terror, comienza con tomas de Jackson junto a su novia, luego de hablar por algunos minutos se convierte en un hombre lobo, pero después resulta ser una escena de ficción vista en un cinema por los mismos personajes, después deciden salir del teatro y al llegar a un cementerio en la parte final cambia su apariencia a la de un zombi y baila junto a otros muertos vivientes.

El vídeo musical del sencillo «Bad» tuvo una duración de 19 minutos y fue dirigido por el cineasta Martin Scorsese. En el vídeo se combinaron movimientos de baile coreografiados con otros más espontáneos. A partir de esta producción, comenzó a tocarse el pecho, el torso y la entrepierna al mismo tiempo que bailaba, algo que continuó haciendo en sus siguientes trabajos. Allí también incluyó la primera aparición de un famoso a modo de cameo en un video suyo, Wesley Snipes. Para «Smooth Criminal» utilizó la ilusión de «anti-gravedad» durante la coreografía; este paso coreográfico fue creado por Michael Bush, Dennis Tompkins y el propio Jackson. Aunque el video de «Leave Me Alone» no fue lanzado oficialmente en los Estados Unidos, logró ganar el premio Grammy en 1990 al mejor video musical de corta duración.

La canción «Black or White» fue acompañada por un polémico vídeo musical, emitido por primera vez el 14 de noviembre de 1991 en 27 países simultáneamente, y seguido en todo el mundo por más de 500 millones de espectadores. En un momento del vídeo, el artista se transformó a partir de una pantera y ejecutó bailes explícitamente sexuales las cuales fueron polémicas, mientras destruía marcas de índole racista, gracias a esto una versión censurada del video fue la que más se publicitó, omitiendo los últimos cuatro minutos donde únicamente el video muestra a Jackson cantando y bailando con distintas personas en diferentes paisajes a través del mundo. «Black or white» sorprendió por una nueva técnica digital llamada morphing, nunca vista antes en un video musical y contó con la colaboración del actor Macaulay Culkin.

«Remember the Time» fue ambientado en el antiguo Egipto e incluyó una rutina de baile con pasos pretendidamente de estilo egipcio, junto con el uso de efectos especiales tanto al momento de aparecer al principio del video y de igual forma al desaparecer convirtiéndose en arena. Este vídeo contó con la aparición de Eddie Murphy, la modelo Iman y Magic Johnson. El vídeo de «In the Closet» contó con la participación de la supermodelo Naomi Campbell, con quien el cantante realizó bailes explícitamente sexuales que causaron mucha controversia en la época, al punto de ser prohibido gracias a sus imágenes en Sudáfrica.

El vídeo musical para el sencillo «Scream» fue dirigido por Mark Romanek. Se desarrolló en un entorno futurista en el espacio exterior y en el que compartió pantalla con su hermana Janet. Tuvo una gran aceptación de la crítica. En 1995, fue nominado para once MTV Video Music Awards —más que cualquier otro— consiguiendo los premios de las categorías de mejor video bailable, mejor coreografía y mejor dirección artística. Un año después, ganó el premio Grammy al mejor vídeo musical de corta duración y más tarde entró en el Libro Guinness de los Récords por ser el más costoso de la historia, con un presupuesto estimado en 7 millones de dólares.

El sencillo «Earth Song» fue acompañado de un costoso videoclip y nominado al Grammy como mejor video musical de corta duración en 1997. En él se refleja la crueldad a la que son sometidos algunos animales en peligro de extinción, la deforestación que acaba con centenares de árboles, la contaminación del medio ambiente provocada por las fábricas y las consecuencias que provocan los enfrentamientos bélicos en distintas partes del mundo. El video del tema «Ghosts», del álbum Blood on the Dance Floor: HIStory in the Mix, fue escrito por Jackson y Stephen King y dirigido por Stan Winston. Este trabajo fue reconocido con muy buenas críticas en el festival de Cannes, donde se estrenó en 1996. Tuvo una duración de más de 38 minutos y por ello ingresó al Libro Guinness de los Récords como el vídeo musical de mayor duración.

El video musical de “You Rock My World”, de trece minutos y medio de duración, fue dirigido por Paul Hunter y estrenado en el 2001. El video presenta apariciones en modo cameo de los actores Chris Tucker y Marlon Brando. El video ganó un NAACP Image Award como video musical sobresaliente en la ceremonia del premio en el 2002.

 

Características artísticas
Baile

Michael Jackson es popularmente conocido por haber sido uno de los artistas más completos de la historia, dentro de todas sus cualidades resaltaba la de ser un dotado bailarín, sus reconocidos pasos de baile hacen parte de su legado, sus innovadoras coreografías fueron parte esencial dentro de sus características artísticas: tal sería el caso del llamado moonwalk (en español, paso lunar), uno de sus pasos más conocidos; de origen dudoso, fue popularizado por él cuando el 25 de marzo de 1983 lo puso en escena en el Motown 25: Yesterday, Today, Forever durante la interpretación de «Billie Jean». Desde entonces el paso lo seguiría acompañando en su carrera y sus presentaciones, llegando al punto de ser reconocido como uno de sus pasos de baile más populares y uno de los más populares en el mundo del baile.

Otra de sus coreografías famosas se dio a conocer en el vídeo musical Thriller, el cual se convirtió en un vídeo totalmente revolucionario, puesto que era el primer vídeo musical de horror; esta particularidad, entre muchas cosas más, lo llevó a ser considerado el mejor vídeo musical de todos los tiempos. Además para el video de «Smooth Criminal» creó el reconocido paso de «anti-gravedad» usado después en diversos conciertos, también incluyó posteriormente coreografías con influencia de marchas de tipo militar para sus presentaciones en vivo en canciones como «They Don’t Care About Us».

Jackson fue de los primeros artistas en incluir en sus conciertos coreografías coordinadas junto con efectos especiales.

Fue considerado por Fred Astaire como el mejor bailarín del siglo XX, y recibió la admiración de leyendas del baile como James Brown y el citado Fred Astaire.

 

Voz

Michael Jackson cantó desde la infancia, y con el tiempo su voz y estilo vocal cambió notablemente. Entre 1971 y 1975, su voz descendió del soprano (cuando era chico) al tenor alto. Jackson utilizó por primera vez una técnica llamada «hipo vocal» en 1973, comenzando con la canción «It’s Too Late to Change the Time» del álbum G.I.T.: Get It Together de Jackson 5. Jackson no usó la técnica del hipo, algo como un trago de aire o jadeo, hasta la grabación de Off the Wall: se puede ver con toda su fuerza en el video promocional de «Shake Your Body (Down to the Ground)». Con la llegada de Off the Wall a finales de los años setenta, las habilidades de Jackson como vocalista fueron bien vistas. En ese momento, la revista Rolling Stone comparó su voz con la de la canción «breathless, dreamy stutter» de Stevie Wonder. Su análisis fue también que «el tenor de timbre de plumas de Jackson es extraordinariamente hermoso, se desliza suavemente en un falsete sorprendente que se usa con mucha audacia».

En 1982 se publicó Thriller, y Rolling Stone dijo que Jackson en ese entonces pasó a cantar con una «voz totalmente adulta» y que fue «teñida de tristeza».

  • Timbre vocal: contratenor, tenor, barítono.
  • Nota más alta: si5.
  • Nota más baja: mi2.
  • Rango vocal: 3,6 octavas (mi2 — si5, 44 notas a mediados de los años 80 de acuerdo con Seth Riggs, su consultor vocal. En 1990 Riggs dijo que el rango de Michael se expandía hasta cuatro octavas. Aparentemente, debido a la edad, el cantante adquirió la capacidad de hacer notas más bajas, sin perder las altas).

A este respecto Frank Sinatra comentó: «..El único cantante masculino que he visto además de mí mismo, y quien es mejor que yo – ese es Michael Jackson..».

Como dato complementario, la publicación Psychology Today Magazine en su edición de julio/agosto del 2006, señaló que Michael Jackson poseía oído absoluto.

 

Estética

Asimismo, su estética, muchas veces considerada excéntrica y/o extravagante, lo acompañó en su carrera musical desde la década de 1980, marcó su estilo, y de igual manera una tendencia en el mundo de la música y un impacto en el mundo de la moda al punto de ser un ícono de esta. Su apariencia ha sido catalogada también como uno de sus «legados», al punto de ser considerada tan importante como su «legado musical», puesto que parte de su música ha estado ligada a su imagen.

Uno de sus símbolos más representativos fue el guante blanco en una mano y los calcetines con lentejuelas brillantes, a la par con una chaqueta negra igualmente brillante. También fue conocido su gusto por los trajes militares, adornados con medallas e insignias y gafas oscuras.

 

Ocupaciones menos conocidas

Michael Jackson escribió dos libros: Moonwalk, autobiografía que relata su vida hasta 1988, y Dancing the Dream, un libro de poemas y reflexiones sobre diversos temas, como el hambre en el mundo, los niños sin hogar, la necesidad de la paz mundial, la vida, y los animales.

Tuvo participación en la industria cinematográfica, puesto que actuó como protagonista en tres películas: Capitán EO, El mago y Moonwalker, además de prestar su voz para The Way of the Unicorn. Como guionista escribió el argumento de su película Moonwalker, así como de muchos de sus videoclips, además de redactar el storybook de E.T., El Extraterrestre, por el que ganó un Grammy como Mejor grabación para niños. Como productor participó en las películas Moonwalker y The Way of the Unicorn.

Como dibujante, entre sus trabajos conocidos se destaca una colección de dibujos de Charles Chaplin, los cuales se vendieron en abril del 2007 en una subasta pública junto a otros objetos que fueron de su pertenencia.

Como director de cine, estuvo a cargo del vídeo musical de su canción «Blood on the Dance Floor». Asimismo fue el director artístico de su gira mundial Dangerous World Tour.

 

Legado

Es considerado uno de los artistas más influyentes de la historia, dentro del terreno musical, intérpretes de diversos géneros, como Beyoncé, Usher, Madonna, 50 Cent, Green Day, Prince, Lenny Kravitz, Britney Spears, Justin Timberlake, Ricky Martin, Bruno Mars, Lady Gaga, Ne-Yo, Chris Brown, Kanye West, Whitney Houston, Mariah Carey, Justin Bieber, Alicia Keys, Celine Dion, Maroon 5, Shakira, R. Kelly, Jay-Z, The Weeknd, Jason Derulo, entre muchos otros que han reconocido la importancia de Jackson en la música pop contemporánea y han sido influenciados de alguna forma por él, The Baltimore Sun dijo acerca de esto que «Jackson ha influenciado a casi todos los músicos que han surgido después de él de una manera u otra. Esto ha sido inevitable».

Después de su muerte, MTV volvió a emitir sus videos musicales para rendirle homenaje. Esta señal de cable además puso al aire nuevos programas especiales dedicados al cantante, en los que también aparecieron hablando de él varias celebridades y personalidades del ambiente musical declarando acerca de la influencia de Jackson en la música. La emisión de estos especiales y videoclips se llevó a cabo hasta la semana en la que se realizó el funeral de Jackson y el día 29 de agosto, fecha en la que hubiese cumplido 51 años. Todo esto de alguna forma en consecuencia de que décadas atrás, el vídeo musical Thriller hizo de algún modo que MTV, en sus primeros años, se hiciese popular entre los jóvenes. Además fue un artista que trascendió a través del tiempo, debido a que ha sido el único músico hasta ahora en la historia que ha obtenido posiciones en el número uno a lo largo de cuatro décadas distintas.

Danyel Smith, agente principal de Vibe Media Group y el redactor jefe de la revista musical Vibe describe a Jackson como «la más grande de las estrellas». Steve Huey de AllMusic describe a Jackson como «una fuerza imparable, poseedor de todas las habilidades para dominar las listas aparentemente a voluntad: una voz identificable al instante, los ojos saltan con sus pasos de baile, impresionante versatilidad musical y un montón de energía de una estrella pura». BET describió a Jackson «como simplemente el mayor artista de todos los tiempos» y alguien que «revolucionó el video musical y trajo bailes como el moonwalk al mundo. El sonido, estilo, bailes y el legado de Jackson continúa inspirando a artistas de todos los géneros».

En el servicio conmemorativo de Jackson el 7 de julio del 2009, el fundador de Motown, Berry Gordy, proclamó a Jackson como «el mejor artista que haya vivido jamás». El 28 de junio del 2009 Baltimore Sun tituló un artículo con «7 Maneras en que Michael Jackson cambió el mundo», Jill Rosen escribió que el legado de Jackson fue «duradero, ya que incluyó múltiples facetas», que influyen en los campos incluyendo en la música, el baile, moda, videos musicales y las celebridades. El 19 de diciembre del 2014, el Consejo Británico de Relaciones Culturales nombró la vida de Jackson como uno de los momentos culturales más importantes del siglo XX.

En julio del 2009, la Sociedad Lunar de la República, que promueve la exploración, asentamiento y el desarrollo en la Luna, nombró un cráter en honor a Jackson. En el mismo año, para su cumpleaños número 51 pocos meses después de su muerte, Google le dedicó un Doodle especial en la página inicial del buscador. En el 2010, dos bibliotecarios universitarios encontraron que la influencia de Jackson se extendía a la academia, con referencias a Jackson en informes sobre música, cultura popular, química y una variedad de otros temas.

 

Premios y honores

En 1984 Michael Jackson recibió diversos y destacados reconocimientos a lo largo de su carrera, entre ellos se encuentran dos estrellas en el Paseo de la Fama de Hollywood, una con Jackson 5 y otra como solista, obtuvo el premio World Music Awards al artista pop más exitoso del milenio, el premio AMA al artista de la década y el premio Bambi al artista del milenio. Fue incluido dos veces en el Rock and Roll Hall of Fame: en 1997 por el trabajo que realizó como miembro de la banda The Jackson 5 y en el 2001 por los logros que tuvo como solista. Jackson también fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores en el 2002, y más tarde en el Apollo Legends Hall of Fame en el 2010. También se le otorgó el Récord Guinness como el artista más exitoso de todos los tiempos. Además, ganó trece premios Grammy (sin contar el Living Legend de 1993 y el póstumo Lifetime Achivement del 2010) y veintiséis premios AMA, trece de sus sencillos llegaron al primer puesto de Billboard Hot 100 y ha vendido mundialmente alrededor de 350 a 400 millones de sus producciones musicales, lo que lo hace en uno de los artistas más exitosos de todos los tiempos. En el 2009, el año de su muerte el Museo Grammy en Los Ángeles entró en acción con la inauguración de la exposición especial, «Michael Jackson: A Musical Legacy», que sirvió como un seguimiento de «Michael Jackson: HIStyle», exhibición que se abrió en febrero de ese año. En la 52ª edición de los premios Grammy en el 2010, los ganadores del Grammy Smokey Robinson, Celine Dion, Carrie Underwood, Usher y Jennifer Hudson se unieron para rendirle homenaje con una versión 3-D de todas las estrellas de su canción «Earth Song».

 

Esfuerzos humanitarios

Michael Jackson dedicó gran parte de sus esfuerzos y recursos económicos a la ayuda humanitaria, y fue reconocido mundialmente por las donaciones millonarias: donó más de 300 millones de dólares a causas benéficas.

En 1984, durante el rodaje de un anuncio publicitario para Pepsi, Jackson sufrió quemaduras de segundo y tercer grado en el cuero cabelludo y otras partes de su cuerpo. Como compensación, la compañía le pagó un millón y medio de dólares que el artista donó al hospital al que él había asistido en su recuperación.

Uno de sus mayores esfuerzos humanitarios y uno de los más conocidos fue en 1985 cuando él, junto a Lionel Richie, organizó el megaproyecto USA for Africa donde reunieron 46 artistas para grabar el sencillo «We Are the World»; el proyecto recaudó 10,8 millones de dólares, los cuales fueron donados a Etiopía, que padecía una hambruna a mediados de los años 80.

En 1992 fundó la organización benéfica Heal the World Foundation, dedicada a ayudar a niños desamparados de todo el mundo, proyecto que puso en práctica hasta que la organización suspendió por un tiempo sus donaciones a instituciones benéficas, debido a que su licencia como organización exenta de impuestos fue revocada en California desde el 2002 por no presentar sus declaraciones financieras anuales, según registros del estado. Su organización Heal L.A., destinada a ayudar a los niños de los barrios pobres de Los Ángeles tras los motines de la años 90, perdió su licencia en el 2001 y su fundación Neverland Zoo para conservar especies animales en peligro fue disuelta en 1998.

Su rancho Neverland fue abierto en múltiples ocasiones para que niños con enfermedades terminales y de orfanatos pudieran acudir gratuitamente.

El 11 de septiembre del 2001, tras los ataques terroristas a las Torres Gemelas de Nueva York, decidió crear un proyecto llamado United We Stand: What More Can I Give, reuniendo a numerosos artistas para la grabación del tema benéfico «What More Can I Give», que esperaría recaudar 50 millones de dólares para las víctimas del atentado; el tema fue compuesto por él mismo y contó con una versión en español («Todo para ti»), pero el proyecto se canceló debido a que Sony se rehusó a renovar su contrato.

En la edición del año 2000 del Guinness World Records entró como artista con la mayor participación en ayudas humanitarias, por ayudar a 39 instituciones benéficas.

Después de su muerte, tuvo un intento de nominación para el Premio Nobel de la Paz 2010 tras la recolección de más de 15.000 firmas en Internet, pero el Comité del Premio Nobel lo descartó por tratarse de una persona fallecida, a pesar de que no sería la primera vez que se entrega un Premio Nobel póstumo, ya que se hizo con Dag Hammarskjöld en 1961.

Michael Jackson

ÁLBUMES
1972 Got To Be There
1972 Ben
1973 Music And Me
1975 Forever, Michael
1979 Off The Wall
1982 Thriller
1987 Bad
1991 Dangerous
1995 HIStory: Past, Present And Future, Book I
1997 Blood On The Dance Floor: HIStory In The Mix
2001 Invincible
2010 Michael
2014 Xscape

 

Créditos

El MiniPodcast

con Alex Cardona

es presentado por:

LaBuona.it, Italian Brand.
Sun Energy Lights, SEL-Colombia.com, ¡La Energía Que Se Renueva!
LaBuonaPiada.com, ¡La Tradizione Che Si Evolve!
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Michael Joseph Jackson fue un cantante, compositor, productor discográfico, bailarín, actor y filántropo estadounidense. Conocido como el «Rey del Pop», sus contribuciones y reconocimiento en la historia de la música y el baile, así como su.......... Escuchar el MiniPodcast


Michael Jackson







FICHA GENERAL







Origen


1958
Gary, Indiana | Estados Unidos







Géneros


Pop
Soul
Rhythm And Blues
Funk
Rock
Disco
Post-Disco
Dance Pop
New Jack Swing







Período de actividad


1964 – 2009







Sellos discográficos


Steeltown Records
Motown Records
Epic Records
Legacy Records
Sony Records
MJJ Productions







Sitio web


MichaelJackson.com







Artistas Relacionados


The Jackson 5
Quincy Jones





Michael Joseph Jackson (Gary, Indiana, 29 de agosto de 1958 – Los Ángeles, California, 25 de junio del 2009) fue un cantante, compositor, productor discográfico, bailarín, actor y filántropo estadounidense. Conocido como el «Rey del Pop», sus contribuciones y reconocimiento en la historia de la música y el baile, así como su publicitada vida personal, lo convirtieron en una figura internacional en la cultura popular durante más de cuatro décadas. Es reconocido como la estrella de música pop más exitosa en el mundo. Sin embargo, su música incluyó una amplia acepción de subgéneros como el rhythm and blues (soul y funk), rock, disco y dance.


Comenzó su carrera artística a mediados de los años 60 en la agrupación musical The Jackson 5, en la cual publicó, junto con algunos de sus hermanos, diez álbumes hasta 1975. En 1971 inició su carrera como solista, aunque siguió perteneciendo al grupo. A principios de los 80, Jackson se convirtió en una figura dominante en la música popular. Sus videos musicales, incluyendo los de «Beat It», «Billie Jean» y «Thriller» de su álbum de 1982 Thriller, son acreditados como una ruptura de las barreras raciales y la transformación del medio en una forma de arte y herramienta promocional. La popularidad de éstos ayudó a llevar a la cadena televisiva MTV a la fama. El álbum Bad de Jackson de 1987 produjo el número uno de los sencillos “I Just Can’t Stop Loving You”, “Bad”, “The Way You Make Me Feel”, “Man in the Mirror” y “Dirty Diana” en el Billboard Hot 100, convirtiéndose en el primer álbum en tener cinco sencillos número uno en el Billboard Hot 10...]]>
Alexander Cardona Nieto clean 25:24
0019 - Janet Jackson https://www.lamaquinadelamusica.com/0019-minipodcast-con-alex-cardona-la-maquina-de-la-musica/ Sun, 27 May 2018 08:19:34 +0000 https://www.lamaquinadelamusica.com/?p=1235 Janet Damita Jo Jackson es una cantante, bailarina y actriz. Conocida por una serie de éxitos musicalmente innovadores, así como por reconocidos shows y papeles en cine y televisión. Es una de las figuras más prominentes de la cultura popular desde.. Escuchar el MiniPodcast

Janet Jackson

Janet Jackson

FICHA GENERAL
Origen 1966
Gary, Indiana | Estados Unidos
Géneros Rhythm & Blues
Pop
Dance
Período de actividad 1982 – Presente
Sellos discográficos A&M Records
Virgin Records
Island Def Jam Records
Rhythm Nation Records
Sitio web JanetJackson.com
Artistas Relacionados Michael Jackson
Jermaine Jackson
La Toya Jackson
The Jackson 5

Janet Damita Jo Jackson (nacida en Gary, Indiana, Estados Unidos, el 16 de mayo de 1966) es una cantante, bailarina y actriz. Conocida por una serie de éxitos musicalmente innovadores, así como por reconocidos shows y papeles en cine y televisión. Es una de las figuras más prominentes de la cultura popular desde hace treinta años. La revista Forbes la ubica como una de las mujeres más ricas del espectáculo. La más pequeña de los hijos de la familia Jackson, comenzó su carrera en el programa de entretenimientos The Jacksons en 1976. Luego apareció en otros importantes shows televisivos durante los 70 y principios de los 80 como Good Times y Fame.

Tras firmar un contrato musical con A&M Records en 1982, se convirtió en un ícono del R&B y del pop con el lanzamiento de su tercer álbum de estudio, Control, en 1986. Sus trabajos con los productores musicales Jimmy Jam y Terry Lewis incorporaron elementos de R&B, funk, disco, rap y música industrial, que la llevaron a marcar un estilo en la música popular. Además de recibir reconocimiento por la innovación en su música, coreografías y videos musicales y por su prominencia en las radios y en MTV; también ha sido reconocida por su conciencia social.

En 1991, firmó el primero de dos contratos multimillonarios con Virgin Records, estableciéndose como una de las artistas mejor pagadas de la industria. Su primer álbum bajo esta compañía, janet. (1993), la encontró desarrollando una imagen pública de sex symbol, al tiempo que empezaba a introducir la sexualidad en su trabajo. Ese mismo año realizó su primer papel protagónico en una película, Poetic Justice. Desde entonces, ha realizado varias películas más. Hacia fines de los 90, fue nombrada como la segunda cantante más exitosa de la década. Janet ha logrado un extenso catálogo de hits, con sencillos como Nasty, Rhythm Nation, That’s the Way Love Goes, Together Again, All for You y Feedback entre los más exitosos.

Habiendo vendido más de 120 millones de discos, es una de las cantantes más exitosas de la historia de la música. La RIAA (Recording Industry Association of America) la ubica como la décima primera cantante más vendedora en Estados Unidos, con más de 26 millones de álbumes vendidos. En el año 2008, la revista Billboard realizó una lista de los 100 artistas musicales más importantes de todos los tiempos, ubicando a Janet en el número 7. En el 2010, la misma revista realizó una lista de los 50 artistas más importantes del R&B de los últimos 25 años, ubicándola en el número 5. Una de las artistas más premiadas de la historia, su permanencia, éxitos y logros reflejan su influencia en la formación y redefinición del concepto de música popular. Ha sido citada como inspiración por muchísimos artistas nuevos.


Vida y carrera
1966 – 1982: Infancia y trabajos en televisión

Janet Jackson nació en Gary, Indiana, siendo la menor de diez hermanos, todos hijos de Katherine Esther Scruse y Joseph Walter Jackson. Los Jackson eran gente de clase media baja y devotos testigos de Jehová. Janet aclaró que, aunque fue criada como testigo de Jehová, finalmente dejó de practicar la religión, y que ve su relación con Dios como “uno a uno”. Cuando ella era niña, sus hermanos varones mayores (Jackie, Tito, Jermaine, Marlon y Michael) interpretaban música en clubes nocturnos y teatros bajo el nombre de The Jackson 5. En marzo de 1969, el grupo consiguió un contrato con la compañía discográfica Motown Records, y hacia el final del año ya habían grabado el primero de cuatro sencillos consecutivos número 1. Los excelentes resultados comerciales obtenidos por The Jackson 5 permitieron a la familia Jackson mudarse al barrio Encino en Los Ángeles, California, en 1971, donde se establecieron en una mansión llamada “Hayvenhurst”. Aunque nació en una familia de músicos profesionales, la pequeña Janet no tenía aspiraciones de entrar al mundo del espectáculo. Ella más bien soñaba en convertirse en jockey, debido a su amor por los caballos. A pesar de ello, su padre ya tenía previsto que su hija debería desarrollar una carrera profesional en la industria del entretenimiento. Janet Jackson una vez comentó en una entrevista: “Nunca nadie me preguntó si quería entrar al mundo del espectáculo… Era algo que se esperaba.”.

En 1973, a la edad de siete años, Janet apareció junto a sus hermanos en Las Vegas Strip en el casino MGM, donde realizaron una rutina musical. Jane Cornwell, en su biografía de la cantante que lanzó en el año 2002, dio a conocer que, cuando Janet tenía ocho años, su padre Joseph le pidió que no le dijera más “papá”, ya que ahora era su representante, y que sólo lo llamara “Joseph”. Janet comenzó su carrera como actriz en 1976 en la serie de televisión The Jacksons de la cadena CBS, en la que aparecía junto a sus hermanos Tito, Rebbie, Randy, Michael, Marlon, La Toya y Jackie. En 1977 fue seleccionada por el productor Norman Lear para realizar el papel de Penny Gordon Woods en la comedia Good Times. Desde 1979 hasta 1980, personificó a Jojo Ashton en otra comedia familiar llamada A New Kind of Family, y entre 1981 y 1982 se unió al elenco de Different Strokes, donde protagonizó a Charlene Duprey. Por último, desempeñó un papel protagónico en la cuarta temporada de la serie Fame, en donde interpretó a Cleo Hewitt, aunque más tarde comentó que no había disfrutado trabajar en la serie.

 

1982 – 1992: Primeros álbumes, Control y Janet Jackson’s Rhythm Nation 1814

A pesar de que Janet Jackson inicialmente no tenía intenciones de comenzar una carrera musical, estaba de acuerdo en participar en sesiones de grabación con su familia. La primera canción que grabó fue una titulada “Love Song for Kids”, a dúo con su hermano Randy, en 1978. Cuando Janet tenía dieciséis años, su padre y representante le consiguió un contrato discográfico con la compañía A&M Records. Su álbum debut, Janet Jackson, producido por los cantantes de soul Angela Winbush, René Moore y Leon F. Sylvers III, fue lanzado en 1982. Toda la producción del mismo fue supervisada por su padre, Joseph. El álbum alcanzó el número 6 en la lista de álbumes de R&B de Billboard.

El segundo álbum de Janet, Dream Street, fue lanzado dos años más tarde. Su padre contrató a sus hermanos para ayudar a producir el álbum: Marlon co-escribió dos canciones, mientras que Tito, Jackie y Michael colaboraron en el respaldo vocal y en los coros. Dream Street alcanzó el número 19 en la lista de álbumes de R&B de Billboard, y sus ventas fueron inferiores a las del álbum debut. El único éxito del álbum fue el primer sencillo “Don’t Stand Another Chance”, que alcanzó el número 9 en la lista de sencillos de R&B de Billboard. A principio de 1984, Janet se casó con su amigo de la infancia y ex cantante de R&B James DeBarge. Poco tiempo después se separaron, y el matrimonio fue anulado a mediados de 1985. Ese mismo año, Janet se unió a su hermana La Toya como corista de su canción “Baby Sister” en el Festival Yamaha Music, donde se coronaron con una medalla de plata y un premio por “canción excepcional”.

Tras el lanzamiento de su segundo álbum Dream Street, Jackson decidió separar sus negocios de su familia. Tiempo después comentó: “Sólo quería irme de la casa, salir de la influencia de mi padre, lo que fue una de las cosas más difíciles que he tenido que hacer, diciéndole que no quería trabajar con él nunca más”. El ejecutivo de A&M Records John McClain contrató a los productores Jimmy Jam y Terry Lewis para que trabajaran con Janet. Durante seis semanas Jackson, Jam y Lewis elaboraron el tercer álbum de estudio de la cantante, Control. Durante la grabación del álbum, Janet fue amenazada por un grupo de hombres en las inmediaciones de su hotel en Minneapolis. Al respecto, Janet dijo: “En lugar de correr donde estaban Jerry y Terry para que ellos me protegieran, preferí plantar cara y logré defenderme de ellos. Así es como canciones como “Nasty” y “What Have You Done for Me Lately” “surgieron, desde un sentimiento de autodefensa”.

A pesar de que Jam y Lewis querían que la música de Jackson conquistara todos los mercados, su objetivo principal era crear un seguimiento de la cantante dentro de la comunidad afroamericana. Jam una vez comentó: “Queríamos hacer un álbum que estuviera en cada hogar negro de los Estados Unidos… Íbamos por el álbum negro de todos los tiempos.”. Lanzado en febrero de 1986, el álbum llegó al número 1 en la lista Billboard 200, con más de 200.000 copias vendidas en una semana. El crítico Connie Johnson de “Los Angeles Times” escribió: “Aunque se trate solo de una adolescente, la presencia de esta cantante es remarcablemente osada y madura. Tiene un fuerte tipo de seguridad que permite varios cortes, más el entrenamiento musical para respaldarlo.”. La crítica del “Newsweek” para Control señalaba que el álbum era una alternativa de las baladas sentimentales y los arreglos opulentos de Patti LaBelle y Whitney Houston. Rob Hoerburger de la revista “Rolling Stone” afirmó: “Control es un álbum mejor que los que Diana Ross ha hecho en 5 años, y pone a Janet en una posición similar a la joven Donna Summer, dispuesto a aceptar estado de innovación y llevando sus propios pasos por encima de ella.”. Cinco de los sencillos lanzados entraron al Top 5 de la lista Billboard Hot 100: “What Have You Done for Me Lately”, “Nasty”, “When I Think of You”, “Control” y “Let’s Wait Awhile”. “When I Think of You” se convirtió además en el primer sencillo de Jackson en llegar al número 1. “The Pleasure Principle” entró al Top 20, llegando al número 14. La mayoría de las coreografías de los vídeo-clips fueron hechas por una entonces desconocida Paula Abdul. Jonathan Cohen de la revista Billboard dijo que los espectaculares sonidos y coreografías de los vídeos de Jackson fueron irresistibles para MTV, y que ayudaron al canal a evolucionar desde un canal de música rock a uno con una programación mucho más amplia.

Control fue certificado con cinco discos de platino por la Recording Industry Association of America, y ha vendido más de 14 millones de copias en todo el mundo. Además, ganó 4 American Music Awards de 12 nominaciones, un récord que aún no ha sido roto, y fue nominado como “Álbum del Año” en la edición 1987 de los Grammy Awards. Richard J. Ripani Ph.D, autor del libro The New Blue Music: Changes in Rhythm & Blues, 1950 – 1999 (publicado en el 2006), observó que Control fue uno de los primeros álbumes exitosos que influyeron en el surgimiento del new jack swing, creando una fusión de R&B, rap, funk, disco y percusión sintetizada. Según Ripani, el éxito de Control acortó la brecha entre el R&B y el rap.

En septiembre de 1989, Jackson publica su cuarto álbum de estudio, titulado Janet Jackson’s Rhythm Nation 1814. A pesar de que los ejecutivos de A&M Records querían un álbum similar a Control, Jackson no quería comprometer su integridad artística y estaba decidida a impregnar su música con un mensaje de conciencia social sobre el amor y las relaciones. Ella dijo: “No soy ingenua, sé que un álbum o una canción no van a cambiar el mundo. Sólo quiero que mi música y mis coreografías puedan atrapar la atención del público y que los mantengan el tiempo suficiente para que puedan escuchar las letras y lo que nosotros queremos decir.”. El productor Jimmy Jam dijo en una entrevista al “The Boston Globe”: “Siempre solíamos tener un televisor encendido, por lo general sintonizado en la CNN… Y creo que el contenido social de canciones como “Rhythm Nation”, “State of the World” y “The Knowledge” vinieron desde ahí.”. Vince Aletti, de la revista “Rolling Stone”, observó que Jackson pasó sin problemas desde la libertad personal a las preocupaciones más universales, como la injusticia, el analfabetismo, la delincuencia y las drogas.

Llegando al número 1 en la lista Billboard 200, el álbum fue certificado seis veces platino en los Estados Unidos. En total, se estima que Janet Jackson’s Rhythm Nation 1814 ha vendido más de 14 millones de copias en todo el mundo. También cabe mencionar que este álbum es el único en la historia de la música que ha producido sencillos que han llegado al número 1 en la lista Billboard Hot 100 en tres años diferentes: “Miss You Much” en 1989, “Escapade” y “Black Cat” en 1990, y “Love Will Never Do (Without You)” en 1991. Además, es el único álbum que ha producido siete sencillos que han alcanzado el Top 5 en la lista Hot 100. El video-clip de la canción “Rhythm Nation” ganó el premio Grammy en la categoría “Mejor vídeo musical largo” en 1989. La revista Billboard nombró al álbum como el más vendido en el año 1990, ganando numerosos premios. La gira Rhythm Nation World Tour, la primera gira mundial de conciertos de Jackson en respaldo de un álbum, se convirtió en la gira debut de un cantante más exitosa de la historia. Cuando Jackson comenzó su gira, inmediatamente fue reconocida por el impacto social y cultural de su música. Joel Selvin del periódico “San Francisco Chronicle” escribió lo siguiente: “A los 23 años, la cantante ha realizado numerosas grabaciones exitosas durante cuatro años, convirtiéndose en un accesorio para MTV y en un gran modelo para las adolescentes de todo el país.”. William Allen, por entonces vicepresidente del United Negro College Fund, dijo en “Los Angeles Times”: “Jackson es un modelo a emular para todos los jóvenes, y el mensaje que ha llegado a ellos en este país a través de las letras de Janet Jackson’s Rhythm Nation 1814 está teniendo efectos positivos.”. Ella creó el Rhythm Nation Scholarship como una unión al colegio United Negro College Fund, así como también donó ganancias de su gira a otros proyectos educativos, entregando más de medio millón de dólares para costear los mismos. Los editores del libro Routledge International Encyclopedia of Women: Global Women’s Issues and Knowledge (publicado en el año 2000) documentaron en la obra que el éxito de Jackson durante éste período fue suficiente para que igualara a otros artistas como su hermano Michael Jackson, Madonna y Tina Turner.

El contrato de Jackson con A&M Records terminó con el lanzamiento de Janet Jackson’s Rhythm Nation 1814. En 1991, después de que la cantante fuera abordada personalmente por el propietario de Virgin Records, Richard Branson, Jackson firma un publicitado contrato multimillonario con la ya mencionada compañía discográfica. La cifra del contrato, estimada entre 32 y 50 millones de dólares, hizo de ella la artista musical mejor pagada de la música contemporánea, hasta que su hermano Michael firmó días después un contrato con Sony por 65 millones de dólares. La revista “Ebony” escribió: “Ningún solista o grupo ha impactado tanto al mundo del espectáculo como Michael y Janet Jackson, quienes han firmado ambos contratos multimillonarios recientemente. Hay muchos imitadores, pero nadie puede emular el impresionante estilo y la destreza de los hermanos Jackson.”. Su reputación como icono de la moda también le generó reconocimiento. Janet estaba haciendo vibrar a millones de personas en su exitoso Rhythm Nation World Tour, mientras cantidades de chicas adolescentes imitaban su distintivo look: largas camperas negras semi-militares, pantalones negros apretados y grandes camisas blancas. Ese mismo año, Janet se casó por segunda vez, pero en secreto, con su viejo amigo, bailarín, compositor y director René Elizondo Jr. A principios de 1992, Jackson graba una canción titulada “The Best Things in Life Are Free”, con Luther Vandross, BBD y Ralph Tresvant, para la banda sonora de la película Mo’ Money.

 

1993 – 1996: janet., Poetic Justice y Design of a Decade 1986/1996

En agosto de 1992, después de terminar su trabajo en Poetic Justice, Jackson se puso a trabajar en la grabación de su primer álbum con Virgin Records. Las sesiones de grabación comenzaron en septiembre de 1992, hasta el primer cuarto de 1993. En mayo de 1993 sale a la venta el quinto álbum de estudio de la cantante, titulado janet. (pronunciado “Janet, period”, en español: “Janet, y punto”), que debuta en el número 1 del Billboard 200. Jackson se refirió al título del álbum en una entrevista: “Las personas creen que llegué lejos sólo por mi apellido. Es por eso que sólo titulé “Janet” a mi álbum, porque nunca he pedido a mis hermanos que escriban o produzcan música para mí.”. Larry Flick de la revista Billboard observó que ella también amplía su espectro musical en janet., mezclando elementos de deep house, swing jazz, hip-hop, rock y música caribeña con un fuerte predominio de funk. La revista Rolling Stone comentó lo siguiente: “Como princesa de la familia real americana negra, todo lo que Janet Jackson hace es importante. Ya sea proclamándose a sí misma a cargo de su vida, como hizo en Control, o como una comandante en jefe del ejército con ritmos de baile para luchar contra los problemas de la sociedad, como hizo en Janet Jackson’s Rhythm Nation 1814, ella es influyente. Y cuando anuncia su madurez sexual en su nuevo disco janet., se trata de un hito cultural.”. “The New Rolling Stone Album Guide” (publicado en el 2004) comenta que el primer sencillo número 1 del álbum, “That’s the Way Love Goes” (ganador del Grammy en 1994 por “mejor canción R&B”), y los sencillos Top 10 “If”, “Because of Love”, “You Want This” y “Any Time, Any Place”, todos contienen “deseos adultos”. janet. fue certificado seis veces de platino por la RIAA, con ventas mundiales de más de 20 millones de copias.

En julio de 1993, Jackson debutó en cine, en la película Poetic Justice. “Rolling Stone” describió su trabajo como un “seductor debut en cine” a pesar de su inexperiencia, mientras que “The Washington Post” lo consideró “creíblemente excéntrico”. Varias críticas fueron también negativas, como Owen Gleiberman de “Entertainment Weekly”, que expresó que Janet no era una actriz inepta, pero que no había más artista en su personalidad que las que hay en su plástico rostro de muñeca. La balada “Again” de Jackson estuvo incluida en la película, y recibió sus primeras nominaciones al Globo de Oro y al Óscar por “mejor canción original”. En septiembre de 1993, Jackson apareció en topless en la portada de la revista “Rolling Stone”, con las manos de su entonces marido René Elizondo Jr. tapando sus senos. La fotografía es similar a la usada en la portada del álbum janet., que fue tomada por el fotógrafo Patrick Demarchelier. Sonia Murray del diario “The Vancouver Sun” observó: “Jackson, de 27 años de edad, permanece claramente establecida como un rol modelo y un sex-symbol. La foto de Rolling Stone se convirtió en una de las más reconocidas y satirizadas portadas de revistas del año.”. El editor de Rolling Stone David Ritz comparó la transformación de Jackson con la del cantante Marvin Gaye, diciendo lo siguiente: “Como Marvin Gaye pasó desde What’s Going On a Let’s Get It On, de lo austero a lo enfervorizado, así mismo Janet pasa tan seriamente como Marvin desde Janet Jackson’s Rhythm Nation 1814 a janet., en su declaración de liberación sexual. Su segunda gira de conciertos, el janet. World Tour generó la ovación de la crítica. Michael Snyder del “San Francisco Chronicle” describió la presencia en escena de Jacksons como eliminadora de la línea entre el tamaño de los estadios de los conciertos de pop y las extravagancias teatrales de alta escala.

Durante este período, su hermano Michael Jackson se vio involucrado en un escándalo de abuso sexual infantil, del cual negó cualquier tipo de delito. Janet le dio apoyo moral a su hermano, y negó las acusaciones hechas por su hermana La Toya Jackson en su libro “La Toya: Growing up in the Jackson family” (1991), donde denunciaba que sus padres habían abusado de ella y sus hermanos durante su infancia. En una entrevista con Lynn Norment de “Ebony”, habló del alejamiento de su hermana de la familia, declarando que su marido Jack Gordon le había lavado el cerebro hasta tal punto de alejarla de su familia. Además, denunció a su hermano Jermaine Jackson por burlarse de Michael en su sencillo “Word to the Badd” en 1991. En diciembre de 1994 Janet grabó junto a su hermano Michael la canción “Scream”, que se lanzó como primer sencillo del álbum HIStory: Past, Present and Future, Book I de Michael. La canción fue escrita por ambos hermanos como una respuesta al escrutinio de la prensa que Michael sufrió al haber sido acusado de abuso sexual infantil. La canción obtuvo un gran éxito, debutando en el número 5 en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos, convirtiéndose en el primer sencillo de la historia en debutar entre las cinco primeras posiciones. Según el “Libro Guinness de los Récords”, el video-clip de “Scream”, filmado en mayo de 1995, es el más caro de la historia de la música, con un costo de 7 millones de dólares. Michael y Janet ganaron con “Scream” el Grammy a “mejor video musical corto” en 1995.

En octubre de 1995, Janet lanza su primer álbum recopilatorio, Design of a Decade 1986/1996, publicado bajo el sello discográfico de A&M Records. El álbum debutó en el número 4 y llegó al número 3 en la lista Billboard 200. El primer sencillo, “Runaway”, se convirtió en la primera canción de una artista femenina en debutar dentro de las 10 primeras posiciones del Billboard Hot 100, y llegó al número 3. El álbum fue certificado dos veces platino por la RIAA, y ha vendido más de 4 millones de copias en todo el mundo. La influencia de Jackson en la música popular continuó ganando reconocimiento. Steve Morse de “The Boston Globe” remarcó: “Si hablamos de la más poderosa elite femenina del pop, no se puede hablar de algo más grande que Janet Jackson, Bonnie Raitt, Madonna y Yoko Ono. Su influencia colectiva está más allá de lo que se pueda medir. ¿Y quién puede cuestionar ahora que Janet Jackson tenga más credibilidad que su hermano Michael?”. En enero de 1996, la cantante renueva el contrato discográfico con Virgin Records, por una suma de 80 millones de dólares, convirtiéndose así en la artista mejor pagada de la música contemporánea, superando a los contratos obtenidos por Madonna y Michael Jackson, los cuales estaban estimados en 60 millones de dólares.

 

1997 – 2003: The Velvet Rope, Nutty Professor II: The Klumps and All for You

Durante un período de 2 años anteriores al lanzamiento de su sexto álbum de estudio, The Velvet Rope, Jackson sufrió problemas de depresión y ansiedad. Michael Saunders de “The Boston Globe” consideró que el álbum reflejaba una mirada introspectiva sobre su lucha contra la depresión, describiéndolo como un crítico examen de conciencia y un diario sobre el camino de una mujer hacia el autodescubrimiento. The Velvet Rope también introdujo el sadomazoquismo en la música de Janet. Eric Henderson, de la revista “Slant Magazine”, escribió: “The Velvet Rope es una rica y oscura obra maestra que ilustra que, en medio de látigos y cadenas, no hay nada más sexy que la desnudez emocional.”. Larry Flick de “Billboard” calificó a The Velvet Rope como el mejor álbum americano del año y el más poderoso de todos sus trabajos. Lanzado en octubre de 1997, The Velvet Rope debutó en el número 1 del Billboard 200. En agosto de ese año, el primer sencillo del álbum, “Got ’til It’s Gone”, fue lanzado radialmente, alcanzando el número 12 en la lista de canciones R&B radiales de Billboard. Este tema se inspira en la canción “Big Yellow Taxi” de Joni Mitchell, quien aparece en el sencillo de Janet junto al rapero Q-Tip. “Got til’ It’s Gone” ganó el Grammy a “mejor video musical corto” en 1997. El segundo sencillo del álbum, “Together Again”, se convirtió en su octavo éxito número 1 en el Billboard Hot 100, ubicando a Janet a la par de Elton John, Diana Ross y The Rolling Stones. El sencillo permaneció durante 46 semanas en la lista, un récord, así como estuvo 19 semanas en las listas británicas. “I Get Lonely” llegó al número 3 del Billboard Hot 100. The Velvet Rope vendió más de 10 millones de discos en todo el mundo, y fue certificado tres veces platino por la RIAA.

Jackson donó parte de las ganancias obtenidas de “Together Again” a la Fundación para la Investigación sobre el Sida. Neil McCormick de “The Daily Telegraph” observó: “Jackson incluso toma una postura como ícono gay, haciendo una interpretación de diva que recuerda a Diana Ross en “Together Again” (una canción pop a favor del estudio del Sida), cantando un himno a la homosexualidad en la jaazística “Free Xone” y culminando, si esa es la palabra correcta, con una bizarra reinterpretación lésbica de la canción “Tonight’s the Night” de Rod Stewart.”. “Rolling Stone” consideró “Free Xone” como la mejor canción del álbum, describiéndola como una canción anti-homofóbica que varía modos y tempo en una moneda de 10 centavos, yendo de una especie de sonido tipo Prince hasta un dominante estilo Archie Bell and the Drells en su canción “Tighten Up”. The Velvet Rope fue honrado por el Foro Nacional de Liderazgo de Gays y Lesbianas Negros, y recibió el premio por “álbum destacado” en la novena edición de los GLAAD Media Awards.

En 1998, Jackson emprendió la gira The Velvet Rope World Tour, una gira internacional que incluyó Europa, América del Norte, África, Asia y Oceanía. Robert Hilburn de “Los Angeles Times” escribió: “Hay mucho de la ambición y el glamour de los musicales de Broadway en The Velvet Rope World Tour, lo que sólo demuestra que estos conciertos la acreditan como la creadora y directora del show.”. El especial de HBO The Velvet Rope: Live in Madison Square Garden fue visto por más de 15 millones de personas. El concierto de 2 horas de duración ganó la audiencia de las cuatro mayores cadenas en hogares suscriptos a HBO. Este especial fue nominado a 4 premios Emmy, ganando uno de ellos. Jackson donó parte de las ganancias del concierto a America’s Promise, una organización sin fines de lucro creada por Colin Powell para asistir a jóvenes privados de sus derechos.

Al mes siguiente, Jackson se separó de René Elizondo Jr. Desde que su gira mundial finalizó en 1999, Janet prestó su voz a numerosas canciones de diferentes artistas: los sencillos “Luv Me, Luv Me” de Shaggy (para la banda de sonido de la película How Stella Got Her Groove Back?), “Girlfriend/Boyfriend” de Blackstreet, y “What’s It Gonna Be?!” de Busta Rhymes con Eve y Ja Rule. Además, grabó la canción “God’s Stepchild” para la banda sonora de la película Down on the Delta, y un dueto con Elton John en la canción “I Know The Truth”. En los premios World Music Awards de 1999, Jackson recibió el “premio leyenda” junto con Cher, por su contribución durante todas sus vidas a la industria de la música y su destacada contribución a la industria del pop.81​ Finalizado el año, la revista “Billboard” ubicó a Janet como la segunda artista más exitosa de la década, sólo detrás de Mariah Carey.

En julio del 2000, Jackson aparece en su segunda película, El Profesor Chiflado 2: La Familia Klump, como la profesora Denise Gaines, junto a Eddie Murphy. Ésta se convirtió en su segunda película en debutar como número 1 en la taquilla estadounidense, obteniendo aproximadamente 42,7 millones de dólares en su primera semana. Su contribución a la banda sonora de la película, la canción “Doesn’t Really Matter”, se convirtió en su noveno número 1 en el Billboard Hot 100. Ese mismo año, su ex marido le pidió el divorcio. Jeff Gordinier de “Entertainment Weekly” informó que 8 de los 13 años que ella y Elizondo se habían conocido, estuvieron casados, un hecho que se arreglaron para esconderlo no sólo de la prensa internacional, sino también del padre de Janet. Elizondo llevó a cabo un litigio multimillonario contra Jackson, estimado entre 10 y 25 millones de dólares. No llegaron a un acuerdo sino hasta 2003.

Jackson fue premiada en los American Music Awards en marzo del 2001, recibiendo el “Premio al Mérito” debido a sus finamente elaborados, críticamente aclamados y socialmente formadores álbumes de multi-platino. Además, se convirtió en la homenajeada inaugural del premio mtvICON, un reconocimiento anual a artistas que han hecho contribuciones significativas a la música, a los videos musicales y a la cultura pop, mientras impactaban tremendamente en la generación MTV. El séptimo álbum de estudio de Janet, All for You, fue lanzado en abril del 2001, debutando en el número 1 del Billboard 200. Con ventas de 605.000 copias en su primer semana, All for You se convirtió en el álbum con una mejor primera semana en ventas de su carrera.88​ Stephen Thomas Erlewine de “Allmusic” dijo: “Jackson ha creado un éxito que es lujoso y sensual, esparciendo ocio en sus 70 minutos, logrando atraer incluso cuando se sabe más.”. Jon Pareles de “The New York Times” comentó: “Como otros artistas de R&B que unen su trabajo con el hip-hop, Jackson deleita en texturas tan vertiginosas como un nuevo gusto.”.

La canción que da nombre al álbum, “All for You”, debutó en el Billboard Hot 100 antes de su lanzamiento en el número 14, el debut más alto en la historia para un sencillo que todavía no estaba comercialmente disponible. Teri VanHorn de MTV denominó a Jackson como “reina de la radio”, ya que la canción hizo historia en las radios, siendo escuchada en toda estación de radio pop, R&B y urbana que respondiese al negocio nacional de la revista “Radio & Records”, en su primera semana. El sencillo llegó al número 1, liderando la lista por 7 semanas consecutivas. Además, recibió un Grammy en el 2001 por “mejor canción bailable”. El siguiente sencillo, “Someone to Call My Lover”, que contenía un pesado circuito de guitarra de la canción “Ventura Highway” del grupo America, llegó al número 3 en el Billboard Hot 100. El álbum All for You fue certificado de doble platino por la RIAA, y vendió más de 9 millones de copias mundialmente.

Jackson inició su gira All for You Tour en julio del 2001. El crítico de música pop Robert Hilburn dio una crítica negativa del mismo, comparándolo desfavorablemente con el Drowned World Tour de Madonna y el Dream Within a Dream Tour de Britney Spears. Hilburn escribió: “A los 35 años, Jackson es sólo 8 años menos que Madonna, pero esta presentación es más semejante a Britney Spears. Madonna sabe cómo excavar bajo la superficie; Jackson vive en ella.”. La crítica de Hilburn hizo estallar la reacción de aquellos que pensaban y sentían que Jackson dio la performance superior. David Massey comentó: “Janet superó a la “chica material” por millas. ¿Y cúal es el punto de la desfachatez de traer el nombre de Britney Spears a la escena diciendo que el show de Janet es como el de Britney? ¡Hola! Es al revés.”. Similarmente, Rudy Scalese elogió la performance de Jackson, declarando: “Janet Jackson no ha omitido ni un ritmo. Sigue siendo la Reina de Pop.”. Jackson donó parte de las ganancias de la gira a Boys & Girls Clubs of America, a lo que su presidenta Roxanne Spillett dijo: “La aumentada conciencia que ella trae a nuestra causa, junto con su generosa contribución financiera, nos ayudará a alcanzar un número aún mayor de gente joven en busca de esperanzas y oportunidades.”.

En el 2002, Jackson colaboró con el cantante de reggae Beenie Man en la canción “Feel It Boy”. Más tarde admitió que lamentaba haber hecho la colaboración, luego de descubrir que la música de Beenie Man contenía letras homofóbicas. Pronto, emitió una disculpa a sus fans gay en un artículo publicado en “The Voice”. Jackson también empezaba su relación con el productor musical y rapero Jermaine Dupri ese mismo año.

 

2004 – 2005: Controversia en el Super Bowl XXXVIII, Damita Jo y apariciones en televisión

En el entretiempo de la Super Bowl XXXVIII en febrero del 2004, Jackson hizo un popurrí de sus canciones “All for You” y “Rhythm Nation”, y luego cantó con Justin Timberlake. Mientras Timberlake cantaba la parte “gonna have you naked by the end of this song” de su sencillo “Rock Your Body”, rasgó el top de Jackson, dejando a la vista su seno derecho. Tras la presentación, Janet pidió disculpas, diciendo que fue un accidente, ya que Timberlake sólo debía arrancar su remera y dejar el corpiño rojo de encaje intacto. Además, comentó luego: “Realmente lo siento mucho si ofendí a alguien. Esa no fue mi verdadera intención… MTV, CBS, la Liga Nacional de Fútbol Americano no tenían conocimiento acerca de esto, y desafortunadamente, todo el asunto salió mal al final.”. Timberlake también emitió unas disculpas, llamando al accidente como un “mal funcionamiento del guardarropa”. “Time” informó que el accidente se convirtió en el momento más repetido en la historia de TiVo, y Monte Burke de la revista “Forbes” dijo que el fugaz momento atrajo la estimada suma de 35.000 nuevos suscriptores a contratar TiVo. Más tarde, Jackson fue registrada en la edición 2007 del Libro Guinness de los Récords como la persona más buscada en la historia de Internet y como la más buscada en la sección noticias. La CBS, la Liga Nacional de Fútbol Americano y MTV (red hermana de CBS y productora del show del entretiempo) negaron cualquier conocimiento previo del suceso, y toda responsabilidad por el accidente. Aun así, la Comisión Federal de Comunicaciones realizó una investigación, perdiendo finalmente su apelación por unos 550.000 dólares contra la CBS.

Como resultado del accidente, la CBS sólo permitiría que Jackson y Timberlake aparecieran en la 46ª ceremonia de los Grammy si cada uno presentaba unas disculpas públicas a la cadena, sin atribuir el accidente a un “mal funcionamiento del guardarropa”. Timberlake emitió sus disculpas, pero Jackson se negó. Jermaine Dupri renunció a su puesto en el comité de los premios como consecuencia de ello. La controversia frenó los planes de Jackson para protagonizar un film biográfico para televisión, basado en la vida de la cantante Lena Horne, en la cadena ABC. Aunque, según la prensa, Horne se disgustó por el accidente de la Super Bowl e insistió en que Jackson fuera removida del proyecto, según los representantes de Janet, ella se retiró del proyecto de buena manera.

En marzo del 2004, el octavo álbum de estudio de Janet, Damita Jo (segundo y tercer nombres de la cantante), fue lanzado, debutando en el número 2 del Billboard 200. Stephen Thomas Erlewine de “Allmusic” se refirió al mismo como “el equivalente auditivo de la pornografía dura, que no deja nada a la imaginación y es repetitivo sin fin”. Alternativamente, la crítica de Ann Powers de la revista “Blender” afirmó: “Ingeniosamente estructurado, sin pedir disculpas explícitas, Damita Jo es erótico en su amigable y muy buen balance. Esta hora más de corriente tántrica incluso elimina la memoria del torpe accidente de Jackson en la Super Bowl.”. A fin de mes, fue certificado de platino por la RIAA, y ha vendido más de 3 millones de copias en todo el mundo. Aunque el álbum debutó en el puesto número 2, sus cuatro sencillos fallaron en entrar al Top 40. Keith Caulfield de “Billboard” comentó que “para una artista única como Janet Jackson, que ha acumulado 27 sencillos en el Top 10 del Billboard Hot 100 en su carrera, incluyendo 10 éxitos número 1, esto podría ser probablemente considerado una desilusión”. Clover Hope, de la misma revista, informó que Damita Jo fue en gran parte eclipsado por el escándalo de la Super Bowl, y que Jermaine Dupri, entonces presidente del departamento de música urbana de Virgin Records, emitió su sentimiento de falta de apoyo por parte de la compañía.

Jackson apareció como anfitriona de Saturday Night Live el 10 de abril del 2004, y también apareció como estrella invitada en la sitcom Will & Grace, haciendo de sí misma. En noviembre de ese mismo año, fue honrada como “rol modelo afroamericano” por 100 Black Men of America Inc., que la galardonó con un Artistic Achievement Award de la organización, en reconocimiento a una carrera que fue del éxito al mayor éxito. Aunque el “New York Amsterdam News” informó que hubo una cantidad de asistentes que expresaron consternación sobre entregarle el premio a la artista de 38 años de edad debido al incidente de la Super Bowl, el presidente de la organización, Paul Williams, respondió: “El valor de un individuo no puede ser juzgado por un simple momento en la vida de esa persona.”. En junio del 2005, fue honrada con un premio Humanitarian Award por la Human Rights Campaign y el AIDS Project Los Angeles, en reconocimiento a su trabajo y compromiso en recaudar dinero para ayudar a los enfermos de SIDA.

 

2006 – 2010: 20 Y.O., Why Did I Get Married?, Discipline y Number Ones

Para promocionar su noveno álbum de estudio, 20 Y.O., Jackson apareció en la portada de “Us Weekly” en junio del 2006, que se convirtió en una de las ediciones más vendidas de la revista. Virgin Records lanzó 20 Y.O. en septiembre de ese año, que debutó en el número 2 del Billboard 200. Janine Coveney de “Billboard” informó que el título del álbum (“20 años de edad”) representa una celebración de la alegre liberación y el estilo musical que ha hecho historia desde su álbum de 1986, Control. Evan Serpick de la revista “Rolling Stone” comentó: “El título del último álbum de Janet Jackson se refiere a las dos décadas desde el lanzamiento de su álbum revelación, Control, que dio éxitos como “Nasty” y “What Have You Done for Me Lately”. Si fuéramos ella, no haríamos la comparación.”. Sin embargo, Glenn Gamboa de “Newsday” dio al álbum una valuación positiva, declarando: “En 20 Y.O., ella omite todo ese drama de liberación, afirmándose a sí misma. También mantiene mucho de sus “ataduras/desataduras” sexuales de sus últimos álbum en el closet. Este álbum es todo sobre baile y volver a sus raíces R&B.”.

El primer sencillo del álbum, “Call on Me”, a dúo con el rapero Nelly, llegó al número 25 del Billboard Hot 100. 20 Y.O. fue certificado de platino por la RIAA, y vendió 679.000 copias en los Estados Unidos y 1,2 millones en todo el mundo. La revista “Billboard” informó que el lanzamiento de 20 Y.O. satisfizo el contrato de Jackson con Virgin Records. Jermaine Dupri, que co-produjo 20 Y.O., dejó su cargo como cabeza del área de música urbana de Virgin Records, después del decepcionante desempeño del álbum de Jackson.

En enero del 2007, Jackson fue ubicada como la séptima mujer más rica en el negocio del entretenimiento por la revista “Forbes”, con una fortuna acumulada de más de 150 millones de dólares. Más tarde en ese mismo año, Janet protagonizó junto a Tyler Perry a una psicoterapeuta llamada Patricia en la película Why Did I Get Married?. Esta se convirtió en la tercera película consecutiva de Jackson en debutar en el número 1 de la taquilla, recaudando 21,4 millones de dólares en su primera semana. Ronnie Scheib de la revista “Variety” describió la actuación de Jackson como simpática, aunque algo suave, mientras que Wesley Morris de “The Boston Globe” comentó que Janet interpretó a su personaje con floja autoridad. En febrero del 2008, Jackson ganó el premio NAACP por actuación destacada en película por su papel.

En julio del 2007, Jackson cambió de compañía discográfica, y firmó contrato musical con Island Def Jam Music Group. Su décimo álbum de estudio, Discipline, fue lanzado en febrero del 2008, debutando en el Billboard 200 en el número 1. Margeaux Watson de “Entertainment Weekly” observó que “sus letras de chico loco, que frecuentemente suenan como los caseosos mensajes de texto de un adolescente enfermo de amor, indudablemente carecen del gusto necesario para colocar a esta alguna vez estrella del pop de nuevo en lo máximo de las listas de los críticos”. Andy Kellman de “Allmusic” expresó: “Janet probablemente no vuelva a alcanzar su popularidad de fines de los 80 de nuevo, pero eso no es excusa para borrarla.”. Su sencillo “Feedback” llegó al número 19 del Billboard Hot 100. En abril del 2008, Jackson recibió el “premio vanguardia” en la 19ª entrega de los premios GLAAD Media Awards, en honor a su contrbución en promover derechos igualitarios para personas LGBT. Neil G. Giuliano, presidente de GLAAD, comentó: “La Señora Jackson tiene un tremendo número de fanáticos dentro y fuera de la comunidad LGBT, y haber contado con su apoyo en contra de la difamación que las personas LGBT todavía afronta en nuestro país es extremadamente significativo.”. La quinta gira de conciertos de Jackson, el Rock Witchu Tour, comenzó en septiembre del 2008. Ese mismo mes, ella y su compañía discográfica se separaron de común acuerdo. Darkchild, que produjo su último álbum, expresó: “Me parece que no fue promocionado correctamente. Ella simplemente no lo ha hecho como una artista de su magnitud.”. En los 14 meses durante los cuales estuvo asociada a Island Def Jam, su álbum había vendido 449.000 copias, sin recibir ninguna certificación de la RIAA. “Billboard” informó que, debido al descontento de Janet con la promoción de su álbum, la compañís aceptó revocar su relación con la artista por su pedido.

En junio del 2009, su hermano Michael Jackson murió a la edad de 50 años. En la entrega de los BET Awards de ese año, Janet habló públicamente por primera vez sobre la muerte de su hermano, afirmando: “Sólo quiero decir que, para todos ustedes, Michael es un ícono. Para nosotros, Michael es familia. Y él vivirá por siempre en todos nuestros corazones. En nombre de mi familia y de mí misma, agradezco a todos por su amor, gracias por todo su apoyo. Lo extrañamos demasiado.”. En una entrevista exclusiva con “Harper’s Bazaar”, Janet reveló que supo de la muerte de su hermano mientras estaba filmando en Atlanta la película Why Did I Get Married Too?. En medio del duelo público y privado con su familia, se focalizó en el trabajo para afrontar el dolor, evitando cualquier reportaje de la prensa acerca del fallecimiento de su hermano. Ella declaró: “Es aún importante enfrentar la realidad, y no quiere decir que le esté escapando, pero a veces sólo necesitas escaparte por un segundo.”. En ese mismo tiempo, también terminó su relación de 7 años con Jermaine Dupri. En septiembre del 2009, Janet cantó “Scream” en la entrega de los premios MTV Video Music Awards, como parte de un tributo a su hermano. Stephen Friedman, gerente general de MTV, declaró: “Sentíamos que no había nadie mejor que Janet para anclar y enviar un mensaje realmente poderoso.”. Ella trabajó con numerosos coreógrafos de renombre mundial, y con su director creativo personal, Gil Duldulao, que coordinó la performance. La presentación fue alabada por la crítica. Michael Slezak de “Entertainment Weekly” comentó: “Janet Jackson trabajó ese escenario más duro que un asistente mal pagado haciendo horas extra y, como tributo que fue, fue tan energético como sentido.”.

Su sencillo “Make Me” fue lanzando luego de su presentación en los VMA, inicialmente en formato “audio stream” en su página web oficial, y más tarde estuvo disponible para descarga digital. Poco después de su lanzamiento, el sencillo se convirtió en el 19º número 1 de Jackson en la lista Hot Dance Club Songs. Más tarde ese mismo mes, Jackson presidió el beneficio inaugural de la Fundación para la Investigación sobre el Sida, realizado en Milán en conjunto con la Semana de la Moda. Kevin Robert Frost, CEO de la fundación, comentó: “Estamos profudamente agradecidos a Janet Jackson por unirse a nuestra fundación, presidiendo nuestro primer evento en Milán. Ella trae una incomparable armonía y una historia de dedicación en la lucha contra el Sida.”. Una de las piezas de la firma vendidas en la subasta fue un par de botas repletas de cristales que su hermano Michael iba a usar en su gira This Is It, que se vendió por 14.650 dólares. El evento recaudó un total de 1,1 millones de dólares para la organización sin fines de lucro. Jackson dijo: “Sólo me gustaría agradecer a todos los que están aquí en la comunidad mundial de la moda, que han hecho tanto por ayudar a la Fundación para la Investigación sobre el Sida, y por el apoyo para la investigación sobre el VIH/SIDA.”. Su segundo álbum compilatorio, Number Ones (titulado The Best fuera de los Estados Unidos), fue lanzado en noviembre del 2009, en un negocio conjunto entre Universal Music Group y EMI. Debutó en el puesto número 22 del Billboard 200, con ventas de 27.000 copias en su primera semana de lanzamiento.

Janet cantó en el acto de apertura de la 37ª edición de los American Music Awards, y también fue una de las cantantes en el festival “Capital FM’s Jingle Bell Ball” en diciembre del 2009 en el 02 Arena de Londres.

 

2010 – Presente: Proyectos cinematográficos, True You: A Journey to Finding and Loving Yourself y Number Ones: Up Close and Personal

En abril del 2010, Jackson repitió su papel junto a Tyler Perry en la secuela de Why Did I Get Married?, titulada Why Did I Get Married Too?. La película recaudó 30,1 millones de dólares en la taquilla de su primera semana, debutando en el número 2. Wesley Morris de “The Boston Globe” expresó que “la total experiencia de la película son 120 minutos de emocional Stairmaster”, y añadió que “mirar a una histérica (e histéricamente peinada) Janet Jackson redecorar una casa con un club de golf quema 500 calorías”. Mike Hale de “The New York Times” se refirió a su actuación como “vigorizante y singularmente divertida, mientras que Jackie K. Cooper de “The Huffington Post” comentó: “Janet aparece muy impresionante en algunos momentos, y un poco menos en otros. Ella sí muestra la voluntad de ser vista más despeinada.”. Su interpretación le valió una nominación en la edición 2011 de los premios NAACP por “actriz destacada en película”. Además, grabó el sencillo principal para la banda sonora de la película, titulado “Nothing”, que fue lanzado antes del debut de la película. En mayo del 2010, Janet actuó en la final de American Idol, donde cantó “Again”, “Nothing” y “Nasty”.

Jackson se presentó en el festival “2010 Essence Music Festival”, junto a Alicia Keys y Mary J. Blige. Según la prensa asociada, “Janet Jackson cautivó a la audiencia del Essence Music Festival, mantuvo a la gente de pie por más de dos horas y recordó a sus fans por qué valía la pena esperar 2 años para verla en concierto”. En julio del 2010, Jackson se convirtió en portavoz para la marca de pieles Blackglama, de la compañía American Legend Cooperative, en la campaña “What Becomes a Legend Most”, previamente llevada a cabo por celebridades como Lena Horne, Elizabeth Taylor, Lauren Bacall y Diana Ross. Según el comunicado de prensa de la compañía: “Janet fue seleccionada como la más reciente de la campaña Leyendas, porque es un ícono en el mundo de la música y del entretenimiento, una verdadera leyenda. Ella representa todo lo que esta campaña encarna. Janet es para el espectáculo lo que Blackglama es para el lujo.”. Su aprobación hizo estallar la indignación del grupo PETA (Personas por el Trato Ético de los Animales), así como de la activista Pamela Anderson. Anderson y el vicepresidente de la organización, Dan Mathews, encontraron la decisión de Jackson como hipócrita, ya que en el pasado había rechazado la aprobación del uso de pieles. En agosto del mismo año, Universal Music Group lanzó su tercer álbum compilatorio, titulado Icon: Number Ones, como parte del debut de la serie de ábums “Icon”. Según el comunicado de prensa, esta serie incluye los grandes éxitos, los clásicos ritmos y los temas favoritos de los más populares artistas de la historia de la música.

En noviembre del 2010, interpretó a Joanna en la película dramática For Colored Girls, adaptación fílmica de Tyler Perry de la obra For Colored Girls Who Have Considered Suicide When the Rainbow Is Enuf (1975), de Ntozake Shange. Christopher John Farley de “The Wall Street Journal” elogió su interpretación, afirmando: “Ella recita versos escritos por Ntozake Shange, autor de la obra que inspiró a la película. Pero en vez de ofrecer una amanerada lectura de renglones al estilo casa de café, Jackson hace que las palabran suenen como un común, aunque muy elocuente, discurso.”. Matt Zoller Seitz de “Salon.com” dijo: “Ella se supera a sí misma aquí, especialmente en la escena en la cual enfrenta a su marido sobre su vida secreta. No sólo el corte de pelo corto de Jackson y sus traumatizados ojos podrían recordar a los espectadores a Jane Wyman o Joan Crawford. Perry alcanza la mezcla de una masculina hípercompetitividad y una femenina vulnerabilidad que siempre han definido a Jackson, y lo vincula a la astuta y solitaria frialdad frecuentemente vista en el trabajo de Wyman y Crawford, una táctica directiva de una tremenda percepción.”. Manohla Dargis de “The New York Times” comentó: “Janet Jackson es, para decirlo suavemente, una actriz de limitada expresión. Pero su tranquila presencia tiene fuerza, en parte debido a su misterioso parecido con su hermano Michael, aunque también porque la frágil altivez de sus personajes, privilegiados de auto-involucración y su artificialismo tienen, como los mártires en armiño interpretados por tales como Lana Turner, su propia y extraña verdad.”. Numerosos críticos han comparado su representación de Jo a la que hizo Meryl Streep de Miranda Priestly en El Diablo Viste a la Moda. Su actuación le valió nominaciones en la entrega 2011 de los premios Black Reel Awards, en las categorías “destacada actuación femenina” y “vestuario destacado”.

El 18 de noviembre del 2010, en un entrevista exclusiva con The Boombox de AOL, Jackson anunció sus planes de embarcarse en su “gira mundial más grande de todas”, en apoyo a su segundo álbum compilatorio, Number Ones. La gira, denominada Number Ones: Up Close and Personal tendría conciertos en 35 ciudades por el mundo. Las mismas serían seleccionadas por sus fans, que debían presentar las sugerencias en su página web oficial. Durante la gira, Jackson presentó sus 35 éxitos número 1 y dedicó una canción a cada ciudad.168​ Jackson se asoció con Mattel para lanzar una edición limitada de muñeca Barbie que reflejaran su apariencia. Llamada “Divinely Janet”, la muñeca fue subastada por 15.000 dólares, y las ganancias fueron donadas al Project Angel Food. Un libro de autoayuda escrito por Jackson, titulado True You: A Journey to Finding and Loving Yourself, fue lanzado el 15 de febrero del 2011, llegando a la cima de la lista de best-sellers de “The New York Times” el mes siguiente. En marzo del mismo año, firmó un contracto de producción de cine con Lions Gate Entertainment para seleccionar, desarrollar y producir un largometraje en cine independiente. Mike Paseornek, presidente del desarrollo y la producción de la película de Lionsgate, declaró: “Janet tiene una poderosa presencia en escena, con una gran audiencia, y creemos que tendrá la misma poderosa presencia detrás de cámaras. Estamos honrados de poder proveer un hogar para sus ideas, su pasión y su inmenso talento.”. Jackson se convirtió en la primera estrella pop femenina en cantar en la Pirámide del Museo del Louvre, obra del arquitecto I. M. Pei. Con el fin de recaudar dinero para la restauración de obras de arte icónicas, se presentó en el marco del evento bianual de recaudación de fondos del museo, “Liaisons au Louvre”, el martes 14 de junio. Henri Loyrette, presidente y director del museo, dijo: “Janet Jackson es una de las joyas artísticas más grandes del mundo. Por lo tanto, no sentimos profundamente honorados, y creemos adecuadamente que su presentación en el Museo del Louvre será otra pieza de arte realizada bajo nuestra gloriosa pirámide de cristal.”. En agosto del 2011 fue anunciada como la primera celebridad en estar presente en la campaña “What Becomes A Legend Most” de Blackglama por 2 años consecutivos. Joe Morelli, CEO de la empresa, dijo: “Fue claro en nuestra discusión de quién debía ser la Leyenda de este año que continuar con el momento de Janet era completamente sensato. Ella encarna el glamour, el lujo y la sofisticación, todo lo que Blackglama necesita.”. En noviembre del 2011, Jackson se asoció con la marca para lanzar una colección de 15 piezas de productos de piel de lujo, que sea distribuida por “Saks Fifth Avenue” y “Bloomingdale’s”.

Casada en terceras nupcias desde el 2012 con el millonario empresario qatarí Wissam al Mana, nueve años menor que ella, el 3 de enero de 2017 Janet dio a luz a su hijo Eissa al Mana, convirtiéndose en madre por primera vez a sus cincuenta años. Tres meses después, anunciaba su divorcio.

 

Calidad artística
Estilo musical e interpretación

Muchos críticos han observado que ella nunca fue considerada como una vocalista fuerte, señalando que su voz es a menudo mejorada por la producción de su música. El biógrafo David Ritz comentó que “su voz tenue es un pálido eco de Michael, pero en los álbumes de Janet, así como en sus vídeo-clips y presentaciones en vivo, las cuales revelaron una técnica de baile fresca y atlética, no muy diferente a la de su hermano, el canto no es el punto”, señalando que esa importancia estaba puesta en sus golpeadores ritmos, sus infecciosos ganchos y su impecable valor de producción. El crítico de música J.D. Considine señaló que “en los álbumes, el sonido de Janet no está definido tanto por su voz, sino por la manera en que su voz es enmarcada por la exuberante y propulsiva producción de Jimmy Jam y Terry Lewis”. Su voz también ha sido elogiada en ocasiones. Eric Henderson de Slant Magazine criticó a quienes juzgaron duramente a Jackson por su tenue voz, señalando: “De alguna manera, se olvidaron del explosivo vocal pirotécnico que desata en todo el tema “Nasty”, o han descartado completamente cómo su trémula indecisión encaja perfectamente en el abstinente himno “Let’s Wait Awhile”.”. El compositor clásico Louis Andriessen también ha elogiado a Jackson por su “tempo rubato, sentido del ritmo, sensibilidad y la calidad infantil de su extrañamente erótica voz”. Ritz comparó el estilo musical de Jackson con el de Marvin Gaye, declarando: “Como Marvin, la autobiografía parece la única fuente de su música. Su arte, también como Marvin, flota sobre un reservorio de sufrimiento secreto.”. Sus hits de los 80 han sido fuertemente descriptos por ser fuertemente influenciados por Prince, ya que sus productores son ex miembros de la banda The Time. Sal Cinquemani escribió que, además de definir el Top 40 de las radios, le dio al estilo Minneapolis sound de Prince una distintiva femeneidad, y con canciones como “What Have You Done for Me Lately”, “Nasty”, “Control” y “Let’s Wait Awhile”, un distintivo efecto femenino.

La música de Jackson ha abarcado un amplio rango de géneros, incluyendo: R&B, soul, disco, hip-hop, rap, pop, rock y dance. Qadree EI-Amin, ex gerente personal de Janet, comentó: “Ella es más grande que Barbra Streisand, porque Streisand no puede atraer a las multitudes de las calles como lo hace Janet. Pero la rica élite seguidora de Streisand también ama a Janet Jackson.”. Richard J. Ripani escribió que, cuando los productores musicales Jimmy Jam y Terry Lewis colaboraron con Jackson en su álbum Control en 1986, el trío elaboró un nuevo sonido que fusiona los elementos rítmicos del funk y el disco junto con pesadas dosis de sintetizadores, percuciones, efectos de sonido y una sensibilidad de música rap. Rickey Vincent señaló en su libro Funk: The Music, The People, and The Rhythm of The One de 1996 que ella ha sido citada a menudo por redefinir el criterio de música popular con la fuerza industrial de los ritmos de su álbum. Richard Rischar, en A Vision of Love: An Etiquette of Vocal Ornamentation in African-American Popular Ballads of the Early 1990s, observa que “las baladas pop negras de mediados de los 80 han sido dominadas por el estilo vocal y de producción que era fino y fluido, liderado por Whitney Houston, Janet Jackson y James Ingram”. Jackson continuó su desarrollo musical con la mezcla de un sonido urbano contemporáneo con el hip-hop en los 90. Esto incluyó una representación más suave del R&B, articulado por lujosas baladas sentimentales y ritmos bailables up-tempo. Ella ha sido citada como una artista que ha remodelado el sonido y la imagen del R&B en la primera década de su carrera. La crítica Karla Peterson comentó que “ella es una fuerte bailarina, una artista atractiva y, como lo demuestra la canción “That’s the Way Love Goes”, una experta autora de canciones pop”.189​ Su material de la década del 2000 ha sido visto como menos favorable. Sal Cinquemani comentó que, excepto tal vez por R.E.M., ninguna otra súperestrella ha sido tan prolífica con tanta disminución comercial y vueltas creativas.

Jackson ha cambiado su enfoque lírico a través de los años, convirtiéndose en sujeto de análisis para la musicología, los estudios afroamericanos y los estudios de género. Mucho de su éxito ha sido atribuido a “una serie de poderosos y metálicos surcos, sus alegres y multi-seguidos vocales, y una filosofía lírica construida a partir del orgullo y el autodescubrimiento”. David Ritz declaró: “El misterio es el fuego lento que quema alrededor de los perímetros del soul de Janet Jackson. La llama se alimenta de los muy buenos elementos combustibles: supervivencia y ambición, precaución y creatividad, confianza suprema y miedo oscuro.”. Durante los 80, sus letras expresaron autorealización, principios femeninos e ideología política impulsada. Gillian G. Gaar, autor de She’s a Rebel: The History of Women in Rock & Roll (2002), describió a Control como “un relato autobiográfico sobre su vida con sus padres, su primer matrimonio y la liberación”. Refiriéndose a Janet Jackson’s Rhythm Nation 1814 como una personificación de la esperanza, Timothy E. Scheurer, autor de Born in the U.S.A.: The Myth of America in Popular Music from Colonial Times to the Present (2007), escribió: “Podría recordar a algo de Sly and the Family Stone antes de There’s a Riot Goin’ On y otros artistas afroamericanos de los 70 en su tácita asunción de que el mundo imginado por Martin Luther King todavía es posible, que el “sueño americano” es un sueño para todas las personas.”.

En janet., Jackson empezó a transitar principalmente por temas sexuales. En su libro You’ve Come A Long Way, Baby: Women, Politics, and Popular Culture de 1996, Lilly J. Goren escribió que “la evolución de Jackson de una música políticamente consciente hacia una diva sexy marcó la dirección que la sociedad y las industrias de la música estaban fomentando que persigan las divas del dance-rock”. Joshua Klein escribió en “The Washington Post” que la imagen pública de Jackson en el curso de su carrera cambió de la inocencia a la experiencia, inspirando álbumes tan carnales como janet. en 1993 y The Velvet Rope en 1997, el último de los cuales exploró los costados, figurada y literalmente, del amor y la lujuria. Jackson explicó los recurrentes temas en sus últimos álbumes diciendo: “Amo el amor y amo el sexo.”. Ella declaró, durante la promoción de janet.: “Amo sentirme profundamente sexual, y no me importa dejar que el mundo lo sepa. Para mí, el sexo se ha convertido en una celebración, en una alegre parte del proceso creativo.”. El contenido sexual explícito de sus últimos álbumes ha provocado reacciones mixtas, variando desde el elogio hasta el aborrecimiento, a menudo en contraposición a Madonna, que es vista como su contraparte. Stephen Thomas Erlewine comentó que “mientras que el sexo estimula indiscutiblemente mucho de la mejor música pop, no es un factor inherentemente fascinante para la música pop, aunque como todo, depende del artista”.

 

Influencias

Jackson ha citado a sus hermanos mayores Michael y Jermaine como sus primeras influencias musicales. También describe a la actriz y cantante Lena Horne como una profunda inspiración, no sólo en su propia carrera, sino para los artistas negros a través de múltiples generaciones. Sobre la muerte de Horne en el 2010, Janet declaró: “Horne produjo mucho placer en la vida de todos, incluso en las genereaciones más jóvenes, hasta más jóvenes que yo misma. Ella fue una gran talentosa. Abrió muchísimas puertas para artistas como yo misma.”. De igual manera, considera a Dorothy Dandridge como una de sus ídolos. Describiéndose a sí misma como una gran fanática de Joni Mitchell, explicó: “Cuando era niña, me sentí atraída por las canciones de Joni Mitchell… Junto con Marvin Gaye y Stevie Wonder, las canciones de Joni me hablaban de una forma íntima y personal.”. Jackson también guarda reverencia para Tina Turner, diciendo: “Tina se ha convertido en una figura heroica para mucha gente, especialmente las mujeres, debido a su tremenda fuerza. Personalmente, Tina no parece tener un principio y un final en mi vida. Sentí que su música siempre estuvo allí, y siento que siempre lo estará.”. También ha nombrado a otros artistas con conciencia social como fuentes de inspiración, tales como Tracy Chapman, Sly and the Family Stone y U2. Otros artistas atribuidos como influencias en la música de Jackson, según la revista “Rolling Stone”, son The Ronettes, Dionne Warwick, Tammi Terrell y Diana Ross.

 

Vídeos musicales y coreografía

Jackson sacó su inspiración para sus videos musicales y sus performances de los musicales que veía en su juventud, y estuvo fuertemente influenciada por las coreografías de Fred Astaire y Michael Kidd, entre otros. A lo largo de su carrera, ha trabajado con numerosos coreógrafos profesionales, como Paula Abdul, el propio Michael Kidd, y Tina Landon. Landon también trabajó en la coreografía del video musical “Scream” de 1995, dúo entre Janet y su hermano Michael Jackson. Janine Coveney de “Billboard” observó que “la declaración musical de independencia de Jackson en Control presentó una cadena de éxitos, una imborrable producción de sonido, y una imagen duradera cementada por innovadoras coreografías en sus videos e imágenes que los vocalistas de pop todavía emulan”. Qadree El-Amin comentó que artistas como Britney Spears y Christina Aguilera diseñaron sus interpretaciones después de la probada personalidad “dance-diva” de Janet.

Beretta E. Smith-Shomade, autora de Shaded Lives: African-American Women and Television (2002), escribió: “El impacto de Jackson en la esfera de los videos musicales provino en gran parte del éxito en ventas musicales, que le proporcionaron libertades y control más visibles. Esta asunción del control impactó directamente la imagen y el contenido de sus videos musicales, dándole a Jackson una acción no asumida por muchos otros artistas, varones o mujeres, negros o blancos.”. Parallel Lines: Media Representations of Dance (1993) documenta que sus videos han sido a menudo reminicencias de conciertos en vivo o elaborados musicales teatrales.208​ Muchos de sus video-clips de Control, incluidos “Nasty” y “When I Think of You”, fueron coreografiados usando influencias del teatro Broadway. El multiculturalismo ha sido también una piedra angular de la imagen representada por Jackson en sus videos musicales. La iconografía militar de su video “Rhythm Nation” de 1989 significa una necesidad de igualdad tanto racial como de género. En el mismo, ella y sus bailarines bailan en uniformes idénticos, mientras que Jackson misma está actuando asexuadamente y casi anónimamente, como uno de los miembros del grupo. En los 90, sus videos, como “If” de 1993 (que destila la lujuria y el misterio similar al de El último emperador) y “Runaway” de 1995, extraen influencias culturales de oriente. Otros, como “Got ’til It’s Gone” y “Together Again” de 1997, exploran las raíces africanas y el Serengeti. Los videos musicales de Jackson también han encontrado compenetración con la comunidad gay, como la dramática imagen en “Rhythm Nation” que llevó a la recración del video en los clubs gay, y su video “Love Will Never Do (Without You)” de 1990, que se supone que explora la estética del cuerpo masculino desde las perspectivas tanto de las mujeres como de los varones gay. Janet recibió el premio MTV Video Vanguard Award en 1990 por su contribución a la forma del arte, y en el año 2001 se convirtió en la primera honorada con el premio mtvICON, celebrando su impacto en la industria musical en su conjunto.

Sus videos musicales han contribuido a un mayor grado de liberación sexual entre las mujeres jóvenes, a lo que Jean M. Twenge, autor de Generation Me: Why Today’s Young Americans are More Confident, Assertive, Entitled – and More Miserable Than Ever Before (2007), escribió: “En los estudios de Alfred Kinsey en los años 50, sólo el 3% de las mujeres jóvenes habían practicado sexo oral con un hombre. Hacia mediados de los 90, sin embargo, el 75% de las mujeres de entre 18 y 24 años de edad habían experimentado cunnilingus. Los videos musicales de las artistas femeninas han contribuido a la tendencia, con Mary J. Blige y Janet Jackson insinuando fuertemente a hombres practicando sexo oral sobre mujeres en sus video-clips, empujando hacia abajo a los hombres por sus cabezas hasta ubicarlos exactamente en la justa posición.”. De igual forma, Paula Kamen, en Her Way: Young Women Remake the Sexual Revolution (2000), establece que “entre principio y mediados de los 90, el sexo oral incluso alcanzó la música comercial, como la demanda de carga política de mujeres verdaderamente liberadas”, citando a TLC, Mary J. Blige y Janet Jackson como ejemplos de artistas femeninas simulando connilingus en sus videos. Sin embargo, acusaciones de cirugía estética, aclaramiento de piel y una creciente imagen hípersexualizada llegaron a ella, siendo vista como una conformadora de blancos, y una visión de la sexualidad de hombres dominadores en lugar de su propia liberación o la de otros.

La revista “Jet” comentó que “las innovadoras interpretaciones en escena de Janet en sus giras mundiales le han valido la reputación de ser una artista de clase mundial”. Chris Willman de “Los Angeles Times” observó que “las fascinantes coreografías de la gira Ryhthm Nation World Tour representan la cumbre de lo que se puede hacer en su estilo, una rápida mezcla de movimientos rígidamente espasmódicos y graciosamente fluidos”. Nicholas Barber, columnista de “The Independent”, comentó en su crítica para The Velvet Rope World Tour que “los conciertos de Janet son el equivalente pop de una exitosa película de verano, con todas las explosiones, efectos especiales, el sentimentalismo sustituto, gratuita escisión y el énfasis en el espectáculo por encima de la coherencia que el término implica”. Cuando el periodista Robert Hilburn de “Los Angeles Times” le preguntó a Jackson si entendía por qué la gente hablaba de The Velvet Rope World Tour en términos de Broadway, ella respondió: “Yo soy una loca de Broadway… Es con lo que he crecido.”. Su gira Number Ones: Up Close and Personal devió del “teatro a gran escala” presente en sus pasados conciertos en enormes lugares, a otros más pequeños. Los críticos observaron que haber sido reducida no tuvo ningún efecto en el impacto de su talento, y en algunos casos, lo intensificó. Greg Kot del “Chicago Tribune” escribió: “En las giras anteriores, la fina voz de Jackson era a menudo engullida por el mero tamaño de sus producciones. En el más reducido marco actual, Jackson logra una calidez y una pasión que no era siempre evidente en los estadios. Es la mejor performance de Janet Jackson que he cubierto en más de 20 años.”.

Thor Christensen de “The Dallas Morning News” señaló que Jackson hacía playback en sus conciertos. Escribió: “Janet Jackson, una de las más notorias del pop que hacen uso del playback en escena, admitió que utiliza algunos vocales pre-grabados para aumentar su voz en vivo. Pero se negó a decir qué porcentaje de su voz en concierto es grabada y cuánto es en vivo.”. Richard Harrington de “The Washington Post” observó: “Desde el advenimiento de MTV y la proliferación de cantantes orientados al baile como Mili Vanilli, Madonna, Paula Abdul, Janet Jackson, George Michael, MC Hammer, Michael Jackson y New Kids on the Block, la expectativas de la audiencia han sido redefinidas drásticamente.”, señalando que pocos artistas son capaces de recrear el espectáculo de los elaboradamente coreografiados videos musicales, a la vez que llevan a cabo vocales con precisión de estudio. Michael MacCambridge de “Austin American-Statement”, que evaluó la gira Rhythm Nation World Tour de Jackson, describió el playback de Jackson como un punto discutible, declarando que ella frecuentemente cantaba en vivo junto con sus propios vocales pre-grabados, para lograr un sonido similar a las versiones radiales de sus sencillos. MacCambridge también observó que parecía improbable que alguien, incluso un preciado miembro de la Primera Familia de la Música Soul, pudiera bailar como lo hizo ella durante 90 minutos y encima brindar el tipo de vocales poderosos que de los súper conciertos de los 90 se esperan conseguir. Similamente, Chris Willman comentó que “incluso una vocalista entrenada clásicamente se encontraría en apuros a la hora de mantener cualquier tipo de nivel de volumen (o, más apropiadamente, de “Control”), a la vez que se mueve hacia arriba y hacia abajo de escaleras, y bate las extremidades en direcciones sobrenaturales, a una velocidad impecabe y vertiginosa”. Los críticos señalaron que en la menor escala de su gira Number Ones: Up Close and Personal, ella renunció al playback. Chris Richards de “The Washington Post” declaró que “incluso en sus resoplidos, esa delicada voz no ha perdido la precisión de rayo láser que parece ser parte del ADN de la familia Jackson”. Richards complementó su actuación físicamente agotadora, diciendo: “Vamos, Janet. Déjales ver tu sudor. Porque en la esfera del pop del siglo XXI donde los cociertos son conducidos por el espectáculo, necesitamos saber que debajo de todos esos trajes de ciencia ficción, de las luces estroboscópicas y del auto-tune, todavía estamos presenciando un concierto por la vívida, alentosa y profundamente sudorosa ser humana, cuyo nombre es el que está estampado en las entradas por las cuales vaciamos nuestros bolsillos para ver.”.

 

Legado

La hermanita bebé del preciado clan Jackson, Janet Jackson, se ha esforzado por separar su carrera profesional de la de su hermano mayor Michael y del resto de la familia Jackson. Steve Dollar de “Newsday” escribió que “ella resalta esa calidad hogareña de “chica de al lado” que desmiente su lugar como la más joven de los hermanos de la familia, cuyas vidas interiores y exteriores han sido tan atizadas, chusmeadas, docudramatizadas y copiadas como la de los Kennedy”. Phillip McCarthy de “The Sydney Morning Herald” observó que, a través de su carrera musical, una de sus condiciones comunes para los entrevistadores ha sido que no habría mención alguna de Michael. Joshua Klein escribió: “Durante la primera mitad de su carrera musical, Janet Jackson sonaba como una artista con algo que demostrar. Surgiendo en 1982, justo cuando su hermano mayor Michael estaba emitiendo su sombra más grande, Jackson llenó sus álbumes no tanto con canciones, sino con declaraciones, desde “The Pleasure Principle” hasta el radical sonido de “Rhythm Nation” y la declaración de propósitos de “Control”.”. Steve Huey de “Allmusic” afirmó que, a pesar de haber nacido en una familia de artistas, Janet Jackson se las ha arreglado para emerger como una súper estrella por derecho propio, rivalizando no sólo con varias artistas musicales femeninas como Madonna y Whitney Houston, sino también con su hermano, mientras cambiaba exitosamente su imagen de una mujer joven fuerte e independiente a una adulta sexy y madura. Forjando su propia y única identidad a través de sus proyectos artísticos y empresariales, ha sido estimada como la “Reina del Pop” o la “Reina del R&B”. Klein argumentó que “el estrellato no fue algo muy difícil de predecir, pero pocos podrían haber previsto que Janet, “Miss Jackson if you’re nasty”, algún día reemplazaría a Michael como verdadera heredera del legado de la familia Jackson”.

Jackson también ha sido reconocida por jugar un papel esencial en cruzar los límites raciales en la industria de la música, donde los artistas negros fueron una vez considerados deficientes. En Right to Rock: The Black Rock Coalition and the Cultural Politics of Race (2004), su autor Maureen Mahon declara: “En los 80, Whitney Houston, Michael Jackson, Janet Jackson y Prince estaban entre los artistas afroamericanos que cruzaron… Cuando los artistas negros cruzaron al éxito en el pop, dejaron de ser negros en el significado del mundo de la industria. Fueron promovidos de la música negra racializada a la música pop universal en un económico proceso de trascendencia racial.”. Routledge International Encyclopedia of Women: Global Women’s Issues and Knowledge (2000) documenta que Jackson, junto con otras prominentes mujeres afroamericanas, han logrado rupturas financieras en la corriente principal de la música popular, recibiendo la reputación de súpes estrellas en el proceso. Ella, junto a sus contemporáneas, ofrecieron un camino viable, creativo, intelectual y empresario para entablar y mantener la acción, la potencia lírica, el marketing y la propiedad. Su comprensión del negocio ha sido comparada a la de Madonna, ganando un nivel de autonomía que permite una latitud creativa y acceso a recursos financieros y distribución para el mercado masivo.

El musicólogo Richard J. Ripani identificó a Jackson como una líder en el desarrollo del R&B contemporáneo, ya que su álbum Control de 1986 y su sucesor Janet Jackson’s Rhythm Nation 1814 crearon una combinación única de género y efectos de sonido, que desembocaron en el uso del rap en la corriente principal del R&B. Ripani también argumenta que la popularidad de la canción insignia de Jackson, “Nasty”, influenció el género del new jack swing desarrollado por Teddy Riley. Leon McDermott del “Sunday Herald” escribió: “Sus millones de álbumes vendidos en los 80 ayudaron a crear el R&B contemporáneo, a través de la musculosa y magra producción de Jimmy Jam y Terry Lewis. Los sinuosos surcos enhebrados en Control en 1986 y en Janet Jackson’s Rhythm Nation 1814 en 1989 son el fundamento sobre lo que los productores y los cantantes de hoy se basan.”. Jim Cullen expresó en Popular Culture in American History (2001) que, aunque fue el video de “Thriller” de Michael Jackson el que originalmente sincronizó los videos musicales con las ventas de álbumes, Janet Jackson estuvo también entre la primera generación de artistas que vieron que la visualización de su música los elevó al estado de [Anexo:Icono popular|ícono del pop]]. En julio de 1999, se ubicó en el número 77 de la lista “100 Greatest Women of Rock and Roll” de VH1. También apareció en el puesto 134 de su lista “200 Greatest Pop Culture Icons of All Time” y en el número 2 de “50 Greatest Women of the Video Era”, detrás de Madonna. En marzo del 2008, Business Wire informó: “Janet Jackson es una de los 10 artistas más vendedores en la historia de la música contemporánea, rankeada por la revista “Billboard” como la novena artista de rock and roll más exitosa de la historia, y la segunda mujer más exitosa en la historia del pop.”. Jackson es la única artista mujer en la historia del Billboard Hot 100 en tener 18 sencillos consecutivos dentro del Top 10, desde “Miss You Much” en 1989 hasta “I Get Lonely” en 1998. La revista la ubica en el puesto 7 de los mejores artistas de todos los tiempos, lista realizada en el 50º aniversario del Hot 100, haciendo de ella la tercera artista mujer más exitosa en la historia del conteo, detrás de Madonna y Mariah Carey. En noviembre del 2010, la revista realizó una lista de los mejores artistas de R&B y hip-hop de los pasados 25 años, ubicándola en el número 5. Ella figura como la principal artista en la lista, con 15 éxitos número 1 en los 25 años anteriores, obteniendo 27 éxitos dentro del Top 10 entre 1985 y 2001, y 33 éxitos consecutivos dentro del Top 40 desde 1985 hasta 2004. La artista más premiada en la historia de los premios Billboard Music Awards con 33 galardones, ella es parte del drupo de elite de artistas musicales, junto a otros como Madonna, Aerosmith, Garth Brooks y Eric Clapton, a los que la revista acredita por redefinir el paisaje de la música popular.

Den Berry, CEO y presidente de Virgin Records, declaró: “Janet es la total encarnación de una súper estrella global. Su brillo artístico y su apelación personal trascienden barreras geográficas, culturales y generacionales.”. De manera similar, el ejecutivo Lee Trink de la misma compañía, expresó: “Janet es un ícono y una figura histórica en nuestra cultura. Ella es una de esas artistas dotadas a la que la gente mira, emula y en quien quieren creer. No hay demasiadas estrellas que superan la prueba del tiempo.”. Su estilo musical y coregráfico ha influenciado e inspirado a una generación más joven de artistas musicales. Sarah Rodman del “Boston Herald” comentó: “Por cada revuelo de manos, sobreexcitación y adicción al melisma que hay allí afuera imitando los llamados de perros de Mariah, hay un número igual tratando de igualar los burbujeantes surcos y los fantásticos juegos de piernas de Janet, incluyendo a Britney Spears, Aaliyah y Destiny’s Child.”. El crítico de música pop Gene Stout comentó que “ella ha influenciado de manera muy amplia a una generación más joven de artistas, desde Jennifer Lopez hasta Britney Spears, quienes han copiado tantos de los movimientos de baile de Jackson”. Elysa Garner de “USA Today” escribió: “Jackson reclama no estar molesta por la brigada de las apenas post-adolescentes divas bebés que han sido inspiradas (y en algunos casos, la han notoriamente copiado) por su fuerte y animada coreografía y por la infantil aunque decididamente post-feminista artisticidad, que han sido durante mucho tiempo sellos de su estilo interpretativo.”. Las artistas que son consideradas por haber seguido sus pasos han sido referidos como “Janet-come-lately’s”.

Toni Braxton declaró que ella fue inspirada por Janet Jackson porque, cuando lanzó su álbum Control, hizo más fácil para las “niña pastoras”, que se suponía debían ser dulces y dóciles, en sentirse cómodas con su sentimiento sexual. Aaliyah comentó: “Yo la admiró muchísimo. Ella es una artista total. Me encantaría hacer un dúo con Janet Jackson.”. Jennifer Lopez alabó la videografía de Jackson, expresando que sus videos musicales tuvieron un gran impacto sobre ella tanto como fanática y como artista. ‘N Sync y Usher, que actuaron ambos como teloneros de su gira The Velvet Rope World Tour, citaron a Jackson por enseñarles como transformar un show en escena a una interpretación teatral. Usher dijo: “Aprendí un montón acerca de cómo hacer que un artista se vea como una estrella. En el plano personal, tuve la chance de poder abrazarla.”. Rozonda “Chilli” Thomas, de la banda TLC, declaró que, cuando el grupo se estaba recién formando, ella dijo: “¡Estoy lista para ser la próxima Janet Jackson!”. Britney Spears comentó: “Siempre he sido mayormente influenciada por Janet en cada cosa que ella hace.”. Christina Aguilera dijo: “Recuerdo estar viendo MTV cuando era niña. Para mí, Janet lo tenía todo: videos musicales maravillosos, canciones calientes y la voz más sexy.”. Cassie se ha referido a sí misma como una empedernida fan de Janet Jackson, y ha dicho: “Me encantaría emular la carrera de Janet totalmente. Ella es increíble, desde sus movimientos hasta su voz.”. Jay Bobbin del “Chicago Tribune” escribió: “Cassie no es la primera artista en ser medida frente a Janet Jackson, y lo singular es que tampoco será la última.”. Ciara ha reconocido a Jackson como una de sus influencias principales, declarando: “Pensar que apenas ayer estaba viendo a Janet Jackson por televisión, y hoy en día la gente me compara con ella.”. Beyoncé expresó: “¡Yo amo a Janet Jackson! No tengo más que cosas positivas para decir sobre ella.”. Kelly Rowland la nombró como la más grande inspiración de su carrera, porque ella trabaja extremadamente duro. Rihanna ha comentado: “Ella fue una de los primeros íconos del pop con los que me he relacioado. Ella era tan vibrante, tenía tanta energía… Y todavía tiene poder. La he visto en escena, y ella puede pararse allí por 20 minutos y tener a todo el público gritando. Tienes que amar a Janet…”. Keri Hilson declaró que ella admiraba a Janet Jackson sólo por ser ella misma, una gran artista. La cantante japonesa Crystal Kay dijo: “Siempre he escuchado música americana, y los artistas que más admiro son americanos, como Janet Jackson.”. La DJ y cantante australiana Havana Brown citó a Jackson como su mayor influencia, declarando: “Ella es mi ídolo. ¡Yo quería ser Janet Jackson, pero la Janet Jackson DJ! Quería ser capaz de montar grands shows, quería bailarines y fuegos artificiales a mi alrededor… Lo quería todo.”. Otras artistas que han sido comparados con Jackson son Brandy, Tatyana Ali, Christina Milian, Mýa, Lady Gaga, Namie Amuro y BoA, entre otras. Joan Morgan de la revista “Essence” observó: “Los álbumes Control, Janet Jackson’s Rhythm Nation 1814 y janet. establecieron el sello vocal y de baile en la cultura pop que ahora damos por sentada. Entonces, cuando estás pensando en preguntarle a Miss Jackson “What have you done for me lately?”, recuerda que Britney Spears, Ciara y Beyoncé viven en la casa que Janet ha construido.”.

Janet Jackson

ÁLBUMES
1982 Janet Jackson
1984 Dream Street
1986 Control
1989 Janet Jackson’s Rhythm Nation 1814
1993 janet.
1997 The Velvet Rope
2001 All For You
2004 Damita Jo
2006 20 Y.O.
2008 Discipline
2015 Unbreakable

 

Créditos

El MiniPodcast

con Alex Cardona

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Janet Damita Jo Jackson es una cantante, bailarina y actriz. Conocida por una serie de éxitos musicalmente innovadores, así como por reconocidos shows y papeles en cine y televisión. Es una de las figuras más prominentes de la cultura popular desde.. Escuchar el MiniPodcast


Janet Jackson







FICHA GENERAL







Origen


1966
Gary, Indiana | Estados Unidos







Géneros


Rhythm & Blues
Pop
Dance







Período de actividad


1982 – Presente







Sellos discográficos


A&M Records
Virgin Records
Island Def Jam Records
Rhythm Nation Records







Sitio web


JanetJackson.com







Artistas Relacionados


Michael Jackson
Jermaine Jackson
La Toya Jackson
The Jackson 5





Janet Damita Jo Jackson (nacida en Gary, Indiana, Estados Unidos, el 16 de mayo de 1966) es una cantante, bailarina y actriz. Conocida por una serie de éxitos musicalmente innovadores, así como por reconocidos shows y papeles en cine y televisión. Es una de las figuras más prominentes de la cultura popular desde hace treinta años. La revista Forbes la ubica como una de las mujeres más ricas del espectáculo. La más pequeña de los hijos de la familia Jackson, comenzó su carrera en el programa de entretenimientos The Jacksons en 1976. Luego apareció en otros importantes shows televisivos durante los 70 y principios de los 80 como Good Times y Fame.


Tras firmar un contrato musical con A&M Records en 1982, se convirtió en un ícono del R&B y del pop con el lanzamiento de su tercer álbum de estudio, Control, en 1986. Sus trabajos con los productores musicales Jimmy Jam y Terry Lewis incorporaron elementos de R&B, funk, disco, rap y música industrial, que la llevaron a marcar un estilo en la música popular. Además de recibir reconocimiento por la innovación en su música, coreografías y videos musicales y por su prominencia en las radios y en MTV; también ha sido reconocida por su conciencia social.


En 1991, firmó el primero de dos contratos multimillonarios con Virgin Records, estableciéndose como una de las artistas mejor pagadas de la industria. Su primer álbum bajo esta compañía, janet. (1993), la encontró desarrollando una imagen pública de sex symbol, al tiempo que empezaba a introducir la sexualidad en su trabajo. Ese mismo año realizó su primer papel protagónico en una película,...]]>
Alexander Cardona Nieto clean 25:24